El San Francisco Ballet ofreció ocho funciones de “El lago de los cisnes” en el Teatro Real de Madrid. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

La primera gira internacional del San Francisco Ballet desde la incorporación de la española Tamara Rojo a la dirección no pudo haber tenido mejor escenario que el Teatro Real de Madrid. Había mucha expectación por el retorno de Rojo al frente de la compañía de ballet más antigua de los Estados Unidos, ya que sus dos últimas visitas se produjeron en su prodigiosa década (2012-2022), encabezando el English National Ballet.

Si bien en sus anteriores presentaciones la artista madrileña había mostrado su talento y osadía al apostar por la versión moderna de Akram Khan sobre el ballet romántico “Giselle” (2019) o sus primeros coqueteos con la coreografía en “Raymonda” (2023), en esta ocasión, Rojo se inclinó por uno de los títulos de excelencia del gran repertorio clásico, “El lago de los cisnes” (Marius Petipa y Lev Ivanov, 1895), en la versión remozada de su predecesor en la dirección del San Francisco Ballet, Helgi Tomasson (1985-2022). Precisamente, “El lago de los cisnes” fue el primer ballet que el islandés coreografió para el San Francisco Ballet en 1988, actualizó esta versión primigenia en 2009, y fue la obra que escogió para su despedida de la compañía.

Sabedora de la escasez de ballet clásico en la programación en España, quizás ése fuera el argumento de Rojo para decantarse por un título tradicional para deleite de los balletómanos de su país. En la actualidad y más aún después de los tiempos pandémicos, cada vez se prodigan menos las grandes compañías internacionales en giras, entre otros motivos, por la nueva conciencia ecológica que busca minimizar la huella de carbono y sabido es que la producción de un clásico conlleva decenas de bailarines en escena, amén del cuerpo técnico detrás, con sus consabidos desplazamientos. Sumando la sequía de espectáculos clásicos en la programación, con la poca posibilidad de disfrutar de grandes compañías internacionales fuera de sus respectivos teatros, lo cierto es que las ocho actuaciones del San Francisco Ballet en el Teatro Real se vivieron como un auténtico acontecimiento en Madrid.

Además, se trató de la primera visita de la veterana compañía estadounidense a la capital española, aunque no la primera al país, porque casualmente el luctuoso 11-S pilló al San Francisco Ballet actuando en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, donde ofrecieron “El lago de los cisnes” -cuyo el estreno protagonizó la bailarina vasca Lucía Lacarra- (4-9 de septiembre de 2001) y un programa mixto Tomasson/Robbins/Forsythe/Morris (13-16 de septiembre de 2001).

La solidez de la técnica del San Francisco Ballet destacó en “El lago de los cisnes”. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

Cisnes balanchinianos

La versión de Helgi Tomasson se estructura en cuatro actos, precedidos de un prólogo sobre el hechizo que el malvado Rothbart lanza a la princesa Odette. El primer acto se sitúa en las afueras del palacio y se centra en el cumpleaños del príncipe Siegfried, interpretado en la segunda función de forma muy correcta por el bailarín principal chino Wei Wang, y en él sobresale el pas de trois -Cavan Conley, Isabella DeVivo y Julia Rowe-. Además, participan un grupo infantil de estudiantes de danza del Conservatorio Profesional ‘Carmen Amaya’ de Madrid.

Durante el segundo acto y acuciado por el imperativo de tener que contraer matrimonio, el príncipe se interna en los bosques con la ballesta que le ha regalado su madre y se topa con la bandada de cisnes comandada por Odette, encarnada por la bailarina principal coreana Wona Park. Esta parte recoge algunos de los fragmentos más memorables de “El lago de los cisnes”, como el célebre pas de deux denominado el ‘Cisne Blanco’ o el paso de los ‘Cuatro Pequeños Cisnes’. Quizás lo que más llama la atención en toda la versión de Tomasson es lo fuertemente influida que está por el espíritu balanchiniano y en los actos blancos se percibe sobre todo en la mayor velocidad de ejecución de los pasos, en contraste con otras versiones europeas que tienden más hacia el lirismo y la suspensión de los pasos.

Paso de los ‘Cuatro Pequeños Cisnes’. San Francisco Ballet. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

Dadas las características de la escuela americana de ballet, no sorprende la rapidez y limpieza de las danzas de carácter del tercer acto -española, húngara, napolitana y rusa-, aunque la danza española responde más al cliché de lo que se entiende por español en el extranjero, que a una verdadera danza española. Y llegó el momento cumbre de esta parte, el pas de deux del ‘Cisne Negro’, en el que Park demostró sus mimbres como Odile. Apoyada en su técnica, pareció sentirse más cómoda en el papel de la sosias malvada de la obra -y en su consabida tanda de 32 fouettés-, que como princesa Odette. Y con un brevísimo entreacto sin descanso, el acto final transportó al espectador de nuevo al lago, con el decisivo combate entre Rothbart y Siegfried. En definitiva, la lucha entre el bien y el mal, en medio de una pléyade de cisnes. Dentro del abanico de posibles finales, Tomasson se decanta por unir a los amantes en el más allá, después de haber vencido al hechicero, encarnado por Jakub Groot.

Con una duración que rondó las tres horas, “El lago de los cisnes” ofreció una imagen excelente del San Francisco Ballet, una compañía con una fuerte impronta de la escuela americana, con una técnica muy sólida y una ejecución limpia, aderezada con algunos saltos de aire balanchiniano, no en vano George Balanchine fue el padre del ballet en los Estados Unidos. En un ballet con todos sus ingredientes no debe faltar la música en directo, en esta ocasión la Orquesta Titular del Teatro Real interpretó la partitura de Tchaikovsky, bajo la batuta de Martin West. La escenografía y vestuario de Jonathan Fensom buscaron crear la magia del clásico, ayudados por la iluminación de Jennifer Tipton. En sus nueve décadas de existencia, la primera visita a Madrid del San Francisco Ballet no pudo ser más exitosa, a la vista de la calurosa recepción del público, que brindó una larga salva de aplausos a la compañía cuyo destino dirige actualmente la prestigiosa Tamara Rojo, primera bailarina española en obtener el Premio Príncipe de Asturias hace casi veinte años.

“Fordlandia” subió a escena en la Kulturens Hus, en la capital de la provincia de Norrbotten. Foto: Leszek Januszewski. Gentileza Goldenlac Productions.

Situada al norte de Suecia y con apenas 75.000 habitantes, la pequeña localidad de Luleå acogió la vigésimo primera representación de “Fordlandia”, obra con la que se estrenaron en las labores de producción Lucía Lacarra y Matthew Golding y cuya première fue en Dortmund precisamente dos años antes. Si utópica era Fordlandia, la ciudad que imaginó Henry Ford (1863-1947) en medio del Amazonas, no menos utópico (e inesperado) era imaginar que, por los azares del destino, terminaría yo asistiendo a la actuación en la Kulturens Hus de Luleå.

Cartel anunciador de la actuación en Luleå. Foto: Iratxe de Arantzibia.

Tres vuelos y doce horas para recorrer los 3.600 kilómetros de distancia entre la capital guipuzcoana y la capital de Norrbotten, me convirtieron en testigo privilegiada de la primera actuación de Lucía Lacarra en suelo sueco y sobre todo, de cómo entendía el público de una pequeña población del país nórdico la utopía imaginada por la bailarina vasca y Matthew Golding.

Habría que retrotraerse hasta marzo de 2020 cuando la situación real del confinamiento, debido a la pandemia, les regaló a ambos un precioso tiempo para idear un espectáculo onírico, con la intención de plasmar ese distanciamiento que ellos estaban viviendo como pareja artística y en la vida real: ella pasó ese encierro vital en su localidad natal, Zumaia, y él en Ámsterdam. Así surgió “Fordlandia”, un espectáculo multidisciplinar que aúna danza, música y arte visual.

Huyendo de una narrativa lineal, la obra aborda el tema de las diferentes maneras de separación forzosa en una relación, aun así con amor. “Fordlandia” se compone de seis piezas de danza de corte neoclásico, cuyas transiciones se realizan mediante diversos cortos cinematográficos rodados por el artista visual Altin Kaftira en impresionantes escenarios naturales como el flysch de Zumaia –donde se rodaron escenas de “Juego de tronos”- o un bosque cercano a la localidad holandesa de Bergen Aan Zee, además del sobrecogedor inicio en un teatro vacío en Dortmund.

En el plano coreográfico, cinco de las seis piezas danzadas en escena se crearon para la ocasión. Para ello, Lacarra y Golding invitaron a los coreógrafos Anna Hop, Yuri Possokhov y Juanjo Arqués. Sobre música de su compatriota Chopin, la polaca Anna Hop ideó las dos piezas iniciales “Stillness” y “Close”, que ahondan en el vacío y la distancia. Quien fuera su compañero y partenaire en su etapa en el San Francisco Ballet, el ucraniano Yuri Possokhov, creó para la vasca y su pareja un conmovedor paso a dos sobre la triste historia de amor entre un soldado y una joven a quienes una tormenta de nieve les impide cumplir con su objetivo de desposarse. Basado en un cuento de Alexander Pushkin, “Snow Storm”, sobre la música de Georgy Sviridov, entremezcla proyecciones y danza en escena.

El coreógrafo español Juanjo Arqués es el responsable de la pieza de la cual toma nombre el espectáculo: “Fordlandia”. Como se ha mencionado anteriormente, el título hace referencia a la ciudad fundada en Brasil por el empresario Henry Ford en los años 30 del pasado siglo, con la intención de producir suficiente caucho para la Ford y evitar los monopolios imperantes. A duras penas pervivió una década esta utopía que chocó contra un hongo que arruinó la planificación de Ford y, en la actualidad, Fordlandia es una ciudad fantasma abandonada en medio del Amazonas. La segunda pieza de Arqués es “Pile of Dust” y al igual que en la anterior, el coreógrafo contó con música de Jóhann Jóhannsson.

El broche de oro de “Fordlandia” viene de la mano del paso a dos de “After The Rain” (2005), creación del coreógrafo inglés Christopher Wheeldon para el New York City Ballet, sobre la música de Arvo Pärt. Aunque la obra se compone de dos partes, es habitual que el paso a dos se realice de manera independiente y en su día, fue creado para los bailarines principales del NYCB Wendy Whelan y Jack Soto, como «una carta de amor, un poema para ambos artistas», según confesión de Wheeldon.

Conociendo la reacción del público vasco ante el espectáculo, me intrigaba saber cómo reaccionarían los espectadores congregados en la Kulturens Hus de Luleå. Viendo el entorno natural donde se sitúa la ciudad sueca, se intuía que podrían quedar cautivados por las proyecciones ambientadas en privilegiados espacios naturales. Atento desde el inicio de la función, el público ni pestañeó y guardó un silencio sepulcral durante los setenta minutos de duración de “Fordlandia”. A la hora de los aplausos, se entregaron en una cálida ovación de tres minutos, que prosiguió con numerosas felicitaciones de espectadores que se acercaron a la mesa donde cenamos con Lucía Lacarra, Matthew Golding y su equipo, convidados por los responsables de la Kulturens Hus de Luleå, que se encuentra inmersa en la celebración de su decimoquinto aniversario.

La pandemia motivó a Lucía Lacarra y a Matthew Golding para crear un espectáculo onírico, con la intención de plasmar el distanciamiento que estaban viviendo. Foto: Leszek Januszewski. Gentileza Goldenlac Productions.

Lucía Lacarra y Matthew Golding producen y protagonizan “In The Still of The Night”. Foto: Leszek Januszewski. Gentileza Goldenlac Productions.

El confinamiento domiciliario del año pasado regaló un valioso tiempo a Lucía Lacarra para hacer un alto en el frenético ritmo de su carrera de treinta años sobre los escenarios y poder plantearse un reto adicional. De esta manera, la bailarina vasca y su actual partenaire, el también primer bailarín Matthew Golding, dieron un paso más al iniciarse en la senda de la producción de sus propios espectáculos. Así surgió “Fordlandia” (2020), una obra onírica con la intención de plasmar ese distanciamiento que estaban viviendo como pareja artística y en la vida real: ella pasó el encierro en su localidad natal, Zumaia, y él en Ámsterdam. Otra de las claves residió en la feliz conjunción de coreografías de nueva creación –a excepción del pas de deux de “After The Rain” de Christopher Wheeldon-, música y arte visual. El espectáculo despuntó desde su estreno en Dortmund en septiembre del año pasado y supuso el impulso necesario para que Lacarra y Golding decidieran continuar por ese camino.

Con la intención de repetir la fórmula que tan buenos réditos les había dado, ambos artistas asumieron una mayor responsabilidad en su segunda producción, “In The Still of The Night”, cuyo título procede del conocido tema que el grupo The Five Satins grabó en 1956. En esta ocasión, el bailarín canadiense firma también la coreografía, toda vez que se responsabiliza del concepto, puesta en escena y dirección cinematográfica de los sucesivos vídeos que trufan la propuesta de sesenta minutos de duración. En ese ámbito de decisiones propias de la producción, la elección del título de la obra da una seria pista acerca de dónde va a estar situada la pieza, corroborada por gran parte de la banda sonora -The Righteous Brothers, Ben E. King & The Drifters, The Ronettes-. Según estos indicios, la trama se desarrollaría en una carretera indeterminada de América en la década de los 50-60, por donde circula un Mustang descapotable con una pareja de enamorados, que decide hacer un alto en el camino. Tumbado en su cama, la constante pesadilla de un enigmático suceso tortura al protagonista a quien se le aparece la imagen espectral de su amada, quien porta una fotografía o algo similar en sus manos.

“In The Still of The Night” se basa en el título del tema que el grupo The Five Satins grabó en 1956. Foto: Leszek Januszewski. Gentileza Goldenlac Productions.

La narración de “In The Still of The Night” se apoya en dos tipos de recursos: de una parte, la historia de cómo se conoce la pareja, se enamora y el viaje en coche, a través de diversos vídeos; y de otra, los pasos a dos interpretados en escena por Lacarra y Golding, y ahí es donde se despliega toda la magia del ballet. La diferencia entre una buena bailarina y una bailarina única radica en una interpretación capaz de conmover al espectador en su butaca, y en ese campo, la maestría de Lacarra es tan superlativa que se ha visto reconocida con los galardones más prestigiosos del mundo de la danza como el Premio Nijinsky, el Benois de la Danse o el reconocimiento como ‘Bailarina de la Década’.

En esta ocasión, la artista vasca opaca a su partenaire en unos pas de deux destinados a sacar brillo a la excelencia de sus cualidades. Los brazos de Golding responden solícitos a la necesidad de volar de Lacarra, en unos ‘portés’ de acrobacias a veces casi imposibles. Pero más allá de esa técnica impecable e incluso de la trama en sí misma, lo que convierte en único un espectáculo de Lucía Lacarra es su capacidad de emocionar al público y no sólo por el hecho de que “In The Still of The Night” sea un lacrimógeno drama. El pasado domingo, la “première” española de la obra en el Teatro Arriaga de Bilbao reunió a un numeroso público que extasiado con la propuesta, respondió con cinco minutos de aplausos. A todas luces, los protagonistas han hallado la fórmula magistral del éxito y todo apunta a que después de la ciudad utópica que soñó Henry Ford (“Fordlandia”) y de la conmovedora tragedia ambientada en los años 60 (“In The Still of The Night”), el dúo Lacarra-Golding tiene más cuerda que ‘Unchained Melody’ de los Righteous Brothers.

Lucía Lacarra y Matthew Golding forman pareja artística desde 2019. Foto: Leszek Januszewski. Gentileza Goldenlac Productions.

Con un cuerpo de baile totalmente renovado, el flamante director del Ballet del Estado de Baviera, Igor Zelensky, inauguró un nuevo ciclo con “Giselle”. Foto: © Wilfried Hösl. Gentileza Ballet del Estado de Baviera.

La apertura de una nueva temporada de ballet es siempre un acontecimiento hasta cierto punto festivo. Esta vez a ese carácter se añadió el enorme interés despertado por el comienzo de una nueva era en el Ballet de Baviera. Tras dieciocho años bajo el mismo director, se presentaba el nuevo jefe de la compañía, Igor Zelensky, un hombre de ballet formado en la Academia Vaganova y que, además de haber sido una de las estrellas más festejadas del Teatro Mariinsky de San Petersburgo y del New York City Ballet, llegó a Múnich con toda la experiencia que ha acumulado durante años como director de los ballets de la Ópera de Novosibirsk y del Teatro Stanislavsky de Moscú.

Las expectativas eran pues, muy grandes y la apertura de la temporada, del 23 de septiembre al 2 de octubre fue con “Giselle”, ballet en dos actos con libreto de Theophile Gautier, Vernoy de Saint-George y Jean Coralli, y música: Adoplhe Adam, Friedrich Burgmüller y Ludwig Minkus.

La función del 23 de septiembre fue anunciada y celebrada justamente como un “estreno”, pese a que se ofrecía la misma producción de Sir Peter Wright que lleva más de cuarenta años en el repertorio de este conjunto. Aunque la versión de Wright no es la más hermosa de las que existen de esta obra, debido a su clasicismo, sigue resultando aceptable. El coreógrafo británico, ya nonagenario, participó activamente en esta reedición de su añeja producción.

Natalia Osipova y Sergei Polunin, protagonizaron “Giselle” en las primeras funciones del Ballet del Estado de Baviera. Foto: © Wilfried Hösl. Gentileza Ballet del Estado de Baviera.

Desde el primer momento de la función se advirtió un gran salto cualitativo en comparación con el nivel tanto artístico como técnico, mucho más modesto, al que el público de Múnich se había habituado desde hacía varias temporadas. En primer lugar debe destacarse el aumento del nivel en el cuerpo de baile, que ha sido totalmente renovado. Se ha ganado no sólo en unidad, sino también en competencia técnica y estilística, y en algo tan fundamental como la sincronía, que en el período anterior a la llegada de Zelensky dejaba bastante que desear. Es éste un hecho de importancia capital.

La “antigua“ compañía pudo durante unas temporadas salir del paso gracias a algunos solistas sobresalientes, tanto propios (Yelena Pankova, Kirill Melnikov, Lucía Lacarra) como invitados (Uliana Lopatkina, Svetlana Zajarova, el propio Igor Zelensky), en una estrategia de reparto que recordaba un poco al cuento de “Los trajes del emperador”. En cuanto estos solistas faltaban (al final sólo quedaba Lacarra…) se veía a las claras la desnudez del emperador. Un buen cuerpo de baile, el fundamento de toda compañía, se echaba de menos de modo doloroso.

Igor Zelensky ha conseguido en muy pocas semanas, con un grupo de bailarines jóvenes y que por primera vez trabajaban juntos, lo que su antecesor no logró nunca en casi dos décadas. Seguramente nunca ha tenido esta compañía un cuerpo de baile de tanta calidad como el presente. Aunque sólo sea por esto, el comienzo del mandato de Zelensky en esta casa sólo puede ser calificado de brillante.

Pero también el formar un equipo de solistas como el que ha presentado es un mérito nada baladí. Los protagonistas de esta velada, Natalia Osipova (Giselle) y Sergei Polunin (Albrecht), son primeros solistas huéspedes “estables“ de la compañía, lo que garantiza un alto nivel también en los papeles principales. Es un gran placer ver cómo Natalia Osipova ha dejado de ser un fenómeno técnico, una especie de niña precoz de habilidades circenses, para convertirse en una bailarina de enormes cualidades artísticas al tiempo que dotada de una técnica impecable. En ella se advierte a una intérprete que ha alcanzado la madurez sin perder la frescura juvenil. En el plano técnico sobresale su bellísimo trabajo de piernas y pies, puro y preciso.

En el aspecto puramente interpretativo, su Giselle combina contención clásica (sin concesiones a la acrobacia) con un encanto ingenuo y una carga de sentimiento justamente dosificado, de modo que crea la ilusión de la espontaneidad y de una natural fluidez emocional. El patetismo de la escena de la locura resulta creíble y sincero. La verosimilitud es acentuada por el hecho de que en esta misma escena se insinúa una metamorfosis del personaje, en el que se vislumbran ya, muy sutilmente, algunos rasgos de la mágica Willi que aparecerá en el segundo acto. Esta finísima transformación tiene dos consecuencias: la figura de Giselle gana hondura psicológica, mientras el destino que la convierte en un fantasma aparece aún más trágico e inexorable.

En el segundo acto, Osipova sabe expresar emoción dentro del estricto rigor clásico y de la sublimidad que caracterizan a todo acto blanco. Sergei Polunin es un Albrecht masculino, vigoroso, siempre discreto, virilmente elegante, algo introvertido, técnicamente impecable y que en ningún momento roba la función a su compañera. En sus entrechats del segundo acto no sólo ofrece un número técnicamente muy brillante, sino también de excepcional fuerza expresiva. Polunin es un intérprete que sabe poner el virtuosismo al servicio de la emoción y del significado de la escena.

Prisca Zeisel (Myrtha) encabeza un grupo de Willis implacables y bien coordinadas. En general los tiempos son muy rápidos, en algunos pasajes quizás sería conveniente un poco más de sosiego, sobre todo en las apariciones de Myrtha. La orquesta y su director, Aivo Välja, están igualmente a muy bien nivel. El sonido está bien empastado y es compacto, la interpretación es precisa y cálida, los matices están bien trabajados y la tanto la línea melódica como la dinámica hacen justicia al estilo romántico propio de la partitura.

Segundo reparto

La serie de funciones de Giselle contó en total con cuatro repartos diferentes. El 2 de octubre, la penúltima representación fue protagonizada por un miembro estable de la compañía, la primera bailarina Maria Shirinkina. Si Osipova representa lo mejor de la escuela moscovita, Shirinkina es un excelso ejemplo de la petersburguesa. Las diferencias son pues muy notables. La Giselle de Shirinkina es lirismo puro. En su interpretación renuncia a todo ornamento, a todo lo que pudiera resultar superfluo. Su danza es un arte cuya depuración llega hasta la quintaesencia.

Ya en el primer acto, Giselle aparece como un personaje poético muy diferenciado del medio ambiente que la rodea. La expresión de las emociones está sublimada, la excelente técnica de la bailarina está rigurosamente subordinada a la pureza estilística y a una belleza etérea y casi abstracta. La pantomima es del todo convinvente, pero lo que verdaderamente importa es la danza en sí misma.

En el segundo acto Shirinkina parece desmaterializarse. Más ligereza y blandura resultan inimaginables. Sus tiempos son bastante más lentos que los de Osipova, el virtuosismo no se expresa de modo acrobático, sino en los detalles más sutiles del bellísimo, ondulante port de bras y de un trabajo de piernas y de pies de elegancia incomparable. Se echa de menos una acentuación más marcada, quizás algo más de arrojo y de patetismo, pero las cualidades que muestra esta bailarina, nacida para ser Giselle, compensan de sobra estos pequeños déficits. Iviy Amista, como Myrtha es muy convincente. Quien no alcanza el nivel desable es Osiel Gouneo. Su Albrecht resulta falto de sutileza y demasiado extrovertido. Gouneo no es el danseur noble que requiere este papel, sino un intérprete que muestra más fuerza que arte en todos sus movimientos.

Hannah O’Neill y Alicia Amatriain compartieron el Benois a la Mejor Bailarina, en la ceremonia que tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de Moscú, el 17 de mayo. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El Teatro Bolshoi de Moscú acogió el 17 de mayo, la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse. Instituidos en 1992 por la Unión Internacional de la Danza, estos galardones son considerados los ‘Óscar’ del ballet. “Realmente es muy gratificante cuando la gente considera que el Benois es la distinción más alta en el mundo del ballet”, asegura Nina Loory, cofundadora y directora artística del certamen.

Jason Reilly y Alicia Amatriain, ambos bailarines del Stuttgart Ballet, en la entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse, en el Teatro Bolshoi de Moscú. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El jurado estuvo presidido por el legendario Yuri Grigorovich, quien celebrará sus 90 calendarios, el próximo 2 de enero y en cuyo homenaje también se está organizando un festival. Además de Grigorovich, formaron parte del jurado José Carlos Martínez (director de la Compañía Nacional de Danza), Marie-Agnès Gillot (Étoile del Ballet de la Ópera de París), Johannes Öhman (director artístico del Real Ballet de Suecia), Xiao Suhua (coreógrafo y profesor del departamento de coreografía de la Beijing Dance Academy), Elisabetta Terabust (estrella italiana del ballet), Yury Fateyev (Mariinsky Ballet) y Linda Shelton (directora ejecutiva de la Fundación del Joyce Theater, en Nueva York).

La ceremonia de entrega quiso revestirse de toda la pompa y solemnidad predicables de uno de los mayores templos del ballet, el mítico Teatro Bolshoi. Como si fuera una mezcla de un acto versallesco con chambelán incluido y una moderna imitación de los galardones más cinematográficos con los videos presentación de cada uno de los candidatos, el acto se alargó en exceso –tanto como sesenta minutos de reloj- y más siendo el prólogo de la gala de nominados, con una duración de tres horas. De cualquiera de las maneras, lo realmente interesante fue el palmarés en el que se aplicó dos veces el juicio salomónico para conceder dos distinciones.

La categoría de mejor coreógrafo aupó a Yuri Possokhov por su creación “Hero of our time” para el Bolshoi Ballet, y a Johan Inger, por sus obras “Carmen” para la Compañía Nacional de Danza y “One on One” para Nederlands Dans Theater.  Como mejor bailarín despuntó el coreano Kim Kimin (Mariinsky Ballet) por sus interpretaciones de “La Bayadère” y “Schéhérazade”.

Octavo para España

Alicia Amatriain y José Carlos Martínez, director de la Compañía Nacional de Danza de España. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El jurado otorgó el Benois a la ‘Mejor Bailarina’ ex aequo a Alicia Amatriain (Stuttgart Ballet), por sus magistrales interpretaciones en “Un tranvía llamado deseo”, con coreografía de John Neumeier, y “The soldier’s tale”, creada por Demis Volpi; y a Hannah O’Neill (Ballet de la Ópera de París), por “Paquita”. “En el caso de ‘Un tranvía llamado deseo’, el reto fue entender a Blanche DuBois y cómo reacciona esa mujer. Es una persona muy compleja que ha sufrido durante toda su vida. Técnicamente, no tiene una coda de 32 fouettés, pero para conseguir que el público entienda su drama, la técnica debe pasar desapercibida”, confesó la intérprete donostiarra. Gracias a la creación del rol del demonio ‘The soldier’s tale’, Amatriain se convirtió en la primera artista española en recibir el der Faust, el pasado mes de noviembre. “Fue un papel muy difícil y físicamente muy duro, que me ha traído muchas alegrías. No puedes salirte del personaje en ningún momento, ya que se perdería la ilusión de la animalidad”.

La artista vasca pone así broche de oro a una temporada prolífica en premios que se inició en septiembre del año pasado con su nombramiento como ‘Kammertänzerin’ –Bailarina de Cámara- del estado de Baden-Württemberg. En su discurso, palabras de agradecimiento para el Stuttgart Ballet, “su casa”, y John Neumeier “por la oportunidad de interpretar este personaje tan complicado que es Blanche DuBois”. De esta manera, Amatriain se alza con el octavo ‘óscar’ del ballet español, tras los intérpretes Ángel Corella (2000), Joaquín de Luz (2009) y Fernando Romero (2011), las bailarinas Lucía Lacarra (2003) y Tamara Rojo (2008), y los coreógrafos Nacho Duato (2000) y José Carlos Martínez (2009).

El premio a la mejor escenografía recayó en Ren Dongsheng por “Emperor Yu Li” de la Beijing Dance Academy. Fuera de las categorías a concurso, John Neumeier recibió el Benois en homenaje a toda su carrera, de manos del mismísimo Yuri Grigorich, y glosó su relación con Rusia, en su discurso. De hecho, la presencia del repertorio de Neumeier fue amplia tanto en la gala de nominados (17 de mayo) como en la gala de laureados (18 de mayo), estando esta última orientada a recordar el 400 aniversario del fallecimiento de William Shakespeare, para lo que se programaron pasos a dos de ballets inspirados en sus obras.

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El teatro también baila

Lucía Lacarra, primera bailarina del Ballet de la Ópera de Munich y Premio Nacional de Danza 2005. Foto: Charles Tandy. Archivo Danzahoy.

El Auditorio del Palacio Euskalduna de Bilbao acoge el próximo 27 de diciembre el estreno absoluto del nuevo ballet “Izena duenak izana du” (antiguo proverbio vasco que significa que lo que tiene nombre existe). Basado en las creencias populares y tradiciones ancestrales del pueblo vasco, cuenta la historia de una joven que se pierde en el bosque durante la noche del solsticio y es rescatada por la diosa-madre Amari. Bajo la dirección artística y con coreografía de Jon Ugarriza, el espectáculo será protagonizado por los Primeros Bailarines del Ballet de la Ópera de Munich Lucía Lacarra (Amari) y Marlon Dino (Sugaar, deidad masculina y consorte de Amari).

Poster del espectáculo “Izena duenak izana du” , protagonizado por Lucía Lacarra y Marlon Dino.

Duendes, brujas o plantas protectoras contra los malos espíritus serán otros personajes de “Izena duenak izana du”, interpretados por los bailarines Nerea Barrondo, Mikel del Valle, Maitane Goikolea, Marina Goitia, Jone Martínez, Almudena Pérez, Inés Pérez y Clara Yue Bañuelos.

Todos ellos son jóvenes promesas de la danza que están finalizando sus estudios en prestigiosos centros como la Escuela Superior de danza del Teatro Bolshoi de Moscú, el Trinity Laban Conservatoire of Music and Dance de Londres, el Real Conservatorio Profesional de Danza “Mariemma” de Madrid, la Escuela de Danza de Víctor Ullate de Madrid y el Conservatorio Superior de Danza de Valencia, gracias al apoyo económico de la Diputación Foral de Bizkaia.

El guión ha sido elaborado por la popular y premiada escritora Toti Martínez de Lezea, muy conocida por sus novelas que reflejan la historia y tradiciones del País Vasco. La banda sonora de esta nueva producción cuenta con canciones del fallecido cantautor Mikel Laboa, el pianista Iñaki Salvador y los grupos Oskorri, Elfenthal (Maite Itoiz y John Kelly) y Ken Zazpi, cuya canción “Ilargia” (Luna, en euskera)  se ofrecerá en la versión sinfónica realizada por Fernando Velázquez para el grupo y la Orquesta Sinfónica de Euskadi.

Mario Jiménez firma la escenografía y proyección que emplea los últimos recursos tecnológicos, gracias a los que recrea los bosques mágicos donde transcurre la acción. Completan el equipo Kike López como director de fotografía, Oscar Andrés, en la dirección audiovisual, Yon Gijón, para el atrezzo, Dineke Bakken y Louise Flanagan, en el vestuario.

Se trata de la segunda colaboración entre Ugarriza y la pareja artística formada por Lucía Lacarra y Marlon Dino, tras el rodaje del cortometraje “The Key”, el pasado mes de junio,  actualmente en fase de postproducción.

El coreógrafo Jon Ugarriza (izq.), Marlon Dino y Lucía Lacarra en un ensayo en el Palacio Foral de la Diputación de Bizkaia. Bilbao, 16 Junio 2015. Foto gentileza “The key”.

BalletNow, con la curaduría del italiano Roberto Bolle y del argentino Herman Cornejo, reúne reconocidos bailarines internacionales. Foto: (izq.) Roberto Bolle, por Luciano Romano. (der.) Herman Cornejo, por Lucas Chilczuk.

Un nuevo capítulo en la programación de danza de The Music Center de Los Ángeles, centro reconocido por sus ciclos de ballet y danza contemporánea. Esta vez, Europa y América latina se funden en un abanico de estilos y tendencias con los mejores de cada continente. Con el estreno mundial del ciclo BalletNow™, que se realizará desde el viernes 10 al domingo 12 de julio, el ballet tendrá una cita memorable.

Por primera vez, y con la curaduría de dos grandes de la danza internacional, el italiano Roberto Bolle y el argentino Herman Cornejo, ambos primeros bailarines del American Ballet Theatre, BalletNow™, propone una gran diversidad de obras. Bolle y Cornejo han formado un ensamble internacional con 18 de los mejores bailarines de 12 países, en tres presentaciones diferentes que se realizarán por primera vez en The Music Center y en el sur de California.

El 10 de julio, en el Dorothy Chandler Pavilion de The Music Center se presentarán artistas europeos seleccionados por Bolle, mientras que en la segunda noche, lo hará el grupo latinoamericano, con curaduría de Cornejo. Para la tercera función final del 12 de julio, está preparado un show que reúne a la mayoría de los bailarines de las presentaciones anteriores.

The Music Center co-produce el programa europeo y el tercer programa junto a Arts Producer Plus LLC (Richard Kielar, director) y Artedanza s.r.l. (Emanuela Bolle,directoral). Y el latinoamericano,es una producción exclusiva de Arts Producer Plus LLC.

BalletNow es una combinación de clásicos, solos y pas de deux, las más renovadas propuestas contemporáneas, estrenos mundiales y estrenos especiales para la Costa Oeste. El programa propuesto por Bolle será una mezcla de obras clásicas, neoclásicas y contemporáneas. Y él mismo estrenará en Los Ángeles “Prototype”, con coreografía de Massimiliano Volpini y música de Piero Salvatori, que incluye efectos digitales de Xchanges Visual effects. Bolle, Étoile del Teatro alla Scala de Milán, también bailará “Passage” -estreno en los Estados Unidos-, con coreografía de Marco Pelle, y música y video de Fabrizio Ferri. ”Passage” fue presentado por primera vez en el Festival de Cine de Venecia en Italia en 2014.

Cornejo, por su parte, ideó un programa con fuerte toque latino, incluida la presentación “Tango y Yo”, que también será estreno en la Costa Oeste, cuya premier la hizo el Ballet Hispanico en New York en 2010. El bailarín argentino su vez estrenará otra coreografía propia, “Fuga y Misterio”, con música de Astor Piazzolla.

El programa se completará con una serie de pas de deux y variaciones de la versión de Cornejo de “Don Quixote Suite”. El colombiano Carlos Molina creó su versión del pas de deux de “Carmen”, que será uno de los estrenos mundiales, y también presentará el estreno de su versión del pas de deux de “Spartacus”.

Paloma Herrera, que acaba de retirarse del American Ballet Theatre, hará también su despedida en la Costa Oeste el sábado 11 de julio. En esta oportunidad bailará junto al argentino Juan Pablo Ledo el pas de deux de “Verano Porteño”, obra que pertenece a “Cuatro Estaciones de Buenos Aires”, con coreografía de Mauricio Wainrot, y en la segunda parte, el pas de deux “Nuestros Valses”, de Vicente Nebrada.

BalletNow: bailarines

Estrellas de Europa
Roberto Bolle, Étoile Teatro alla Scala de Milan y principal del American Ballet Theatre. (de Italia)
Petra Conti, principal del Boston Ballet, Boston (de Italia)
Marlon Dino, principal del Bayerisches Staatsballett de Munich (de Albania)
Maria Eichwald, bailarín invitado, y ex principal del Suttgart Ballet de Alemania (from Kazakhstan)
Maria Kochetkova, principal del San Francisco Ballet (de Rusia)
Lucia Lacarra, principal del Bayerisches Staatsballett de Munich (de España)
Marijn Rademaker, principal del Dutch National Ballet de Amsterdam (de Holanda)
Henry Sidford, San Francisco Ballet (de los Estados Unidos)
Dinu Tamazlacaru, principal del Staatsballett Berlin (de Moldavia)

Estrella latinas

Herman Cornejo, principal del American Ballet Theatre. (de Argentina)
Paulo Arrais, principal del Boston Ballet (de Brazil)
Mary Carmen Catoya, artista invitada, ex principal del Miami City Ballet. (de Venezuela)
Erica Cornejo, principal del Boston Ballet (de Argentina)
Paloma Herrera, principal del American Ballet Theatre. (de Argentina)
Juan Pablo Ledo, principal del Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires (de Argentina)
Carlos Molina, artista invitado, ex principal del Boston Ballet. (de Colombia)
Luciana Paris, solista del American Ballet Theatre (de Argentina)
Kleber Rebello, principal del Miami City Ballet (de Brasil)
Viengsay Valdes, principal del Ballet Nacional de Cuba (de Cuba)

Hacer clic aquí para ver el programa completo.

El coreógrafo Jon Ugarriza, Marlon Dino y Lucía Lacarra (de izda a dcha) en un ensayo en el Palacio Foral de la Diputación de Bizkaia, Bilbao, el 16 de junio 2015. Foto gentileza “The key”.

El cine ha cautivado a la estrella Lucía Lacarra. Por primera vez, se pone frente a las cámaras para rodar una obra de ficción, “The key”, cuya filmación tuvo lugar la pasada semana con espléndidas localizaciones en Bilbao. La iniciativa surge del empuje del productor ejecutivo, director artístico y coreógrafo Jon Ugarriza, quien aunó fuerzas con el cineasta Oscar Andrés para llevar a cabo esta cinta. La obra cuenta la historia de amor entre una diva del ballet  y un fotógrafo, siendo el punto culminante una impresionante coreografía de Ugarriza, realizada sobre la versión orquestal de la canción “Ilargia” (en euskera, luna) del grupo Ken Zazpi, realizada por Fernando Velázquez.

En 2001 Lacarra también incursionó en el cine en el documental “Violette et Mr. B”, que plasma la relación artística entre la bailarina Violette Verdy y George Balanchine. “Estoy muy ilusionada y orgullosa de formar parte de este proyecto único que, para mí, tiene un sentido especial, ya que se ha pensado y creado aquí, en casa —dijo la bailarina—. Para mí es un reto que me apasiona, me motiva y me hace descubrir cosas nuevas: ver el mundo del ballet desde el punto de vista del cine”. Lacarra se mete en la piel de una estrella de ballet que accede a un mundo mágico con la llave a la que hace referencia el título y conoce el amor, gracias a un fotógrafo, interpretado por su marido, Marlon Dino, también Primer Bailarín del Ballet de la Ópera de Munich.

El rodaje de “The Key” tuvo como punto culminante la filmación de la coreografía principal en uno de los salones del Palacio Foral de la Diputación de Bizkaia. Además, la grabación en los aledaños del recinto contó con una grúa elevadora para alcanzar más de 12 metros de altura y filmar la fachada principal del Palacio Foral en varias de las secuencias nocturnas. La primera jornada, el rodaje tuvo lugar en tres escenarios diferentes del Hotel Carlton de Bilbao: la entrada principal, en una secuencia nocturna; la lujosa escalinata interior y uno sus salones. En un descanso de la misma, el productor ejecutivo, director artístico y coreógrafo Jon Ugarriza y la estrella Lucía Lacarra atendieron a los medios de comunicación. Glamourosamente vestida con un largo vestido blanco de gasa de 6’Emegalerie y joyas de Cristina Zazo, y peinada en el salón de Yolanda Aberasturi, Lacarra descendió por la escalera como toda una estrella para atender a los periodistas y fotógrafos allí congregados. Luego volvió al rodaje.

Suelas de goma

Para evitar el suelo resbaladizo, las zapatillas de punta de Lucía Lacarra tuvieron que ser acondicionadas con una suela de goma. Esta experiencia no era novedosa para ella. En 2007, se convirtió en la primera española invitada al tradicional Concierto de Año de Nuevo de Viena, dirigido en aquella edición por Zubin Mehta. Además, marcó un hito e inició una tradición: fue la primera artista que bailó en directo el vals “El Danubio azul’. Pero el lujoso Palacio Schönbrunn también requirió de ese especial acondicionamiento de sus zapatillas. En aquella ocasión, cien millones de televidentes en sesenta países pudieron disfrutar de la actuación de Lacarra a través del canal internacional ORT.

La filmación de “The key” finalizó a las 8.00 horas del 19 de junio. Está producida por MasQDanza, JYT Kreatktibos y BYP Media. Cuenta con el apoyo de Bizkaiko Foru Aldundia-Diputación Foral de Bizkaia, Producciones Serrano y la Bilbao Bizkaia Film Commission. Está previsto su lanzamiento para principios de 2016, con vocación de exhibirse en festivales de cine nacionales e internacionales.

El 25 de abril se otorgaron los XIII Premios de la Danza (de izda a dcha) a Asier Zabaleta, Aitor Arrieta, Merche Filgueira y Juan Antonio Urbeltz, en el Ayuntamiento de San Sebastián. Foto gentileza José Ceballos /APDG

La Asociación de Profesionales de la Danza de Gipuzkoa (APDG) entregó los XIII Premios de la Danza, en la recta final de los actos del ‘Mes de la Danza’. En 1996, la APDG comenzó a organizar las actividades conmemorativas del Día Internacional de la Danza que, con el paso del tiempo, fueron tan numerosas hasta extenderse durante todo el abril, siendo denominadas como Mes de la Danza.

Estos Premios se crearon en 2003 para distinguir a bailarines, coreógrafos y maestros cuya contribución artística fuera especialmente relevante y para agradecer a las instituciones que apoyaran la danza. Desde 2006, se instituyeron tres categorías: Premio Revelación –para destacar el potencial de un bailarín-, Premio Trayectoria Artística –para reconocer la carrera de un bailarín o coreógrafo- y Premio Dedicación a la Danza –orientado, principalmente, hacia el reconocimiento de la labor de los profesores y maestros. A ellos, se suma este año la categoría de Premio Investigación – para quienes por su afición a la búsqueda e investigación preservan el legado cultural de la danza-.

Aitor Arrieta recibe el Premio Revelación de manos del alcalde. Foto gentileza José Ceballos/APDG

En ediciones anteriores, los consolidados galardones han reconocido, en sus diferentes categorías, a destacadas figuras guipuzcoanas como Lucía Lacarra (Ballet de la Ópera de Munich), Alicia Amatriain (Stuttgart Ballet), Urtzi Aranburu (Nederlands Dans Theater), Itziar Mendizabal (The Royal Ballet), Jone San Martín (The Forsythe Company), Iker Murillo (Béjart Ballet de Lausanne), Jorge Nozal (NDT), Monica Zamora (Birmingham Royal Ballet), Iratxe Ansa (NDT), Iratxe Beorlegui (Compañía Nacional de Danza de México), Jon Vallejo (Ballet de Dresde), Asier Edeso (Les Ballets de Monte-Carlo), Ion Agirretxe (Real Ballet de Flandes), Carlos Martín (Ballet Nacional de Polonia), entre otros.

Los galardonados

El Premio Revelación 2015 recayó en Aitor Arrieta “por su potencial con un futuro prometedor en el mundo de la danza”. Oriundo del municipio guipuzcoano de Errenteria, Arrieta se inició en la danza tradicional vasca, donde fue Campeón de Aurresku de Euskadi (2011), dando posteriormente un viraje a su carrera y dedicándose al ballet clásico. En 2013, con sólo diecinueve años,  fue contratado por José Carlos Martínez para la Compañía Nacional de Danza (CND), siendo el varón más joven que accedió a la formación ese año.

Premio Trayectoria Artística para Asier Zabaleta. Fotografía de José Ceballos/APDG

Asier Zabaleta logró el Premio Trayectoria Artística 2015 “por su dilatada trayectoria forjada con coherencia”. Bailarín, coreógrafo y director de la compañía Ertza, debutó como bailarín  profesional en la plataforma Arteszena, en 1994.

Tras un lustro de colaboraciones con diferentes formaciones, recaló en Alies Compagnie de Ginebra (Suiza), donde permaneció de 1999 a 2004. Al volver a instalarse en el País Vasco, potenció su faceta como coreógrafo y fundó la compañía Ertza. Su retorno coincidió con la pieza “Ego” (2003), ganadora del Primer Premio en el Festival 10MasDanza de Gran Canaria. También ha creado obras para compañías en el extranjero como la Chelyabinsk Contemporary Dance Theatre, que le valió el Premio de Chelyabinsk a la Mejor Coreografía (2011) y la nominación a los premios Golden Mask como Mejor Coreógrafo y Mejor Producción.

Merche Filgueira, Premio Dedicación a la Danza. Foto gentileza José Ceballos/APDG.

Premio Dedicación a la Danza 2015 fue a parar a manos de Merche Filgueira “en reconocimiento a la honestidad del trabajo diario”. Maestra de Danza Clásica Española, Escuela Bolera y de Bailes Latinos y de Salón, la trayectoria de Merche Filgueira como docente es dilatada: desde 1987, en la escuela “Merche y Carlos” de Irún y luego, en Dantzaka, en Errenteria e Irún. Ha participado como Jurado en Concursos Latinos en Santander y en el Campeonato de Francia de Baile Retro en París. Merche Filgueira es miembro de honor de la Federación de Baile Retro de Torremolinos.

Juan Antonio Urbeltz y Marian Arregi, Premio Investigación. Foto de José Ceballos/APDG

La recién inaugurada categoría de Premio Investigación recayó de forma ex aequo en Juan Antonio Urbeltz y Marian Arregi, “por su ingente labor, llena de pasión y honestidad en la búsqueda de la raíz de la danza tradicional”.

A lo largo de los últimos cincuenta años, Juan Antonio Urbeltz ha desarrollado su actividad en torno a la cultura tradicional del pueblo vasco, en el campo específico de la danza. Autor de numerosos estudios y libros al respecto, Urbeltz, en unión con su mujer Marian Arregi, lleva a cabo una serie de espectáculos, a partir de 1987, con la compañía Argia Dantza Taldea: “Irradaka”, “Zortziko”, “Muriska”, “Alakiketan”, “Kondharian”, “Pas de Basque”, “Axeri-Boda”, “Axuri-Beltza” y “Besta Berri”, con los que buscan recrear la puesta en escena de la danza tradicional vasca. Urbeltz, dirige la sociedad Ikerfolk con la que ha editado varios libros y discos. Marian Arregi, por su parte, ha dirigido a los músicos del grupo Argia con los que editó varios discos, ha preparado sus partituras.

El acto de entrega

El salón de Plenos del Ayuntamiento de San Sebastián acogió la entrega de los galardones el sábado 25 de abril. Alrededor de doscientas personas coparon el recinto del consistorio municipal, en un acto sobrio, con las dosis justas de solemnidad. El alcalde de la ciudad, Juan Karlos Izagirre, junto a la presidenta de la APDG, Idoia Lecumberri, hicieron entrega de las distinciones.

Previamente, se había procedido a dar lectura al manifiesto oficial del Día Internacional de la Danza, escrito, este año, por Israel Galván: “Me gustaría poder dedicar este Día Internacional de la Danza y estas palabras a una persona cualquiera que en el mundo esté bailando en este justo momento. Pero, permitidme una broma y un deseo: bailarinas, músicos, productores, críticos, programadores, demos un fin de fiesta, bailemos todos, como lo hacía Béjart, bailemos a lo grande, bailemos el Bolero de Ravel, bailémoslo juntos”, aseguraba el coreógrafo y bailaor sevillano.

Kresala Dantza Taldea interpreta el Contrapass de Honor para los homenajeados. Foto gentileza José Ceballos/APDG.

Una vez que Kresala Dantza Taldea interpretó el contrapass de honor para los premiados, con la emoción contenida, los homenajeados agradecieron sus distinciones y no se olvidaron de sus familias en sus palabras. Al día siguiente, gran parte de ellos participó en la XIX Gala del Día Internacional de la Danza, con la que se finiquitó el Mes de la Danza 2015.

“La danza del ritual del fuego” es uno de los instantes destacados de “El amor brujo”, de Victor Ullate. Fotografía: Javier del Real/ Teatro Real de Madrid

Conmemorar el centenario del estreno de la primera versión de “El amor brujo” –Teatro Lara de Madrid, 15 de abril de 1915–  fue la iniciativa que el Teatro Real de la capital española llevó a cabo, a medio camino entre los últimos días del año recién expirado y los primeros de este reluciente calendario. Víctor Ullate fue el elegido para semejante tarea, para la que realizó una nueva versión de la primigenia coreografía estrenada por su compañía en la Maestranza de Sevilla, el 28 de mayo de 1994. Gran reto para el zaragozano revisitar un trabajo suyo con dos décadas de existencia y, a la par, ofrecer una producción de gran factura en lo técnico para un magno escenario como es el Teatro Real de Madrid.

“El amor brujo” narra la historia de amor entre Carmelo y la gitana Candelas, perseguida por el espíritu de José, su antiguo novio. Para librarse del espectro y sabedor de su gusto por el coqueteo, Carmelo trama una argucia: anima a Lucía a seducir al difunto, momento en que los amantes sellan su amor con un beso que desarma el sortilegio.

Los orígenes de esta obra tienen algo de azaroso, ya que, al parecer, fue Rosario ‘La Mejorana’, madre de la cantante, bailaora y coreógrafa Pastora Imperio (1887-1979) –la primera Candelas–, quien le pidió al compositor Manuel de Falla (1876-1946) “un cante y un baile”. El libreto de Gregorio Martínez Sierra (1881-1947) –cuya autoría se discute y atribuye a su esposa, María de la O Lejárraga (1874-1974)– también parece provenir de una antigua leyenda popular narrada por la madre de la artista al dramaturgo. Sin embargo, su estreno se saldó con un fracaso, no tornándose en un éxito hasta 1925 cuando Antonia Mercé, ‘La Argentina’, interpretó “El amor brujo” en el parisino Trianon-Lyrique, con la segunda versión remozada de la partitura de Falla. De París a Londres, donde Antonio Ruiz Soler, ‘El Bailarín’, presentó su lectura en el Saville Theatre en 1955.

En su época de bailarín, Víctor Ullate realizó sus primeras incursiones profesionales de la mano de Antonio ‘El Bailarín’, siendo el Ballet del Siglo XX de Maurice Béjart donde despuntó profesionalmente. Ya convertido en director y en coreógrafo, esas dos raíces –lo español y lo bejartino- han ido floreciendo en sus diferentes creaciones. Dice el tango que “veinte años no es nada”, pero lo cierto es que la propia compañía de Ullate en dos décadas no tiene mucho que ver: de provenir todos sus componentes de la escuela – donde se formaron e hicieron sus pinitos ilustres estrellas mundiales como Ángel Corella, Tamara Rojo, Lucía Lacarra, Igor Yebra, Joaquín de Luz y un largo etcétera–  a ser una compañía internacional.

La nueva versión de Víctor Ullate ha querido primar el fuego fatuo. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real

Ello ha supuesto que el ADN de la formación ha mutado, por lo que, en esencia y salvo en algunos cuadros escénicos, parece que se trata de dos compañías y de dos obras diferentes. Además, esta nueva producción también incluye una novedad poco afortunada, a saber, la intercalación de fragmentos del grupo dark ambience In Slaughter Natives, sobre el original de Falla, al que ya se había incluido arreglos de Luis Delgado para la lectura de 1994. Eso sí, la partitura de Falla está bien interpretada por la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la batuta del maestro Josep Vicent. También se han renovado vestuario e iluminación.

Una aportación interesante de esta producción de “El amor brujo” es la participación de la cantante Estrella Morente, poniendo voz, jondura y arte al espectáculo. La presencia de Morente en escena es poderosa y rotunda, eclipsando su fuerte personalidad, en ocasiones, al componente danzado. Ullate sabe del temperamento de la cantante granadina y exprime sus posibilidades en escena, haciéndola partícipe de parte de la acción. Frente a ella, un cuerpo de baile bien temperado que desgrana la personal coreografía de Ullate, cuya principal raigambre es la danza contemporánea y con algunos toques flamencos, en los que luce Rubén Olmo, como bailaor invitado. En las escenas corales se percibe la influencia bejartina, por la manera de concebir geométricamente el grupo y la forma de moverlo sobre las tablas.

Quizás los momentos-cumbre esperables por el espectador sean “La danza del ritual del fuego” y “El círculo de fuego”. Sin embargo, son la negritud y oscuridad de los espectros las que se adueñan de la obra, desdibujando en parte la línea argumental y construyendo una suerte de infierno de vampiros de Halloween. Víctor Ullate quería primar el fuego fatuo y, sin embargo, parece que su lectura de “El amor brujo” está situada en pleno Hades. Pese a todo, una estrella ilumina la oscuridad del Averno, en esta personal lectura de Víctor Ullate sobre la obra ya centenaria.