El San Francisco Ballet ofreció ocho funciones de “El lago de los cisnes” en el Teatro Real de Madrid. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

La primera gira internacional del San Francisco Ballet desde la incorporación de la española Tamara Rojo a la dirección no pudo haber tenido mejor escenario que el Teatro Real de Madrid. Había mucha expectación por el retorno de Rojo al frente de la compañía de ballet más antigua de los Estados Unidos, ya que sus dos últimas visitas se produjeron en su prodigiosa década (2012-2022), encabezando el English National Ballet.

Si bien en sus anteriores presentaciones la artista madrileña había mostrado su talento y osadía al apostar por la versión moderna de Akram Khan sobre el ballet romántico “Giselle” (2019) o sus primeros coqueteos con la coreografía en “Raymonda” (2023), en esta ocasión, Rojo se inclinó por uno de los títulos de excelencia del gran repertorio clásico, “El lago de los cisnes” (Marius Petipa y Lev Ivanov, 1895), en la versión remozada de su predecesor en la dirección del San Francisco Ballet, Helgi Tomasson (1985-2022). Precisamente, “El lago de los cisnes” fue el primer ballet que el islandés coreografió para el San Francisco Ballet en 1988, actualizó esta versión primigenia en 2009, y fue la obra que escogió para su despedida de la compañía.

Sabedora de la escasez de ballet clásico en la programación en España, quizás ése fuera el argumento de Rojo para decantarse por un título tradicional para deleite de los balletómanos de su país. En la actualidad y más aún después de los tiempos pandémicos, cada vez se prodigan menos las grandes compañías internacionales en giras, entre otros motivos, por la nueva conciencia ecológica que busca minimizar la huella de carbono y sabido es que la producción de un clásico conlleva decenas de bailarines en escena, amén del cuerpo técnico detrás, con sus consabidos desplazamientos. Sumando la sequía de espectáculos clásicos en la programación, con la poca posibilidad de disfrutar de grandes compañías internacionales fuera de sus respectivos teatros, lo cierto es que las ocho actuaciones del San Francisco Ballet en el Teatro Real se vivieron como un auténtico acontecimiento en Madrid.

Además, se trató de la primera visita de la veterana compañía estadounidense a la capital española, aunque no la primera al país, porque casualmente el luctuoso 11-S pilló al San Francisco Ballet actuando en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, donde ofrecieron “El lago de los cisnes” -cuyo el estreno protagonizó la bailarina vasca Lucía Lacarra- (4-9 de septiembre de 2001) y un programa mixto Tomasson/Robbins/Forsythe/Morris (13-16 de septiembre de 2001).

La solidez de la técnica del San Francisco Ballet destacó en “El lago de los cisnes”. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

Cisnes balanchinianos

La versión de Helgi Tomasson se estructura en cuatro actos, precedidos de un prólogo sobre el hechizo que el malvado Rothbart lanza a la princesa Odette. El primer acto se sitúa en las afueras del palacio y se centra en el cumpleaños del príncipe Siegfried, interpretado en la segunda función de forma muy correcta por el bailarín principal chino Wei Wang, y en él sobresale el pas de trois -Cavan Conley, Isabella DeVivo y Julia Rowe-. Además, participan un grupo infantil de estudiantes de danza del Conservatorio Profesional ‘Carmen Amaya’ de Madrid.

Durante el segundo acto y acuciado por el imperativo de tener que contraer matrimonio, el príncipe se interna en los bosques con la ballesta que le ha regalado su madre y se topa con la bandada de cisnes comandada por Odette, encarnada por la bailarina principal coreana Wona Park. Esta parte recoge algunos de los fragmentos más memorables de “El lago de los cisnes”, como el célebre pas de deux denominado el ‘Cisne Blanco’ o el paso de los ‘Cuatro Pequeños Cisnes’. Quizás lo que más llama la atención en toda la versión de Tomasson es lo fuertemente influida que está por el espíritu balanchiniano y en los actos blancos se percibe sobre todo en la mayor velocidad de ejecución de los pasos, en contraste con otras versiones europeas que tienden más hacia el lirismo y la suspensión de los pasos.

Paso de los ‘Cuatro Pequeños Cisnes’. San Francisco Ballet. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

Dadas las características de la escuela americana de ballet, no sorprende la rapidez y limpieza de las danzas de carácter del tercer acto -española, húngara, napolitana y rusa-, aunque la danza española responde más al cliché de lo que se entiende por español en el extranjero, que a una verdadera danza española. Y llegó el momento cumbre de esta parte, el pas de deux del ‘Cisne Negro’, en el que Park demostró sus mimbres como Odile. Apoyada en su técnica, pareció sentirse más cómoda en el papel de la sosias malvada de la obra -y en su consabida tanda de 32 fouettés-, que como princesa Odette. Y con un brevísimo entreacto sin descanso, el acto final transportó al espectador de nuevo al lago, con el decisivo combate entre Rothbart y Siegfried. En definitiva, la lucha entre el bien y el mal, en medio de una pléyade de cisnes. Dentro del abanico de posibles finales, Tomasson se decanta por unir a los amantes en el más allá, después de haber vencido al hechicero, encarnado por Jakub Groot.

Con una duración que rondó las tres horas, “El lago de los cisnes” ofreció una imagen excelente del San Francisco Ballet, una compañía con una fuerte impronta de la escuela americana, con una técnica muy sólida y una ejecución limpia, aderezada con algunos saltos de aire balanchiniano, no en vano George Balanchine fue el padre del ballet en los Estados Unidos. En un ballet con todos sus ingredientes no debe faltar la música en directo, en esta ocasión la Orquesta Titular del Teatro Real interpretó la partitura de Tchaikovsky, bajo la batuta de Martin West. La escenografía y vestuario de Jonathan Fensom buscaron crear la magia del clásico, ayudados por la iluminación de Jennifer Tipton. En sus nueve décadas de existencia, la primera visita a Madrid del San Francisco Ballet no pudo ser más exitosa, a la vista de la calurosa recepción del público, que brindó una larga salva de aplausos a la compañía cuyo destino dirige actualmente la prestigiosa Tamara Rojo, primera bailarina española en obtener el Premio Príncipe de Asturias hace casi veinte años.

Isaac Hernández pisó tierra azteca para compartir los pormenores de su espectáculo “Despertares”. Fotos: Gabriela Jiménez Bernal.

Una cocina acondicionada con piso especial fue el cubil donde el bailarín Isaac Hernández vivió una transformación interna y profesional durante el confinamiento sanitario que se vivió en el mundo. Y es que esa experiencia de confrontamiento consigo mismo le permitió convertirse en un mejor intérprete, pero, sobre todo, en un mejor ser humano, confiesa el mexicano dibujando una gran sonrisa en su rostro.

El destacado bailarín pisó tierra azteca para compartir los pormenores de su espectáculo “Despertares”, el cual ha logrado reunir desde hace una década a algunos de los mejores intérpretes de las compañías de danza más prestigiadas del mundo. El tapatío se muestró entusiasmado por bailar nuevamente en su país y hacerlo en el escenario que le abrió las puertas desde 2012: el Auditorio Nacional, que lo recibirá a él y a sus colegas internacionales el sábado 6 de agosto.

“Me siento encantado, emocionado, incluso un tanto nervioso de estar aquí.  Todos hemos vivido momentos muy difíciles en los últimos años y ya es momento de reencontrarnos otra vez”, expresó el ganador del Benois de la Danse, el máximo galardón que se da a nivel internacional en el ballet y que le fue otorgado en 2018 en Moscú.

El legado del arte

Sumergido en una profunda reflexión sobre lo vivido durante la reciente pandemia, Hernández comparte lo que, en su opinión, aprendió sobre el valor de las artes: “En este tiempo me quedó más que claro la importancia de estar juntos y de compartir, pero también de los beneficios del arte, de ahí mi necesidad de darle continuidad a ‘Despertares’. Es valioso lo que nos da el arte, es lo que nos da esperanza”.

Considera que el confinamiento ha sido uno de los grandes retos que han enfrentado las artes después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello, el tapatío está convencido que hoy más que nunca se deben mantener los proyectos culturales que contribuyan a la sociedad, en especial a los nuevos talentos: “Estar alejado de mi proyecto me hizo ver que las nuevas generaciones de bailarines pueden perder la ilusión de seguir. Por ello, considero que ‘Despertares’ contribuye a que se sientan motivados viendo a grandes bailarines del mundo”.

También está consciente de que la industria del espectáculo cambió con el mayor uso de la tecnología, obligando a los artistas a proponer nuevas formas de creación y llegar a públicos diversos: “Estamos generando una mente más consciente de lo que tenemos que hacer, y cómo generar una industria cultural más accesible para nuevos espectadores”.

Una etapa de transformaciones

Los 14 números que integrarán el programa estarán protagonizados por destacadas figuras del Ballet Bolshoi y el English National Ballet. Fotos: Gabriela Jiménez Bernal.

Hernández, al igual que el mundo, vivió un confinamiento que lo llevó a innumerables momentos de introspección. En lo personal, aseguró que le permitió una madurez personal y profesional: “Todos experimentamos un peso emocional durante el encierro. Por fortuna, yo tuve mi refugio en la danza. Puse un piso especial en la cocina de mi casa y ahí me refugié. Incluso puedo decir que mejoré en mi técnica y cuidé más mi cuerpo y mi mente. Me aferré a lo que el ballet me da para ser mejor persona. Sin lugar a duda el ballet ha sido un beneficio personal y lo entendí en plenitud. De hecho, cuando no entrenaba la pasaba muy mal. Así que me di mucha esperanza a través de mi baile”.

El tapatío considera que está en su mejor momento como intérprete. Recuerda que durante la formación de cualquier bailarín evidentemente hay mayor preocupación por la técnica. Pero conforme pasan los años se adquiere una libertad física y emocional: “Antes existía una cierta obligación a nuestra profesión, pero ahora hay libertad para elegir el repertorio que deseas interpretar. Como ya hay dominio de la técnica comienzas a disfrutar más tu profesión. Te vuelves un adicto al escenario y buscas conectar con éste de manera única y diferente”.

La transformación que ha vivido el bailarín coincide con su debut como padre de familia. Sobre esta etapa crucial en su vida compartió: “Ser padre me ha cambiado mucho. Veo las cosas más claras y he entendido que es un privilegio estar en el escenario”.

Sobre la responsabilidad que está adquiriendo con su primogénito, Hernández confesó que esta nueva experiencia lo ha hecho apasionarse más sobre el tema de la infancia, por eso tiene una gran inquietud: “Hay mucha incertidumbre en el mundo; sin embargo, mi hijo está rodeado de arte y cultura que inspira a vivir. Quiero que tenga acceso a las expresiones artísticas y que se sienta un apasionado por la vida”.

Noche de estrellas

El tapatío está convencido de que la función de “Despertares” llega en un momento simbólico, ya que la humanidad requiere de experiencias estéticas que resulten una caricia al corazón: “Llegar a mi país con este espectáculo tiene un significado especial. Retomar la normalidad y revivir momentos que nos permitan sentir al público. Será una noche llena de emociones, de conectar a nivel humano. Me alegra llegar a mi país con un proyecto que es parte de la vida cultural de México”.

“Despertares” 2022 reunirá a 30 artistas en escena bajo la dirección del bailarín mexicano, con la producción de Soul Arts Productions, casa productora dirigida por su hermana Emilia Hernández y de la cual ambos son cofundadores.

Los 14 números que integrarán el programa estarán protagonizados por figuras de destacadas agrupaciones como el Ballet Bolshoi y el English National Ballet. Los bailarines internacionales que llegarán al coloso de Reforma son Natalia Osipova, Tamara Rojo, James Streeter, Jurgita Dronina, Chey Jurado, Michaela DePrince, Gabriele Frola, Sae Eun Park, Maria Alexandrova y Vladislav Lantratov, Emily Suzuki, Jason Kittelberger, Brooklyn Mack, así como el propio Isaac y su hermano Esteban Hernández. Sobresale la participación del grupo Guetto Funk Collective y de la cantante Geo Meneses que estará acompañada por los músicos Los Macorinos.

El repertorio reunirá piezas de los coreógrafos más reconocidos en la escena dancística internacional, como George Balanchine, Marius Petipa, Vakhtang Chabukian, Akram Khan, William Forsythe, Jason Kittelberger, Joseph Mazilier, Aszure Barton, Annabelle Lopez Ochoa y Stephan Toss.

Un futuro prometedor

Hernández está consciente que su carrera como intérprete es efímera: “Como bailarines, nuestra vida profesional es corta. Aún me quedan unos seis años para seguir bailando. Física y artísticamente me siento en un gran momento”.

Una vez que llegue el momento de retirarse de los escenarios, le gustaría seguir incursionando en la actuación, como lo hizo recientemente en la pantalla chica. Asimismo, le gustaría tejer más lazos de colaboración con comunidades latinas.

A su vez, le gustaría construir una plataforma digital a través del cual pueda seguir impulsando la danza clásica, género que lo ha llevado al éxito internacional.

]]> https://www.danzahoy.com/home/2022/07/un-nuevo-renacer/feed/ 0 https://www.danzahoy.com/home/2022/01/el-sello-esta-en-la-diversidad/ https://www.danzahoy.com/home/2022/01/el-sello-esta-en-la-diversidad/#comments Tue, 25 Jan 2022 00:48:25 +0000 mgueler http://www.danzahoy.com/home/?p=14802

San Francisco Ballet en “Symphony In C”, de George Balanchine © The Balanchine Trust. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Con emoción anticipada por la asunción de Tamara Rojo en el rol que durante 37 años cumplió Helgi Tomasson, el San Francisco Ballet (SFB) mantiene, por sobre todo, su rasgo de diversidad.

Quizás la confluencia de algunos eventos culturales hizo que en 2020 algunos miembros de la administración del SFB acusaran a la institución de falta de diversidad en su personal artístico.

El ex bailarín, maestro de ballet y coreógrafo del SFB, Carlos Carvajal, llamó mi atención sobre esta acusación publicada en el San Francisco’s Chronicle.

Me encargué de examinar las listas de bailarines que la oficina de prensa de la compañía produjo durante casi dos décadas. Hice los cálculos por cada temporada y por rango, y los coloqué en el sitio web de woollywesterneye. Y nada podría haber estado más lejos de los hechos.

Tamara Rojo asumirá como directora artística del San Francisco Ballet a fines de 2022. Foto: Karolina Kuras. Gentileza SFB.

Es cierto que tres bailarines de ascendencia afroamericana se unieron a la compañía, y luego se fueron a bailar a otro lugar. No obstante, la compañía mostró un sano respeto por el talento, independientemente del origen de nacimiento de los bailarines.

Con la incorporación de Katisha Fogo en el verano de 2021, el SFB podría afirmar que uno de sus primeros bailarines es de color. Al menos, parcialmente, dado que el padre de Fogo es oriundo del Caribe y su madre, nativa de Suecia. Un detalle que se suma a la diversidad de los 72 bailarines.

La compañía se verá reforzada este año cuando Isaac Hernández regrese como bailarín principal de la compañía que honró antes de partir hacia su carrera europea. Queda por ver qué cambios se producirán durante esta primavera cuando se renueven los contratos.

La compañía enumera a 22 bailarines principales, seis de los cuales son estadounidenses de nacimiento, tres de China, dos de Canadá y uno de cada uno de los siguientes países: Australia, Dinamarca, Estonia, Francia, Italia, Japón, México, España, Suecia y Reino Unido.

Hay 17 solistas de países como Argentina, Brasil, Inglaterra, España, dos de Japón, y once de los Estados Unidos. Fuera de esa lista, hay varios de ascendencia rusa y filipina.

Conté treinta y dos bailarines del cuerpo de baile cuyos lugares de nacimiento son tan diversos como Zimbabue, Austria, Australia, mientras que de los Estados Unidos hay una lista de 18 miembros.

Un buen número de países han contribuido con dos bailarines: Brasil, China, Francia, Italia. Los que tienen un solo representante son: Australia, Austria, Corea, México, España y Zimbabue. Y ni siquiera me refiero a la etnia de la administración artística, que incluye profesionales de Islandia, Rusia y Colombia, así como a los bailarines nacidos en los Estados Unidos de ascendencia italiana y escandinava.

Al recopilar estos lugares de origen y observar la frescura de esos bailarines, se registran dos impresiones, una práctica y otra emocional. La primera, la práctica, es el costo que implica llevar a estos profesionales a sus posiciones actuales. Primero, lo que significa en la vida familiar en cuanto a sus finanzas, programación, y por último, el hecho verlos partir de su entorno. En segundo lugar, el coraje diario y de largo alcance para ejercer una profesión difícil e intensa con relativa brevedad, aunque la participación y las actividades alternativas pueden justificar la inmersión en un mundo muy especializado. Buen viaje a estas almas especiales.

También confío en que esta “recitación” responderá a aquellos que cuestionan la diversidad.

La compañía dirigida por Helgi Tomasson en un ensayo de “The Seasons”, de Alexei Ratmansky. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Viengsay Valdés (en “Carmen”), ganó el Premio Positano de la Danza Léonide Massine por su técnica virtuosa e intensa presencia escénica. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

El sábado 5 de septiembre a las 8 pm hora de Italia, el Premio Positano de la Danza Léonide Massine tuvo una nueva edición en medio de una pandemia mundial que quebró tradiciones, festejos en vivo y expectativas. No obstante, y más allá de COVID-19, en la Iglesia de Santa Maria Assunta se celebraron algunos actos en directo y otros virtuales.

En esta edición 2020, la tradicional gala en la gran playa con vistas a la isla de Li Galli, amada por Léonide Massine y Rudolf Nureyev, no encontró su espacio, pero de igual manera la danza siguió en pie en una suerte de abrazo virtual desde Nueva York a Moscú, desde Cuba a Londres. Los organizadores recopilaron mensajes en videos de cada ganador y un clip con algunos momentos de actuaciones relevantes.

Los premios principales de la danza fueron para el inolvidable Anthony Dowell y para la cubana Viengsay Valdes, sucesora de Alicia Alonso en la dirección del Ballet Nacional de Cuba (BNC).

Al anunciar la decisión, el jurado de este galardón -uno de los más antiguos y prestigiosos del mundo- consideró a Valdés heredera artística de la prima ballerina asssoluta Alicia Alonso.

Bailarina de alto nivel académico, de técnica virtuosa e intensa presencia escénica, intérprete de los grandes roles del repertorio clásico, fueron las razones argumentadas por el tribunal presidido por el director de la revista internacional BALLET2000, Alfio Agostini.

También el jurado reconoció que durante un tiempo Valdés se unió a Alicia Alonso en la dirección del BNC y, a partir de 2019, asumió el cargo de directora artística. Este galardón es también un homenaje a la memoria de Alicia Alonso, leyenda del ballet mundial hasta su muerte en octubre del año pasado, a los 99 años, apuntó el texto oficial.

Entre los bailarines hispanos que recibieron este premio en la edición 2020 figuran el cubano Alejandro Virelles, actualmente primer bailarín del Staatsoper de Berlín, Alemania, y el español Roger Cuadrado, solista del Ballet Nacional Checo.

El Premio Positano de la Danza “Léonide Massine” es uno de los máximos reconocimientos a los que puede aspirar un bailarín y se originó en la costa de la ciudad italiana de Positano por ser un destino que cautivó a muchas celebridades del ballet del siglo XX.

Figuras excepcionales fueron distinguidas con este premio, entre ellas, Carla Fracci, Margot Fonteyn, Rudolf Nureyev, Maurice Béjart, Vladimir Vasiliev, Natalia Makarova, Alessandra Ferri, Mats Ek y Ana Laguna. Igualmente lo obtuvieron Eleonora Abbagnato, Manuel Legris, Roberto Bolle, Uliana Lopatkina, Tamara Rojo, Ivan Vassiliev, Natalia Osipova, Yuri Grigorovich, Vladimir Vassiliev y Alicia Alonso.

Este año, el jurado decidió conceder el premio especial por trayectoria a Sir. Anthony Dowell, a quien describen como “danseur” noble por excelencia y el más grande bailarín clásico inglés de su generación. Dowell fue director artístico del Royal Ballet de Londres durante 15 años hasta 2001 y se mantiene activo como maestro y asesor artístico.

El jurado estuvo integrado por Nina Loory (directora artística del Premio Benois de la Danse, Moscú), Brigitte Lefèvre (ex directora del Ballet de la Ópera de París y directora artística del Festival de Danza de Cannes), Laura Valente (directora general del  Premio Positano de la Danza). Lo completaron los críticos de danza Roger Salas, de El País, España; y Valeria Crippa, del diario Il corriere della Sera, editado en Milán, Italia.

Los integrantes de distintas agrupaciones cumplen las directivas de las autoridades sanitarias de acuerdo con los protocolos de la OMS. Foto gentileza RM.

Lo que parecía una inactividad temporal obligatoria con la cancelación de los espectáculos para evitar la propagación contaminante del nuevo Coronavirus COVID-19, y el ulterior cierre laboral de todas las compañías de ballet y danza, las de artes dramáticas, de teatro lírico -más adelante también museos y galerías de arte-, aplicada por decreto estatal a todos los estamentos de la vida social y comunitaria del archipiélago cubano, se ha convertido en una realidad sin término conclusivo definido, en cuanto a un retorno a las actividades culturales en calendarios normales.

En consecuencia, esto incluye a los artistas profesionales que practican y ejercen su actividad escénica con el dominio de sus cuerpos mediante el ejercicio cotidiano para evitar que su rendimiento muscular de vea mermado por la inacción. Es por ello que los bailarines -practicantes e intérpretes- de las diversas compañías o agrupaciones de cualquier tendencia y estilo, las cuales cerraron “sine die” se dieron a la tarea de revertir esta situación de manera privada en los domicilios donde mantienen disciplinadamente su “encierro” involuntario.

Sin importarle las limitaciones de los espacios disponibles, los danzantes se afanaron en el mantenimiento de sus tonos musculares, y se dedicaron a instalar un improvisado estudio de clases con el mobiliario a su alcance: sillas o butacas, mesas, alfombras o esteras, espejos colgantes en sus paredes y otros elementos. Allí cumplen, cotidianamente, los ejercicios en la barra y los de centro en días alternos por un promedio de dos horas, con descanso el domingo.

Este tipo “novedoso” de resiliencia ante la adversidad sanitaria provocada por el virus COVID 19, ha permitido conocer interesantes y positivas reflexiones de algunos jóvenes solistas del Ballet Nacional de Cuba o de la compañía Acosta Danza. Todos están conscientes de lo correcto en las medidas tomadas por las autoridades sanitarias cubanas, que siguen los protocolos fijados por la Organización Mundial de la Salud (OMS), aunque también lo están de una posible afectación de la técnica alcanzada o la merma de su rendimiento corporal y mental.

Aislados, los bailarines necesitan hacer una rutina de ejercicios, que les sirva de preparación física para cuando todo vuelva a la normalidad. Foto gentileza RM.

“Teniendo en cuenta que nos ejercitamos sobre el suelo duro de nuestras viviendas, es imposible ejecutar algunos pasos como se debe”, comentó Daniela Gómez (25) solista del BNC, por ejemplo, los “grand jetés”, las cabriolas, los tours en “l´air”, los “sisones”, u otros, empero si hacemos muchas “baterías”, los estiramientos de piernas, los calentamientos de tobillos y de empeines con o sin zapatillas de punta. Los muchachos entrenan como si estuvieran en un gimnasio improvisado (la mayoría posee sus propios artefactos), para fortalecimiento de sus musculaturas con suaves ejercicios de halterofilia afines con las cargadas, o se van a nadar para activar la respiración -los que viven próximos al mar, por supuesto-, como mi pareja Alex Silva, y su hermana Leticia, ambos solistas de Acosta Danza, apuntó.

Algo similar y contrastante ocurre en los Estados Unidos, igualmente abrumado por la rápida propagación del Coronavirus en todo su inmenso territorio. Un artículo publicado en “The NYTIMES”, firmado por Gia Kourlas, expone ampliamente la misma situación afrontada por los principales solistas del American Ballet Theatre y del NYCity Ballet. Son dos tipos de resiliencia hacia el mismo objetivo: teniendo en cuenta los avanzados recursos tecnológicos al alcance de estas importantes compañías de danza, los ballet masters emplean para dar sus clases una laptop con aplicaciones y video cámara conectados con los bailarines en sus respectivos domicilios, algunos de ellos en otros estados de la Unión con diferentes usos horarios. Por ejemplo, el maitre Carlos López en NYC explica los pasos y combinaciones a Tiler Peck en su casa de California. Y en NYC a los solistas Gonzalo García o Aran Bell…así ocurre con otros miembros de las dos compañías estadounidenses.

Sobre Cuba y la pandemia

Gentileza de Mercedes Borges Bartutis / CMBF, Radio Musical Nacional

Con las limitaciones de los espacios disponibles en sus propias casas, los danzantes improvisaron un estudio. Foto gentileza RM.

En estos tiempos en que una pandemia nos obliga a permanecer quietos en casa…, uno de los sectores que más puede sufrir a nivel profesional, son los bailarines… 

Ya sabemos que la danza es movimiento y el cuerpo humano es su principal instrumento de trabajo…, para ello los bailarines se entrenan diariamente…, en rutinas muy parecidas a la de los deportistas de alto rendimiento.

Pero este aislamiento que vivimos hoy ha llevado a suspender en el país cualquier sesión de clases en los salones de danza, ballet y folclore, justamente porque es el salón el lugar donde más posibilidades de contagio existen por el nuevo coronavirus COVID 19….

Todos los ejercicios de clases tanto de ballet como de danza implican sudor, contacto físico, la utilización de la barra…, en fin, todo lo que está contraindicado para enfrentar los riesgos del COVID 19.

Es por eso que los bailarines al permanecer en casa, aislados, necesitan hacer una rutina de ejercicios, que les sirva de preparación física, y tratar de mantenerse en forma para cuando las cosas vuelvan a la normalidad que su cuerpo vaya respondiendo poco a poco a las exigencias de un montaje y de los ensayos.

Para brindarles más herramientas de trabajo a los bailarines de todo el mundo, varias figuras a nivel internacional han publicado en las redes sociales, productos que han surgido de sus iniciativas individuales y colectivas.

Por ejemplo, la bailarina española Tamara Rojo, una de las estrellas que hizo época en el Royal Ballet de Londres y que hoy dirige el English National Ballet, ha realizado varias trasmisiones desde el interior de su casa, donde utiliza la cocina como pequeño salón de clases… Así, la meseta donde habitualmente se cortan y preparan alimentos, ahora cumple la función de barra para realizar ejercicios que son dictados y hechos por esta hermosa bailarina que visitó Cuba en varias oportunidades.

En nuestro país también varios artistas de la danza se han mantenido activos en las redes sociales… Hoy en la mañana (30 de marzo), la coreógrafa Rosario Cárdenas posteaba en su perfil de Facebook el siguiente mensaje: 

“Bailarines queridos, en estos momentos en que hemos tenido que abandonar nuestros salones, ese no poder atender como debiéramos: la fuerza, la resistencia, la flexibilidad, y más que ello, ese también sutil estar con nosotros mismos dejando surgir nuestras sensaciones, escuchándolas y haciéndolas vibrar, no es justo que nos abandonemos, no es justo que dejemos a nuestros cuerpos vencerse por la gravedad y no dedicarle el tiempo que merecen. Tenemos que ser fuertes y alzar la voluntad, ser conscientes de lo que significa en nuestra carrera abandonarnos hacia el No entrenamiento, cualquiera que este sea como incluso esa parte que significa dedicarle minutos al cuerpo para estar con nosotros mismos. Un pedazo de nuestras casas será suficiente para que nuestra voluntad se eleve y edifique al nivel de la realidad en que vivimos.”

Este es solo un fragmento del mensaje que la coreógrafa cubana Rosario Cárdenas, enviaba estaba mañana, desde su perfil de Facebook, a los bailarines para que no descuiden su forma física en estos días de aislamiento, donde todos debemos quedarnos en casa.

María Pagés y el escritor El Arbi El Harti debutan en México con el montaje “Yo, Carmen”, obra que pretende desarmar los estereotipos creados a lo largo de los siglos. Foto: David Ruano. Gentileza INBA.

Cuando María Pagés y el escritor El Arbi El Harti pensaron en la creación del montaje “Yo, Carmen”, no quisieron hacer una revisión del célebre personaje de la ópera de Georges Bizet. Ellos quisieron ahondar en la empatía femenina para situarse como la voz de una mujer que se alza con fuerza ante todos, nítida y contundente, para expresar la realidad que afronta y construye el alma femenina y los contextos donde se desenvuelve. “Yo, Carmen”, cuyo personaje es colectivo, aspira a ser la voz de todas las mujeres, sin subterfugios, sin dobleces heredados, sin miedos ni connotaciones construidas por la mirada patriarcal.

Tal es la reflexión que dio vida a este espectacular montaje que la prestigiosa Compañía María Pagés presentará en nuestro país el jueves 6 de septiembre, a las 20:00 horas, en el Palacio de Bellas Artes.

Con esta presentación culmina la Temporada de Danza 2018 programada en este recinto de mármol, la cual incluyó doce propuestas dancísticas nacionales e internacionales que protagonizaron un gran movimiento desde el mes de junio.

Sobre el origen de la pieza “Yo, Carmen” hay que destacar que a la maestra Pagés siempre le ha atraído el personaje de Carmen, pero también siempre ha sentido algo de reparo intuitivo respecto al relato. Por esta razón llevaba años reflexionando en dicho personaje desde su posición de mujer española y andaluza, pero también desde la creadora amante de la belleza de una de las mejores óperas de la historia.

En ese sentido, el personaje creado por Bizet sólo sirvió a Pagés como punto de partida para montar un espectáculo que lo que pretende es desarmar los estereotipos creados, mantenidos e inculcados a lo largo de los siglos, para silenciar la esencia de las mujeres reales. Se presenta a una mujer acompañada de mujeres, quienes hablan de otras féminas y las mil y una aristas que las conforman y las sostienen.

En la coreografía de “Yo, Carmen”, la composición de la música flamenca original es de Rubén Levaniegos, Sergio Ménem y David Moñiz. Foto: David Ruano. Gentileza INBA.

La bailarina y coreógrafa narra en escena una aventura genuinamente femenina, en diez cuadros, integrados por seis bailaoras y ocho músicos en directo, flamencos y clásicos. El dramaturgo de la pieza y también codirector de la compañía, El Arbi El Harti, explicó que, en “Yo, Carmen”, la mujer abre su emoción e inteligencia, como si de un abanico se tratara:

“En una narración potente, a través de solos y coreografías corales, artesanalmente hiladas, expresa su conocimiento y contradicciones, sus amores y desamores, su fuerza y fragilidad, su inseguridad e insatisfacciones, su soledad, su sensualidad, la igualdad aún no alcanzada, la maternidad.  La voz femenina reflexiona la rebeldía ante el maltrato femenino, las dependencias como consecuencia de un sometimiento ancestral, respecto a los cánones sociales, las tradiciones, las religiones o las nuevas creencias, como la moda, la publicidad o la propia libertad”, señaló El Arbi, compañero de vida y de profesión de la coreógrafa.

Por lo que se refiere a la parte musical, Pagés centró su trabajo en cuatro niveles: las músicas que inspiraron a Bizet, la propia partitura de la ópera, la reinterpretación y adaptación de algunos fragmentos clásicos en clave flamenca y, por último, la composición de la música flamenca original creada por Rubén Levaniegos, junto a Sergio Ménem y David Moñiz.

Larga y fructífera es la trayectoria de María Pagés. Sobresalen sus inicios en la compañía de Antonio Gades, al que considera su maestro indiscutible. En 2002 recibió el Premio Nacional a la Creación y en el 2014 se le concedió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en España. En su extensa carrera coreográfica, la Bienal de Flamenco de Sevilla le ha concedido diez Giraldillos considerados como los Oscars del mundo del flamenco. En 1990 creó Compañía María Pagés y desde esa fecha ha producido innumerables piezas. Ha colaborado con Mikhail Baryshnikov, Sidi Larbi Cherkaoui, Tamara Rojo, Ángel Corella, Plácido Domingo, José Saramago y Oscar Niemeyer, entre otros. Su compañía ha sido invitada a pisar los escenarios más importantes de países como Inglaterra, Francia, Rusia, Alemania, Italia, Japón, Hong Kong, Canadá, España y Colombia. A través de ARTEDEA, asociación fundada por la coreógrafa, desarrolla una intensa actividad solidaria y formativa, tanto en España como en otros países, como India, Mozambique, México, Panamá, Japón, Honduras y Marruecos.

Hannah O’Neill y Alicia Amatriain compartieron el Benois a la Mejor Bailarina, en la ceremonia que tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de Moscú, el 17 de mayo. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El Teatro Bolshoi de Moscú acogió el 17 de mayo, la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse. Instituidos en 1992 por la Unión Internacional de la Danza, estos galardones son considerados los ‘Óscar’ del ballet. “Realmente es muy gratificante cuando la gente considera que el Benois es la distinción más alta en el mundo del ballet”, asegura Nina Loory, cofundadora y directora artística del certamen.

Jason Reilly y Alicia Amatriain, ambos bailarines del Stuttgart Ballet, en la entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse, en el Teatro Bolshoi de Moscú. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El jurado estuvo presidido por el legendario Yuri Grigorovich, quien celebrará sus 90 calendarios, el próximo 2 de enero y en cuyo homenaje también se está organizando un festival. Además de Grigorovich, formaron parte del jurado José Carlos Martínez (director de la Compañía Nacional de Danza), Marie-Agnès Gillot (Étoile del Ballet de la Ópera de París), Johannes Öhman (director artístico del Real Ballet de Suecia), Xiao Suhua (coreógrafo y profesor del departamento de coreografía de la Beijing Dance Academy), Elisabetta Terabust (estrella italiana del ballet), Yury Fateyev (Mariinsky Ballet) y Linda Shelton (directora ejecutiva de la Fundación del Joyce Theater, en Nueva York).

La ceremonia de entrega quiso revestirse de toda la pompa y solemnidad predicables de uno de los mayores templos del ballet, el mítico Teatro Bolshoi. Como si fuera una mezcla de un acto versallesco con chambelán incluido y una moderna imitación de los galardones más cinematográficos con los videos presentación de cada uno de los candidatos, el acto se alargó en exceso –tanto como sesenta minutos de reloj- y más siendo el prólogo de la gala de nominados, con una duración de tres horas. De cualquiera de las maneras, lo realmente interesante fue el palmarés en el que se aplicó dos veces el juicio salomónico para conceder dos distinciones.

La categoría de mejor coreógrafo aupó a Yuri Possokhov por su creación “Hero of our time” para el Bolshoi Ballet, y a Johan Inger, por sus obras “Carmen” para la Compañía Nacional de Danza y “One on One” para Nederlands Dans Theater.  Como mejor bailarín despuntó el coreano Kim Kimin (Mariinsky Ballet) por sus interpretaciones de “La Bayadère” y “Schéhérazade”.

Octavo para España

Alicia Amatriain y José Carlos Martínez, director de la Compañía Nacional de Danza de España. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El jurado otorgó el Benois a la ‘Mejor Bailarina’ ex aequo a Alicia Amatriain (Stuttgart Ballet), por sus magistrales interpretaciones en “Un tranvía llamado deseo”, con coreografía de John Neumeier, y “The soldier’s tale”, creada por Demis Volpi; y a Hannah O’Neill (Ballet de la Ópera de París), por “Paquita”. “En el caso de ‘Un tranvía llamado deseo’, el reto fue entender a Blanche DuBois y cómo reacciona esa mujer. Es una persona muy compleja que ha sufrido durante toda su vida. Técnicamente, no tiene una coda de 32 fouettés, pero para conseguir que el público entienda su drama, la técnica debe pasar desapercibida”, confesó la intérprete donostiarra. Gracias a la creación del rol del demonio ‘The soldier’s tale’, Amatriain se convirtió en la primera artista española en recibir el der Faust, el pasado mes de noviembre. “Fue un papel muy difícil y físicamente muy duro, que me ha traído muchas alegrías. No puedes salirte del personaje en ningún momento, ya que se perdería la ilusión de la animalidad”.

La artista vasca pone así broche de oro a una temporada prolífica en premios que se inició en septiembre del año pasado con su nombramiento como ‘Kammertänzerin’ –Bailarina de Cámara- del estado de Baden-Württemberg. En su discurso, palabras de agradecimiento para el Stuttgart Ballet, “su casa”, y John Neumeier “por la oportunidad de interpretar este personaje tan complicado que es Blanche DuBois”. De esta manera, Amatriain se alza con el octavo ‘óscar’ del ballet español, tras los intérpretes Ángel Corella (2000), Joaquín de Luz (2009) y Fernando Romero (2011), las bailarinas Lucía Lacarra (2003) y Tamara Rojo (2008), y los coreógrafos Nacho Duato (2000) y José Carlos Martínez (2009).

El premio a la mejor escenografía recayó en Ren Dongsheng por “Emperor Yu Li” de la Beijing Dance Academy. Fuera de las categorías a concurso, John Neumeier recibió el Benois en homenaje a toda su carrera, de manos del mismísimo Yuri Grigorich, y glosó su relación con Rusia, en su discurso. De hecho, la presencia del repertorio de Neumeier fue amplia tanto en la gala de nominados (17 de mayo) como en la gala de laureados (18 de mayo), estando esta última orientada a recordar el 400 aniversario del fallecimiento de William Shakespeare, para lo que se programaron pasos a dos de ballets inspirados en sus obras.

Ver artículos relacionados

Los mejores de la escena
El teatro también baila

La nueva compañía creada por Carlos Acosta ofrecerá contratos a 12 bailarines con capacidad para abordar danza clásica y contemporánea. Foto: Johan Persson. Gentileza RBof L. Archivo Danzahoy.

Carlos Acosta, el bailarín que hace soñar con el olimpo de la danza a cientos de estudiantes de ballet dentro y fuera de Cuba, confirmó su decisión de fundar una compañía en su país natal, y con tal fin, convoca a bailarines de formación profesional interesados en integrar el proyecto.

El futuro director realizará audiciones los próximos días 10 y 11 de agosto, en la Escuela Nacional de Ballet Fernando Alonso, localizada en la confluencia de las calles Prado y Trocadero, de La Habana, a las 14:30 p.m., hora local. La nueva compañía, adscrita al Centro de Danza de La Habana, ofrecerá contratos a 12 bailarines: seis hombres y seis mujeres, con capacidad de asumir las demandas de las técnicas de la danza clásica y la contemporánea. En correspondencia con estas pautas, las audiciones consistirán en clases de ambas modalidades para medir la habilidad de los artistas.

Acosta prepara en estos momentos su retiro como bailarín clásico del Royal Ballet y aspira a continuar una carrera en la línea contemporánea. Este año, el Círculo de Críticos de Gran Bretaña le concedió el Premio Nacional de Danza en reconocimiento a su trayectoria, y la crítica estadounidense aplaudió efusivamente su versión de “Don Quijote” para la compañía británica.
Tras disfrutar del éxito con una interpretación propia de Don Quijote, Acosta eligió retirarse del Royal con un obsequio coreográfico: una nueva versión de “Carmen”. La puesta deberá estar lista en septiembre de este año y marcará una transición profesional del artista, dispuesto a entregar su talento y energías a una compañía propia dentro de Cuba. Nadie pudo vaticinar que se convertiría en el único bailarín negro hasta el momento, capaz de llegar y mantenerse en la cúspide mundial del ballet.

Hace un año, el príncipe de Gales le confirió el título de Comandante del Imperio Británico, y durante la ceremonia en el palacio de Buckingham, alabó al cubano por haberse convertido en una inspiración para jóvenes humildes.

Un largo camino

El llamado “Superman Acosta” no tenía muchas ilusiones a los 17 años, cuando vivía en la modesta barriada de Los Pinos, en La Habana. Tras un comienzo difícil en el ballet, Carlos Junior –bajo la guía de la maestra Ramona de Saá (Cheri)– era, sin saberlo, uno de los mejores bailarines de la Escuela Nacional.

“Siempre viví sin esperar muchos resultados de la vida y me había adaptado a eso, como para evitar la desilusión. De repente, gané el Grand Prix de Lausanne (Suiza) y no podía creerlo”, comentó hace algún tiempo. La etapa inicial de estudios en la escuela elemental fue caótica, tuvo problemas de disciplina, pero la persistencia de su padre, Pedro Acosta, humilde camionero, para que el hijo estudiara una carrera, comenzó a dar frutos cuando el adolescente halló una conexión entre el virtuosismo del deporte y la práctica de la danza. Luego, se enamoró del arte.

Y llegaron los reconocimientos. “Trabajé muchísimo, quería ser muy bueno y me daba cuenta de que si trabajaba de verdad, podía cambiar mi futuro y el de mi familia. El ticket ganador era mi trabajo y entonces mientras mucha gente jugaba fútbol, yo estaba trabajando en un salón, haciendo doble tours para los dos lados. Ahora, la gente viene y dice: ¡mira esto y mira lo otro! Y si ustedes supieran el trabajo que hay detrás de todo eso y la dedicación. Incluso, me lastimé muchas veces por la obsesión de ser muy bueno, pero así es como se llega”, aseguró.

En 1991, el artista comenzó su carrera profesional en las filas del cuerpo de baile del Ballet Nacional de Cuba (BNC) cuando una propuesta como primer bailarín del English National Ballet (ENB) llegó a sus manos y no se lo pensó dos veces. Tenía 18 años y el mundo le empezaba a sonreír. Cuenta que llegó a Londres con su mochila y sus sueños, nada más. El inglés, apenas lo entendía. Hasta la falta de arroz con frijoles se le hizo difícil los primeros tiempos. El cubano se abrió a otros estilos de danza y escuelas. Pronto el Houston Ballet lo atrajo también en calidad de primera figura, la prensa norteamericana lo distinguió como una relevación mundial y lo nombró heredero de las máximas celebridades del ballet clásico: Nijinski, Nureyev y Barishnikov.

A fines del siglo XX, el Royal Ballet de Londres lo llamó, y desde entonces se convirtió en su casa. En Gran Bretaña, recibió el Premio Nacional de la crítica especializada y una nominación a los Laurence Olivier por su primera coreografía “Tocororo: Fábula cubana”. Estrella al fin, ha sido invitado de todos los grandes teatros del mundo y compañías como la Ópera de París, el Ballet Bolshoi y el American Ballet Theatre, entre muchas.

En Cuba, su pueblo lo vio bailar junto a la española Tamara Rojo, una de sus parejas habituales, y disfrutó de una química similar con la italiana Alexandra Ferri, otra grande con quien actuó en la clausura de un Festival minutos después de conocerla en vivo, sin un solo ensayo. Además, saboreó cada baile compartido con artistas locales como Lorna Feijóo, Alihaydée Carreño y Viengsay Valdés. Gran parte de la crítica considera a Acosta el mejor bailarín de su generación. Más allá de las tablas, cuenta con dos libros publicados y dos actuaciones en cine. Pese a su anunciado retiro, resulta previsible que no abandone la escena por completo, fiel al credo que durante una tarde calurosa, típica de La Habana, reveló: “el ballet no es una profesión, sino un estilo de vida”.

“La danza del ritual del fuego” es uno de los instantes destacados de “El amor brujo”, de Victor Ullate. Fotografía: Javier del Real/ Teatro Real de Madrid

Conmemorar el centenario del estreno de la primera versión de “El amor brujo” –Teatro Lara de Madrid, 15 de abril de 1915–  fue la iniciativa que el Teatro Real de la capital española llevó a cabo, a medio camino entre los últimos días del año recién expirado y los primeros de este reluciente calendario. Víctor Ullate fue el elegido para semejante tarea, para la que realizó una nueva versión de la primigenia coreografía estrenada por su compañía en la Maestranza de Sevilla, el 28 de mayo de 1994. Gran reto para el zaragozano revisitar un trabajo suyo con dos décadas de existencia y, a la par, ofrecer una producción de gran factura en lo técnico para un magno escenario como es el Teatro Real de Madrid.

“El amor brujo” narra la historia de amor entre Carmelo y la gitana Candelas, perseguida por el espíritu de José, su antiguo novio. Para librarse del espectro y sabedor de su gusto por el coqueteo, Carmelo trama una argucia: anima a Lucía a seducir al difunto, momento en que los amantes sellan su amor con un beso que desarma el sortilegio.

Los orígenes de esta obra tienen algo de azaroso, ya que, al parecer, fue Rosario ‘La Mejorana’, madre de la cantante, bailaora y coreógrafa Pastora Imperio (1887-1979) –la primera Candelas–, quien le pidió al compositor Manuel de Falla (1876-1946) “un cante y un baile”. El libreto de Gregorio Martínez Sierra (1881-1947) –cuya autoría se discute y atribuye a su esposa, María de la O Lejárraga (1874-1974)– también parece provenir de una antigua leyenda popular narrada por la madre de la artista al dramaturgo. Sin embargo, su estreno se saldó con un fracaso, no tornándose en un éxito hasta 1925 cuando Antonia Mercé, ‘La Argentina’, interpretó “El amor brujo” en el parisino Trianon-Lyrique, con la segunda versión remozada de la partitura de Falla. De París a Londres, donde Antonio Ruiz Soler, ‘El Bailarín’, presentó su lectura en el Saville Theatre en 1955.

En su época de bailarín, Víctor Ullate realizó sus primeras incursiones profesionales de la mano de Antonio ‘El Bailarín’, siendo el Ballet del Siglo XX de Maurice Béjart donde despuntó profesionalmente. Ya convertido en director y en coreógrafo, esas dos raíces –lo español y lo bejartino- han ido floreciendo en sus diferentes creaciones. Dice el tango que “veinte años no es nada”, pero lo cierto es que la propia compañía de Ullate en dos décadas no tiene mucho que ver: de provenir todos sus componentes de la escuela – donde se formaron e hicieron sus pinitos ilustres estrellas mundiales como Ángel Corella, Tamara Rojo, Lucía Lacarra, Igor Yebra, Joaquín de Luz y un largo etcétera–  a ser una compañía internacional.

La nueva versión de Víctor Ullate ha querido primar el fuego fatuo. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real

Ello ha supuesto que el ADN de la formación ha mutado, por lo que, en esencia y salvo en algunos cuadros escénicos, parece que se trata de dos compañías y de dos obras diferentes. Además, esta nueva producción también incluye una novedad poco afortunada, a saber, la intercalación de fragmentos del grupo dark ambience In Slaughter Natives, sobre el original de Falla, al que ya se había incluido arreglos de Luis Delgado para la lectura de 1994. Eso sí, la partitura de Falla está bien interpretada por la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la batuta del maestro Josep Vicent. También se han renovado vestuario e iluminación.

Una aportación interesante de esta producción de “El amor brujo” es la participación de la cantante Estrella Morente, poniendo voz, jondura y arte al espectáculo. La presencia de Morente en escena es poderosa y rotunda, eclipsando su fuerte personalidad, en ocasiones, al componente danzado. Ullate sabe del temperamento de la cantante granadina y exprime sus posibilidades en escena, haciéndola partícipe de parte de la acción. Frente a ella, un cuerpo de baile bien temperado que desgrana la personal coreografía de Ullate, cuya principal raigambre es la danza contemporánea y con algunos toques flamencos, en los que luce Rubén Olmo, como bailaor invitado. En las escenas corales se percibe la influencia bejartina, por la manera de concebir geométricamente el grupo y la forma de moverlo sobre las tablas.

Quizás los momentos-cumbre esperables por el espectador sean “La danza del ritual del fuego” y “El círculo de fuego”. Sin embargo, son la negritud y oscuridad de los espectros las que se adueñan de la obra, desdibujando en parte la línea argumental y construyendo una suerte de infierno de vampiros de Halloween. Víctor Ullate quería primar el fuego fatuo y, sin embargo, parece que su lectura de “El amor brujo” está situada en pleno Hades. Pese a todo, una estrella ilumina la oscuridad del Averno, en esta personal lectura de Víctor Ullate sobre la obra ya centenaria.

Carlos Acosta se casó en La Habana el 23 de agosto, sin paparazzis ni reporteros. En “Agón”. Foto: Bill Cooper. Archivo Danzahoy.

Finalmente, después de varios años junto a la ex modelo inglesa Charlotte Holland, la estrella cubana del ballet mundial Carlos Acosta decide plantar cabeza, y formalizar civilmente su unión.

En una ceremonia privada, con la asistencia de un poco más de 200 invitados –según la lista preparada previamente por el propio novio–, Carlos Acosta (41 años), finalmente, se casó la tarde calurosa y luminosa del 23 de agosto en La Habana, y contó con la simpática participación de su primogénita de 3 años, Aila, quien desfiló primorosamente ataviada como “flower girl”.

Entre el selecto grupo de amigos y familiares presentes estuvo la estelar bailarina española y habitual partenaire de Acosta en el Royal Ballet de Londres, Tamara Rojo. La eximia ballerina cubana y directora del Ballet Nacional, Alicia Alonso, no asistió, enviando sus disculpas con hermosas flores.

Los esponsales ante notario local se efectuaron en los jardines de un suntuoso palacete de estilo florentino, construido en 1930 sobre un proyecto del arquitecto cubano Leonardo Morales, según las órdenes de su propietario, el rico comerciante de tabaco de origen inglés Mr. Marck Pollack, quien entonces estaba casado con una guapa cubana. Esta “mansión” está instalada en el exclusivo barrio residencial Cubanacán, conocido antes del 1959 como Country Club Park, y  después de una cuidadosa restauración, se alquila a personalidades foráneas VIP por una empresa del Consejo de Estado del gobierno cubano.

Los novios elegantes y sobriamente ataviados –ella, en un vestido corto blanco con velo, y él, con un traje de tres piezas color azul noche–, desfilaron en medio de los floridos parterres, nutridos con esta especial audiencia donde se distinguía su gran maestra y mentora, Ramona de Sáa, directora de la Escuela Nacional de Ballet, así como visitantes llegados de Europa, directores de otras compañías de danza. Aunque quedaron excluidos los críticos y los fotorreporteros (aquí los paparazzi no pudieron “robar” imágenes indeseables).