El San Francisco Ballet ofreció ocho funciones de “El lago de los cisnes” en el Teatro Real de Madrid. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

La primera gira internacional del San Francisco Ballet desde la incorporación de la española Tamara Rojo a la dirección no pudo haber tenido mejor escenario que el Teatro Real de Madrid. Había mucha expectación por el retorno de Rojo al frente de la compañía de ballet más antigua de los Estados Unidos, ya que sus dos últimas visitas se produjeron en su prodigiosa década (2012-2022), encabezando el English National Ballet.

Si bien en sus anteriores presentaciones la artista madrileña había mostrado su talento y osadía al apostar por la versión moderna de Akram Khan sobre el ballet romántico “Giselle” (2019) o sus primeros coqueteos con la coreografía en “Raymonda” (2023), en esta ocasión, Rojo se inclinó por uno de los títulos de excelencia del gran repertorio clásico, “El lago de los cisnes” (Marius Petipa y Lev Ivanov, 1895), en la versión remozada de su predecesor en la dirección del San Francisco Ballet, Helgi Tomasson (1985-2022). Precisamente, “El lago de los cisnes” fue el primer ballet que el islandés coreografió para el San Francisco Ballet en 1988, actualizó esta versión primigenia en 2009, y fue la obra que escogió para su despedida de la compañía.

Sabedora de la escasez de ballet clásico en la programación en España, quizás ése fuera el argumento de Rojo para decantarse por un título tradicional para deleite de los balletómanos de su país. En la actualidad y más aún después de los tiempos pandémicos, cada vez se prodigan menos las grandes compañías internacionales en giras, entre otros motivos, por la nueva conciencia ecológica que busca minimizar la huella de carbono y sabido es que la producción de un clásico conlleva decenas de bailarines en escena, amén del cuerpo técnico detrás, con sus consabidos desplazamientos. Sumando la sequía de espectáculos clásicos en la programación, con la poca posibilidad de disfrutar de grandes compañías internacionales fuera de sus respectivos teatros, lo cierto es que las ocho actuaciones del San Francisco Ballet en el Teatro Real se vivieron como un auténtico acontecimiento en Madrid.

Además, se trató de la primera visita de la veterana compañía estadounidense a la capital española, aunque no la primera al país, porque casualmente el luctuoso 11-S pilló al San Francisco Ballet actuando en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, donde ofrecieron “El lago de los cisnes” -cuyo el estreno protagonizó la bailarina vasca Lucía Lacarra- (4-9 de septiembre de 2001) y un programa mixto Tomasson/Robbins/Forsythe/Morris (13-16 de septiembre de 2001).

La solidez de la técnica del San Francisco Ballet destacó en “El lago de los cisnes”. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

Cisnes balanchinianos

La versión de Helgi Tomasson se estructura en cuatro actos, precedidos de un prólogo sobre el hechizo que el malvado Rothbart lanza a la princesa Odette. El primer acto se sitúa en las afueras del palacio y se centra en el cumpleaños del príncipe Siegfried, interpretado en la segunda función de forma muy correcta por el bailarín principal chino Wei Wang, y en él sobresale el pas de trois -Cavan Conley, Isabella DeVivo y Julia Rowe-. Además, participan un grupo infantil de estudiantes de danza del Conservatorio Profesional ‘Carmen Amaya’ de Madrid.

Durante el segundo acto y acuciado por el imperativo de tener que contraer matrimonio, el príncipe se interna en los bosques con la ballesta que le ha regalado su madre y se topa con la bandada de cisnes comandada por Odette, encarnada por la bailarina principal coreana Wona Park. Esta parte recoge algunos de los fragmentos más memorables de “El lago de los cisnes”, como el célebre pas de deux denominado el ‘Cisne Blanco’ o el paso de los ‘Cuatro Pequeños Cisnes’. Quizás lo que más llama la atención en toda la versión de Tomasson es lo fuertemente influida que está por el espíritu balanchiniano y en los actos blancos se percibe sobre todo en la mayor velocidad de ejecución de los pasos, en contraste con otras versiones europeas que tienden más hacia el lirismo y la suspensión de los pasos.

Paso de los ‘Cuatro Pequeños Cisnes’. San Francisco Ballet. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

Dadas las características de la escuela americana de ballet, no sorprende la rapidez y limpieza de las danzas de carácter del tercer acto -española, húngara, napolitana y rusa-, aunque la danza española responde más al cliché de lo que se entiende por español en el extranjero, que a una verdadera danza española. Y llegó el momento cumbre de esta parte, el pas de deux del ‘Cisne Negro’, en el que Park demostró sus mimbres como Odile. Apoyada en su técnica, pareció sentirse más cómoda en el papel de la sosias malvada de la obra -y en su consabida tanda de 32 fouettés-, que como princesa Odette. Y con un brevísimo entreacto sin descanso, el acto final transportó al espectador de nuevo al lago, con el decisivo combate entre Rothbart y Siegfried. En definitiva, la lucha entre el bien y el mal, en medio de una pléyade de cisnes. Dentro del abanico de posibles finales, Tomasson se decanta por unir a los amantes en el más allá, después de haber vencido al hechicero, encarnado por Jakub Groot.

Con una duración que rondó las tres horas, “El lago de los cisnes” ofreció una imagen excelente del San Francisco Ballet, una compañía con una fuerte impronta de la escuela americana, con una técnica muy sólida y una ejecución limpia, aderezada con algunos saltos de aire balanchiniano, no en vano George Balanchine fue el padre del ballet en los Estados Unidos. En un ballet con todos sus ingredientes no debe faltar la música en directo, en esta ocasión la Orquesta Titular del Teatro Real interpretó la partitura de Tchaikovsky, bajo la batuta de Martin West. La escenografía y vestuario de Jonathan Fensom buscaron crear la magia del clásico, ayudados por la iluminación de Jennifer Tipton. En sus nueve décadas de existencia, la primera visita a Madrid del San Francisco Ballet no pudo ser más exitosa, a la vista de la calurosa recepción del público, que brindó una larga salva de aplausos a la compañía cuyo destino dirige actualmente la prestigiosa Tamara Rojo, primera bailarina española en obtener el Premio Príncipe de Asturias hace casi veinte años.

San Francisco Ballet en “Symphony In C”, de George Balanchine © The Balanchine Trust. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Con emoción anticipada por la asunción de Tamara Rojo en el rol que durante 37 años cumplió Helgi Tomasson, el San Francisco Ballet (SFB) mantiene, por sobre todo, su rasgo de diversidad.

Quizás la confluencia de algunos eventos culturales hizo que en 2020 algunos miembros de la administración del SFB acusaran a la institución de falta de diversidad en su personal artístico.

El ex bailarín, maestro de ballet y coreógrafo del SFB, Carlos Carvajal, llamó mi atención sobre esta acusación publicada en el San Francisco’s Chronicle.

Me encargué de examinar las listas de bailarines que la oficina de prensa de la compañía produjo durante casi dos décadas. Hice los cálculos por cada temporada y por rango, y los coloqué en el sitio web de woollywesterneye. Y nada podría haber estado más lejos de los hechos.

Tamara Rojo asumirá como directora artística del San Francisco Ballet a fines de 2022. Foto: Karolina Kuras. Gentileza SFB.

Es cierto que tres bailarines de ascendencia afroamericana se unieron a la compañía, y luego se fueron a bailar a otro lugar. No obstante, la compañía mostró un sano respeto por el talento, independientemente del origen de nacimiento de los bailarines.

Con la incorporación de Katisha Fogo en el verano de 2021, el SFB podría afirmar que uno de sus primeros bailarines es de color. Al menos, parcialmente, dado que el padre de Fogo es oriundo del Caribe y su madre, nativa de Suecia. Un detalle que se suma a la diversidad de los 72 bailarines.

La compañía se verá reforzada este año cuando Isaac Hernández regrese como bailarín principal de la compañía que honró antes de partir hacia su carrera europea. Queda por ver qué cambios se producirán durante esta primavera cuando se renueven los contratos.

La compañía enumera a 22 bailarines principales, seis de los cuales son estadounidenses de nacimiento, tres de China, dos de Canadá y uno de cada uno de los siguientes países: Australia, Dinamarca, Estonia, Francia, Italia, Japón, México, España, Suecia y Reino Unido.

Hay 17 solistas de países como Argentina, Brasil, Inglaterra, España, dos de Japón, y once de los Estados Unidos. Fuera de esa lista, hay varios de ascendencia rusa y filipina.

Conté treinta y dos bailarines del cuerpo de baile cuyos lugares de nacimiento son tan diversos como Zimbabue, Austria, Australia, mientras que de los Estados Unidos hay una lista de 18 miembros.

Un buen número de países han contribuido con dos bailarines: Brasil, China, Francia, Italia. Los que tienen un solo representante son: Australia, Austria, Corea, México, España y Zimbabue. Y ni siquiera me refiero a la etnia de la administración artística, que incluye profesionales de Islandia, Rusia y Colombia, así como a los bailarines nacidos en los Estados Unidos de ascendencia italiana y escandinava.

Al recopilar estos lugares de origen y observar la frescura de esos bailarines, se registran dos impresiones, una práctica y otra emocional. La primera, la práctica, es el costo que implica llevar a estos profesionales a sus posiciones actuales. Primero, lo que significa en la vida familiar en cuanto a sus finanzas, programación, y por último, el hecho verlos partir de su entorno. En segundo lugar, el coraje diario y de largo alcance para ejercer una profesión difícil e intensa con relativa brevedad, aunque la participación y las actividades alternativas pueden justificar la inmersión en un mundo muy especializado. Buen viaje a estas almas especiales.

También confío en que esta “recitación” responderá a aquellos que cuestionan la diversidad.

La compañía dirigida por Helgi Tomasson en un ensayo de “The Seasons”, de Alexei Ratmansky. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Elizabeth Powell interpreta a Clara y Damian Smith, Drosselmeyer, en “Cascanueces” del San Francisco Ballet en el War Memorial Opera House (2007). Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Casi a fines de noviembre el San Francisco Ballet sorprendió con el anuncio de su temporada virtual de “Cascanueces”. Meses antes, el director artístico de la compañía, Helgi Tomasson, había confirmado que este tradicional ballet de Navidad no se presentaría este año en el War Memorial Opera House debido a las restricciones por COVID-19. Sin embargo, y dadas las características de esta tortuosa pandemia, la compañía retoma -en línea- esta tradición que comenzó en 1944 con el estreno del primer “Cascanueces” de los Estados Unidos, piloteado por el San Francisco Ballet.

Esta vez, tiene el perfil de una experiencia virtual e interactiva que comenzó el 27 de noviembre y cerrará la temporada el 31 de diciembre. La propuesta es absolutamente conmovedora, y permite al espectador sumergirse en un mundo digital en el que se funden la historia, los juegos interactivos y el ballet completo. Una impecable realización de Blueprint Studios que refleja las características de una comunidad pionera en tecnología.

Realizada por Televisión Pública KQED en asociación con la coproducción de Thirteen / WNET New York, esta versión del “Cascanueces” de Tomasson, con música de Peter Ilyich Tchaikovsky, fue filmada en el War Memorial Opera House en diciembre de 2007. Tiene como protagonistas a Yuan Yuan Tan como la Reina de las Nieves, Pierre-François Vilanoba como el Rey de las Nieves, Vanessa Zahorian como el Hada de Azúcar y Elizabeth Powell como Clara. Y en el grand pas de deux: una magnífica Maria Kochetkova junto a Davit Karapetyan.

Estudiantes de SF Ballet School y el Cascanueces se preparan para atacar al Rey de los Ratones. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Con atractivos decorados y un vestuario impecablemente diseñado, Tomasson imaginó su “Cascanueces” en la ciudad de San Francisco y evocó aquella memorable Exposición Panama-Pacific de 1915.

Este ballet que reemplazó en 2004 el original creado por Lew Christensen, primer director artístico de la compañía, transita por esta historia con un delicado equilibrio narrativo y estético. Al comienzo, Drosselmeyer, interpretado con encanto por Damian Smith, se prepara para ir a la fiesta de Navidad de los Stahlbaum. Al llegar, el gran mago y constructor de muñecos mecánicos hace un despliegue de sus creaciones ante la mirada azorada de los niños, y también de los mayores. Sin embargo, la verdadera historia recién comienza cuando Clara sueña con un príncipe Cascanueces. Deliciosa la interpretación de Elizabeth Powell, por entonces una jovencísima y promisoria bailarina cuya delicadeza y frescura logran captar la atención.

Los muebles de la casa se agigantan y allí empieza la inevitable lucha entre el Cacanueces y el rey de los ratones. Un cañón de juguete que explota, caballos aguerridos, valientes soldados, y ratones inmensos y musculosos dispuestos a dar batalla. Hasta que de pronto, Clara trae una enorme y desmesurada trampa para atrapar al monarca. Brillante y sincronizado desempeño de los niños, todos ellos estudiantes de SF Ballet School.

La escena de los copos de nieve, una de las más bellas de este ballet, puso la magia en esta versión virtual. Yuan Yuan Tan, como la Reina de las Nieves, y Pierre-François Vilanoba, como el Rey de las Nieves, con maestría absoluta interpretaron el bello pas de deux que cierra el primer acto de “Cascanueces”. El trabajo del cuerpo de baile, también cuidado y minucioso, se amalgamó con los protagonistas hasta el momento en el que un carruaje con bellísimos caballos transparentes llega en busca de Clara y su príncipe para llevarlos a otros mundos.

Finalmente, llegan al universo de los dulces donde un desfile de personajes se apodera de la escena con sutil delicadeza, con variaciones de danzas de carácter que recorren diferentes estilos. El Vals de las Flores, al igual que los insectos que aparecen en la historia, marca uno de los momentos donde se evoca al invernadero de flores de San Francisco. Excelente Vanesa Zahorian como el Hada de Azúcar, una bailarina que, a lo largo de los años ha reafirmado su estilo y sus sutilezas.

Con delicados brazos, giros veloces y a tempo, y ajustados fouettes, Kochetkova, una bailarina de sólida técnica y conmovedor encanto, hizo una sublime interpretación del Grand Pas de Deux con Karapetyan. Para el final, Clara volvió a su realidad, abrazada a su Cascanueces en el sofá de su casa que, ahora, volvía a ser de tamaño real.

Vals de las Flores en la versión de “Cascanueces” de Helgi Tomasson, evoca al invernadero de flores de San Francisco. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Información

La experiencia digital expansiva de 2020 está disponible hasta el 31 de diciembre de 2020.

La entrada a “Nutcracker Online” tiene acceso por 48 horas.

https://www.sfballet.org/productions/nutcracker-online/

https://www.sfballet.org/digital-viewing-tips/

Herr Drosselmeier lleva a Marie a un universo deslumbrante en “Cascanueces” de Yuri Possokhov, interpretado por el Atlanta ballet en el Kennedy Center. Foto: Gene Schiavonne. Gentileza JFKC.

Cuando los engranajes de los relojes comienzan a multiplicarse como por arte de magia sobre la pantalla, estallan nuevas imágenes que permiten espiar un mundo diferente.

Como en un torbellino, el hechizo se apodera de los espectadores y los transporta, en una suerte de vértigo incontrolable hacia una ciudad alemana, maravillosa, bella, enternecedora, como en los libros de cuentos. La cámara recorre, en un vuelo incontenible, cada una de las calles de ese pueblo imaginario hasta que llega a captar a ese extraño personaje, constructor de sueños y de enigmas: el propio Herr Drosselmeier.

Así comienza este “Cascanueces” de Yuri Possokhov, coreógrafo residente y ex primer bailarín del San Francisco Ballet, que el Atlanta Ballet llevó al Opera House del Kennedy Center en el fin de semana del Día de Acción de Gracias. En esta fecha, que marca el comienzo de la temporada de Navidad en los Estados Unidos, el “Cascanueces” es un clásico. Pero éste, en particular, se instala sobre la historia tradicional con un concepto diferente que incorpora magníficos efectos visuales, de gran belleza y armonía.

Un gran libro en escena va contando en imágenes la trama del “Cascanueces” que el Atlanta Ballet estrenó en Washington en la semana del Día de Acción de Gracias. Foto: Gene Schiavonne. Gentileza JFKC.

Possokhov creó un Herr Drosselmeier, el relojero, fabricante de muñecos mecánicos, y padrino de los niños Stahlbaum, que rompe con el estereotipo. En este caso, es el que narra la historia y es, a su vez, hacedor y protagonista de esta trama visual y real, donde se mezclan proyecciones y acciones protagonizadas por los bailarines. Algunas escenas retrotraen a algunos filmes animados, otras rememoran a aquella bella película de Martin Scorsese, “Hugo”, y por momentos, también recuerdan el concepto creado por Robert Zemeckis en “Who Framed Roger Rabbit” donde la realidad y la animación se entrelazan.

Y si bien no se trata de la típica fiesta navideña de “Cascanueces”, plena de elegancia y formalidad, aquí el coreógrafo intenta despegarse del cliché y diseñar su propia fiesta. Sin muñecos mecánicos, pero con bellos títeres danzantes. Sin árbol de Navidad que crece durante el sueño de Marie, pero con muebles inmensos y un deslumbrante mapa de las constelaciones que incita a transitar por las estrellas.

Este “Cascanueces”, quizás uno de los más refinados y modernos en cuanto al concepto estético, permite sonreír, sorprenderse y sumergirse en su propia magia. De hecho, Possokhov hace que el espectador abra el libro de su propia imaginación y deja que las páginas vayan corriendo a medida que transcurre la historia, de la misma forma en la que un niño podría devorar ese inquietante libro de E. T. A. Hoffmann, “El Cascanueces y el rey de los ratones” escrito en 1816.

Una concepción inteligente, multimedia, donde prevalece el humor delicado y fino, contada con una mirada romántica que aparece desde el principio en una escena en la que una pareja de patinadores sobre hielo se besan mientras la gente que pasa los mira.

Todo es enternecedor en este “Cascanueces” en el que Possokhov reafirma su refinamiento como coreógrafo, una cualidad que viene demostrando desde hace más de 20 años cuando estrenó sus primeros trabajos con el San Francisco Ballet. Danza fluida, delicada, consistente, bien estructurada y asombrosamente musical.

Con bellísimos trajes realizados por de Sandra Woodall, ingeniosos trucos visuales en la escenografía de Tom Pye; proyecciones de Finn Ross y una estupenda iluminación de David Finn. Quizás esta es una de las pocas realizaciones en la que los efectos especiales no sirven de excusa para una narración coreográfica débil. Todo lo contrario.

Marie, la niña Stahlbaum, interpretada con sutil candidez por Remi Nakano, permite entrar en una trama en la que el espectador también es cómplice del sueño, de la aventura y del romance. La niña se enfrenta a los ratones que se deslizan sobre sus barrigas, que caminan por las cornisas de la casa, y pelean con crueldad. Las muñecas-bailarinas y los soldados de madera saltan de un gran armario para ayudar a Marie a luchar contra los ratones.

En su sueño como adulta, Marie (Airi Igarashi) baila con un apuesto príncipe Cascanueces (Vitor Luiz). Un gran trabajo de la pareja solista, cuya musicalidad se reafirmó en cada uno de los pas de deux creados por el coreógrafo. Apoyados por una compañía sólida y atractiva.

Desde ese inmenso libro de cuentos suspendido en escena, en el que las páginas fueron pasando una a una, este “Cascanueces”, aporta una nueva mirada que vuelve a iluminar la ilusión y el romanticismo, como también, la belleza de la danza en todo su esplendor.

Basado en el libro de E. T. A. Hoffmann, “El Cascanueces y el rey de los ratones” escrito en 1816, Yuri Possokhov recrea la historia desde una visión tecnológica y romántica. Foto: Gene Schiavonne. Gentileza JFKC.

Una mirada social sobre la tecnología en “Bound To”, pieza de Christopher Wheeldon que integra “Unbound”. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Indiscutible. El San Francisco Ballet (SFB) es una de las mejores compañías del mundo, sin lugar a duda. La excelencia de sus bailarines llega a niveles técnicos poco frecuentes. Y la pluralidad en la selección de las obras apunta, constantemente, a nuevos desafíos. Esta compañía, pionera en la Costa Oeste del país, bajo el comando de Helgi Tomasson desde hace más de 30 años, volvió al Kennedy Center de Washington DC desde el 23 al 28 de octubre, con dos programas mixtos integrados por obras que forman parte de lo que Tomasson llamó “Unbound”.

Un proyecto, que convocó 12 de los jóvenes coreógrafos del momento, para la creación de 12 nuevos ballets para la compañía, y su estreno fue durante la temporada de primavera 2018 del SFB en California. A Washington, la troupe trajo seis. El primer programa estuvo integrado por “Your Flesh Shall Be a Great Poem”, de Trey McIntyre; “Bound To”, de Christopher Wheeldon, y “Anima Animus”, de David Dawson. El segundo, que abrió el jueves 26, trajo a escena “The Infinite Ocean”, de Edwaard Liang; “Snowblind”, de Cathy Marston, y “Hurry Up, We’re Dreaming”, de Justin Peck.

“Your Flesh Shall Be a Great Poem”, de Trey McIntyre abrió la noche del San Francisco Ballet el 23 de octubre en Washington DC. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

El SFB tiene como características principales, el gran refinamiento en las líneas y en los estilos, elegancia, limpieza en los movimientos y sofisticación. Cada uno de esos elementos se conjugan en el ensamble, no importa la propuesta. Algo que quedó claro nuevamente en estas dos presentaciones.

La obra de McIntyre, “Your Flesh Shall Be a Great Poem”, un homenaje a su abuelo, convoca a nueve bailarines que, en secuencias diferentes, bailan sobre la música del cantautor Chris Garnneau, canciones de su álbum “El Radio”. Un juego coreográfico sentimental por el que transitan secuencias de conjuntos, solos, dúos, marcados por cada uno de esos temas musicales. Un excelente trabajo de Benjamín Freemantle en sus solos.

Wheeldon, en cambio, en “Bound To”, su décimo trabajo para el SFB, hace una reflexión, con humor y dramatismo en relación a la tecnología. Con este fin, los bailarines comienzan la obra cargando en sus manos pantallas iluminadas como teléfonos celulares, incomunicados y enajenados. Con un diseño escenográfico casi futurista de Jean-Marc Puissant en el que se van proyectando frases y mensajes para reflexionar sobre un tema que se acentúa a través de la presencia de la tecnología: la incomunicación y los intentos de suicidio.

En su primera obra encargada en los Estados Unidos, David Dawson, trajo “Anima Animus”, con música de Ezio Bosso, una obra minimalista y atractiva. Los bailarines ganan el espacio con giros y saltos como si fueran pájaros, con un bello vestuario, también minimalista y abstracto que retrotrae a diseños de Piet Mondrian, en tonos blancos, negros y amarillos. Y un diseño de luces brillante, creado por James F. Ingalls.

“Anima Animus”, de David Dawson con música de Ezio Bosso, obra minimalista presentada por el SFB en el Kennedy Center. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Una segunda vuelta

El segundo programa llevó a escena “The Infinite Ocean”, de Edwaard Liang. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

El jueves 26, el segundo programa trajo tres piezas totalmente diferentes entre sí. Liang, con “The Infinite Ocean”, una obra de gran belleza estética, abre la escena con un inmenso sol. Dos parejas principales: Sofiane Sylve, una bailarina expresiva y de sólida técnica, y Tiit Helimets, de notables cualidades, y una de las estrellas principales del SFB desde hace varios años, Yuan Yuan Tan, con Victor Luiz, ambas parejas lograron momentos insuperables en cuanto a técnica e interpretación, mientras el resto de la coreografía fue oscilando entre dúos, solos y escenas de conjunto.

Sarah Van Patten, la esposa; Mathilde Froustey, la amante y Ulrik Birkkjaer en “Snowblind”, de Cathy Marston. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Quizás la más distinta de las obras, la más intimista, la más contundente desde lo emocional haya sido “Snowblind”, de Marston, basada en la novela de Edith Wharton, “Ethan Frome”. Una pieza de gran intensidad, con música de Arvo Part y otros compositores, en la que el triángulo amoroso, la infidelidad, el castigo por la infidelidad, y la condena, determinan la narrativa. Una danza emocional, estilizada, en la que la escena marca dos niveles a través de una tarima más elevada en donde domina la esposa (Sarah Van Patten) -como símbolo de la jerarquía establecida socialmente- y en el nivel más bajo, la amante (Mathilde Froustey). Mientras el hombre (Ulrik Birkkjaer) transita, por ambos y queda entrampado en lo formal. Conmovedora pieza de la coreógrafa inglesa. Excelentes, Van Patten, en su frialdad y su obsesión, y Froustey, en su frescura, su inocencia y su vitalidad.

El final llegó en zapatillas para la pieza de Peck, “Hurry Up, We’re Dreaming”. Una obra juvenil, plena de energía y espíritu colectivo, sin una estructura demasiado consistente, pero que solo reafirma la calidad de estos bailarines que, ante cualquier circunstancia, siguen demostrando su técnica y su solidez.

Dores André y Wei Wang en “Hurry Up, We’re Dreaming”, de Justin Peck. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

En 1954, en Nueva York, Paul Taylor formó su propia compañía, la Paul Taylor Dance Company con la que recorrió más de 500 ciudades. Foto: Paul B. Goode. Gentileza PTDC.

Un ícono insoslayable. Un referente inevitable de la danza moderna. Un explorador del movimiento. Un buscador de la belleza. Paul Taylor, el único representante vivo de una era que hizo historia en el mundo de la danza internacional, murió el miércoles 29 de agosto, en Manhattan, Nueva York, a causa de una falla renal. Tenía 88 años. Había nacido en Pittsburgh, Pensilvania, en 1930. Comenzó su carrera como nadador, y luego llegó la danza a través de sus estudios en la Juilliard School de Nueva York. Se fue formando en ese mundo devorador y apasionante de la danza moderna de los años ‘50, y a los 23 años empezó a crear sus primeras coreografías.

Fue bailarín solista de las compañías de Merce Cunningham, Martha Graham y de George Balanchine. Su trabajo como coreógrafo y como director de su compañía lo convirtieron en una de las piezas clave en la historia de la danza. Como un orfebre del movimiento fue forjando una forma de respirar y sentir la danza, universal y abarcadora.

Desde el Norte hacia el Sur de las Américas y Europa, desde el Este hacia el Oeste de este mundo cambiante y convulsionado, Paul Taylor fue dejando su huella en los lugares más remotos. Suave, delicado, intenso, acariciante. Con esos ojos azules, tan azules y profundos como el mar, con su sonrisa cálida y envolvente, con su voz pausada y reflexiva, construyó un universo apolíneo donde la belleza, la musicalidad y la armonía se fueron convirtiendo en los ejes fundamentales de su observación corporal de los hechos cotidianos.

Saludo final en escena con Paul Taylor y toda su compañía, bailarines y técnicos. Foto gentileza PTDC.

Ya en 1954, en Nueva York, dejó la tutela de sus maestros y creó su propia compañía, la Paul Taylor Dance Company (PTDC), una troupe de artistas-bailarines cuya fidelidad se convirtió en una marca registrada. Desde su creación, el ensamble se ha presentado en más de 500 ciudades y representó a los Estados Unidos en 40 países. Y él, “Paul”, siempre allí, en cada detalle, en cada sutileza, en cada respiración. Después llegaron los premios innumerables y también, los Kennedy Honors, uno de los más significativos del país destinado a quienes dejan una impronta irreemplazable en el mundo del arte y la cultura. Los grandes nombres de hoy como David Parsons, Twyla Tharp, Laura Dean, Dan Wagoner, Christopher Gillis, entre otros tantos bailarines y coreógrafos, emergieron de su compañía y hoy, marcan su propio rumbo.

Su observación y percepción sobre el arte lo llevó a indagar en las emociones y los conflictos cotidianos, a través de una danza cargada de virtuosismo. Casi en forma recurrente Taylor confesaba que su experiencia como nadador fue sumamente inspiradora, y que su forma de encarar y concebir sus coreografías se relacionaba con su visión y su experiencia en relación al movimiento de los cuerpos en el agua. Bailó más de 144 ballets, hizo 147 obras como coreógrafo, y en 1993 creó una segunda compañía, Taylor 2, con la intención de ir formando a las nuevas generaciones.

Sus obras, convertidas en verdaderos hitos contemporáneos, forman parte del repertorio del Royal Ballet de Dinamarca, la Compañía Rambert Dance de Londres, el San Francisco Ballet, el Ballet de la ciudad de Miami, entre otras. Su primer trabajo, “Duet” (1957), todo un manifiesto. Allí, el mismísimo Taylor permanecía inmóvil en escena junto a un pianista que tampoco tocaba sobre una partitura de otro de los grandes vanguardistas de la época, John Cage. La obra provocó reacciones, y especialmente la del crítico del “Observer”, Louis Horst, quien osó dejar la página en blanco como una respuesta a ese quiebre de estructuras tradicionales.

Pero sus montajes posteriores fueron encontrando ese estilo y ese rumbo que hizo de su compañía un modelo de musicalidad y lirismo. Y así empezaron a surgir propuestas como “Aureole” (1962), “Airs” (1978) y “Arden Court” (1981). Coreografías con significado y formas propias, con juegos escénicos, con humor, con frescura, con dramatismo y con una mirada incisiva sobre la vida, la condición humana y sus misterios. Un universo plagado de imágenes, de colores, de intensidad.

Antes de retirarse de los escenarios Paul Taylor bailó más de 144 ballets, y como coreógrafo realizó 147 obras. Foto gentileza Paul Taylor Dance Foundation Archive.

Herman Cornejo, primer bailarín del ABT, se presenta con “El Corsario” en el Teatro Colón junto al Ballet Estable. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza HC.

Estaba en su casa, en Nueva York, cuando recibió el llamado de Paloma Herrera, su antigua compañera del American Ballet Theatre (ABT) con quien compartió escenarios durante casi 15 años. En ese preciso momento se mezclaron sentimientos, recuerdos, deseos, ilusiones, sueños… Era volver a Buenos Aires, al Teatro Colón, donde se había formado desde niño. Era hacer “El Corsario”, una obra que había hecho infinidad de veces con el ABT y que, sin dudarlo, se convertía en una ventana para mostrar lo que mejor puede hacer: bailar.

Herman Cornejo, ese niño que se deslumbró con la danza desde que tenía 8 años cuando vio por primera vez a Maximiliano Guerra haciendo “Espartaco”, regresa por segunda vez al Teatro Colón, para interpretar el protagónico en este clásico ballet inspirado en el poema de Lord Bayron que narra una historia de amor, de aventuras, de piratas…

Esta producción, con música de Adolphe Adam, Riccardo Drigo y Leo Delibes, realizada en 2013 en el Teatro Colón con coreografía de Anne-Marie Holmes, y reposición de Julio Bocca, estrena el domingo 8 de abril con Cornejo, María Kochetkova, principal del San Francisco Ballet, y Daniil Simkin, también del ABT.

Herman Cornejo, en “El espectro de la rosa”, con el ABT, la compañía de sus sueños. Foto: Marty Sohl. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Considerado el Nijinsky del siglo XXI por la crítica de los Estados Unidos y del mundo, Cornejo, fue primer bailarín de la compañía de Julio Bocca cuando tenía 14 años, y fue el mismo Bocca quien pidió una excepción en la VIII Competencia Internacional de Danza de Moscú, para que este adolescente, que no cumplía con la edad mínima requerida, probara su suerte ante un riguroso tribunal. Y se llevó la medalla de oro, la misma que había ganado Bocca a los 19 años. En 2014 recibió el premio Benois de la Danza, el Oscar de los bailarines, y hoy, es el único primer bailarín hispano que queda en el ABT luego del gran boom de la década anterior, cuando comenzaba el nuevo siglo. Y en 2019, celebrará sus 20 años con la compañía en la que forjó su carrera de bailarín internacional.

Danzahoy: ¿Qué significa volver al Colón?

Herman Cornejo: Haber hecho el ISA (Instituto Superior de Arte del Teatro Colón) hace sentir que el teatro es tu casa, y realmente, es como volver a casa. Me gustaría estar más seguido en la Argentina y trabajar más en el Colón en estos próximos cinco años, que son los más importantes de mi carrera. El llamado de Paloma (Herrera) fue una gran emoción. Imagino que su idea, desde que ella asumió la dirección, es seguir trayendo a los argentinos que estamos en el exterior; hacer que vuelvan a casa. Es decir, lo que ella hizo como bailarina, lo está haciendo ahora con nosotros. Y sin duda, bailar en el teatro es muy especial.

D: ¿Cómo es mirar hacia atrás después de todos estos años, de tantos viajes, de tanta experiencia acumulada?

HC: Es emocionante. Especialmente cuando se empieza tan joven, como fue mi caso, porque en esa etapa uno es una máquina que mira solo hacia adelante. Y después de un tiempo, cuando uno vuelve la mirada hacia atrás, recién toma conciencia de lo que hizo. Cuando Julio (Bocca) fundó el Ballet Argentino -esa compañía para jóvenes de la que formé parte-, se abrieron muchas puertas para los bailarines. Desde entonces hasta hoy, a veces me pregunto: ¿me está pasando a mí?

D: Nueva York-Argentina, ¿cómo son los sentimientos de pertenecer a dos lugares?

HC: Cuando vine a Nueva York no fue con la intención era hacer carrera en Nueva York, sino porque era el ABT. Y cuando regreso a casa, en la Argentina, me siento como un turista. Es una sensación linda, porque es volver con más libertad.

HC: La idea surgió en cierta forma, por Julio. Conocí el ABT porque Julio bailaba allí, y después fue Paloma. De alguna manera fue como seguir los pasos de Julio. Él fue un ejemplo para todos los argentinos. Lo cual no significó, ni significa, copiar lo que él hizo, sino que él fue un modelo por el respeto al trabajo, a lo que representa y es esta carrera. Tanto Julio como Maximiliano Guerra, impusieron su nombre en el mundo de la danza a nivel internacional y nos representaron a través del arte casi a un mismo plano que nos reconocen por el deporte. Ellos dos lograron romper esa barrera, y también hicieron que la danza no fuera algo perteneciente a una elite en la Argentina.

Los hermanos Erica y Herman Cornejo en “Diana y Acteón”. Hace 20 años viajaron a Nueva York y se integraron al ABT Foto: Arnaldo Colombaroli. Archivo Danzahoy. Gentileza TC.

D: ¿De qué manera te insertaste en Nueva York?HC: La suerte fue estar con mi hermana Erica -ex bailarina del ABT y del Boston Ballet-, y a los dos nos pasó este “sueño americano”. Y el apoyo familiar fue fundamental. Mi madre viajó con nosotros los primeros tres meses y se encargó de que estuviéramos bien ubicados, y además, quiso comprobar que realmente estábamos seguros de que era eso lo que queríamos. Mi padre se ocupó de que pudiéramos hacerlo. Y si bien es cierto que el talento te lleva a estos niveles tan altos, también es cierto que además de talento hay que tener dos dedos de frente y mantener el respeto por la profesión. Todos los días de mi vida tomo clases como si fuera un principiante, es mi trabajo. Además, no me dejé tentar por lo que ofrece una ciudad como Nueva York, tengo ese arrastre de la vida campesina. Nací en San Luis y me crié en Buenos Aires, y esa vida familiar con mis padres ayudó. Soy más casero, me gusta ir al cine, no me gusta ir de fiesta…

D: ¿Y cómo empezaste a relacionarte con la ciudad y su gente?

HC: Era muy tímido con todo y con todos. Y mi timidez me llevó a no hablar inglés por dos años. Por otra parte, en aquella época en el ABT había como veinte hispanos en la compañía, por lo tanto, no necesitaba hablar mucho inglés. Ahora, me empiezo a olvidar palabras en castellano. En realidad, he pasado 20 años en los Estados Unidos y 16 en la Argentina, y me hice ciudadano estadounidense porque sentí que tenía que honrar al país que me había dado todo en mi carrera.

D: ¿Cómo habría sido tu carrera si hubieras vivido en la Argentina?

HC: Volver a lo de los padres es cómodo, al menos por un tiempo. Cuando vuelvo al Colon, me miman, y luego regreso a mi casa de todos los días en Nueva York, al lugar que construí con mi carrera, desde que entré como aprendiz. Ahora, con Paloma, subió un poco más el número de espectáculos. Con el ABT hacemos cerca de 100 funciones al año, mientras en el Colon hacen entre 20 y 40. Eso me impulsó a irme. En mi época era casi imposible pensar en una carrera como bailarín en la Argentina, especialmente por problemas de contratación. Partir fue casi obligatorio, y era muy común en nuestra generación. No te podías quedar a depender de un contrato.

D: ¿Alguna vez pensaste dejar el ABT por otra compañía o para convertirte en bailarín independiente?

HC: Mi sueño fue llegar al ABT y cuando lo conseguí fue decir: “este es mi sueño”. Trabajar como bailarín invitado es bueno, pero me gusta sentirme parte de una compañía estable. Creo que Kevin McKenzie -director artístico del ABT- maneja el grupo de una manera en la que la gente se siente como en una familia. Si bien puede haber cosas complejas, todo se maneja desde un lugar muy humano. Poder trabajar y hablar con el director en un mismo nivel es importante porque se asemeja a la relación que uno tiene con su propia familia.

Arraigado a las costumbres, Herman Cornejo no se despega de su mate en ningún lugar del mundo. Foto: Lucas Chilczuk. Gentileza HC.

D: Después de los rusos y de los hispanos que fueron estrellas en las últimas décadas en los Estados Unidos, ¿quiénes son los que predominan ahora?

HC: Creo que son olas de generaciones diferentes. Ahora la compañía está llena de asiáticos, algo que también se puede ver en las competiciones. La danza rusa es la cuna de la danza y siempre que veas a un ruso de alto nivel vas a ver un buen show. El hispano no es tan estudiado como el ruso y en cierta forma la explosión de un hispano tapa un poco el espectáculo de los rusos porque se mezcla lo humano y lo técnico. No sé si es culpa de los concursos, pero ahora es todo muy técnico y la expresividad queda de lado. El hispano, en cambio, reúne la técnica y el conocimiento de varias escuelas. Por ejemplo, en el ISA se estudian casi todas las escuelas, lo cual nos hace más abiertos para interpretar la danza desde otro nivel. Y tal vez porque en Sudamérica no hay muchas facilidades para estudiar seriamente, los hispanos valoramos más las oportunidades que se nos brindan. En Nueva York hay estudios impresionantes de primer nivel, en cambio en nuestros países, hacer danza es una pasión. No vamos a clase por que sí, sino porque tenemos ganas de ir y de ensayar. Por eso, el permanecer como estable, me hace sentir que sigo manteniendo esa antorcha encendida. Esa antorcha que también en cierta forma me pasó Julio cuando hizo su último “Don Quijote” en su despedida Japón. Al día siguiente hice mi primer protagónico en “Don Quijote” porque un bailarín se había lesionado. Entonces sentí que Julio me estaba asando la antorcha. Así que, hasta que no venga otro argentino, no me retiro…

“El Corsario” en escena

Programa

Coreografía: Anne-Marie Holmes

Reposición Coreográfica: Julio Bocca

Asistente Reposición Coreográfica: Lorena Fernández

Música: Adolph Adam, Riccardo Drigo, Leo Delibes

Diseño de escenografía: Christian Prego

Diseño de vestuario: Aníbal Lápiz

Diseño de Iluminación: Rubén Conde

Ballet Estable del Teatro Colón

Directora: Paloma Herrera

Orquesta Filarmónica de Buenos Aires

Directora: Tara Simoncic

Parejas protagónicas

Función del 8 y 10 de abril:

María Kochetkova – Herman Cornejo

Función del 13 y 15 de abril:

Nadia Muzyca – Federico Fernández

Función del 12 y 14 de abril:

Macarena Giménez – Juan Pablo Ledo

The Washington Ballet, dirigido por Julie Kent, se presenta en el Warner Theater hasta el 24 de diciembre. Foto: Theo Kossenas. Gentileza TWB.

A fines de noviembre, justo en la semana de Acción de Gracias, Lara Asch debutó como uno de los ratoncitos de “Cascanueces”, con el Kansas City Ballet en el Kennedy Center de Washington DC, y en otras funciones, también fue uno delos polichinelas escapados de la gran falda de Mother Ginger. Casi una semana después, Sofía Bentolila, en Lansdowne Resort, Leesburg, Virginia, hizo su primer “Cascanueces”, con el Ravel Dance Studio.

Lara y Sofía, compañeras de cuarto grado en la Escuela Argentina de Washington, durante varios meses dividieron su tiempo entre la danza, algo que las apasiona; la escuela “americana”, como suelen llamarla, y el aprendizaje del español durante cuatro horas los sábados por la mañana. Para las dos, al igual que para muchos otros niños que año tras año participan de esta obra tradicional de la Navidad, es una experiencia especial, y hasta inolvidable. Y quizás sea la semilla para una elección de vida en el mundo del arte.

Sofía Bentolila, en Lansdowne Resort, Leesburg, Virginia, hizo su primer “Cascanueces”, con el Ravel Dance Studio. Foto gentileza familia Bentolila.

Más de cien producciones invaden cada año los teatros más famosos y los más recónditos de los Estados Unidos. Las propuestas, que varían en estilos, formas y estéticas, no solo se limitan a contar una mágica historia para toda la familia, sino que también se convierten en un fenómeno singular que combina estrategias de marketing, calidad artística y participación comunitaria.

Noviembre es, por excelencia, el mes de lanzamiento en los Estados Unidos, y las funciones continúan hasta el 31 de diciembre, como ocurre, entre otros, con el New York City Ballet en el David H. Koch Theater en Nueva York. Algunas compañías hacen un par de funciones y otras, como el American Ballet Theatre, salen de gira.

Uno de los clásicos infaltables y, quizás, el más simbólico de la Capital del país, es el “Cascanueces” del Washington Ballet (TWB), con coreografía de su antiguo director, Septime Webre. Esta puesta narra la trama de Clara y el príncipe Cascanueces a partir de personajes de la historia fundacional de los Estados Unidos y elementos simbólicos de la lucha por la independencia. TWB hizo sus primeras presentaciones este año el 25 y 26 de noviembre en el Town Hall Education, Arts and Recreation Campus (THEARC), en el sudeste del Distrito de Columbia, para luego pasar, desde el 30 de noviembre al 24 de diciembre al Warner Theatre de DC, un lugar ya tradicional para la compañía dirigida por Julie Kent.

La producción tiene un promedio de 350 bailarines y niños reclutados de las tres sucursales de la Washington Ballet School de Maryland, el Distrito de Columbia y Virginia. Y así como hay producciones netamente locales, hay otras itinerantes que reclutan niños de las escuelas de ballet del área. Lara, comenzó a hacer ballet porque muchas de sus amigas tomaban clases, y cuando llegó la convocatoria para formar parte del elenco del Kansas City Ballet en el Kennedy Center, quedó seleccionada. “Lo que más me gusta de ‘Cascanueces’ –dijo–, es que es difícil pero divertido a la vez”. Su primer debut en este clásico fue años atrás en el Warner Theater. Y aseguró que lo que más le gustaría, es personificar a Clara. “Los ensayos eran todos los fines de semana –relató la niña–, comenzaron en septiembre, pero al principio eran muy cortos, y cuando se acercaba la fecha del primer show, eran de ocho horas”.

En muchos casos, las recaudaciones totales, entre entradas y mercadotecnia, alcanzan a cubrir el 25 por ciento del presupuesto anual de una compañía de ballet. Y en los Estados Unidos, se ha convertido en furor desde hace más de 50 años.

Cuando Sofía tenía 4 años, sus padres la anotaron en ballet para ver si le interesaba, y no solo le gustó, sino que desde ese momento nunca dejó de ir a las clases, y a los 5 años empezó en el Ravel Dance Studio, “lugar que adora”, confirmó su mamá. “Lo que más me atrae de ‘Cascanueces’ es la música, en especial, la de la escena de la fiesta –comentó –. Y me gustaría mucho ser Clara”. Sofía debutó por primera vez en “Cascanueces” el 2 de diciembre de este año, y quedó fascinada. Y desde luego, toda la familia dio el “presente” en el teatro.

“Cascanueces”, es una de esas piezas donde se combinan varios elementos que la convierten en una especie de poción mágica: el cuento escrito por E. T. A. Hoffmann en 1819, “El cascanueces y el rey de los ratones”; la fantástica música escrita por Piotr I. Tchaikovsky, y la coreografía, con versiones diversas, basada en la original de dos de los grandes genios del ballet clásico, Marius Petipa y Lev Ivanov. No obstante, la primera versión en los Estados Unidos fue creada por Willam Christensen en 1944 para el San Francisco Ballet (SFB), compañía que había fundado con sus hermanos Lew y Harold en 1933. Esa misma versión subió hace un par de años al escenario del Kennedy Center de Washington DC, a través de Ballet West.

Lara Asch debutó en noviembre como polichinela en “Cascanueces”, con el Kansas City Ballet en el Kennedy Center de Washington DC. Foto gentileza familia Asch.

Christensen se inspiró en el relato del entonces joven George Balanchine y de Alexandra Danilova. Y el estreno fue precisamente en la Nochebuena de 1944. Cuando en 1951 Willam se radicó en Salt Lake City, en Utah, para fundar Ballet West en 1963, montó su “Cascanueces”, y desde entonces, lleva más de 60 temporadas con la compañía dirigida por Adam Sklute, ex bailarín y director asistente del Joffrey Ballet.

Valentina Kozlova Dance Conservatory, presentó el 2 de diciembre “Nutcracker Winter Suite”, protagonizada por los medallistas del Valentina Kozlova International Ballet Competition 2016, Nikita Boris y Justin Valentine, y los becarios de Vaganova Ballet Academy en San Petersburgo, Russia, como una forma de incentivar a las jóvenes generaciones.

Desde el norte hacia el sur y desde el este hacia el oeste del país, “Cascanueces”, estrenada en 1892 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, tiene la particularidad de convocar a los estudiantes de ballet, y de convertirlos en protagonistas. Los primeros que la hicieron: Antonietta Dell’Era, como el Hada de azúcar, Pavel Gerdt, como el príncipe Coqueluche, Stanislava Belinskaya como Clara, Sergei legat como el Príncipe Cascanueces y Timofey Stukolkin como Drosselmeyer.

Más allá del virtuosismo de los bailarines principales, la obra adquiere un carácter integrador con la presencia de los niños del área, sea cual sea la ciudad, quienes descubren el encanto particular de este ballet, y empiezan a formar parte del grupo de “futuros espectadores”.

El cuerpo de baile del Kansas City Ballet en una escena del Reino de las Nieves de “Cascanueces” en el Opera House del Kennedy Center. Foto: Brett Pruit & East Market Studios. Gentileza JFKC.

Como todos los años y, a partir de la semana de Acción de Gracias, “El Cascanueces” se convierte en protagonista absoluto en cada rincón del país. Y sin dudas, el escenario del Kennedy Center for the Preforming Arts de Washington DC, es partícipe de esa “fiesta” de Navidad. Esta vez, El Kansas City Ballet (KCB) trajo al Opera House del Kennedy Center, desde el 22 al 26 de noviembre, su nueva producción estrenada hace casi dos años, con coreografía de su director artístico, Devon Carney.

La puesta utiliza interesantes y variados recursos escénicos, bellos, ocurrentes y hasta deslumbrantes. Títeres de varilla, títeres de mano, marionetas pequeñas, globos aerostáticos, magia, y hasta un Drosselmeyer que vuela por el aire como un pájaro o un demiurgo que todo lo ve y lo transforma, son los elementos que forman parte del especial atractivo de esta producción.

La obra comienza con un prólogo en la juguetería de Drosselmeyer, y allí aparecen los primeros guiños de humor, cuando los muñecos mecánicos fabricados por el gran “mago”, y hasta los muebles, se rebelan a sus mandatos. Holly Hines diseñó un vestuario atractivo, con una inteligente combinación de colores y detalles para esta historia cuyo argumento no varía del de otros cascanueces. La obra fluye con naturalidad a través del hilo narrativo marcado por Drosselmeyer, interpretado por Ryan Jolicoeur-Nye. Carney. En esta versión de Carney, no sólo las damas que asisten a la fiesta de Navidad bailan en zapatillas de punta –habitualmente usan zapatos de taco–, sino que también incluye un oso mecánico que se acopla a los arlequines que Drosselmeyer lleva a la fiesta de Nochebuena. Quizás, un secreto homenaje al creador del “Cascanueces” en los Estados Unidos, Willam Christensen, alma mater de esta primera versión realizada para el San Francisco Ballet en 1944.

Un ejército de ratones pelea contra los soldados del Cascanueces con cucharas, cuchillos, tenedores y lapiceras en la puesta de Devon Carney para el KCB. Foto: Brett Pruit & East Market Studios. Gentileza JFKC.

El encanto particular de Clara, Maggie Crist, adquiere peso propio en cada una de sus escenas, dándole a su personaje una frescura particular, especialmente en el primer acto, donde el humor gana protagonismo en la batalla entre soldados y ratones. Así, el rey de los ratones aparece en una lata de sardinas, y el resto de su ejército se dispone a pelear contra los soldados del Cascanueces con cucharas, cuchillos, tenedores y lapiceras. Mientras, los pequeños ratoncitos, interpretados por niños de escuelas del área de DC, se divierten en los sillones gigantes con un queso, también gigante.

A los 36 integrantes de esta compañía del centro oeste del país, se sumaron aprendices y miembros del elenco joven, KCB II, quienes cumplen roles múltiples en cada una de las funciones. Y más allá de las exigencias de cubrir varios personajes, el resultado fue magnífico. Especialmente en el Reino de las Nieves, cuyo diseño coreográfico se funde con bellos efectos visuales y escénicos a cargo del pintor francés Alain Vaes, y un interesante trabajo de la pareja principal protagonizada por Danielle Bausinger y James Kirby Rogers.

En el reino de las Golosinas, Clara y el príncipe Cascanueces miran las danzas chinas en el segundo acto de “Cascanueces”. Foto: Brett Pruit & East Market Studios. Gentileza JFKC.

En el segundo acto, Clara y el príncipe Cascanueces llegan al Reino de las Golosinas en un globo aerostático con un unicornio en uno de sus extremos –quizás, una vaga reminiscencia a los diseños de Marc Chagall–, para encontrarse con el Hada de Azúcar y su Caballero, roles interpretados con calidad y profesionalismo por la cubana Amaya Rodríguez y el brasileño Lamin Pereira dos Santos.

Para cada una de las danzas que desfilan ante Clara y el príncipe Cascanueces, Carney optó por darle un toque original, al igual que a la infaltable Mother Ginger, un estupendo títere de varillas de donde salen deliciosos polichinelas. O en el vals de las flores, en el que la Gota de Rocío se transforma en una rosa, papel a cargo de Taryn Mejía, quien puso un toque “casi balanchiniano” a su personaje.
Una propuesta bella, prolija, cuidada, que atrapa con sus guiños de humor, con la calidad de los bailarines, y por sobre todo, con la forma en que lograron fusionar el trabajo y la preparación entre los participantes locales con los miembros de la compañía. Un “Cascanueces” delicioso, que despierta un entusiasmo particular por su frescura y esa maravillosa e incomparable música de Tchaikovsky.

El Cincinnati Ballet presentó “Cascanueces” en el Kennedy Center con Sophia Rose Beadie como Clara. Foto: Peter Mueller. Gentileza JFKC.

Los últimos días de noviembre, con el frío que anuncia su presencia inexorable, las luces de la Navidad comienzan a hacer sus guiños por las esquinas de todas las ciudades. Y cada vez llegan más de prisa, o quizás el tiempo se esté apresurando solo como también se apresura la llegada de los incontables “Cascanueces” que suben a escena en los sitios más remotos de los Estados Unidos. El inolvidable Fernando Bujones no se cansaba de decir que “Cascanueces” era la manteca y el pan para las compañías de danza del país y aseguraba que las recaudaciones, ayudan a cubrir gran parte del presupuesto anual que cada ensamble necesita para sobrevivir una temporada más.

El Kennedy Center de Washington DC, año tras año cumple un ritual insoslayable: llevar “Cascanueces” al Opera House. Y siempre propone una nueva compañía. Esta vez, el Cincinnati Ballet, dirigido por Victoria Morgan, trajo por primera vez a Washington -desde el 23 al 27 de noviembre- esta versión que se estrenó el 15 de diciembre de 2011 en el Aronoff Center for the Arts en Cincinnati, Ohio.

El príncipe Cascanueces, interpretado por Taylor Carrasco del Cincinnati Ballet, dirigido por Victoria Morgan. Foto: Peter Mueller. Gentileza JFKC.

Magnífica, la música de Piotr Ilych Tchaikovsky, interpretada por la Kennedy Center Opera House Orchestra, dirigida por Carmon DeLeone, hace que esta historia nunca pierda su encanto. Si bien en el segundo acto Morgan incorporó algunas modificaciones a la partitura, la pieza mantuvo su brillo. Fresca, divertida, graciosa y ocurrente, la versión de Morgan de este “Cascanueces” comienza en la cocina de la casa de la familia Stahlbaum con los preparativos para la celebración de la Navidad.

Niños por todos lados, ratones eléctricos, comidas suculentas, besos robados, champagne, y un inmenso árbol de Navidad, son parte de los atractivos de esta puesta chispeante. Y como parte del folclore, o quizás, a modo de homenaje, Morgan incorporó aquel oso bailarín que fue la “marca registrada” de Willam Christensen en el primer “Cascanueces” que se hizo en los Estados Unidos en 1944, estrenado por el San Francisco Ballet.

Clara, interpretada por Sophia Rose Beadie, tiene un protagonismo especial en esta puesta y es la que conduce este mágico periplo. De esta forma, el cascanueces roto por el hermano de Clara, se transforma en el Príncipe Cascanueces (Taylor Carrasco), lucha contra el Rey de los ratones (Rodrigo Almarales), y se embarca con Clara en una nueva aventura. Juntos, llegan al Reino de las Nieves, una de las escenas más bonitas de esta puesta, con una bella escenografía y una interesante dinámica entre cuerpo de baile y los protagónicos. Maizyalet Velázquez y Patric Palkens, como la reina y el rey de las nieves, mostraron solvencia en sus interpretaciones, y a su vez, dejaron ver a dos bailarines de calidad.

Patric Palkens, bailarín principal, y la solista Maizyalet Velazquez del Cincinnati Ballet en “Cascanueces”, cubren los roles del rey y reina de las nieves respectivamente. Foto: Peter Mueller. Gentileza JFKC.

Ya en el reino de los dulces, la variación del Hada de Azúcar (Chisako Oga) con su Caballero (Cervilio Miguel Amador), cambió la estructura tradicional al hacer parte de la introducción al pas de deux final, al comienzo de este segundo acto. Oga hizo un prolijo trabajo frente a una coreografía que no fluye con naturalidad y que propone ciertos finales abruptos. Y en medio de todo este despliegue, también llegaron las danzas españolas, un toque divertido en las escenas de las danzas árabes en las que el sultán pasa “papelones” ante sus odaliscas y se siente ofendido. Un gran dragón, manejado con técnicas de títeres de varilla, acompaña el paso de las danzas chinas.

El toque original, sin duda, fue la aparición de la Madre Gallina, en lugar de Mother Ginger, quien luego de poner un huevo, dejó salir de su inmensa falda una infinidad de pollitos de todos los tamaños. Morgan a su vez, reemplazó la Gota de Rocío por la Rosa, un solo interpretado prolijamente por Sirui Liu. Y el vals de las flores, otro “clásico” de cualquier “Cascanueces”, quedó en cierta forma desdibujado por una coreografía que no alcanzó a definir su rumbo.

Al terminar este recorrido maravilloso, en el que Clara y su príncipe Cascanueces transitan por los lugares más recónditos llevados por una bella carroza tirada por caballos blancos, el mundo ya no vuelve a ser el mismo para Clara. Al despertar de ese sueño, se reencuentra con su Cascanueces en el sofá de la sala de su casa. Y solo queda el recuerdo de ese mundo donde la magia es posible, tan posible como este bello “Cascanueces”.