El Teatro Real de Madrid acogió “El lago de los cisnes: la nueva generación”, de Matthew Bourne. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real. 

El Romanticismo consideraba que el cisne era un símbolo del amor ideal y eterno, de la fidelidad por su naturaleza monógama, de la elegancia por su movimiento majestuoso, y de la pureza por su blanco plumaje. Tan altos estándares de perfección cristalizaron en el clásico del ballet con mayúsculas, “El lago de los cisnes”, en cuya cuarta y exitosa versión (1895) confluyeron los genios de Piotr Ilich Tchaikovsky en la composición musical, y del tándem Marius Petipa-Lev Ivanov en la coreografía. La dualidad entre la etérea princesa-cisne, Odette, y su malvada sosias, Odile, fue encarnada magistralmente por Pierina Legnani (1868-1930), famosa por ser capaz de ejecutar los famosos 32 fouettés y primera artista nombrada Prima Ballerina Assoluta de la historia.

Darle una vuelta de tuerca al clásico de los clásicos no es una tarea sencilla, pero, sin embargo, resulta muy tentador para numerosos coreógrafos. En los años 90 del pasado siglo, Matthew Bourne asumió el reto y le dio un enfoque totalmente original: el príncipe pertenece a una familia disfuncional y se enamora de un cisne masculino, muy lejos de la etérea imagen de Odette. En un contexto en el que el movimiento LGTB luchaba contra la epidemia del sida y por una mayor visibilidad del colectivo, no tardaron en propagarse múltiples lecturas homoeróticas del espectáculo creado para la compañía New Adventures, mientras que la radical versión de Bourne conquistó el favor del público y empezó a acumular galardones, como tres Premios Tony (1999), un Premio Lawrence Olivier (1996), un Premio Astaire (1999), Premio de la Crítica de Los Ángeles (1997). Su breve aparición como epílogo de la historia de superación del protagonista del filme “Billy Elliot” (2000), de Stephen Daldry, dieron el espaldarazo internacional a la producción, que periódicamente vuelve a subirse a los escenarios para conmemorar los correspondientes aniversarios.

La gran originalidad de la versión de Matthew Bourne es que los cisnes son un elenco masculino. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Desprovisto de la lectura subversiva que pudo tener en su origen por la osadía de convertir a la bandada de cisnes en un conjunto de ánades masculinos, “El lago de los cisnes: la nueva generación”, interpretado por New Adventures, llegó al Teatro Real de Madrid en su gira conmemorativa por su trigésimo aniversario. Con el aforo completo, las cinco funciones ofrecidas por la compañía británica presentaron por primera vez en España esta transgresora producción, convertida actualmente en un icono de la escena.

¿Por qué el “Swan Lake” (1995) de Matthew Bourne sigue encandilando a diferentes generaciones de espectadores? Mientras muchos programadores del mundo de las artes escénicas se devanan los sesos para ver cómo conseguir atraer al público joven, lo cierto es que esta producción es capaz de seducir a espectadores de todo tipo, y ésa es su gran virtud: Matthew Bourne tocó la tecla adecuada para atraer a público de diversas edades y no específicamente de danza. Con una puesta en escena cercana al musical, la coreografía de Bourne mezcla sin pudor el lenguaje clásico y la danza contemporánea, sin estridencias. No huye de las referencias esenciales del clásico: los pasos a dos del ‘Cisne Blanco’ y ‘Cisne Negro’, el acto blanco en el lago o las danzas de carácter en un cabaret nocturno. En el plano narrativo, pone el foco en el rol del Príncipe (James Lovell), atormentado y subyugado por una dominante madre, la Reina (Carla Contini), quien, tras intentar cumplir con los convencionalismos sociales de tener Novia (Bryony Wood), cae rendido a los brazos del Cisne (Jackson Fisch).

El príncipe atormentado no encuentra consuelo en su opresiva madre, la Reina. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Otra de las licencias narrativas tomada por el libertino Bourne es situar al príncipe en un entorno disfuncional. Retrocediendo a 1995, cuando se estrenó la producción, las hilarantes escenas de humor del comportamiento inadecuado de la Novia en los actos oficiales provocaban la risa en un momento en el que la Familia Real británica acaba de vivir el annus horribilis de la reina Isabel II (separaciones de los príncipes de Gales, los duques de York y la princesa Ana, además de incendio en el castillo de Windsor). Y aunque son referencias lejanas -y probablemente, descontextualizadas para los espectadores jóvenes-, aún consiguen esbozar una sonrisa en el público.

¿Qué sería un “Lago de los cisnes” sin cisnes? Sabido es a priori que parte de la original subversión consistió en sustituir a las delicadas bailarinas-cisne por un varonil elenco de ánades, pero, además, éstos representan sus roles cargados de masculinidad, sin un ápice de amaneramiento o sin caer en la tentación de caricaturizar a los ánades femeninos. En la escena, los viriles cisnes son muy solventes en los diferentes registros interpretativos, tanto en danza como en escenas más teatrales. En el acto II, la bandada de cisnes da muestra de su solidez como conjunto. Como contraste a su cándida imagen del acto blanco, en la última parte los cisnes adoptan un aspecto amenazante que recuerda a “Los pájaros” (1963), de Alfred Hitchcock.

El Teatro Real de Madrid ha demostrado ampliamente su fascinación por el título clásico de “El lago de los cisnes”, interpretado en diversas versiones durante las recientes visitas de grandes compañías internacionales, como el San Francisco Ballet (2024) o The Royal Ballet (2018). Con la visita de New Adventures y el estreno en España del libérrimo “Swan Lake” de Matthew Bourne, el coliseo madrileño apuesta por una versión poco ortodoxa, pero con una dilatada trayectoria que le permite conectar con nuevos públicos. El engranaje que puso en funcionamiento hace tres décadas el visionario artista británico funciona a la perfección: escenografía y vestuario de Lez Brotherston, iluminación de Paule Constable y vídeo de Duncan McLean. La única mácula a las presentaciones en gira es la ausencia de música en directo, ya que la interpretación se realiza sobre la grabación de la Swan Lake Orchestra, dirigida por Brett Morris, de 2004. No obstante, la transgresora versión de Matthew Bourne y la buena factura del trabajo interpretativo de New Adventures, consiguieron epatar al público del Teatro Real de Madrid, que, en la matinée del sábado, obtuvo una ovación de cinco minutos.

El acto III se desarrolla en un cabaret. donde se interpretan el célebre paso a dos del ‘Cisne Negro’. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

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El San Francisco Ballet ofreció ocho funciones de “El lago de los cisnes” en el Teatro Real de Madrid. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

La primera gira internacional del San Francisco Ballet desde la incorporación de la española Tamara Rojo a la dirección no pudo haber tenido mejor escenario que el Teatro Real de Madrid. Había mucha expectación por el retorno de Rojo al frente de la compañía de ballet más antigua de los Estados Unidos, ya que sus dos últimas visitas se produjeron en su prodigiosa década (2012-2022), encabezando el English National Ballet.

Si bien en sus anteriores presentaciones la artista madrileña había mostrado su talento y osadía al apostar por la versión moderna de Akram Khan sobre el ballet romántico “Giselle” (2019) o sus primeros coqueteos con la coreografía en “Raymonda” (2023), en esta ocasión, Rojo se inclinó por uno de los títulos de excelencia del gran repertorio clásico, “El lago de los cisnes” (Marius Petipa y Lev Ivanov, 1895), en la versión remozada de su predecesor en la dirección del San Francisco Ballet, Helgi Tomasson (1985-2022). Precisamente, “El lago de los cisnes” fue el primer ballet que el islandés coreografió para el San Francisco Ballet en 1988, actualizó esta versión primigenia en 2009, y fue la obra que escogió para su despedida de la compañía.

Sabedora de la escasez de ballet clásico en la programación en España, quizás ése fuera el argumento de Rojo para decantarse por un título tradicional para deleite de los balletómanos de su país. En la actualidad y más aún después de los tiempos pandémicos, cada vez se prodigan menos las grandes compañías internacionales en giras, entre otros motivos, por la nueva conciencia ecológica que busca minimizar la huella de carbono y sabido es que la producción de un clásico conlleva decenas de bailarines en escena, amén del cuerpo técnico detrás, con sus consabidos desplazamientos. Sumando la sequía de espectáculos clásicos en la programación, con la poca posibilidad de disfrutar de grandes compañías internacionales fuera de sus respectivos teatros, lo cierto es que las ocho actuaciones del San Francisco Ballet en el Teatro Real se vivieron como un auténtico acontecimiento en Madrid.

Además, se trató de la primera visita de la veterana compañía estadounidense a la capital española, aunque no la primera al país, porque casualmente el luctuoso 11-S pilló al San Francisco Ballet actuando en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, donde ofrecieron “El lago de los cisnes” -cuyo el estreno protagonizó la bailarina vasca Lucía Lacarra- (4-9 de septiembre de 2001) y un programa mixto Tomasson/Robbins/Forsythe/Morris (13-16 de septiembre de 2001).

La solidez de la técnica del San Francisco Ballet destacó en “El lago de los cisnes”. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

Cisnes balanchinianos

La versión de Helgi Tomasson se estructura en cuatro actos, precedidos de un prólogo sobre el hechizo que el malvado Rothbart lanza a la princesa Odette. El primer acto se sitúa en las afueras del palacio y se centra en el cumpleaños del príncipe Siegfried, interpretado en la segunda función de forma muy correcta por el bailarín principal chino Wei Wang, y en él sobresale el pas de trois -Cavan Conley, Isabella DeVivo y Julia Rowe-. Además, participan un grupo infantil de estudiantes de danza del Conservatorio Profesional ‘Carmen Amaya’ de Madrid.

Durante el segundo acto y acuciado por el imperativo de tener que contraer matrimonio, el príncipe se interna en los bosques con la ballesta que le ha regalado su madre y se topa con la bandada de cisnes comandada por Odette, encarnada por la bailarina principal coreana Wona Park. Esta parte recoge algunos de los fragmentos más memorables de “El lago de los cisnes”, como el célebre pas de deux denominado el ‘Cisne Blanco’ o el paso de los ‘Cuatro Pequeños Cisnes’. Quizás lo que más llama la atención en toda la versión de Tomasson es lo fuertemente influida que está por el espíritu balanchiniano y en los actos blancos se percibe sobre todo en la mayor velocidad de ejecución de los pasos, en contraste con otras versiones europeas que tienden más hacia el lirismo y la suspensión de los pasos.

Paso de los ‘Cuatro Pequeños Cisnes’. San Francisco Ballet. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

Dadas las características de la escuela americana de ballet, no sorprende la rapidez y limpieza de las danzas de carácter del tercer acto -española, húngara, napolitana y rusa-, aunque la danza española responde más al cliché de lo que se entiende por español en el extranjero, que a una verdadera danza española. Y llegó el momento cumbre de esta parte, el pas de deux del ‘Cisne Negro’, en el que Park demostró sus mimbres como Odile. Apoyada en su técnica, pareció sentirse más cómoda en el papel de la sosias malvada de la obra -y en su consabida tanda de 32 fouettés-, que como princesa Odette. Y con un brevísimo entreacto sin descanso, el acto final transportó al espectador de nuevo al lago, con el decisivo combate entre Rothbart y Siegfried. En definitiva, la lucha entre el bien y el mal, en medio de una pléyade de cisnes. Dentro del abanico de posibles finales, Tomasson se decanta por unir a los amantes en el más allá, después de haber vencido al hechicero, encarnado por Jakub Groot.

Con una duración que rondó las tres horas, “El lago de los cisnes” ofreció una imagen excelente del San Francisco Ballet, una compañía con una fuerte impronta de la escuela americana, con una técnica muy sólida y una ejecución limpia, aderezada con algunos saltos de aire balanchiniano, no en vano George Balanchine fue el padre del ballet en los Estados Unidos. En un ballet con todos sus ingredientes no debe faltar la música en directo, en esta ocasión la Orquesta Titular del Teatro Real interpretó la partitura de Tchaikovsky, bajo la batuta de Martin West. La escenografía y vestuario de Jonathan Fensom buscaron crear la magia del clásico, ayudados por la iluminación de Jennifer Tipton. En sus nueve décadas de existencia, la primera visita a Madrid del San Francisco Ballet no pudo ser más exitosa, a la vista de la calurosa recepción del público, que brindó una larga salva de aplausos a la compañía cuyo destino dirige actualmente la prestigiosa Tamara Rojo, primera bailarina española en obtener el Premio Príncipe de Asturias hace casi veinte años.

Mariko Sasaki y Joseph Sissens protagonizaron la función de “El lago de los cisnes” del Royal Ballet. Foto: © Asya Verzhbinsky.

Una producción del clásico “El lago de los cisnes” para la generación actual era el objetivo del director del Royal Ballet, Kevin O’Hare, cuando realizó el encargo al entonces coreógrafo residente de la prestigiosa compañía, Liam Scarlett. La intención era reemplazar la versión de Anthony Dowell (1987), que llevaba tres décadas en el repertorio del Royal Ballet. Y el resultado fue una suntuosa producción, respetuosa en la parte esencial con el original de Marius Petipa y Lev Ivanov (1895) y con algunas adiciones coreográficas, amén de la danza napolitana de Frederick Ashton (1952). El estreno de la lectura del joven coreógrafo inglés tuvo lugar el 17 de mayo de 2018 en la Royal Opera House, donde estos días la aplaudida compañía ofrece una nueva temporada, gracias al trabajo conjunto de Gary Avis, Laura Morera y Samantha Raine para conseguir sacar brillo a la lujosa producción firmada por Scarlett tres años antes de su trágica desaparición.

En el universo del ballet, acudir a un espectáculo en la Royal Opera House supone acceder a un recinto cuasi-sagrado, testigo de numerosas noches de gloria de la legendaria pareja formada por Margot Fonteyn y Rudolf Nureyev. La majestuosidad del edificio, de sus telones -aún bordados con las iniciales de la difunta reina Isabel II-, y del patio de butaca, predisponen al espectador para disfrutar de una vivencia cercana a lo místico en términos balletísticos. Si a todo ello se le añade un título icónico como “El lago de los cisnes”, bailado por una de las cinco mejores compañías del mundo, The Royal Ballet, y con la partitura de Tchaikovsky interpretada por la orquesta Royal Ballet Sinfonia –bajo la batuta de Martin Georgiev-, la experiencia se  convierte en inolvidable. Mejor plan para un viernes a la noche, imposible.

Título de referencia del ballet y tentación para cualquier creador, el abanico de versiones de “El lago de los cisnes” es de lo más variopinto: desde las más respetuosas con la lectura canónica hasta los más planteamientos más irreverentes. En su momento, la intención de Liam Scarlett consistió en sacudir un poco el polvo a la obra, teniendo entre sus hallazgos la humanización del personaje de Rothbart, transformado en un consejero real en lugar de una caricatura del mal, la reelaboración del cuarto acto, en el que primó la parte narrativa, y, sobre todo, una impronta británica con la que marcó los actos I y III, un impresionante diseño de John Macfarlane situado en la era victoriana, época de gran esplendor para el Imperio británico.

Mariko Sasaki y Joseph Sissens. Foto: © Asya Verzhbinsky.

La función en cuestión fue protagonizada por Mariko Sasaki, en sustitución de la principal Akane Takada. La técnica de la solista nipona quedó subrayada en el rol de la malvada Odile, gracias al cual el público disfrutó de la coda y los famosos 32 fouettés, en los que alternó dobles y sencillos. Sin embargo, su Odette hubiera lucido más con una dosis adicional de lirismo. El papel del príncipe Siegfried fue desempeñado por el primer solista Joseph Sissens, sobresaliente y arriesgado en sus variaciones, además de atento partenaire para la princesa cisne. Si la maldad puede ser atractiva y refinada a un mismo tiempo, la versión de Liam Scarlett consiguió la cuadratura del círculo con el pérfido Rothbart, interpretado en esta ocasión por Lukas B. Brændsrød.

El cisne representaba la belleza inmaculada para el Romanticismo, por lo tanto, 24 cisnes simbolizarían un plus adicional de esta cualidad. Creados por Lev Ivanov, los actos II y IV son un derroche de belleza superlativa y si además, la bandada de ánades demuestra una impecable pulcritud en la ejecución de sus pasos, como en el caso de la pléyade de cisnes del Royal Ballet, la imagen queda grabada en la memoria. Decía Ninette de Valois que la clave de toda compañía radicaba en una sólida escuela. Fundado en 1931, The Royal Ballet debe al espíritu de Valois su existencia y filosofía vital. Aunque “La Bella Durmiente” es considerado el título-fetiche de la prestigiosa compañía, la fundadora podría estar bien orgullosa del riguroso trabajo del Cuerpo de Baile, así como de los pequeños cisnes –Madison Bailey, Yu Hang, Bomin Kin y Charlotte Tonkinson- y de los grandes cisnes –Olivia Cowley y Chisato Katsura-.

Tradicionalmente existen variantes en cómo terminar “El lago de los cisnes”. En su día, Liam Scarlett escogió un final trágico para su lectura: traicionada por Siegfried, Odette muere ahogada, dejando al príncipe sumido en la pena más absoluta. Podría parecer que la elección de Scarlett tuviera un carácter premonitorio, ya que tras superar una investigación por conducta inapropiada y su despido, el coreógrafo inglés falleció a los 35 años por autolisis, según apuntaron las informaciones publicadas en su obituario. Once calendarios antes, el joven Scarlett había despuntado con “Asphodel Meadows” (2010) y casualmente, la última producción que bailó el Royal Ballet antes de la pandemia fue su versión de “El lago de los cisnes” (2018). Mientras Siegfried llora desconsoladamente la pérdida de Odette, The Royal Ballet pone en valor la corta pero intensa carrera de Scarlett al recuperar su majestuosa producción del clásico inmortal. Hoy día, los grandes ballets de la historia sólo se convierten en experiencias únicas en teatros como la Royal Opera House, con la inigualable atmósfera que crea la música en directo y, sobre todo, con una compañía tan extraordinaria como The Royal Ballet, cuyo trabajo recibió una larguísima ovación de un público feliz por disfrutar de la excelencia del arte del ballet.

Cisnes masculinos reeditan la trama de “Swan Lake” en esta versión de Matthew Bourne y su compañía New Adventures en Washington DC. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Sumido en un extraño sueño, el príncipe alcanza a ver un maravilloso cisne, un ser de imponente belleza masculina, fuerte, sensual, agresivo, salvaje. Una suerte de figura opuesta a ese ser timorato que no se anima a descorrer las barreras de los prejuicios. Al despertar, vuelve a su rutina sofocante, a una madre devoradora y a una sociedad superficial y arrogante.

Estrenado en Londres en 1995, este “Lago de los cisnes” del inglés Matthew Bourne, no sólo ha batido récords de representación en todos los escenarios del mundo, sino que es una de las obras que más premios recibió desde su estreno. Casi al final de su gira 2019-2020 la compañía New Adventures regresó al Kennedy Center de Washington DC con esta ya clásica versión de “Swan Lake”.

Con una fuerte impronta psicológica que no escapa a la crítica de una sociedad banal, el coreógrafo inglés se anima a mostrar un caleidoscopio de intrigas, tendencias sexuales y promiscuidades para retratar este mundo contemporáneo. Siempre, y con su estilo, aparecen el humor irónico y cierta cuota de cinismo y crueldad. El vestuario –bello y ocurrente– y la escenografía de Lez Brotherston, encuentran el toque justo para esta puesta que replantea desde otra óptica la historia de la princesa-cisne.

Si en algo se parece este “Swan Lake” al creado en 1877 por Marius Petipa, es que mantiene la música de Piotr I. Tchaikovsky y la dualidad del personaje central, con el doble rol de Cisne-Extranjero (Odette-Odile), asumido magníficamente en la noche del estreno en Washington por Max Wetswell. Aquí, el cisne masculino, seguido por un séquito de cisnes, también masculinos, aunque no se hace referencia a ningún tipo de hechizo como el de Rothbart.

Max Westwell, de New Adventuers, es el cisne y el extranjero en “Swan Lake” que se presentó del 21 al 26 de enero en el Kennedy Center. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

De esta forma, es el personaje del Extranjero, el que representa a Odile (el cisne negro) en el tercer acto. Casi un psicópata, voraz y ambiguo, que seduce a la madre del príncipe y al resto de los invitados a la fiesta del palacio, mientras el príncipe cae destrozado por su indiferencia y desprecio.

Wetswell, un bailarín que logra una particular violencia animal en su personaje, le impone un toque vibrante a ese cisne con el que sueña y en donde se refugia ese príncipe atormentado. Impecables equilibrios y saltos ajustados se contraponen en el tercer acto donde predomina lo contemporáneo y la danza-teatro. En ambos roles, Wetswell logra captar la esencia de cada personaje.

James Lovell, el príncipe, hace una excelente y conmovedora composición. Muestra sus fantásticas condiciones de bailarín especialmente durante el segundo, en un pas de deux intenso con Wetswell. Su actuación e interpretación son impecables.

En estas intrincadas relaciones también se mezcla la ambigüedad y el incesto entre el príncipe y su madre. El joven debe enfrentarse a una madre promiscua y distante, interpretada con absoluta solvencia por Nicole Kabera. Perfecta en su rol y con un alto nivel técnico como bailarina.

Bourne intercala el drama con la sátira de manera magistral. En medio de esta parodia a la monarquía contemporánea en la que la realidad supera la ficción, aparece la “novia/pretendiente/aspirante a”, una suerte de “prostituta” arribista, Katrina Lyndon, que intenta infructuosamente conquistar al joven casadero. Delicioso trabajo, con marcados estereotipos que lindan con una comicidad descollante.

Desorientado, en el segundo acto, el príncipe trata de calmar su desasosiego con un intento de suicidio y, contrariamente a la trama de Petipa, el salvador resulta ser salvado por el cisne, quien le renueva su deseo de amar y de vivir. Con bellas escenas, una compañía sólida e intérpretes excelentes, el lago se transforma en un espacio mágico, no sólo por la trama, sino desde el punto de vista visual. Cisnes sudorosos, salvajes, majestuosamente masculinos acorralan al príncipe y lo sumergen en su propio hechizo.

Sin embargo, esa ilusión desbordante provocada por el encuentro se quiebra abruptamente en el tercer acto en la escena de la fiesta del palacio con la llegada del extranjero. Lasciva, por momentos, la escena adquiere una fuerte dosis de cinismo y sarcasmo mientras el pas de deux entre el príncipe y el extranjero provoca el desenlace final.

Tendido en su enorme cama, desolado e insomne, el príncipe cae en su última y desesperada pesadilla en la que los cisnes invaden su habitación y lo destruyen. Un desgarrador final, violento y cruel.

Matthew Bourne hace referencia a las actuales monarquías en su versión de “Swan Lake” creada en 1995. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

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The Royal Ballet realizó seis funciones de su flamante recreación de “El lago de los cisnes”, en El Tearro Real de Madrid. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Veinte años han transcurrido desde la última visita de The Royal Ballet de Londres al Teatro Real de Madrid y, para el retorno, la casa británica apostó por su último y reciente éxito: la nueva versión del coreógrafo Liam Scarlett sobre el original de la entente Marius Petipa-Lev Ivanov, “El lago de los cisnes” (1895). El coliseo madrileño acogió seis funciones del clásico convertido en todo un icono sinónimo de ballet, gracias a las que la formación presentó un amplio abanico de elencos protagonistas, destacando las representaciones inaugural y de clausura, a cargo de la argentina Marianela Núñez y del ruso Vadim Muntagirov.

The Royal Ballet consiguió agotar las entradas de todas las veladas y, sobre todo, convirtió su espléndida apuesta en todo un evento cultural imprescindible en el verano madrileño. Versiones sobre “El lago de los cisnes” del tándem Petipa-Ivanov ha habido, hay y habrá muchas a lo largo de la historia de la danza, pues es un reto para cualquier coreógrafo intentar ofrecer su punto de vista sobre una de las obras referenciales del gran repertorio clásico. El director del Royal Ballet, Kevin O’Hare deseaba contar con una producción del clásico para la actual generación de la casa británica con la cual renovar la versión de Anthony Dowell (1987), que llevaba treinta años en el repertorio del Royal Ballet. Por ello, encargó al coreógrafo en alza Liam Scarlett su propia lectura, estrenada con éxito el pasado mes de mayo. El creador inglés clarifica el perfil de algunos personajes de la trama e intenta humanizar al malvado Von Rothbart, y mantiene la estructura tradicional de la obra, con sus cuatro actos, siendo su especial aportación una reelaboración del último, menos gótico y más narrativo.

Marianela Núñez y Vadim Muntagirov, bailarines de The Royal Ballet, fueron los protagonistas de la primera y última noche de “El Lago de los cisnes”. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real

Otra de las innovaciones consiste en situar el primer y tercer acto, en la época victoriana, a finales del siglo XIX. Firmada por John Macfarlane, la impecable producción de vestuario y escenografía transporta al espectador a la corte inglesa decimonónica y, cómo no, al celebérrimo lago en que transcurren los bellísimos actos de ballet blanco. Además, la impronta británica se acentúa con el mantenimiento de la compleja danza napolitana de sir Frederick Ashton, en el tercer acto. Debido a ese especial acento británico, las actuaciones en Madrid suponían, también, una gran prueba de fuego para la obra, al tratarse de las primeras funciones en el extranjero que permitían comprobar la reacción del público foráneo ante esta propuesta, trufada con muchos guiños hacia la cultura británica.

Los papeles protagónicos fueron interpretados en la noche de estreno por la nueva pareja talismán de la compañía británica: Marianela Núñez y Vadim Muntagirov. La argentina está viviendo un momento dulce de su carrera, que se percibe en el aplomo con el que aborda el rol dual de Odette/Odile: profundidad de sentimiento con sus ondulantes aleteos de brazos como Cisne Blanco, frente a seguridad, magnetismo y fuerte técnica en el Cisne Negro. Apodado ‘Vadream’, “porque es un sueño bailar con él”, el ruso es la viva estampa del danseur noble: excelente partenaire, magníficas líneas y límpida técnica, gracias a la que flota en cada salto.

Siempre es de agradecer la música en directo, en este caso, con la inmortal partitura de Tchaikovsky de la mano de Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la batuta de Koen Kessels, gracias a lo que el espectáculo adquirió más empaque. Por encima de una producción impecable hasta el más mínimo detalle, para todo balletómano, disfrutar de un espectáculo de una de las compañías más relevantes del mundo es una ocasión única de puro deleite. En este caso, el completo compromiso por sacar adelante la versión óptima del espectáculo de cada miembro de la casa británica -desde el bailarín de Cuerpo de Baile hasta la estrella- explica el porqué del prestigio del Royal Ballet. Ocho minutos de aplausos con el público del Teatro Real de Madrid en pie sirvieron para certificar el éxito del afamada compañía con “El lago de los cisnes” más británico de los últimos tiempos.

The Royal Ballet subió a escena una renovada puesta de Liam Scarlett de “El lago de los cisnes”, la cual reemplaza la de 1987 de Anthony Dowell. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real

El London Coliseum acogió a The Australian Ballet con la creación de Graeme Murphy sobre el icono del ballet de “El lago de los cisnes”. Foto: Elliott Franks. Gentileza The Australian Ballet.

Ocho años después de su última gira por Gran Bretaña, el Australian Ballet retornó a la capital británica para ofrecer una pequeña temporada compuesta por la versión del “Swan Lake” de Graeme Murphy  (13-16 de julio) y “Cinderella” de Alexei Ratmansky (20-23 de julio). El London Coliseum acogió a la compañía australiana, dirigida por David McAllister, que apostó primeramente por la imaginativa versión de Graeme Murphy sobre el icono del ballet de “El lago de los cisnes” (1895). Nacida del encargo de McAllister a Murphy con motivo del 40º aniversario del Australian Ballet, este “Swan Lake” fue estrenado en Melbourne, el 17 de septiembre de 2002, y en Sydney, dos meses después, y pronto fue catapultado a la fama por enorme su éxito en las Antípodas.

La clave de su triunfo radica en un cambio sustancial en el argumento que, si bien no obvia los elementos esenciales, le dota a la historia de un significado completamente diferente. Ambientada en la época eduardiana (1901-1910), el “Swan Lake” de Murphy narra la historia de una joven e inocente doncella que, la víspera de sus esponsales, descubre que su futuro marido mantiene una relación con una aristócrata casada. Si bien el vestido escénico no posee tan kilométrica cola como el creado por David y Elizabeth Emanuel en 1981, el atuendo puede evocar con facilidad al traje nupcial de la desaparecida Diana de Gales, cuestión también subrayada por un ramo de novia en forma de cascada. Y he ahí el quid de la cuestión. El “Swan Lake” de Graeme Murphy  centra la historia en un triángulo amoroso que bien podría estar inspirado en la princesa Diana de Gales (Odette)- el príncipe Carlos de Inglaterra (Siegfried)- Camilla Parker Bowles (Baronesa Von Rothbart).

Dividida en cuatro actos y con una duración cercana a las tres horas, la producción del Australian Ballet realiza otros cambios sustanciales en la trama como la eliminación del personaje de Odile propiamente dicho, aunque su maldad inherente queda focalizada en la Baronesa Von Rothbart, la introducción de las danzas de carácter –concretamente, la danza húngara- en el primer acto, y la ubicación del celebérrimo lago habitado por ánades como aledaño al sanatorio en el que recluyen a Odette. Porque tras descubrir el engaño descarado de su ya marido en las celebraciones nupciales, Odette enloquece al son de los acordes del paso a dos del ‘Cisne Negro’ (Acto I), siendo internada de un centro de salud regentado por religiosas y situado junto a un enorme lago.

The Australian Ballet presentó en el London Coliseum una renovada versión de “El lago de los cisnes” con Amber Scott (Odette) y Adam Bull (Siegfried). Foto: Elliott Franks. Gentileza The Australian Ballet.

Perdida en un punto intermedio entre la locura y el ataque de celos, Odette se deja llevar por las ensoñaciones de los cisnes del lago. De esta manera, la segunda parte respeta en esencia el acto blanco en el lago, con la escena de los cuatro pequeños cisnes y el culminante pas de deux del ‘Cisne Blanco’. Muy interesante es el uso de una plataforma semi-inclinada haciendo las veces de lago, lo que genera bastantes e interesantes posibilidades en cuanto al empleo del espacio. Respecto al paso de dos del ‘Cisne Blanco’, la tendencia por el neoclasicismo estilístico de Graeme Murphy en toda su coreografía queda un poco deslucida por la acumulación insulsa de portés complejos y vistosos, pero propios de otros clásicos o de otros coreógrafos, como si quisiera unir en el dúo lo más espectacular del “Romeo y Julieta” de sir Kenneth MacMillan o del “Don Quijote” de Marius Petipa, por citar dos ejemplos.

El tercer acto podría denominarse la revancha, pues en la fiesta de la Baronesa Von Rothbart desembarca una exultante Odette que, por fin, logra hechizar a su marido, con el consabido ataque de ira de la pérfida aristócrata. A modo de epílogo, la última parte vuelve a situarse en el lago, al que regresa Odette, como dama reinante de la pléyade de ánades, estando ahora todas las intérpretes vestidas de negro, símbolo de que la inocencia ya se evaporó. Finalmente, cual Virginia Woolf, la protagonista se entrega a las aguas y perece engullida, ante la desesperación y atenta mirada del príncipe. Curiosamente, esta Odette reposa en el fondo de un lago, al igual que la princesa Diana está enterrada en la isla del Oval Lake de la finca familiar de los Spencer, en Althorp, condado de Lincolnshire.

Gran parte del peso de la trama recae en el personaje de Odette, por lo que la buena elección de la intérprete es esencial para sustentar la obra. En la última función londinense, el rol protagonista recayó en Leanne Stojmenov, Bailarina Principal del Australian Ballet desde 2011, quien encarnó con solvencia los vaivenes emocionales de Odette, dándole la réplica un correcto Kevin Jackson, también Principal de la compañía, en la piel del deseado príncipe Siegfried. El tercer vértice del triángulo amoroso es corporeizado por Ako Kondo en el papel de malvada amante y Baronesa Von Rothbart. El conjunto del Australian Ballet arropa adecuadamente al trío principal, denotando sus lazos en común con la escuela inglesa de ballet. La producción en global es lujosa y no escatima gastos en vestuario y escenografía, firmados por Kristian Fredrikson. La participación de la Orquesta del English National Opera, bajo la batuta de Janice Graham, redondeó aún más la velada.

Durante esta función, coincidieron en el patio de butacas del London Coliseum Dame Monica Mason, la ex directora artística de The Royal Ballet (2002-2012), y David McAllister, su homónimo en el Australian Ballet, quienes departieron junto a la plana mayor del conjunto australiano. Pese a problemas de verosimilitud en la trama, lo que en jerga cinematográfica sería un ‘Jumping the shark’ (Un salto del tiburón), el “Swan lake” de Graeme Murphy es una versión amena, original y entretenida, que ya obtuvo el prestigioso Premio Nacional a la Mejor Compañía Extranjera del Círculo de la Crítica (2005), en su primera presentación ante el público inglés. En esta ocasión, el patio de butacas del London Coliseum premió la labor del Australian Ballet -cuya primera gira británica tuvo lugar en 1965-, con gran parte del público en pie y alrededor de cinco minutos de aplausos, especialmente más cálidos para el trío protagonista, en el que sobresalió el buen hacer de la dama del lago.

Suzanne Farrell Ballet ppresentó “The Concert”, de Jerome Robbins, con Elisabeth Holowchuk y Michael Cook. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

Hace casi 15 años, Suzanne Farrell asumió el desafío de reconstruir las piezas más olvidadas o poco frecuentadas del repertorio de su gran maestro, George Balanchine. Desde entonces hasta hoy, la compañía, que se nutre con bailarines de otros ensambles que trabajan con Farrell por cortos períodos, ha crecido en cantidad y en calidad.

En los tres días de funciones que el Suzanne Farrell Ballet presentó en el Opera House del Kennedy Center de DC, desde el 27 al 30 de noviembre, la ex primera bailarina del New York City Ballet optó por subir a escena tres estrenos: “Swan Lake” y “Allegro Brillante”, de Balanchine con música de Piotr I. Tchaikovsky, y “The Concert”, de Jerome Robbins, sobre fragmentos de preludios de Frederick Chopin. El resto del programa, “Monumentum Pro Gesualdo” y “Movements for Piano and Orchestra”, ambos del binomio Balanchine-Stravisnky, fueron estrenados por la compañía en DC en 2001.

Michael Cook y Elisabeth Holowchuk en “Movements for Piano and Orchestra”, en el Kennedy Center de DC. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

“Swan Lake”, creado por Mr. B en 1951, recupera el segundo acto de este clásico de Ivanov-Petipa. Farrell rescata esta puesta original, que luego Balanchine rediseñó en 1986, y en la que los cisnes blancos del cuerpo de baile se convirtieron en cisnes negros. Esta versión, más acelerada que la que habitualmente se ve en las puestas tradicionales, es un desafío aún mayor para la protagonista. Compleja, exigida, esta propuesta requiere de un alto nivel técnico, de un claro dominio del estilo Balanchine en los ataques y en la interpretación. Y si bien el cuerpo de baile mostró un interesante entusiasmo y delicada musicalidad, no dejó ver un ensamble compacto, dado que durante el año no trabajan juntas, las bailarinas reciben entrenamientos diversos.

La argentina Natalia Magnicaballi, en el rol de Odette, hizo filigranas con sus movimientos: cuidados, suspendidos, con una línea estupenda y una intensidad arrolladora. Con magníficos brazos, y sólidas piernas, logró transitar por los diferentes estados de este cisne etéreo y conmovedor. La expresividad de sus manos, delineada hasta el último detalle, y un cuello asombrosamente trabajado, mostraron a una bailarina capaz de lograr sutilezas profundas. En su dupla con Michael Cook, como Sigfrido, ambos logran un buen tándem.

Para la segunda parte del programa, Farrell eligió “Monumentum Pro Gesualdo” y “Movements for Piano and Orchestra”, dos clásicos de Balanchine, estrenados en 1960 y 1963 respectivamente, con un marcado toque neoclásico, interpretados por Ian Grosh y Elizabeth Holowchuk.

“Swan Lake”, interpretado en la noche del estreno del Suzanne Farrell Ballet por Natalia Magnicballi y Michael Cook. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

La tercera obra, “Allegro Brillante”, estuvo a cargo de una chispeante Paola Hartley junto a Brett Van Sickle. Hartley, una bailarina sutil, con intensos y delicados brazos, dejó translucir su inmensa y contagiosa alegría por bailar. Sin duda, en esta compañía, el plantel femenino, tal como viene ocurriendo desde su creación, es el más refinado, mientras que el ala masculina muestra flaquezas en cuanto al estilo y a la intensidad. Es precisamente en los trabajos de conjunto donde se advierte que la troupe carece de un trabajo constante bajo la misma batuta. No obstante, transmite un enorme entusiasmo, que no es poca cosa.

Un gran acierto fue “The Concert”, con la reposición de Kipling Houston y la participación en escena del pianista Glenn Sales, cuya veta actoral dio un toque especial a esta magnífica parodia de un concierto donde los personajes entretejen historias y situaciones graciosas. Allí, los bailarines se convierten en actores, y lo hacen estupendamente. Hartley, graciosa y desenfadada, pone un encantador sello de comicidad. Mientras que Cook, hace un despliegue de histrionismo en el que no deja detalle sin cubrir de su atractivo personaje.

La obra tuvo su estreno mundial en 1956 por el New York City Ballet, con Tanaquil LeClercq en el protagónico. Delicioso vestuario de Irene Sharaff y una puesta magnífica, hacen de esta obra un atractivo hallazgo para la compañía de Farrell que comienza su gira por todo el país.

The Suzanne Farrell Ballets, presenta a Natalia Magnicaballi y Michael Cook en “Swan Lake” de George Balanchine. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

Después de  siete años de ausencia en el escenario del Opera House del Kennedy Center, el Suzanne Farrell Ballet regresa con un programa mixto que incluye tres estrenos y dos reconocidas obras de George Balanchine. “Swan Lake”, “Allegro Brillante”, con música de Piotr I. Tchaikovsky, y “The Concert”, de Jerome Robbins, con música de Frederick Chopin, se sumarán al repertorio integrado por dos clásicos de la compañía, “Monumentum Pro Gesualdo” y “Movements for Piano and Orchestra”, ambos con música de Igor Stravinsky y coreografía de Balanchine.

La Kennedy Center Opera House Orchestra, conducida por Scott Speck interpretará la música de cada una de las obras del programa que comienza el viernes 28 y termina el 30 de noviembre.

La argentina Natalia Magnicaballi, una de las bailarinas principales de la compañía, formará parte del elenco, integrado a su vez por Elisabeth Holowchuk, Violeta Angelova, Paola Hartley, Michael Cook y Brett Van Sickle.

Magnicaballi, actual primera bailarina del Ballet Arizona, dirigido por Ib Andersen, es una de las pocas intérpretes que comparte el puesto de principal en dos compañías. A los 19 fue primera bailarina del Ballet Argentino, dirigido por Julio Bocca; integró el Ballet Contemporáneo del San Martín, y luego de su paso por Artballeto en Italia, en 1999 se integró a la compañía de Farrel.

La versión de “Swan Lake” que Farrell llevará a escena y que Magnicaballi interpretará en la noche de apertura, está basada en la primera puesta que la musa de Balanchine aprendió cuando se incorporó a las filas de New York City Ballet en 1961. Hoy, convertida en un estreno de la compañía, la obra recupera la memoria escénica a través de la reposición de de Farrell, una de las más reconocidas bailarinas de la compañía fundada por Balanchine y Lincoln Kirstein en 1948.

“Allegro Brillante”, ballet para 10 bailarines basado en el Concierto para piano No. 3 de Tchaikovsky, fue originalmente creado para la legendaria Maria Tallchief, y está considerado por Balanchine como un ballet que resume lo fundamental del ballet clásico en sólo 13 minutos.

El tercer estreno de este programa, “The Concert”, de Robbins, fue creado en 1956, y pone una mirada de humor hacia los espectadores tradicionales de un concierto de música clásica.

Creado en 2001, The Suzanne Farrell Ballet ha presentado diferentes programas tanto en el Kennedy Center como también a nivel nacional e internacional. Con el objetivo de mantener y perpetuar el legado de Balanchine y su obra, la compañía creó en 2007 el proyecto Balanchine Preservation Initiative, cuyo propósito es llevar a escena las obras poco conocidas del coreógrafo. Muchos de esos trabajos no habían sido presentados por varias décadas. Este programa cuenta con la cooperación de The George Balanchine Trust. Actualmente la compañía lleva montados once ballets del coreógrafo ruso.

 Información:

The Suzanne Farrell Ballet
“Swan Lake” (Tchaikovsky/Balanchine)
“Monumentum Pro Gesualdo” (Stravinsky/Balanchine)
“Movements for Piano and Orchestra” (Stravinsky/Balanchine)
“Allegro Brillante” (Tchaikovsky, Balanchine)
“The Concert” (Chopin/Robbins)

Viernes 28 y sábado 29 a las  7:30 pm
Sábado 29 y domingo 30 a la 1:30 pm
Entradas:
(202) 467-4600  ó  (800) 444-1324

Una pléyade de cisnes masculinos es la mayor originalidad y aportación de Matthew Bourne al clásico “El lago de los cisnes”. Foto gentileza del Sadler’s Wells Theatre.

Original, divertida y, sobre todo, poco ortodoxa son los adjetivos aplicables a la personal versión de “Swan Lake”, creada por Matthew Bourne y estrenada con grandísimo éxito en el Sadler’s Wells Theatre de Londres en 1995, lugar en el que se repuso por enésima vez. Dos décadas después, conseguir una localidad es toda una aventura y es que la obra sigue levantando pasiones allá donde se programe. Bourne realiza una lectura muy poco convencional a partir de la historia de “El lago de los cisnes” (1895): el rol dual de Odette/Odile es interpretado por un hombre, amén de que la pléyade de cisnes está compuesta por un elenco masculino.

Pero además de todas las lecturas homoeróticas fácilmente predicables del “Swan Lake”, Bourne centra el argumento en el ansia de libertad de un Príncipe pusilánime, agobiado por la etiqueta y el boato y ninguneado por el carácter frío como un témpano de la Reina. Con una duración de dos horas y media, el espectáculo reinterpreta con más o menos libertad los cuatro actos del libreto original. La música en directo de la genial partitura de Tchaikovsky engrandece aún más un montaje que, en ocasiones, podría parecer un musical sin canciones.

El trío básico sustentador de esta libérrima versión de Matthew Bourne se compone por el Príncipe (Liam Mower), el Cisne/el Extraño (Jonathan Ollivier) y la Reina (Saranne Curtain). En la época romántica, un cisne era una metáfora de aquello imposible. En ese planteamiento psicológico, se intuye que la visión en sueños de ánades por el Príncipe refleja su angustia vital, su soledad y deseo de afecto.

Aburrido de los actos protocolarios y sin posibilidad de obtener el menor gesto de cariño de su madre, el Príncipe comienza una relación con una mujer de diferente condición social, que provoca algunos de los momentos más hilarantes de la obra, sobre todo, en la escena de la Familia Real en el palco de honor cuando acude precisamente a un ballet. Pero, en realidad, sus ansias emergen en el acto segundo, con el encuentro con el Cisne, sin duda, el fragmento más acorde con el argumento y planteamiento coreográfico del original de Marius Petipa/Lev Ivanov.

En el tercer acto, siguiendo la tradición secular, el Cisne interpreta a su sosias: el maligno hijo de Von Rothbart. El clímax se produce con el encontronazo entre ambos y el disparo fortuito que acaba con la vida de la Novia (Kerry Biggin). Recluido en una institución mental, el Príncipe vuelve a soñar con la manada de ánades. Atrapado por la locura, fallece consiguiendo así unirse a su amado Cisne.

La coreografía de Matthew Bourne posee una fuerte raíz clásica, pero su estilo es eminentemente contemporáneo. Incluso, en ocasiones, podría decirse que hay unos ciertos toques de jazz. Además del viraje argumental, también es muy destacable el sentido del humor que imbuye a toda la producción: desde la sátira a la monarquía en multitud de pequeños detalles, hasta la esperpéntica novia o la parodia del clásico en ese pseudoballet de mariposas al que acude la Familia Real. Muchas veces se tiende a considerar esta producción masculina, lo cual no es 100% cierto. La mujer está presente, pero en roles caricaturescos (Novia), serviles (servicio) o como ejemplo de férrea autoridad (Reina).

Por ello, el peso principal de la obra recae en los hombres pero sobre todo y con carácter de contrapunto, en el apocado príncipe y en el seductor/magnético Cisne e hijo de Rothbart. Especialmente destacadas son las escenas de paso a dos entre ellos bien como Cisne Blanco o como Cisne Negro, en la contraposición de dos estilos de bailar, más varonil o más afectada. También muy loable es el acto segundo con toda la pléyade de cisnes bailando con geométrica simetría. En general, el elenco masculino  de New Adventures demostró un mejor nivel que el femenino.

Para la cultura popular, este “Swan Lake” es fácilmente reconocible por ser la última escena del filme “Billy Elliot” (2000), hecho que quizás contribuyó a catapultar aún más la fama de la obra. Durante su largo recorrido escénico, la producción de Matthew Bourne se ha alzado con multitud de distinciones como tres Premios Tony (1999), un Premio Lawrence Olivier (1996), un Premio Astaire (1999), Premio de la Crítica de Los Ángeles (1997). Y con casi veinte años a sus espaldas, hay que admitir que el público continúa llenando las salas en las que se programa. De hecho, el Sadler’s Wells de Londres estuvo abarrotado en los dos meses de su reposición. Y lo más interesante, la obra sigue teniendo la frescura, sentido del humor e irreverencia intactos. Esto se traduce en una ovación de más de cinco minutos con el público en pie. Si el espectador quiere pasar un buen rato, reírse a mandíbula batiente, disfrutar de la danza sin ortodoxia y ver una producción cuidada al milímetro y bien rodada-amortizada, ésta es la pieza. Algo tendrá el agua cuando la bendicen.