El Teatro Real de Madrid acogió “El lago de los cisnes: la nueva generación”, de Matthew Bourne. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real. 

El Romanticismo consideraba que el cisne era un símbolo del amor ideal y eterno, de la fidelidad por su naturaleza monógama, de la elegancia por su movimiento majestuoso, y de la pureza por su blanco plumaje. Tan altos estándares de perfección cristalizaron en el clásico del ballet con mayúsculas, “El lago de los cisnes”, en cuya cuarta y exitosa versión (1895) confluyeron los genios de Piotr Ilich Tchaikovsky en la composición musical, y del tándem Marius Petipa-Lev Ivanov en la coreografía. La dualidad entre la etérea princesa-cisne, Odette, y su malvada sosias, Odile, fue encarnada magistralmente por Pierina Legnani (1868-1930), famosa por ser capaz de ejecutar los famosos 32 fouettés y primera artista nombrada Prima Ballerina Assoluta de la historia.

Darle una vuelta de tuerca al clásico de los clásicos no es una tarea sencilla, pero, sin embargo, resulta muy tentador para numerosos coreógrafos. En los años 90 del pasado siglo, Matthew Bourne asumió el reto y le dio un enfoque totalmente original: el príncipe pertenece a una familia disfuncional y se enamora de un cisne masculino, muy lejos de la etérea imagen de Odette. En un contexto en el que el movimiento LGTB luchaba contra la epidemia del sida y por una mayor visibilidad del colectivo, no tardaron en propagarse múltiples lecturas homoeróticas del espectáculo creado para la compañía New Adventures, mientras que la radical versión de Bourne conquistó el favor del público y empezó a acumular galardones, como tres Premios Tony (1999), un Premio Lawrence Olivier (1996), un Premio Astaire (1999), Premio de la Crítica de Los Ángeles (1997). Su breve aparición como epílogo de la historia de superación del protagonista del filme “Billy Elliot” (2000), de Stephen Daldry, dieron el espaldarazo internacional a la producción, que periódicamente vuelve a subirse a los escenarios para conmemorar los correspondientes aniversarios.

La gran originalidad de la versión de Matthew Bourne es que los cisnes son un elenco masculino. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Desprovisto de la lectura subversiva que pudo tener en su origen por la osadía de convertir a la bandada de cisnes en un conjunto de ánades masculinos, “El lago de los cisnes: la nueva generación”, interpretado por New Adventures, llegó al Teatro Real de Madrid en su gira conmemorativa por su trigésimo aniversario. Con el aforo completo, las cinco funciones ofrecidas por la compañía británica presentaron por primera vez en España esta transgresora producción, convertida actualmente en un icono de la escena.

¿Por qué el “Swan Lake” (1995) de Matthew Bourne sigue encandilando a diferentes generaciones de espectadores? Mientras muchos programadores del mundo de las artes escénicas se devanan los sesos para ver cómo conseguir atraer al público joven, lo cierto es que esta producción es capaz de seducir a espectadores de todo tipo, y ésa es su gran virtud: Matthew Bourne tocó la tecla adecuada para atraer a público de diversas edades y no específicamente de danza. Con una puesta en escena cercana al musical, la coreografía de Bourne mezcla sin pudor el lenguaje clásico y la danza contemporánea, sin estridencias. No huye de las referencias esenciales del clásico: los pasos a dos del ‘Cisne Blanco’ y ‘Cisne Negro’, el acto blanco en el lago o las danzas de carácter en un cabaret nocturno. En el plano narrativo, pone el foco en el rol del Príncipe (James Lovell), atormentado y subyugado por una dominante madre, la Reina (Carla Contini), quien, tras intentar cumplir con los convencionalismos sociales de tener Novia (Bryony Wood), cae rendido a los brazos del Cisne (Jackson Fisch).

El príncipe atormentado no encuentra consuelo en su opresiva madre, la Reina. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Otra de las licencias narrativas tomada por el libertino Bourne es situar al príncipe en un entorno disfuncional. Retrocediendo a 1995, cuando se estrenó la producción, las hilarantes escenas de humor del comportamiento inadecuado de la Novia en los actos oficiales provocaban la risa en un momento en el que la Familia Real británica acaba de vivir el annus horribilis de la reina Isabel II (separaciones de los príncipes de Gales, los duques de York y la princesa Ana, además de incendio en el castillo de Windsor). Y aunque son referencias lejanas -y probablemente, descontextualizadas para los espectadores jóvenes-, aún consiguen esbozar una sonrisa en el público.

¿Qué sería un “Lago de los cisnes” sin cisnes? Sabido es a priori que parte de la original subversión consistió en sustituir a las delicadas bailarinas-cisne por un varonil elenco de ánades, pero, además, éstos representan sus roles cargados de masculinidad, sin un ápice de amaneramiento o sin caer en la tentación de caricaturizar a los ánades femeninos. En la escena, los viriles cisnes son muy solventes en los diferentes registros interpretativos, tanto en danza como en escenas más teatrales. En el acto II, la bandada de cisnes da muestra de su solidez como conjunto. Como contraste a su cándida imagen del acto blanco, en la última parte los cisnes adoptan un aspecto amenazante que recuerda a “Los pájaros” (1963), de Alfred Hitchcock.

El Teatro Real de Madrid ha demostrado ampliamente su fascinación por el título clásico de “El lago de los cisnes”, interpretado en diversas versiones durante las recientes visitas de grandes compañías internacionales, como el San Francisco Ballet (2024) o The Royal Ballet (2018). Con la visita de New Adventures y el estreno en España del libérrimo “Swan Lake” de Matthew Bourne, el coliseo madrileño apuesta por una versión poco ortodoxa, pero con una dilatada trayectoria que le permite conectar con nuevos públicos. El engranaje que puso en funcionamiento hace tres décadas el visionario artista británico funciona a la perfección: escenografía y vestuario de Lez Brotherston, iluminación de Paule Constable y vídeo de Duncan McLean. La única mácula a las presentaciones en gira es la ausencia de música en directo, ya que la interpretación se realiza sobre la grabación de la Swan Lake Orchestra, dirigida por Brett Morris, de 2004. No obstante, la transgresora versión de Matthew Bourne y la buena factura del trabajo interpretativo de New Adventures, consiguieron epatar al público del Teatro Real de Madrid, que, en la matinée del sábado, obtuvo una ovación de cinco minutos.

El acto III se desarrolla en un cabaret. donde se interpretan el célebre paso a dos del ‘Cisne Negro’. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

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Cisnes masculinos reeditan la trama de “Swan Lake” en esta versión de Matthew Bourne y su compañía New Adventures en Washington DC. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Sumido en un extraño sueño, el príncipe alcanza a ver un maravilloso cisne, un ser de imponente belleza masculina, fuerte, sensual, agresivo, salvaje. Una suerte de figura opuesta a ese ser timorato que no se anima a descorrer las barreras de los prejuicios. Al despertar, vuelve a su rutina sofocante, a una madre devoradora y a una sociedad superficial y arrogante.

Estrenado en Londres en 1995, este “Lago de los cisnes” del inglés Matthew Bourne, no sólo ha batido récords de representación en todos los escenarios del mundo, sino que es una de las obras que más premios recibió desde su estreno. Casi al final de su gira 2019-2020 la compañía New Adventures regresó al Kennedy Center de Washington DC con esta ya clásica versión de “Swan Lake”.

Con una fuerte impronta psicológica que no escapa a la crítica de una sociedad banal, el coreógrafo inglés se anima a mostrar un caleidoscopio de intrigas, tendencias sexuales y promiscuidades para retratar este mundo contemporáneo. Siempre, y con su estilo, aparecen el humor irónico y cierta cuota de cinismo y crueldad. El vestuario –bello y ocurrente– y la escenografía de Lez Brotherston, encuentran el toque justo para esta puesta que replantea desde otra óptica la historia de la princesa-cisne.

Si en algo se parece este “Swan Lake” al creado en 1877 por Marius Petipa, es que mantiene la música de Piotr I. Tchaikovsky y la dualidad del personaje central, con el doble rol de Cisne-Extranjero (Odette-Odile), asumido magníficamente en la noche del estreno en Washington por Max Wetswell. Aquí, el cisne masculino, seguido por un séquito de cisnes, también masculinos, aunque no se hace referencia a ningún tipo de hechizo como el de Rothbart.

Max Westwell, de New Adventuers, es el cisne y el extranjero en “Swan Lake” que se presentó del 21 al 26 de enero en el Kennedy Center. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

De esta forma, es el personaje del Extranjero, el que representa a Odile (el cisne negro) en el tercer acto. Casi un psicópata, voraz y ambiguo, que seduce a la madre del príncipe y al resto de los invitados a la fiesta del palacio, mientras el príncipe cae destrozado por su indiferencia y desprecio.

Wetswell, un bailarín que logra una particular violencia animal en su personaje, le impone un toque vibrante a ese cisne con el que sueña y en donde se refugia ese príncipe atormentado. Impecables equilibrios y saltos ajustados se contraponen en el tercer acto donde predomina lo contemporáneo y la danza-teatro. En ambos roles, Wetswell logra captar la esencia de cada personaje.

James Lovell, el príncipe, hace una excelente y conmovedora composición. Muestra sus fantásticas condiciones de bailarín especialmente durante el segundo, en un pas de deux intenso con Wetswell. Su actuación e interpretación son impecables.

En estas intrincadas relaciones también se mezcla la ambigüedad y el incesto entre el príncipe y su madre. El joven debe enfrentarse a una madre promiscua y distante, interpretada con absoluta solvencia por Nicole Kabera. Perfecta en su rol y con un alto nivel técnico como bailarina.

Bourne intercala el drama con la sátira de manera magistral. En medio de esta parodia a la monarquía contemporánea en la que la realidad supera la ficción, aparece la “novia/pretendiente/aspirante a”, una suerte de “prostituta” arribista, Katrina Lyndon, que intenta infructuosamente conquistar al joven casadero. Delicioso trabajo, con marcados estereotipos que lindan con una comicidad descollante.

Desorientado, en el segundo acto, el príncipe trata de calmar su desasosiego con un intento de suicidio y, contrariamente a la trama de Petipa, el salvador resulta ser salvado por el cisne, quien le renueva su deseo de amar y de vivir. Con bellas escenas, una compañía sólida e intérpretes excelentes, el lago se transforma en un espacio mágico, no sólo por la trama, sino desde el punto de vista visual. Cisnes sudorosos, salvajes, majestuosamente masculinos acorralan al príncipe y lo sumergen en su propio hechizo.

Sin embargo, esa ilusión desbordante provocada por el encuentro se quiebra abruptamente en el tercer acto en la escena de la fiesta del palacio con la llegada del extranjero. Lasciva, por momentos, la escena adquiere una fuerte dosis de cinismo y sarcasmo mientras el pas de deux entre el príncipe y el extranjero provoca el desenlace final.

Tendido en su enorme cama, desolado e insomne, el príncipe cae en su última y desesperada pesadilla en la que los cisnes invaden su habitación y lo destruyen. Un desgarrador final, violento y cruel.

Matthew Bourne hace referencia a las actuales monarquías en su versión de “Swan Lake” creada en 1995. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

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“Cenicienta”, de Matthew Bourne, y su compañía New Adventures, llegó al Kennedy Center con Andrew Monaghan y Ashley Shaw en los protagónicos. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Aquí no hay príncipes ni princesas, ni bailes en palacio, ni hadas buenas ni malas, ni varitas mágicas, ni maleficios. Tampoco hay calabazas convertidas en carrozas, ni ratones transformados en lacayos. Hay una ciudad desolada por la guerra, azotada por sucesivos bombardeos. Hay muertos, heridos de guerra y edificios desmoronados. Hay, sí, una madrastra alcohólica y malévola, hermanastras viciosas, hermanastros despiadados, y un padre semi-ausente, condenado en una silla de ruedas, que guarda sus condecoraciones de héroe de guerra. Y también hay una joven sobre la que caen todos los castigos, las humillaciones y las postergaciones. Una joven que, a pesar de todo el dolor y la injusticia, sigue creyendo en el amor.

En esta “Cenicienta” de Matthew Bourne que llegó al Opera House del Kennedy Center de Washington DC, y se instaló desde el 15 al 20 de enero, el estigma de la Segunda Guerra Mundial rompe con la estructura tradicional del cuento de hadas. Una producción de danza-teatro que pone en escena los más diversos recursos estéticos y el sello indiscutible del coreógrafo inglés. En este caso, “Cenicienta” rinde un homenaje a su padre, un héroe de esta guerra devastadora que transcurrió desde 1939 hasta 1945.

Londres, 1940. Bombardeos, refugios donde protegerse de los ataques y una Cenicienta cuya candidez contrasta con la realidad y la mezquindad de un mundo que parece sucumbir. Su “príncipe”, un piloto de la Fuerza Aérea herido en la cabeza, termina encontrándose con ella a través de los buenos oficios de un ángel de la guarda que los protege y los aísla, y va entretejiendo la trama como un demiurgo secreto e invisible. Sin varitas mágicas.

Liam Mower, el ángel, y Ashley Shaw, Cenicienta, en esta versión de “Cenicienta” de Matthew Bourne. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

No obstante, en esta obra creada en 1997, Bourne describe con sutileza los blancos, los grises y los negros por los que transitan la ciudad y sus personajes de este infierno en el que todo es desesperación y dolor. Con una puesta en escena deslumbrante de Lez Brotherston, en la que todo se transforma, se construye, se destruye y vuelve a construirse, Bourne apela a una diversidad de recursos escénicos. Con interesantes fragmentos de documentales en blanco y negro, diseñados por Duncan McLean, a través de los cuales se entremezcla la ficción y la realidad, la narrativa hace pie en esa guerra irreversible. Impecable, acertada y sutil, la iluminación de Neil Austin, va creando nuevos espacios, climas y texturas que van componiendo un todo impecable y hasta sublime.

New Adventures, la compañía creada por Bourne en 2002, es un crisol de bailarines con una sólida formación en danza contemporánea y clásica, que no necesitan de la palabra para transmitir con sus cuerpos ese texto implícito de la trama recreada por Bourne. Cenicienta, encarnada en la noche del estreno por Ashley Shaw, adquirió protagonismo indiscutible a medida que transcurría esta obra. Fue creciendo dramáticamente, y sus movimientos fueron desplegándose con suavidad y soltura en sus solos y en los pas de deux que fue alternando con su ángel guardián (Liam Mower) y con su “príncipe-aviador”, un tierno y conmovedor Andrew Monaghan.

Mower, una presencia enigmática en este entretejido de historias y sub-historias, supo insertar teatralidad a sus movimientos. Ajustado en sus giros, preciso, intenso.

Bourne desterró el palacio del príncipe y lo sustituyó por una impactante fiesta en el Café de París. El coreógrafo registra, a su manera y con sus matices simbólicos, aquel trágico momento en marzo de 1941, cuando el célebre café por donde desfilaron personajes como Dorothy Dandridge o Marlene Dietrich, fue bombardeado por las tropas alemanas, dejando 34 muertos y 80 heridos. Entre las llamas y la desolación, el ángel de la guarda fue reconstruyendo el espacio, resucitando esos cuerpos caídos. Una escena desgarradora reafirmada a través de la propuesta sonora de Paul Groothuis, donde se mezclan explosiones sucesivas, aviones rugientes y ensordecedores, y la música de Sergei Prokofiev creada para el ballet “Cenicienta”, compuesta en 1944.

Pero más allá del horror de una guerra que dejó al mundo partido en dos, más allá de las marcas del holocausto que aún perduran, más allá de los escombros y la muerte, Bourne, en su “Cenicienta” rescata el amor, la esperanza, la necesidad de creer en los mandatos del alma para sobrevivir una y mil veces. Sí, sobrevivir a través del amor.

Marcelo Gomes y Ashley Shaw, en “The Red Shoes”, de Matthew Bourne, estreno en DC por la compañía New Adventures. Foto: Lawrence Ho. Gentileza JFKC.

Un mundo en el que la pasión y la obsesión se dan la mano. Un mundo en el que las decisiones marcan el destino. Un mundo donde la bajeza y la grandeza de la condición humana están a flor de piel. Matthew Bourne, uno de los coreógrafos y directores más reconocidos en las últimas décadas, llegó al Opera House del Kennedy Center –desde el 10 al 15 de octubre– con una pieza que tuvo su estreno mundial en diciembre de 2016, “The Red Shoes” (Las zapatillas rojas), y que se convierte en un claro caleidoscopio de la vida y sus contradicciones.

La obra, inspirada en la película británica de 1948, realizada por el equipo formado por Michael Powell y Emeric Pressburger, cuyas raíces se remontan al cuento del mismo nombre de Hans Christian Andersen, adquiere perfiles propios y un estilo narrativo diferente. Tal como lo hace habitualmente, Bourne cuenta su propia versión de la historia. A su manera, y sus códigos particulares. “The Red Shoes” no es una réplica del legendario film, tampoco lo es del cuento de Andersen. Es, simplemente, una nueva obra. No obstante, Bourne deja aparecer elementos insustituibles de la trama, los cuales marcan el perfil de un personaje atormentado que no logra resolver sus conflictos internos entre el amor, el arte, la tentación, la vanidad.

Ashley Shaw, en el rol de Victoria Page, la protagonista de “The Red Shoes”. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

En la noche de apertura, una de las principales figuras del mundo de la danza actual, primer bailarín del American Ballet Theatre (ABT), Marcelo Gomes, asumió uno de los protagónicos masculinos. Esta vez, se convirtió en el joven compositor Julian Craster. El bailarín, se unió en esta gira a New Adventures, la compañía de Bourne, y como siempre, puso su toque particular y único. Gomes es uno de esos bailarines excepcionales que todo lo que baila lo convierte en magia. Y esta vez, volvió a cumplirse el conjuro.

Sus pas de deux -bellos e intensos desde el punto de vista coreográfico- junto a Ashley Shaw, en el rol de Victoria Page, son absolutamente sublimes. Quizás, lo más logrado de esta puesta magnificente, con un gran despliegue escenográfico creado por Lez Brotherston, trucos lumínicos interesantes de Paule Constable, y planos y contra-planos que marcan la realidad y la ficción como una sucesión de imágenes oníricas.

El coreógrafo británico hace que sus bailarines se conviertan en verdaderos actores de la trama, y de esta forma, combinan una excelente técnica, tanto clásica como contemporánea, y un trabajo de interpretación sólido, consistente, para el que no necesitan las palabras. De esta forma, la puesta se convierte en algo vivo, mágico y cautivante, mientras se escapan guiños de humor e ironía.

Victoria Page, la protagonista, se debate entre la danza y su amor por el músico Julian Craster (Gomes). Forzada a esta disyuntiva por el obsesivo coreógrafo Boris Lermontov (interesante trabajo de San Archer), enamorado de la bailarina que él mismo convirtió en estrella de su compañía. Alrededor de este trío gira la narrativa de este “cuento de hadas” contemporáneo, que apunta a una especulación más psicológica que naif.

Las escenas de conjunto, arrolladoras e intensas, también forman parte de ese lenguaje particular de Bourne, en el que la coreografía desafía a los bailarines, con una diversidad de movimientos simultáneos y paralelos, en los que cada uno cumple un rol diferente. El vestuario, también de Brotherston, es llamativo y audaz.

En esta puesta Bourne no solo muestra los costados oscuros del mundo del ballet como una metáfora de la vida, sino que propone una reflexión sobre el arte y el compromiso del artista. Quizás, su propio compromiso y el de sus bailarines. Quizás el de Victoria Page, que en su escena final prefiere la muerte a la claudicación.

El coreógrafo Boris Lermontov (San Archer) en un pas de deux con Victoria Page (Ashley Shaw), en “The Red Shoes”, en el Kennedy Center de DC. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Marcelo Gomes interpretará a Julian Craster en la producción de “The Red Shoes” de Matthew Bourne en el Kennedy Center. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Un conde, un príncipe, un villano, un hechicero, un joven enamorado capaz de morir de amor y por amor… Marcelo Gomes hace historia en el mundo del ballet. El bailarín que formó parte de la transición entre dos siglos en los que la danza fue cambiando sus perfiles. Aún siendo un niño, allá en Manaos, la capital del estado de Amazonas, en el Norte de Brasil, donde nació, la danza comenzó a formar parte de su vida. Su destino: Río de Janeiro. Luego, el mundo. A los 18 años, en 1997, después de ganar el Prix de Lausanne, ingresó al American Ballet Theatre (ABT) como miembro del cuerpo de baile, y en cinco años pasó de solista a principal. En la compañía, fue uno de los grandes partenaires de Paloma Herrera y de Julie Kent. Se llevó el Benois de la Danse en 2008, y desde hace un par de años se lanzó al desafío de ser coreógrafo.

Actor indiscutible, Gomes llega a DC, esta vez, con New Adventures para protagonizar “The Red Shoes” en el Opera House del Kennedy Center de DC desde el 10 al 15 de octubre. Esta producción del británico Matthew Bourne fue estrenada en 2016, y se basa en el célebre film del mismo nombre creado por Michael Powell y Emeric Pressburger de 1948, sobre el cuento de Hans Christian Andersen. Los protagonistas de aquella película memorable fueron Moira Shearer, Anton Walbrook, Marius Gorin, Robert Helpman, Leónide Massine y Lurdmila Tchérina, entre otros.
Sin embargo, esta no es la primera vez que Gomes es bailarín invitado de la compañía dirigida y fundada por Bourne. Antes, pasó por “Carmen” y “Lago de los cisnes”. Ahora, luego de cinco shows con “The Red Shoes” en Los Ángeles, se prepara para una larga gira con esta obra.

Marcelo Gomes y Julie Kent en “Manon”, producción del ABT. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT. Archivo Danzahoy.

Danzahoy: ¿Cómo surgió esta posibilidad de trabajar con Bourne en este ballet?
Marcelo Gomes: Trabajé con Matthew (Bourne) en dos producciones anteriores, y esta vez me llamó para hacer “The Red Shoes”. Es un maravilloso director y un coreógrafo talentoso. Me siento feliz de formar parte de esta obra y de cubrir un rol que es diferente a los que hago habitualmente. Trabajar con él me permite explorar aun más en mi trabajo de actuación, y eso es un desafío importante porque lo que él pide de los artistas es contar una historia, no hacer piruetas. Aquí hago cosas que nunca hice antes, como por ejemplo, tocar el piano.

D: ¿Cuáles son los puntos de esta historia que le llaman más la atención?
MG: Es una pieza intrigante que habla sobre la historia de una bailarina que trata de encontrar un camino para su vida, que intenta descubrir hacia dónde va su carrera. Y es necesario que uno se haga esa pregunta porque ese dilema constante forma parte de la vida de un artista. Todos nos cuestionamos y nos planteamos lo mismo en todo momento de nuestra carrera.

D: ¿Dónde se establecen las diferencias entre el film protagonizado por Moira Shearer y esta creación de Bourne de 2016?
MG: Matthew es increíble, su imaginación y su creatividad hacen que sea un “master” del teatro. Esta producción se parece bastante al film, con algunos cambios y otra perspectiva. No solo es hermosa sino que es muy desafiante tanto para el artista como para la audiencia porque hace un juego de ida y vuelta entre la realidad y la ficción. Al espectador le permite pensar y comparar entre el mundo real y lo que cada uno haría en circunstancias similares. Y de alguna manera, esta producción deja a cada uno con interrogantes por resolver.

D: Como artista y como persona, ¿qué es lo que más rescata de ambas producciones?
MG: Prefiero verla en vivo. Vi el video, pero no pude percibir las emociones. En la producción de Matthew se hace mucho énfasis en la actuación. Cuando vi la obra por primera vez me movilizó mucho. Es trágica, y la protagonista no puede resolver su conflicto. Está inspirada en la película, pero Matthew hizo mucha investigación sobre el ballet y la creación de un ballet, y explora mucho sobre ese tema. Si bien se asemeja bastante a la línea argumental de la película, hay algunas diferencias. Por ejemplo, el ballet master es casi un gigoló.

D: ¿Cómo compatibiliza entre el ABT y esta gira con New Adventures?
MG: Después de estar 20 años con ABT y de trabajar con distintos coreógrafos, esta oportunidad es una bendición para mí. Esta será la primera temporada de otoño en la que no bailaré con la compañía porque estaré en tour con New Adventures. Esta experiencia, sin duda, me hace mirar mis roles tradicionales de otra forma, desde otra perspectiva, y me permite crecer como artista. Kevin McKenzie, el director del ABT, me da permiso para hacer esto porque forma parte de la formación del bailarín.

D: ¿Y cuáles son sus perspectivas como coreógrafo?
MG: Estoy haciendo un nuevo ballet para el Sarazotta Ballet y para el próximo año, estrenaré con el Washington Ballet. Desde luego, crear nuevas coreografías me entusiasma. Me gusta estar del otro lado y ser quien inspira a otros bailarines.

New Adventures presenta “The Infernal Galop”, un retrato de la Francia tradicional creado por Matthew Bourne se presenta en Madrid en Teatros del Canal. Foto: Johan Persson. Gentileza NA.

Danza-teatro, ironía, desenfado, irreverencia, humor. Pero por sobre todo, uno de los coreógrafos favoritos del Reino Unido. Todos esos elementos dejan imaginar un solo nombre: Matthew Bourne. Y esta vez, estará en Madrid, España con el apoyo del British Council y el estreno de “Early Adventures”, una de las obras más esperadas de la temporada en el marco del ciclo Dance Dance Dance UK. La cita será en Teatros del Canal, Sala Roja, del 15 al 18 de marzo y para el 16, está previsto un encuentro con el público después de la función.

En “Early Adventures”, Bourne apuesta por un programa que incluye las obras que lanzaron su carrera, marcada por la innovación, la ruptura de estereotipos, el ingenio y la imaginación. En este espectáculo se presentarán: “The Infernal Galop”, un retrato de la Francia tradicional desde la visión conservadora inglesa; “Watch with Mother”, una evocación particular de los juegos infantiles que vuelve a escena después de 25 años, y “Town and Country”, una evocación del pasado a través de un collage musical de ídolos británicos. El estreno en España forma parte de las celebraciones del trigésimo aniversario de la compañía New Adventures, y cuenta con el apoyo del Arts Council de Inglaterra.

“Watch with Mother”, con coreografía de Matthew Bourne subirá escena por primera vez después de 25 años. Foto: Johan Persson. Gentileza NA.

Bourne, bailarín y coreógrafo londinense muy discutido por romper los esquemas tradicionales del mundo del ballet al reinterpretar los grandes clásicos como “Lago de los cisnes” o “Cascanueces”, comenzó su revolución con un grupo al que llamaron Adventures in Motion Pictures (AMP), formado en 1987 por un grupo de estudiantes del London’s Laban Centre. Bourne se convirtió rápidamente en el líder y coreógrafo de AMP, y transformó las estrategias de la troupe presentando espectáculos de danza contemporánea con grandes dosis de ironía y dramatismo. Su primera producción, “Spitfire” (1988), sobre Pas de quatre de Jules Perrot, es una parodia sobre los roles del ballet romántico, así como “Deadly Serious” es un homenaje al genio del cine de suspenso, Alfred Hitchcock.

En 1993, Opera North le encargó una nueva coreografía de “Cascanueces”, la primera de las grandes producciones de AMP. “Me gusta hacer grandes espectáculos para grandes audiencias”, dijo Bourne en una reciente entrevista en el periódico “Sunday Times”. Cinco veces ganador del premio Olivier y único director británico que ha recibido el premio Tony al mejor coreógrafo y al mejor director de musical, es la primera vez que se presenta en España. Tras Margot Fonteyn Bourne es el segundo ganador del mundo de la danza en recibir el premio Hamburg Shakespeare de las Artes y el primer ganador en la categoría de arte del premio

El diseñador Lez Brotheston (Premio Olivier, Premio del Círculo de la Crítica de Los Ángeles, y Premio Tony, entre otros), es responsable del vestuario y la escenografía de este espectáculo que sintetiza el estilo del coreógrafo.

En 2004 codirigió con Richard Eyre el musical “Mary Poppins” en el West End, mientras que su particular versión de “Lago de los cisnes” forma parte de la icónica película “Billy Elliot”, dirigida por Stephen Daldry. Diez años más tarde Bourne recibió el premio De Valois por sus extraordinarios logros al tiempo que inauguraba el Matthew Bourne Theatre en su antigua escuela de East London. En 2015 se conviertió en la primera personalidad del mundo de la danza en recibir el premio The Stage en los Premios UK Theatre por su extraordinaria contribución al teatro británico. Al año siguiente fue nombrado Caballero por la Reina y recibió el Queen Elizabeth II Coronation Award en reconocimiento a sus servicios a la danza. También en 2016 New Adventures estrenó su último trabajo, “The Red Shoes”, basado en el clásico de Powell y Pressburger con música de Bernard Herrmann.

En “Early Adventures” Matthew Bourne hace una evocación del pasado a través de un collage musical de ídolos británicos en “Town and Country”. Foto: Johan Persson. Gentileza NA.

El plato fuerte de esta obra llega al final del segundo acto con el Grand Pas de deux del Hada Garapiñada y su Caballero interpretado por tres parejas diferentes. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El Ballet Nacional de Cuba no podía ser menos –pasamos revista a las programaciones de sus iguales en el planeta-, el primer mes de año 2017 sin rescatar de su repertorio activo su producción de “El cascanueces” , en versión de su directora general y prima ballerina assoluta Alicia Alonso, estrenada en el XVI Festival internacional de ballet de La Habana de 1998, uno de los grandes clásicos creado por Lev Ivánov, en colaboración con Marius Petipa y el genial soporte musical de P. I. Tchaikovski.

La reposición se realizó en la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. La dirección del principal coliseo de la capital cubana se vio presionado por el entusiasmo manifestado por el público local y foráneo, tanto por chicos y grandes, aficionados a este género dancístico –que colmo el aforo de la mencionada sala los tres primeros fines de semana de enero-, y debió programar un día extra en la semana de cierre de la temporada “invernal”.

Esta afortunada decisión permitió, al público y crítica especializada, valorar las prestaciones de la pléyade de jóvenes talentos del BNC, bisoños o no, que asumirían los papeles protagonistas y a los solistas que defendían por vez primera los secundarios, así como los rangos sucesivos del cuerpo de baile, tan importantes en esta pieza decimonónica. Que fuera estrenada hace 125 años en el teatro Mariinsky de San Petesburgo, el 18 de diciembre de 1892.

Chanell Cabrera, como Clara, de brillante baile y convincente interpretación de un personaje clave en “Cascanueces”. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Otras versiones
Como es sabido por los cubanos aficionados al ballet, y un amplio sector de los habitantes de la Mayor de las Antillas, Alicia Alonso concibió “su” Cascanueces, en dos actos y tres escenas, apegada a las más tradicionales existentes cuando enriqueció sus saberes al ocupar los primeros rangos de importantes compañías de ballet de Estados Unidos y de Europa. Por supuesto que está basada en la original de Ivánov, empero posteriormente adoptó las aportaciones de grandes maestros de la “antigua escuela rusa”, como es el caso de Nikoai Sergeiev, Alexandra Fedorova. Luego, aperecieron las versiones de Gorski y Vainonen, asi como la de Christensen (según la versión recortada presentada en NYC por los Ballets rusos de Montecarlo en 1940). Posteriormente, en 1954, George Balanchine produjo su versión para el New York City Ballet, mientras que Alicia Alonso era la intérprete, entonces, de los roles protagonistas en el American Ballet Theatre y en los Ballets russes de Monte-Carlo –allí, se puso en la piel de Clara (María o Masha) e igualmente bailó los célebres pas de deux de la Reina de las nieves y el Hada Garapiñada, acompañada por los más notables primeros bailarines durante sus temporadas en el país norteño.

Disímiles diccionarios o enciclopedias especializadas en las artes escénicas, y en particular la danza, han repertoriado, al menos, unas 50 versiones de Cascanueces, desde su creación en 1892 hasta nuestros días. Sin embargo, es conocido que la acción de este clásico ha sido tradicionalmente situada, geográficamente, en la ciudad alemana de Núremberg –en las primeras décadas del siglo XIX-. No obstante, cuando atravesó el Atlántico y llegó a los Estados Unidos de América (donde se muestra la mayoría de las producciones de este ballet que en ningún otro país), la acción del argumento es generalmente transpuesto a la ciudad en la cual está siendo representado; ya sean las versiones soviéticas de Grigorovich, Vainonen, Cranko, Nureyev, Flindt, Neumeier, Baryshnikov (en 1976, con acentos “freudianos”), Robert Joffrey (la tradicional de 1995, en NYC); o la de Christopher Wheeldon (para el Joffrey, en 2016, ahora con sede en Chicago, en el histórico momento de la Feria Universal de 1893); o la de Matthew Bourne (de 1992, situada en un orfelinato londinense); o a de Helgi Tomasson, de 2004, para el Ballet de San Francisco, que la sitúa en esa ciudad del oeste durante la Exposición Internacional Panamá-Pacífico de 1915.

El soporte musical es siempre la espléndidamente teatral partitura de Tchaikovski. Por supuesto, no se salva de ser intervenida con recortes y añadidos, o alteraciones en los tempos, según quien la baile  la conduzca en el foso; aunque muchos aprecian la calidad auspiciadora de la obertura (otros la refieren menos larga); igualmente, esto ocurre en los bailables del segundo acto, durante las escenas en la confitería, donde Clara y su príncipe-cascanueces han sido conducidos por su padrino el Dr. Drosselmeyer. Sin duda, sus orquestaciones mantienen el carácter de la festividad navideña e infantil, al apoyar las coreografías que, en algunos casos, evitan el clisé, pero otras no logran evadirse de los diseños escénicos naif.

“Cascanueces” del BNC se estrenó en 1998 con los figurines del diseñador italiano Hugo Fiorato, en coproducción con los teatros La Fenice, de Venecia y el Carlo Felice, de Génova. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Con toque cubano

En el primer acto, por ejemplo, las acciones dramáticas durante la fiesta navideña en los salones del palacete de la familia de Clara, aquí están bien definidas las pantomimas, aunque los bailarines, si  técnicamente exhiben sus destrezas, se nos antojan todavía desiguales histriónicamente. Debemos destacar las entregas de Ernesto Díaz, como Drosselmeyer; a Brian González, como Fritz el hermano de Clara; y a Chanell Cabrera, como Clara, de brillante baile y convincente interpretación.

Inteligentemente, Alicia Alonso ha transformado la tradicional presencia de los tres personajes de la Commedia del´Arte, para los bailes con títeres, en una apropiación válida de los protagonistas de Petrouchka, es decir el Moro y su adorada Muñeca, en esta ocasión ejecutados por poderosos intérpretes que alternaron en cada función. En el segundo acto, mencionaremos las meritorias ovaciones conseguidas por la bailarina Daniela Gómez, como la serpiente, en la Danza de los árabes; y los tres ejecutantes de la Danza rusa, en particular Omar Hernández, Daniel Rittoles y Dairon Darias.

En la tercera escena del primer acto tuvimos el grato disfrute de la exquisita presencia y la musicalidad en el baile de Sadaise Arencibia, con el soporte confiable del elegante Raúl Abreu, en el Cascanueces, aunque en tanto que debutante mostró todavía su vulnerabilidad. Esta parte de Reina de las Nieves, alternaron dos convincentes solistas: Claudia García y Ginett Moncho, ambas con eficaz y poderoso trabajo de las puntas.

El plato fuerte de esta obra llega en los minutos finales, el Grand Pas de deux que cierra el segundo acto: el Hada Garapiñada y su Caballero. Alternaron aquí tres parejas, ofreciendo un derroche de estilo y pirotecnias, sin embargo, no todos estuvieron musicalmente precisos. Eso sí, desencadenaron ovaciones de pie: Anette Delgado junto Dani Hernández; Viengsay Valdés y Patricio Revé, e igualmente los debutantes Ginett Moncho  y Ariel Martínez.

Como apuntábamos arriba, la producción actual fue estrenada en 1998 con los figurines debidos al diseñador italiano Hugo Fiorato, en coproducción con los teatros La Fenice, de Venecia y el Carlo Felice, de Génova. Lamentablemente, debo reprochar la fatiga, por la lógica usura, que ya muestra la escenografía y, en menor medida, algunas piezas del elegante vestuario. Y no quiero soslayar el esforzado y eficiente trabajo del maestro Giovanni Duarte realizado con los jóvenes atriles de la Orquesta sinfónica del Gran Teatro, a juzgar por la calidad mejorada el soporte musical que emergía desde el foso.

Una pléyade de cisnes masculinos es la mayor originalidad y aportación de Matthew Bourne al clásico “El lago de los cisnes”. Foto gentileza del Sadler’s Wells Theatre.

Original, divertida y, sobre todo, poco ortodoxa son los adjetivos aplicables a la personal versión de “Swan Lake”, creada por Matthew Bourne y estrenada con grandísimo éxito en el Sadler’s Wells Theatre de Londres en 1995, lugar en el que se repuso por enésima vez. Dos décadas después, conseguir una localidad es toda una aventura y es que la obra sigue levantando pasiones allá donde se programe. Bourne realiza una lectura muy poco convencional a partir de la historia de “El lago de los cisnes” (1895): el rol dual de Odette/Odile es interpretado por un hombre, amén de que la pléyade de cisnes está compuesta por un elenco masculino.

Pero además de todas las lecturas homoeróticas fácilmente predicables del “Swan Lake”, Bourne centra el argumento en el ansia de libertad de un Príncipe pusilánime, agobiado por la etiqueta y el boato y ninguneado por el carácter frío como un témpano de la Reina. Con una duración de dos horas y media, el espectáculo reinterpreta con más o menos libertad los cuatro actos del libreto original. La música en directo de la genial partitura de Tchaikovsky engrandece aún más un montaje que, en ocasiones, podría parecer un musical sin canciones.

El trío básico sustentador de esta libérrima versión de Matthew Bourne se compone por el Príncipe (Liam Mower), el Cisne/el Extraño (Jonathan Ollivier) y la Reina (Saranne Curtain). En la época romántica, un cisne era una metáfora de aquello imposible. En ese planteamiento psicológico, se intuye que la visión en sueños de ánades por el Príncipe refleja su angustia vital, su soledad y deseo de afecto.

Aburrido de los actos protocolarios y sin posibilidad de obtener el menor gesto de cariño de su madre, el Príncipe comienza una relación con una mujer de diferente condición social, que provoca algunos de los momentos más hilarantes de la obra, sobre todo, en la escena de la Familia Real en el palco de honor cuando acude precisamente a un ballet. Pero, en realidad, sus ansias emergen en el acto segundo, con el encuentro con el Cisne, sin duda, el fragmento más acorde con el argumento y planteamiento coreográfico del original de Marius Petipa/Lev Ivanov.

En el tercer acto, siguiendo la tradición secular, el Cisne interpreta a su sosias: el maligno hijo de Von Rothbart. El clímax se produce con el encontronazo entre ambos y el disparo fortuito que acaba con la vida de la Novia (Kerry Biggin). Recluido en una institución mental, el Príncipe vuelve a soñar con la manada de ánades. Atrapado por la locura, fallece consiguiendo así unirse a su amado Cisne.

La coreografía de Matthew Bourne posee una fuerte raíz clásica, pero su estilo es eminentemente contemporáneo. Incluso, en ocasiones, podría decirse que hay unos ciertos toques de jazz. Además del viraje argumental, también es muy destacable el sentido del humor que imbuye a toda la producción: desde la sátira a la monarquía en multitud de pequeños detalles, hasta la esperpéntica novia o la parodia del clásico en ese pseudoballet de mariposas al que acude la Familia Real. Muchas veces se tiende a considerar esta producción masculina, lo cual no es 100% cierto. La mujer está presente, pero en roles caricaturescos (Novia), serviles (servicio) o como ejemplo de férrea autoridad (Reina).

Por ello, el peso principal de la obra recae en los hombres pero sobre todo y con carácter de contrapunto, en el apocado príncipe y en el seductor/magnético Cisne e hijo de Rothbart. Especialmente destacadas son las escenas de paso a dos entre ellos bien como Cisne Blanco o como Cisne Negro, en la contraposición de dos estilos de bailar, más varonil o más afectada. También muy loable es el acto segundo con toda la pléyade de cisnes bailando con geométrica simetría. En general, el elenco masculino  de New Adventures demostró un mejor nivel que el femenino.

Para la cultura popular, este “Swan Lake” es fácilmente reconocible por ser la última escena del filme “Billy Elliot” (2000), hecho que quizás contribuyó a catapultar aún más la fama de la obra. Durante su largo recorrido escénico, la producción de Matthew Bourne se ha alzado con multitud de distinciones como tres Premios Tony (1999), un Premio Lawrence Olivier (1996), un Premio Astaire (1999), Premio de la Crítica de Los Ángeles (1997). Y con casi veinte años a sus espaldas, hay que admitir que el público continúa llenando las salas en las que se programa. De hecho, el Sadler’s Wells de Londres estuvo abarrotado en los dos meses de su reposición. Y lo más interesante, la obra sigue teniendo la frescura, sentido del humor e irreverencia intactos. Esto se traduce en una ovación de más de cinco minutos con el público en pie. Si el espectador quiere pasar un buen rato, reírse a mandíbula batiente, disfrutar de la danza sin ortodoxia y ver una producción cuidada al milímetro y bien rodada-amortizada, ésta es la pieza. Algo tendrá el agua cuando la bendicen.

“La Bella durmiente”, de Matthew Bourne se convierte en una fábula gótica en el Kennedy Center de Washington DC. Foto: Simon Annand. Gentileza JFKC.

Una princesa condenada por un maleficio del hada mala, un príncipe que debe rescatar a la princesa que quedó dormida durante cien años, y una historia de amor donde los protagonistas, se supone, son felices para siempre y le ganan la partida al mal.

Casi todo y casi nada de eso ocurre en la nueva versión de 2012 de “La bella durmiente” creada por el coreógrafo inglés Matthew Bourne y que se presentó desde el 12 al 17 de noviembre en el Kennedy Center de Washington DC. Su rebeldía, quizás, o su desbordante creatividad pone a esta historia popular europea, nacida de la tradición oral, en un ámbito donde las hadas buenas y las hadas malas son vampiros encarnados, algunos, por personajes masculinos, ajenos a la delicadeza de las hadas tradicionales.

Bourne, rompe con los estereotipos, se lanza a recrear su propia historia, sin alejarse demasiado de la estructura que en el siglo XIX, gestaron los dos genios de la danza, Marius Petipá y Piotr. I. Tchaikowsky, cuya partitura permanece intacta en esta versión.

De la primera versión de Charles Perrault, de su libro “Cuentos de Mamá Ganso” publicado en 1697, y de la segunda, de los Hermanos Grimm, “Dornröschen” (La espina de la rosa), el coreógrafo rescata algunos personajes como el Hada Lila, convertido en el Conde Lilac, rey de las hadas, Carabose, la princesa Aurora, los reyes, y convierte al jardinero en el enamorado que llegará a salvarla del maleficio de Carabose y su hijo, Caradoc.

Con las manos maestras de un grupo de titiriteros que comandan los gestos y travesuras de la princesa niña, Bourne muestra una personalidad que puede ajustarse quizás, más a la realidad que a la fantasía. Una niña traviesa y caprichosa que enloquece a su niñera.

La compañía dirigida por Bourne, New Adventures, presenta una historia gótica que comienza en 1890, año en el que se estrenó por primera vez este ballet en Rusia. Continúa con Aurora (Hanna Vasallo) a los 21, enamorada del jardinero del palacio, Leo (Chris Trenfield), que por un mordisco del conde Lilac se convierte en vampiro en el segundo acto. Y luego, la trama llega hasta la actualidad.

Si bien la producción se apoya en códigos contemporáneos, en los que las hadas danzan con enorme energía, son los pas de deux de Aurora y Leo los que definen con mayor fuerza y pureza la coreografía, que mezcla estilos y refuerza los elementos de la danza-teatro.

Trenfield, enérgico, preciso, con buenos saltos y solidez como partenaire, es un intérprete conmovedor que apela a la teatralidad para reforzar las situaciones de su personaje y lo realza con convicción.

Tanto en su “Cascanueces”, que comienza en un orfanato, como en su “Lago de los cisnes”, en el que los protagonistas son cisnes hombres, el primer acto de ambas es el más fuerte y contundente, mientras el resto, se desvanece en el relato. Sin embargo, en “La bella…”, Bourne hace crecer su obra en intensidad narrativa y genera una inusual expectativa por la resolución final.

En “La bella…”, el periplo de los protagonistas es consistente. Aurora es raptada por el hijo de Carabose, Adam Maskell, correcto en su rol de vampiro malvado, aunque con poca danza para su rol. Un personaje que ofrece resistencia y crea trampas al protagonista (jardinero, príncipe o vampiro salvador), y mantiene obnubilada a Aurora hasta el final.

Esta puesta ha ganado en secuencia narrativa, mientras que la puesta en escena mantiene un especial atractivo con cambios de escenas, juegos de luces y sombras, un vestuario deslumbrante y mucho ingenio. Y el toque de humor, tierno y convencional, llega al final cuando Aurora y Leo se encuentran, ambos convertidos en vampiros buenos, se casan y tienen una vampirita. Allí resurge ese magnífico títere que los magos titiriteros hacen mover hasta cautivar al público con su magia.

“La bella durmiente”, de Matthew Bourne, se estrenó por primera vez en 2012 y hace su debut en Washington. Foto: Simon Annand. Gentileza JFKC.

Innovador y revolucionario, Matthew Bourne es uno de los coreógrafos británicos que logró romper con los cánones tradicionales de los grandes clásicos de la dupla Petipa-Tchaikowsky. Después de su debut en el City Center de Nueva York en los últimos días de octubre, Bourne aterriza en el Opera House del Kennedy Center de Washington, DC para presentar siete funciones de su nueva creación: “La bella durmiente”, desde el 12 al 17 de noviembre.

La obra tuvo su estreno mundial en 2012 y se plantea con técnicas ingeniosas y situaciones fuera de libreto. Esta producción que incluye una diversidad de propuestas artísticas, tiene como realizadores a Lez Brotherston (escenografía y vestuario) y Paule Constable (iluminación), y Paul Groothuis, en sonido.

En esta versión de Bourne, la fábula tradicional en la que se debaten el mal y el bien se convierte en una historia sobrenatural en la que la historia de amor de la princesa y el príncipe transcurre a través de distintas décadas.

El cuento de Perrault, diseñado con hadas y maleficios en el que una muchacha, luego de dormir cien años, vuelve a la vida a través de un beso del príncipe, se convirtió en un clásico del ballet en 1890. Bourne toma esa fecha como el comienzo de su propia historia, recompone personajes y acontecimientos y coloca la celebración del bautismo de la princesa Aurora, al final del siglo XIX, en un entorno gótico donde hadas y vampiros se mezclan en decadente opulencia.

De allí, Bourne pasa por la era Eduardiana, y despierta a la princesa en la actualidad. Un tratamiento semejante al que el coreógrafo también planteó en su osada versión de “El lago de los cisnes”, que fue estrenada en el teatro  Wells de Sadler en Londres en 1995, el ballet más largo ejecutado en el West End londinense y en Broadway.

Basado en el romántico ballet ruso, del que toma la música de Tchaikovsky, “El lago…” de Bourne es especialmente conocido por tener las partes de los cisnes bailada por hombres. De la cual, una de las escenas aparece en la película ”Billy Elliot”, interpretada por Adam Cooper.

Bailarín y coreógrafo, discutido por romper todos los esquemas tradicionales, Bourne también realizó la coreografía de “Mary Poppins”, el musical de Broadway reestrenado recientemente, y también tiene su propia versión de “El cascanueces”.