El Teatro Real de Madrid acogió “El lago de los cisnes: la nueva generación”, de Matthew Bourne. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real. 

El Romanticismo consideraba que el cisne era un símbolo del amor ideal y eterno, de la fidelidad por su naturaleza monógama, de la elegancia por su movimiento majestuoso, y de la pureza por su blanco plumaje. Tan altos estándares de perfección cristalizaron en el clásico del ballet con mayúsculas, “El lago de los cisnes”, en cuya cuarta y exitosa versión (1895) confluyeron los genios de Piotr Ilich Tchaikovsky en la composición musical, y del tándem Marius Petipa-Lev Ivanov en la coreografía. La dualidad entre la etérea princesa-cisne, Odette, y su malvada sosias, Odile, fue encarnada magistralmente por Pierina Legnani (1868-1930), famosa por ser capaz de ejecutar los famosos 32 fouettés y primera artista nombrada Prima Ballerina Assoluta de la historia.

Darle una vuelta de tuerca al clásico de los clásicos no es una tarea sencilla, pero, sin embargo, resulta muy tentador para numerosos coreógrafos. En los años 90 del pasado siglo, Matthew Bourne asumió el reto y le dio un enfoque totalmente original: el príncipe pertenece a una familia disfuncional y se enamora de un cisne masculino, muy lejos de la etérea imagen de Odette. En un contexto en el que el movimiento LGTB luchaba contra la epidemia del sida y por una mayor visibilidad del colectivo, no tardaron en propagarse múltiples lecturas homoeróticas del espectáculo creado para la compañía New Adventures, mientras que la radical versión de Bourne conquistó el favor del público y empezó a acumular galardones, como tres Premios Tony (1999), un Premio Lawrence Olivier (1996), un Premio Astaire (1999), Premio de la Crítica de Los Ángeles (1997). Su breve aparición como epílogo de la historia de superación del protagonista del filme “Billy Elliot” (2000), de Stephen Daldry, dieron el espaldarazo internacional a la producción, que periódicamente vuelve a subirse a los escenarios para conmemorar los correspondientes aniversarios.

La gran originalidad de la versión de Matthew Bourne es que los cisnes son un elenco masculino. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Desprovisto de la lectura subversiva que pudo tener en su origen por la osadía de convertir a la bandada de cisnes en un conjunto de ánades masculinos, “El lago de los cisnes: la nueva generación”, interpretado por New Adventures, llegó al Teatro Real de Madrid en su gira conmemorativa por su trigésimo aniversario. Con el aforo completo, las cinco funciones ofrecidas por la compañía británica presentaron por primera vez en España esta transgresora producción, convertida actualmente en un icono de la escena.

¿Por qué el “Swan Lake” (1995) de Matthew Bourne sigue encandilando a diferentes generaciones de espectadores? Mientras muchos programadores del mundo de las artes escénicas se devanan los sesos para ver cómo conseguir atraer al público joven, lo cierto es que esta producción es capaz de seducir a espectadores de todo tipo, y ésa es su gran virtud: Matthew Bourne tocó la tecla adecuada para atraer a público de diversas edades y no específicamente de danza. Con una puesta en escena cercana al musical, la coreografía de Bourne mezcla sin pudor el lenguaje clásico y la danza contemporánea, sin estridencias. No huye de las referencias esenciales del clásico: los pasos a dos del ‘Cisne Blanco’ y ‘Cisne Negro’, el acto blanco en el lago o las danzas de carácter en un cabaret nocturno. En el plano narrativo, pone el foco en el rol del Príncipe (James Lovell), atormentado y subyugado por una dominante madre, la Reina (Carla Contini), quien, tras intentar cumplir con los convencionalismos sociales de tener Novia (Bryony Wood), cae rendido a los brazos del Cisne (Jackson Fisch).

El príncipe atormentado no encuentra consuelo en su opresiva madre, la Reina. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Otra de las licencias narrativas tomada por el libertino Bourne es situar al príncipe en un entorno disfuncional. Retrocediendo a 1995, cuando se estrenó la producción, las hilarantes escenas de humor del comportamiento inadecuado de la Novia en los actos oficiales provocaban la risa en un momento en el que la Familia Real británica acaba de vivir el annus horribilis de la reina Isabel II (separaciones de los príncipes de Gales, los duques de York y la princesa Ana, además de incendio en el castillo de Windsor). Y aunque son referencias lejanas -y probablemente, descontextualizadas para los espectadores jóvenes-, aún consiguen esbozar una sonrisa en el público.

¿Qué sería un “Lago de los cisnes” sin cisnes? Sabido es a priori que parte de la original subversión consistió en sustituir a las delicadas bailarinas-cisne por un varonil elenco de ánades, pero, además, éstos representan sus roles cargados de masculinidad, sin un ápice de amaneramiento o sin caer en la tentación de caricaturizar a los ánades femeninos. En la escena, los viriles cisnes son muy solventes en los diferentes registros interpretativos, tanto en danza como en escenas más teatrales. En el acto II, la bandada de cisnes da muestra de su solidez como conjunto. Como contraste a su cándida imagen del acto blanco, en la última parte los cisnes adoptan un aspecto amenazante que recuerda a “Los pájaros” (1963), de Alfred Hitchcock.

El Teatro Real de Madrid ha demostrado ampliamente su fascinación por el título clásico de “El lago de los cisnes”, interpretado en diversas versiones durante las recientes visitas de grandes compañías internacionales, como el San Francisco Ballet (2024) o The Royal Ballet (2018). Con la visita de New Adventures y el estreno en España del libérrimo “Swan Lake” de Matthew Bourne, el coliseo madrileño apuesta por una versión poco ortodoxa, pero con una dilatada trayectoria que le permite conectar con nuevos públicos. El engranaje que puso en funcionamiento hace tres décadas el visionario artista británico funciona a la perfección: escenografía y vestuario de Lez Brotherston, iluminación de Paule Constable y vídeo de Duncan McLean. La única mácula a las presentaciones en gira es la ausencia de música en directo, ya que la interpretación se realiza sobre la grabación de la Swan Lake Orchestra, dirigida por Brett Morris, de 2004. No obstante, la transgresora versión de Matthew Bourne y la buena factura del trabajo interpretativo de New Adventures, consiguieron epatar al público del Teatro Real de Madrid, que, en la matinée del sábado, obtuvo una ovación de cinco minutos.

El acto III se desarrolla en un cabaret. donde se interpretan el célebre paso a dos del ‘Cisne Negro’. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

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El San Francisco Ballet ofreció ocho funciones de “El lago de los cisnes” en el Teatro Real de Madrid. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

La primera gira internacional del San Francisco Ballet desde la incorporación de la española Tamara Rojo a la dirección no pudo haber tenido mejor escenario que el Teatro Real de Madrid. Había mucha expectación por el retorno de Rojo al frente de la compañía de ballet más antigua de los Estados Unidos, ya que sus dos últimas visitas se produjeron en su prodigiosa década (2012-2022), encabezando el English National Ballet.

Si bien en sus anteriores presentaciones la artista madrileña había mostrado su talento y osadía al apostar por la versión moderna de Akram Khan sobre el ballet romántico “Giselle” (2019) o sus primeros coqueteos con la coreografía en “Raymonda” (2023), en esta ocasión, Rojo se inclinó por uno de los títulos de excelencia del gran repertorio clásico, “El lago de los cisnes” (Marius Petipa y Lev Ivanov, 1895), en la versión remozada de su predecesor en la dirección del San Francisco Ballet, Helgi Tomasson (1985-2022). Precisamente, “El lago de los cisnes” fue el primer ballet que el islandés coreografió para el San Francisco Ballet en 1988, actualizó esta versión primigenia en 2009, y fue la obra que escogió para su despedida de la compañía.

Sabedora de la escasez de ballet clásico en la programación en España, quizás ése fuera el argumento de Rojo para decantarse por un título tradicional para deleite de los balletómanos de su país. En la actualidad y más aún después de los tiempos pandémicos, cada vez se prodigan menos las grandes compañías internacionales en giras, entre otros motivos, por la nueva conciencia ecológica que busca minimizar la huella de carbono y sabido es que la producción de un clásico conlleva decenas de bailarines en escena, amén del cuerpo técnico detrás, con sus consabidos desplazamientos. Sumando la sequía de espectáculos clásicos en la programación, con la poca posibilidad de disfrutar de grandes compañías internacionales fuera de sus respectivos teatros, lo cierto es que las ocho actuaciones del San Francisco Ballet en el Teatro Real se vivieron como un auténtico acontecimiento en Madrid.

Además, se trató de la primera visita de la veterana compañía estadounidense a la capital española, aunque no la primera al país, porque casualmente el luctuoso 11-S pilló al San Francisco Ballet actuando en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, donde ofrecieron “El lago de los cisnes” -cuyo el estreno protagonizó la bailarina vasca Lucía Lacarra- (4-9 de septiembre de 2001) y un programa mixto Tomasson/Robbins/Forsythe/Morris (13-16 de septiembre de 2001).

La solidez de la técnica del San Francisco Ballet destacó en “El lago de los cisnes”. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

Cisnes balanchinianos

La versión de Helgi Tomasson se estructura en cuatro actos, precedidos de un prólogo sobre el hechizo que el malvado Rothbart lanza a la princesa Odette. El primer acto se sitúa en las afueras del palacio y se centra en el cumpleaños del príncipe Siegfried, interpretado en la segunda función de forma muy correcta por el bailarín principal chino Wei Wang, y en él sobresale el pas de trois -Cavan Conley, Isabella DeVivo y Julia Rowe-. Además, participan un grupo infantil de estudiantes de danza del Conservatorio Profesional ‘Carmen Amaya’ de Madrid.

Durante el segundo acto y acuciado por el imperativo de tener que contraer matrimonio, el príncipe se interna en los bosques con la ballesta que le ha regalado su madre y se topa con la bandada de cisnes comandada por Odette, encarnada por la bailarina principal coreana Wona Park. Esta parte recoge algunos de los fragmentos más memorables de “El lago de los cisnes”, como el célebre pas de deux denominado el ‘Cisne Blanco’ o el paso de los ‘Cuatro Pequeños Cisnes’. Quizás lo que más llama la atención en toda la versión de Tomasson es lo fuertemente influida que está por el espíritu balanchiniano y en los actos blancos se percibe sobre todo en la mayor velocidad de ejecución de los pasos, en contraste con otras versiones europeas que tienden más hacia el lirismo y la suspensión de los pasos.

Paso de los ‘Cuatro Pequeños Cisnes’. San Francisco Ballet. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

Dadas las características de la escuela americana de ballet, no sorprende la rapidez y limpieza de las danzas de carácter del tercer acto -española, húngara, napolitana y rusa-, aunque la danza española responde más al cliché de lo que se entiende por español en el extranjero, que a una verdadera danza española. Y llegó el momento cumbre de esta parte, el pas de deux del ‘Cisne Negro’, en el que Park demostró sus mimbres como Odile. Apoyada en su técnica, pareció sentirse más cómoda en el papel de la sosias malvada de la obra -y en su consabida tanda de 32 fouettés-, que como princesa Odette. Y con un brevísimo entreacto sin descanso, el acto final transportó al espectador de nuevo al lago, con el decisivo combate entre Rothbart y Siegfried. En definitiva, la lucha entre el bien y el mal, en medio de una pléyade de cisnes. Dentro del abanico de posibles finales, Tomasson se decanta por unir a los amantes en el más allá, después de haber vencido al hechicero, encarnado por Jakub Groot.

Con una duración que rondó las tres horas, “El lago de los cisnes” ofreció una imagen excelente del San Francisco Ballet, una compañía con una fuerte impronta de la escuela americana, con una técnica muy sólida y una ejecución limpia, aderezada con algunos saltos de aire balanchiniano, no en vano George Balanchine fue el padre del ballet en los Estados Unidos. En un ballet con todos sus ingredientes no debe faltar la música en directo, en esta ocasión la Orquesta Titular del Teatro Real interpretó la partitura de Tchaikovsky, bajo la batuta de Martin West. La escenografía y vestuario de Jonathan Fensom buscaron crear la magia del clásico, ayudados por la iluminación de Jennifer Tipton. En sus nueve décadas de existencia, la primera visita a Madrid del San Francisco Ballet no pudo ser más exitosa, a la vista de la calurosa recepción del público, que brindó una larga salva de aplausos a la compañía cuyo destino dirige actualmente la prestigiosa Tamara Rojo, primera bailarina española en obtener el Premio Príncipe de Asturias hace casi veinte años.

Suzhou Ballet Theatre sube a escena “La consagración de la primavera” en la versión de Glen Tetley con música de Igor Stravinsky. Foto gentileza Suzhou Ballet Theatre.

El espectáculo “Esencias de China” del Suzhou Ballet Theatre, que abre la temporada del Teatro Victoria, es parte de la iniciativa de intercambio cultural Image China de China Arts and Entertainment Group Ltd. (CAEG) cuyo objetivo es presentar las artes escénicas chinas tradicionales y contemporáneas a audiencias de todo el mundo.

Desde su creación en 2009, Image China ha presentado obras en lugares de todo el mundo, incluidos el Lincoln Center de Nueva York; el Kennedy Center en Washington, DC; y han actuado en países como Australia, Nueva Zelanda, Reino Unido, Alemania, Italia entre muchos otros de Europa.

Image Chine presenta “Esencias de China” por primera vez en Catalunya, en el teatro Victoria de Barcelona, los próximo 16 y 17 de septiembre. El espectáculo reúne un repertorio de diferentes estilos artísticos: ballet romántico, ballet clásico, ballet contemporáneo y ballet moderno. El repertorio que presentan incluye diez piezas en un programa que cuenta con el encanto distintivo de Suzhou.

El programa incluye en la primera parte obras tradicionales, clásicas y neoclásicas de Su Shijin y Liu Fuyang, como también clásicas y contemporáneas de Wen Shaowei. Del coreógrafo Min Xueqing se presentará “El Último Tango” (neoclásico) con música de Astor Piazzolla, así como otras realizaciones de Yuan Wanbin y Hu Yang.

En la segunda parte, la compañía sube a escena “La consagración de la primavera” (“The Rite of Spring” © Glen Tetley Legacy), en la versión de Glen Tetley con música de Igor Stravinsky.

Fundada en 2007, Suzhou Ballet Theatre es la única agrupación de ballet profesional de la provincia de Jiangsu y cuenta con bailarines de compañías de primer nivel tanto nacionales como extranjeros. A través de la herencia y la innovación, la compañía ha creado un estilo único llamado “Ballet de Jiangnan”.

Desde su creación, Suzhou Ballet Theatre se ha desarrollado como un ballet con renombre tanto nacional como internacional y ha creado con éxito diez producciones a gran escala, entre las que se incluyen “Romeo y Julieta”, “Legend of Beauty”, “El Cascanueces”, “Tang Yin”, “El lago de los cisnes”, “My name is Ding Xiang” y “Glorious Clouds”, así como obras de ballet moderno de Suzhou.

El Suzhou Ballet Theatre está tiene como objetivo fundamental convertirse en una de las compañías de ballet más creativas y dinámicas de China. Actualmente, Wang Quanxing se desempeña como gerente de la compañía.

“Esencias de China” del Suzhou Ballet Theatre abre la temporada del Teatro Victoria de Barcelona. Foto gentileza Suzhou Ballet Theatre.

Wang se unió al Ballet Nacional de China (NBC) después de graduarse de la Academia de Danza de Beijing en 1979, actuó como primer bailarín en “The Red Detachment of Women”, “Wild Goose Flying South”, “The Arabian Nights”, “Carmen” y “The New Year’s Sacrifice (Ley II)”. También bailó los papeles protagónicos en “El lago de los cisnes”, “Don Quijote”, “La bella durmiente”, “Romeo y Julieta” y otros clásicos.

En 2001, Wang dejó el espectáculo para convertirse en gerente de NBC, responsable de la planificación, marketing, promoción y operación de la compañía. Bajo su gestión el NBC actuó con éxito en la Ópera de París, la Ópera Real, y en reconocidos festivales de Europa y Australia. También estableció el modelo de negocio llamado “Alta calidad a precio asequible” en cooperación con la Universidad de Pekín, cuyo objetivo es popularizar las artes del ballet y cultivar una nueva generación de audiencias de ballet en China.

En 2007, gracias a su planificación y funcionamiento, el Tanztheater Wuppertal Pina realizó con éxito su primera representación en Pekín. A partir de 2008, Wang se convirtió en director general y representante legal de la compañía de interpretación de NBC y del Teatro Tianqiao de Beijing, afiliado a NBC. Se hizo cargo de la comunicación y cooperación internacional, la educación artística, la publicidad y la formación de talentos del ballet dentro de la cadena NBC.

De 2013 a 2019, organizó la Temporada Internacional de Ballet de China. cada dos años. Como programa de espectáculos de ballet internacional a gran escala, y por cuatro veces consecutivas, las Temporadas Internacionales de Ballet de China fueron muy aclamadas tanto en China como en el extranjero, atrajeron a muchos bailarines de ballet e involucraron teatros de primer nivel y así como obras de ballet clásico.

A partir de abril de 2021, Wang aceptó la oferta del Suzhou Ballet Theatre y se convirtió en su director general. Propuestas innovadoras y coreógrafos nacionales con lenguaje propio forman parte de las características de esta agrupación.

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Gala Centenario Alicia Alonso recorre ocho ciudades de España para homenajear a la gran diva de la danza. Gentileza Arte y Cultura.

Hoy, 7 de mayo, comienza la gira por España de la Gala Centenario Alicia Alonso con una función en el Teatro Auditorio de San Cugat, Barcelona. Este tour que convoca una diversidad de artistas terminará el 6 de junio y abarcará, entre otras ciudades, Madrid, Alicante, Zaragoza, Valladolid, Cádiz, Córdoba y Málaga. Este homenaje, previsto y programado en 2020 en torno a la fecha del nacimiento de Alicia Alonso, el 21 de diciembre, debió cancelarse por la pandemia.

El elenco que participa está integrado por Anette Delgado y Dani Hernández, primeros bailarines del Ballet Nacional de Cuba y la bailarina Ginett Moncho, que actúa con Alexis Tutunnique, primer bailarín del Ballet de Kiev. Participa también Carla Vincelli, bailarina principal del Teatro Colón de Buenos Aires, junto a Javier Torres, actualmente primera figura del Northern Ballet (Gran Bretaña). Se suman a la gala la española Eva Nazaret y el cubano Javier Monier; y Oriana Plaza, primera bailarina del Ballet Municipal de Lima, Perú, que tiene como pareja a Maynard Miranda, también cubano, y primer bailarín del Ballet del Teatro de Sibiu, en Rumanía.

Anette Delgado, primera bailarina del BNC, en “Giselle”. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

El programa comprende selecciones de varias obras emblemáticas de la carrera de Alicia Alonso, como “Giselle”, “Carmen”, “El lago de los cisnes”, “Don Quijote”, “Cascanueces”, “La fille mal gardée”, “Coppélia”, “Espartaco” y “La diva”, a lo que se suma un gran final con la participación de todos los artistas.

Pedro Simón, director del Museo Nacional de la Danza de Cuba, manifestó: “Que los jóvenes bailen en honor de Alicia Alonso es la acción más pura y justa que pueda concebirse ante el centenario de una figura que enalteció, como pocas, el arte del ballet clásico, y la danza toda, con su genio interpretativo personal y con las enseñanzas que legó a las generaciones de bailarines de su época y del futuro. Y es que Alicia Alonso no se limitó a recibir la herencia de los grandes maestros que le trasmitieron las tradiciones de siglos anteriores, sino que supo recrearlas, enriquecerlas y llevarlas a nuevos caminos, sin traicionar su esencia, pero haciendo de ellas una experiencia acorde y cercana a los tiempos modernos, a los públicos y artistas de nuestros días”.

Por su parte, el lunes 3, la vicealcaldesa y consejera municipal de Cultura y Proyección Exterior del Ayuntamiento de Zaragoza, Sara Fernández, destacó que en esta gala intervendrán “estrellas” de la danza internacional como Lázaro Carreño, que hará de ‘maître’, ensayador y regidor de el programa pautado. La gala incluirá un audiovisual de Alicia Alonso y sus grandes hitos en su historia como bailarina.

Carla Vincelli, bailarina principal del Teatro Colón de Buenos Aires participa con Javier Torres, del Northern Ballet. Foto gentileza Arte y Cultura.

Itinerario

MAYO:

7: Estreno Barcelona San Cugat (teatro Auditorio)

8 y 9 Zaragoza (teatro Principal)

12 Murcia (Teatro Romea)

13: Alicante (teatro Principal)

14: Elche: Gran Teatro

15: IBI (teatro Río)

16: Torrejón de Ardoz (teatro José m Rodelo)

17: Madrid (Teatro Gran Vía)

20, 21, 22 y 23 Valladolid Teatro Calderón)

25: Cadiz (Teatro Falla)

26: Málaga

27: Córdoba (Gran Teatro)

29: Pozuelo de Alarcón (Teatro Mira)

30: Toledo (Auditorio El Greco)

JUNIO:

2: Zamora: (Teatro Principal)

3: Santander: (Palacio de los Festivales)

5: Terrassa (Centro Cultural Terrassa)

6: Manresa (Kursaal)

“Carmina Burana”, una coreografía de Adriana Coll y con reposición de Ricardo Alfonso, es una de las obras del repertorio del Ballet del Sur. Foto gentileza Ballet del Sur.

Allá por 1956, un grupo de jóvenes entusiastas de la ciudad de Bahía Blanca, líder en la danza del sur de la provincia de Buenos Aires, Argentina, decidieron lanzarse a la aventura de armar una compañía de ballet. Capitaneados por la maestra Alba Lutecia Collo de Duyos empezaron los ensayos y el trabajo cotidiano con énfasis en danza clásica. Cinco años después, el 22 de marzo de 1961, el grupo fue oficializado por el Gobierno de la Provincia de Buenos Aires. El Ballet del Sur se convirtió entonces en una de las pocas agrupaciones de danza del país fuera del Ballet Estable del Teatro Colón.

La agrupación realiza una labor de divulgación cultural a través del arte de la danza desde su creación, en continua relación con niños y jóvenes, a través de la inclusión, dentro de su programación anual, de ciclos de funciones gratuitas para estudiantes, infantes y público en general.

Cuenta con un amplio repertorio que incluye grandes clásicos como “Coppelia”, “Giselle”, la versión integral del “El Lago de los cisnes”, “Gayané”, entre otras. Su versión de “La Sylphide” de August Bournonville fue la primera que se montó en América Latina.

En Chile, el Ballet del Sur presentó “Giselle” con la primera bailarina del Royal Ballet de Londres, Marianela Núñez. Foto gentileza Ballet del Sur.

A lo largo de estos años la compañía también ha incorporado obras de danza contemporánea de grandes creadores argentinos. Entre ellas, “Cantares”, “Concierto de ébano”, “Carnaval de los animales”, “Preludios”, “Canto jondo”, “Tangos en gris” de Oscar Araiz. Así como “Contrapunto” de Ana María Stekelman, y “Alicia en el país de las maravillas”, “Siesta de un fauno”, “Azul profundo”, “Circo Stravinsky”, “Tango vitrola”, “Perfume de gardenia”, “Azul 20” y “Satie Satie” de Alejandro Cervera, que forman una larga lista de coreógrafos.

Por otra parte, es la primera compañía argentina que incluyó obras del rumano-francés Gigi Caciuleanu como “Las cuatro estaciones” y “Mozartissimo”.
Desde 2010 Ricardo Alfonso, bailarín y coreógrafo uruguayo formado en la Escuela Nacional de Danzas de Montevideo, Uruguay, asumió la dirección del Ballet del Sur. Tras su paso por el Ballet del SODRE , empezó a crear sus primeras coreografías para Ballet Hoy, dirigido por Inés Camou. Con la Sociedad Uruguaya Pro-Opera y Ballet Hoy, Alfonso intervino en la puesta en escena de “María de Buenos Aires” (Piazzolla-Ferrer) como asistente de reggie y coreografía e interpretando uno de los personajes protagónicos (El Gato). En Brasil trabajó junto a Maria Waleska Van Helden, y participó en varias ediciones de Dança Alegre Alegrete. En Santa Fe, junto a otros profesionales, fundó TAIARTE y fue director del Ballet Contemporáneo de Santa Fe.

A lo largo de su historia, la dirección del Ballet del Sur estuvo a cargo de prestigiosos maestros como Alba Lutecia, Blanca Lemos, Jorge Sansinanea, Rubén Chayán, Elsa Mochen, Marta Pereyra, Alejandro Cervera, Violeta Janeiro, Liliana Martínez, Rodolfo Lastra Belgrano y Andrés Walsh. En 2019, recibió la Mención al Merito de los Premios Konex por estar entre las cinco mejores compañías de la Argentina de los últimos 10 años.

Participó en el Festival de la Danza de Jacksonville (Jacksonville, USA) y en la ciudad de Orlando, dentro de la gira realizada por el Estado de Florida (USA). Realizó, además, presentaciones en el Centro de Experimentación de Ópera y Ballet del Teatro Colón de Buenos Aires y en galas y encuentros internacionales organizados por la UNESCO y el Consejo Argentino de la Danza, entre otros.Llegó también, junto a Marianela Núñez, al Teatro del Lago, en Frutillar (Chile), para presentar la versión integral de “Giselle”, considerado por el diario La Nación uno de los mejores espectáculos de danza de 2016. Y un año después volvió al mismo teatro con “La Sylphide”, junto a la Etoile de la Opera de Paris, Ludmila Pagliero.

Y así como Pagliero o Núñez, el Ballet del Sur también tuvo la visita de reconocidos bailarines: Iñaki Urlezaga, Maximiliano Guerra, Cinthia Labaronne, Julio Bocca, Luis Ortigoza, Cristina Delmagro, Silvia Bazilis, Karina Olmedo, Silvina Perillo, Igor Selensky y Yuri Klevtsov (Rusia), así como Cecilia Kerche (Brasil) y otros.

El Ballet del Sur presentó “La Sylphide”, de August Bournonville, protagonizada por la Etoile de la Opera de Paris, Ludmila Pagliero, Foto gentileza Ballet del Sur.

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Olga Ferri y Enrique Lommi, en “Giselle”, ambos formaron parte de una generación de notables intérpretes y destacados maestros. Foto: Miguel Micciche. Gentileza Patricia Casañas.

Enrique Lommi
Por Patricia Casañas

Nació el 1º de julio de 1922. Entre sus maestros cabe mencionar a José de Cherpino, Esmée Bulnes, Michel Borowski, Leonide Massine, Serge Lifar y Nicolai Zvereff.

Desde su ingreso al Ballet Estable del Teatro Colón en 1941, a instancias de Leónidas Barletta, fundador del Teatro del Pueblo, cumplió una extensa y prolongada actuación. Fue bailarín solista de la compañía en 1947 y Primer bailarín por concurso en 1949, siendo el primer argentino en alcanzar ese rango en el Ballet Estable.

Durante veinticuatro años Enrique Lommi interpretó la mayor parte del repertorio del elenco. Bailó junto al Original Ballet Russe del Coronel de Basil en las tres temporadas que el conjunto extranjero realizó en la Argentina. Fue el protagonista del estreno mundial del ballet “Estancia” de Michel Borowski, con música de Alberto Ginastera, en el Teatro Colón en 1952. Entre sus papeles más logrados se encuentran los que exigen un fuerte carácter dramático, como el Predicador en “El niño brujo”, las hermanastras en “Cenicienta”, Coppelius en “Coppelia”, Teobaldo en “Romeo y Julieta”, Yago en “Otelo”, “Hamlet”, y muchos otros.

Su actividad en Europa se desarrolló en el marco del Ballet de Berlín (Berliner Ballet), oportunidad en la que también se desempeñó como maestro en la Escuela de la Ópera de esa ciudad.

Enrique Lommi interpretó la mayor parte del repertorio del Ballet Estable del Teatro Colón. Foto: Marilina Calós. . Gentileza Patricia Casañas

Su trayectoria docente incluye la Dirección de la Escuela Municipal de Danzas de San Nicolás, su participación como maestro de la Compañía de Joaquín Pérez Fernández, de la Gran Compañía Española de Antonio el Chavalillo y de la compañía Municipal de la ciudad de Rosario.

Impulsor del ballet en el interior del país, formó muchas compañías privadas. También es autor de numerosas coreografías para televisión y cine: “Romeo y Julita”, “La simuladora”, “Adiós, pampa mía”, entre otras películas.

Fue codirector del Ballet Estable del Teatro Colón y Director del Ballet Argentino de La Plata, y es coautor del libro “La Danza: su técnica y sus lesiones más frecuentes”.

Junto a su esposa, la recordada estrella de la danza argentina Olga Ferri, fundó en 1971 el Ballet Estudio, institución de gran prestigio en Buenos Aires, donde se formaron reconocidas figuras de la danza como Paloma Herrera, Ludmila Pagliero, Iñaki Urlezaga, Julio Bocca, Carolina Agüero, Raúl Candal, Alejandro Parente, y otros.

El 20 de septiembre de 2018, el maestro Enrique Lommi fue merecedor de la Mención de Honor Juan Bautista Alberdi otorgada por la Cámara de Diputados de la Nación por su extenso e invalorable compromiso con la cultura.

Gustavo Mollajoli
Danzahoy/Prensa Teatro Colón

El  maestro de ballet Gustavo Mollajoli, reconocido ex bailarín y coreógrafo, quien fue integrante del Ballet Estable del Teatro Colón entre 1958 y 1980, y posteriormente, director de la compañía en dos oportunidades, murió en Buenos Aires debilitado por una enfermedad prolongada que provocó un paro cardíaco.

Gustavo Mollajoli, reconocido ex bailarín y coreógrafo, integrante del Ballet Estable del Teatro Colón entre 1958 y 1980. Foto gentileza Prensa Teatro Colón.

Nació en 1935 en Entre Ríos, en la ciudad de Federación, estudió con Jorge Tomin, Wasil Tupin y María Ruanova, entre otros, y luego integró como solista el Ballet del Teatro Argentino de La Plata en 1957. Se unió al Ballet Estable del Teatro Colón donde fue primer bailarín entre 1966 y 1980 ejerciendo también el rol de Director del Ballet Estable del Teatro Colón entre 1973 a 1974 y luego desde 1984 a 1989.

Dirigió el Ballet de Dallas en los Estados Unidos entre 1979 y 1982, y fue maestro del Ballet de Minas Gerais del Grupo Corpo (Brasil) entre 1989 y 1997 y maestro de ballet del Teatro Municipal de Rio de Janeiro entre 1999 y 2003 para luego regresar como Director Artístico de la Compañía de Ballet del Teatro Argentino de La Plata entre 2005 y 2006.

Su repertorio como intérprete se extiende desde “El Lago de los cisnes” a “La Consagración de la Primavera” de Oscar Araiz. Entre sus obras se destacan su versión de “Giselle” de 1984 –la versión más bailada en el Teatro Colón–, también el dúo “A Buenos Aires” estrenado en 1985 por Julio Bocca y Raquel Rosetti estrenada en Moscú y cabe señalar la pieza “Suite Porteña” en 1988.

En 1985, fue nombrado socio honorario del Consejo Argentino de la Danza dependiente del Consejo Internacional de la UNESCO con sede en París y miembro permanente de la Asociación Iberoamericana de Especialistas en Ballet.

Norma Fontenla y Gustavo Mollajoli compartieron escenario en el Teatro Colón. Foto gentileza Prensa Teatro Colón.

El domingo 23 Iñaki Urlezaga junto a la bailarina del Royal Ballet de Londres Lauren Cuthbertson, luego de la función de “Romeo y Julieta”, en la versión de Kenneth MacMillan. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza TC.

El domingo 23, en la penúltima función de “Romeo y Julieta”, Iñaki Urlezaga deslumbró por última vez al público del primer coliseo, luego de haber estado en escenarios internacionales durante más de 25 años.

Al finalizar la función, en medio del cariño interminable de todos sus compañeros y ante una sala llena que aplaudió y ovacionó de pie hasta el final, Urlezaga se despidió bajo una lluvia de pétalos que dio paso a la entrega de seis ramos de flores. El primero de ellos, llegó a través de la Directora General del Teatro Colón, María Victoria Alcaraz; el Segundo, por parte del Director General Artístico y de Producción, Enrique Arturo Diemecke y el tercero, fue el de Paloma Herrera, actual Directora del Ballet Estable. Luego siguieron sus sobrinas Antonia y Esmeralda, y tras ellas, Mariano Toffi, vestuarista durante todo el transcurso de la carrera del bailarían, y el sexto y último, se lo entregó su maestra Lilian Giovine.

Urlezaga comenzó su carrera profesional en 1991 como Primer Bailarín del Teatro Argentino de La Plata, y en 1993 ingresó por concurso al Teatro Colón en roles protagónicos. En 1995 invitado por Anthony Dowell formó parte del Royal Ballet de Londres como Primer Bailarín de la compañía. En 2005, invitado por Ted Brandsen, se unió como Principal Guest Dancer al Het National Ballet. Debutó en abril de 2006 con “El lago de los cisnes” y se presentó en las temporadas de la compañía en el Het Muziektheater Opera House.

“Romeo y Julieta”, ballet en tres actos con música de Sergei Prokofiev se presentó desde el 18 hasta el 25 de septiembre con diferentes elencos (Iñaki Urlezaga y Lauren Cuthbertson). Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

Su trabajo como coreógrafo comenzó en 2003 con versiones de clásicos como “Sylvia”, “El Cascanueces”, “El lago de los cisnes”, “Raymonda”, “Romeo y Julieta”, y también, de “Cuentos de Chopin” o “La Traviata”. Bailó como Primer Bailarín en el Teatro Mariinski, Teatro Bolshoi, Metropolitan de New York, NK Hall de Tokio, y Alla Scalla de Milán entre otros.

La función despedida se trasmitió en vivo a través de www.teatrocolon.org.ar. La clásica pieza romántica basada en la obra de William Shakespeare tuvo la reposición coreográfica de Susan Jones y Clinton Luckett, con dirección musical del maestro Enrique Arturo Diemecke al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón.

Con música de Serguei Prokofiev, “Romeo y Julieta” se estrenó en 1938 en Brno, Checoslovaquia, donde fue muy bien recibido. Le siguieron el estreno ruso en 1940 en el Kírov, y en 1946 en el Bolshói. Este ballet en tres actos con coreografía de Kenneth MacMillan se presentó desde el 18 hasta el 25 de septiembre con diferentes elencos integrados por Macarena Giménez, Lauren Cuthbertson, Emilia Peredo Aguirre y Camila Bocca en el rol de Julieta, y Juan Pablo Ledo, Urlezaga y Maximiliano Iglesias encarnaron a Romeo.

Iñaki Urlezaga comenzó su carrera como Primer Bailarín del Teatro Argentino de La Plata, y en 1993 ingresó al Ballet Estable del Teatro Colón. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

Alejandro Parente, primer bailarín del Ballet Estable del Teatro Colón, el día de su retiro, el miércoles 8 de agosto, rodeado de aplausos, ovaciones y afecto. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

Alejandro Parente, primer bailarín del Ballet Estable del Teatro Colón, se despidió de los escenarios, rodeado de aplausos, ovaciones y afecto de parte del público, de sus compañeros y de su familia. Dueño de un carisma y una técnica única, deslumbró por última vez al público que asistió de al Teatro Colón para verlo en su interpretación del rol protagónico de “La viuda alegre”, junto a la primera bailarina del Royal Ballet de Londres, Marianela Núñez y la compañía del Ballet Estable que dirige Paloma Herrera.

Un libro realizado por los compañeros del Ballet Estable del Teatro Colón recorre la trayectoria de Alejandro Parente. Foto: Juan José Bruzza. Gentileza Prensa Teatro Colón.

El miércoles 8 por la noche, en el cierre de esta serie de seis funciones de “La viuda alegre”, con coreografía de Ronald Hydn y reposición de Steven John Woodgate, desde la platea hasta el paraíso del Teatro Colón el público se conmocionó con cada salida del primer bailarín, quien culminó una prolífera carrera luego de 30 años de trayectoria.

Al término de la función, en medio del cariño de todos sus compañeros que lo rodearon en el escenario, y ante una sala colmada de un público que lo ovacionó de pie, Parente se despidió bajo una lluvia de pétalos que luego dio paso a la entrega de cinco significativos ramos de flores. El primero de ellos se lo entregaron sus hijas, Azul y Luna; el segundo, por la Directora General del Teatro Colón, María Victoria Alcaraz; el tercero, de las manos de su partenaire en la danza y en la vida, Marianela Núñez, el cuarto fue el del director general artístico y de producción, Enrique Arturo Diemecke, y el último ramo fue entregado por la ex bailarina y actual directora del Ballet Estable, Paloma Herrera.

Detrás de escenario lo aguardaban autoridades del Teatro Colón, sus compañeros del Ballet Estable, personal escenotécnico, amigos y familiares. Fue allí, dónde la bailarina y compañera de ruta, Maricel Di Mitri, le entregó como obsequio un libro de 164 páginas realizado por todos sus compañeros, en donde recopilaron toda la trayectoria de Parente en fotografías, testimonios y dedicatorias. La emoción no tardó en llegar, y ante el bailarín, visiblemente conmovido, Di Mitri, le dedicó parte de las palabras que aparecen en el prólogo del libro: “Las imágenes y recuerdos de este libro, son apenas una parte de su historia, la hemos recopilado quienes compartimos muchas risas y lágrimas, sueños encantados, luces y sombras de nuestra profesión… Lo hemos visto crecer y brillar y nos hemos sorprendido juntos con el olvido de nosotros mismos… Durante muchos años vibró conmovido en el escenario que amó y transformó en su hogar, como en un cuento fantástico, por siempre jamás…”

El abrazo de la ex bailarina y actual directora del Ballet Estable, Paloma Herrera. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

Por su parte, Parente expresó: “Le agradezco al teatro, que para mí fue siempre un ser vivo que respira nuestro arte. Brindo por este teatro, por cada uno de los trabajadores y artistas que lo componen, que siga la luz, que siga brillando la danza, la música, la ópera, la poesía y el pensamiento fantástico para poder recrear cada una de las obras”.

El brindis en el Salón Dorado del Teatro fue parte de este rito de despedida al que asistió toda la compañía para acompañar al bailarín que hoy, forma parte de la historia reciente del Teatro Colón, y que a su vez, fue uno de los discípulos del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Estudió con los maestros Rosmarie Achard, Wasil Tupin, Enrique Lommi y en especial, bajo la tutela de la maestra Rada Eichenbaum. A los dieciséis años ingresó como bailarín de la compañía del Ballet Estable del Teatro Colón, y desde entonces ha bailado un extenso repertorio, asumiendo los roles protagónicos en obras como “Giselle”, “Sylvia”, “Oneguin”, “Coppelia”, “La bayadera”, y otros clásicos como “El Cascanueces”, “La fille mal gardée”, “Romeo y Julieta”, “Raymonda”, “Paquita”, “El Corsario”, “La bella durmiente” o “Don Quijote”. También incursionó en obras del repertorio neoclásico como “Adagietto”, “Estaciones porteñas”, “Who cares” y “Sinfonía en Do”, entre otras.

En la reapertura del Teatro Colón, en 2008, interpretó junto a Silvina Perillo, otra de las grandes figuras de este Teatro, el tercer acto de “El lago de los cisnes”. Y ese mismo año obtuvo el Premio “María Ruanova” por su brillante trayectoria artística.

En el rol protagónico de “La viuda alegre”, Alejandro Parente bailó junto a la primera bailarina del Royal Ballet de Londres, Marianela Núñez. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

The Royal Ballet realizó seis funciones de su flamante recreación de “El lago de los cisnes”, en El Tearro Real de Madrid. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Veinte años han transcurrido desde la última visita de The Royal Ballet de Londres al Teatro Real de Madrid y, para el retorno, la casa británica apostó por su último y reciente éxito: la nueva versión del coreógrafo Liam Scarlett sobre el original de la entente Marius Petipa-Lev Ivanov, “El lago de los cisnes” (1895). El coliseo madrileño acogió seis funciones del clásico convertido en todo un icono sinónimo de ballet, gracias a las que la formación presentó un amplio abanico de elencos protagonistas, destacando las representaciones inaugural y de clausura, a cargo de la argentina Marianela Núñez y del ruso Vadim Muntagirov.

The Royal Ballet consiguió agotar las entradas de todas las veladas y, sobre todo, convirtió su espléndida apuesta en todo un evento cultural imprescindible en el verano madrileño. Versiones sobre “El lago de los cisnes” del tándem Petipa-Ivanov ha habido, hay y habrá muchas a lo largo de la historia de la danza, pues es un reto para cualquier coreógrafo intentar ofrecer su punto de vista sobre una de las obras referenciales del gran repertorio clásico. El director del Royal Ballet, Kevin O’Hare deseaba contar con una producción del clásico para la actual generación de la casa británica con la cual renovar la versión de Anthony Dowell (1987), que llevaba treinta años en el repertorio del Royal Ballet. Por ello, encargó al coreógrafo en alza Liam Scarlett su propia lectura, estrenada con éxito el pasado mes de mayo. El creador inglés clarifica el perfil de algunos personajes de la trama e intenta humanizar al malvado Von Rothbart, y mantiene la estructura tradicional de la obra, con sus cuatro actos, siendo su especial aportación una reelaboración del último, menos gótico y más narrativo.

Marianela Núñez y Vadim Muntagirov, bailarines de The Royal Ballet, fueron los protagonistas de la primera y última noche de “El Lago de los cisnes”. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real

Otra de las innovaciones consiste en situar el primer y tercer acto, en la época victoriana, a finales del siglo XIX. Firmada por John Macfarlane, la impecable producción de vestuario y escenografía transporta al espectador a la corte inglesa decimonónica y, cómo no, al celebérrimo lago en que transcurren los bellísimos actos de ballet blanco. Además, la impronta británica se acentúa con el mantenimiento de la compleja danza napolitana de sir Frederick Ashton, en el tercer acto. Debido a ese especial acento británico, las actuaciones en Madrid suponían, también, una gran prueba de fuego para la obra, al tratarse de las primeras funciones en el extranjero que permitían comprobar la reacción del público foráneo ante esta propuesta, trufada con muchos guiños hacia la cultura británica.

Los papeles protagónicos fueron interpretados en la noche de estreno por la nueva pareja talismán de la compañía británica: Marianela Núñez y Vadim Muntagirov. La argentina está viviendo un momento dulce de su carrera, que se percibe en el aplomo con el que aborda el rol dual de Odette/Odile: profundidad de sentimiento con sus ondulantes aleteos de brazos como Cisne Blanco, frente a seguridad, magnetismo y fuerte técnica en el Cisne Negro. Apodado ‘Vadream’, “porque es un sueño bailar con él”, el ruso es la viva estampa del danseur noble: excelente partenaire, magníficas líneas y límpida técnica, gracias a la que flota en cada salto.

Siempre es de agradecer la música en directo, en este caso, con la inmortal partitura de Tchaikovsky de la mano de Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la batuta de Koen Kessels, gracias a lo que el espectáculo adquirió más empaque. Por encima de una producción impecable hasta el más mínimo detalle, para todo balletómano, disfrutar de un espectáculo de una de las compañías más relevantes del mundo es una ocasión única de puro deleite. En este caso, el completo compromiso por sacar adelante la versión óptima del espectáculo de cada miembro de la casa británica -desde el bailarín de Cuerpo de Baile hasta la estrella- explica el porqué del prestigio del Royal Ballet. Ocho minutos de aplausos con el público del Teatro Real de Madrid en pie sirvieron para certificar el éxito del afamada compañía con “El lago de los cisnes” más británico de los últimos tiempos.

The Royal Ballet subió a escena una renovada puesta de Liam Scarlett de “El lago de los cisnes”, la cual reemplaza la de 1987 de Anthony Dowell. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real

El cuerpo de baile del Ballet de Camagüey en “Las sílfides”, obra que integró el programa de las funciones en el Teatro Principal de la ciudad cubana. Foto: Jorge Luis Sánchez Rivera.

Un arte elitista como el ballet no está circunscrito a La Habana en Cuba, pues esa manifestación desata pasiones encendidas también en una ciudad del centro del país: Camagüey, que cuenta con una compañía propia hace 50 años.

Arribar a medio siglo de vida fue para el Ballet de Camagüey (BC) una oportunidad de festejo y reafirmación como uno de los conjuntos artísticos de excelencia en la isla. Sin embargo, la cultura cubana está en deuda con esta compañía a la que bastante poca atención se le brinda en los medios de prensa del país pese a tener una raíz común con el Ballet Nacional y defender un repertorio propio, diferente.
Las funciones por el aniversario 50 mostraron, del 2 al 8 de diciembre, en el Teatro Principal, la valía del conjunto en clásicos como “Las sílfides”, “La fille mal gardée”, “El Talismán”, y una versión propia de “Las llamas de París”, coreografía de la camagüeyana Lila Martínez.

“El Ballet Nacional de Cuba (BNC) surgió en 1948 -apuntó Regina Balaguer, directora del BC desde hace dos décadas-, pero con el triunfo de la Revolución y la visita de Fidel (Castro) a la casa de Alicia y Fernando Alonso fue que se constituyó en una gran compañía con el respeto y el apoyo incondicional del Estado. Gracias a eso, en 1959 se produjo un renacer del conjunto. Entonces, somos resultado de lo mismo, de un proceso y de una revolución socialista que es grandiosa, con todos los defectos que le puedan señalar, pero ha apostado porque Cuba sea una potencia cultural. Deberíamos poder actuar juntos, cooperar, conectarnos, porque en definitiva gana la cultura cubana y eso es lo más importante”.

Aurora Bosch (ctro.) dictó clases y participó en ensayos y otras actividades programadas para festejar el aniversario del Ballet de Camagüey. Foto: Martha Sánchez.

Para la celebración de las bodas de oro de la compañía, la maître invitó a una de las joyas del ballet cubano, Aurora Bosch, a iluminar con su sabiduría y elegancia clases, ensayos y otras actividades. “Los bailarines de esta compañía tienen mucho arrojo y ganas de hacer y de bailar”, destacó la maestra que durante dos semanas los inspiró con su sabiduría e impresionante capacidad física a los 75 años. “El arrojo es una cualidad difícil de medir cuando selecciona a niños y niñas para estudiar ballet porque se revela poco a poco durante el desarrollo de la personalidad del ser humano; y me da tremendo gusto encontrar esa cualidad tan importante aquí”, profundizó la Bosch.

En sus clases y ensayos Bosch recordó los consejos y enseñanzas del padre del ballet cubano, Fernando Alonso, quien fuera director del BC de 1975 a 1992. Para Balaguer resulta crucial ese conocimiento y lo demuestra con hechos, con una reverencia continua a quienes la precedieron y a quienes siguen marcando la historia.

“Todos deberíamos saber de dónde venimos y a quiénes le debemos que haya ballet cubano y una escuela reconocida en el mundo entero. Hay tres personas imprescindibles en el desarrollo del ballet en Cuba. Se habla mucho de Alicia, esa espectacular bailarina, pero muy poco se menciona a Alberto y a su hermano Fernando Alonso, y creo que es hora de hacer justicia. Eso sería darle a cada cual su justo valor”, alertó la profesora que pese a ser la directiva con mayor cantidad de años al frente del BC nunca habla de sí misma.

Rosa María Armengol y Yanny García del Ballet de Camagüey interpretaron “La fille mal gardée” en la gala de celebración de los 50 años de la compañía. Foto: Jorge Luis Sánchez Rivera.

A Balaguer le tocó enfrentar el llamado Período Especial, con la consiguiente escasez económica, y lejos de recibir solidaridad por parte de la dirección de la compañía nacional ésta le exigió pagar cada versión coreográfica atribuida a Alicia Alonso. Semejante demanda se convirtió en reto y este en victoria, pues poco a poco ha conseguido forjarle versiones propias de los clásicos a su conjunto, con la colaboración de artistas cubanos y foráneos.

Obras contemporáneas de coreógrafos cubanos se presentaron del 2 al 8 de diciembre. Foto: Jorge Luis Sánchez Rivera.

“Carmen” en Suiza
En los próximos meses de enero y febrero, el BC presentará en Suiza y España una versión de “Carmen”, del coreógrafo alemán Peter Breuer, director del Ballet de Salzburgo en Austria, que ganó en 2015 con dicha pieza el premio internacional Maya Plisetskaya.

A juicio de la Balaguer, la nueva obra plantea otra manera de expresión, distinta a la que el público cubano acostumbra a ver, y enriquece el espectro de sus jóvenes bailarines pues les permite desarrollar la versatilidad y ductilidad necesarias en un profesional de la danza. La mayoría de los cuadros apelan al lenguaje contemporáneo y apenas en una escena se utilizan las zapatillas de puntas.

Comparada con otras versiones coreográficas, la pieza de dos actos y aproximadamente dos horas de duración -desde el punto de vista narrativo- se apega más al original literario del escritor francés Prosper Mérimée, por tanto, contiene personajes nunca incluidos en anteriores formulaciones coreográficas, ni en la ópera.

De fiesta
Aunque a la dirección del BC le hubiera gustado contar con más artistas, el BNC envió una pareja a Camagüey para participar en las galas por el medio siglo de la compañía de esa provincia del centro del país. La primera figura Sadaise Arencibia y el primer solista Raúl Abreu interpretaron allí escenas de dos obras imperecederas del repertorio mundial: “El lago de los cisnes” y “Giselle”. Mientras la compañía Danza Combinatoria, que dirige la coreógrafa Rosario Cárdenas -Premio Nacional de Danza 2013- exhibió su más reciente estreno, “Afrodita, ¡oh espejo!”, inspirada en el paralelismo entre deidades de Cuba y Chipre.

De la línea más contemporánea, se expusieron “Fatum”, de José Antonio Chávez; y algunas piezas del Premio Nacional de Danza 2004, Alberto Méndez, como “Suite generis”, “Fantasía” y “En tus ojos”.
Los protagonistas principales de las piezas fueron los bailarines Rosa María Armengol, Yanny García, Sara de Miranda, Elizabeth Pagés, Zaida Henríquez, Oleydi Labrada, Jonathan Pérez, Thalía Diegues y Raúl Calzadilla, entre varios jóvenes del elenco actual.

En la entrada de la sede del Ballet de Camagüey se le colocó una tarja de veneración al exdirector de la agrupación, Fernando Alonso. Foto: Martha Sánchez.

Una de las virtudes de la compañía sigue siendo su apertura a múltiples estilos coreográficos y el estímulo a la creación, así como la interacción constante con la historia porque, al decir de Balaguer, quien la olvida o desconoce es propenso a perder lo que tiene y existen deudas eternas.

Por eso en el BC, el 28 de noviembre pasado, no comenzó con la tradicional clase de ballet sino con la siembra de tres árboles, frente a tres pequeños tinajones, símbolo cultural de esa ciudad que en época de la colonización española los empleó para sobrellevar la sequía.

Uno de los árboles rinde tributo a la cultura cubana, base sobre la cual se erigió una escuela de ballet con carácter propio, según reconocieron mundialmente críticos y especialistas en arte desde la década de 1960.

Otro se consagró precisamente al padre de la escuela cubana de ballet, Fernando Alonso, quien luego de dirigir el BNC de 1948 a 1975, ocupó el mismo cargo en el BC, hasta 1992, y allí consiguió la sede actual, moldeó una compañía más clásica y elevó su rango dentro y fuera del país.

La base de ambas entidades, BNC y BC, radica en la Academia de Ballet Alicia Alonso, donde inició sus estudios una generación clave en el desarrollo de la primera compañía que incluyó a las llamadas “cuatro joyas” y a Vicentina de la Torre, gestora del BC y de una academia en esta provincia.

A de la Torre dedicaron el tercer tinajón en la sede del BC, preciosa edificación colonial a cuya entrada también se le colocó una tarja de veneración al exdirector Alonso, con una expresión merecida: “Diga, maestro”.

El 28 de noviembre se sembraron tres árboles, frente a tres pequeños tinajones, en homenaje a la cultura de la ciudad, a Fernando Alonso y a Vicentina de la Torre, gestora del BC. Foto: Martha Sánchez.

“Él y sus contemporáneos vivían por la danza, pero además tenían una formación muy culta que nos está faltando en las nuevas generaciones, pese a la tecnología. Hoy la juventud, en su gran mayoría, no cultiva la lectura, ni el estudio siquiera, y aún cuando algunos ingresan a los cursos del Instituto Superior de Arte se ciñen a las asignaturas, pero no buscan más allá. Los fundadores del ballet cubano eran jóvenes cuando forjaron la compañía y la escuela, mas se distinguieron por su vasta cultura y profusión de conocimientos, que les permitieron dar pasos hacia lo que querían lograr, a partir de un gran amor por la danza”, observó Balaguer.

Y según apuntó, la historia del ballet cubano tiene deudas también con Camagüey, con Hilda Zaldívar, Vicentina de la Torre, Marta Matamoros, de quienes incluso en la ciudad natal se habla poco y fueron las simientes de una parte de la riqueza cultural apreciada actualmente allí.

“En las escuelas se da historia de la danza, pero hay que dar la de siglos pasados y hacer similar hincapié en la reciente, para que las generaciones conozcan la evolución real de la danza en Cuba. Y se debe hablar del BNC y también del BC, que tiene repertorio propio y una manera particular de bailar, de asumir coreografías, pese a pertenecer a la misma escuela cubana de ballet”, insistió la maître que se considera a sí misma una aprendiz todavía y una soñadora.