El San Francisco Ballet ofreció ocho funciones de “El lago de los cisnes” en el Teatro Real de Madrid. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

La primera gira internacional del San Francisco Ballet desde la incorporación de la española Tamara Rojo a la dirección no pudo haber tenido mejor escenario que el Teatro Real de Madrid. Había mucha expectación por el retorno de Rojo al frente de la compañía de ballet más antigua de los Estados Unidos, ya que sus dos últimas visitas se produjeron en su prodigiosa década (2012-2022), encabezando el English National Ballet.

Si bien en sus anteriores presentaciones la artista madrileña había mostrado su talento y osadía al apostar por la versión moderna de Akram Khan sobre el ballet romántico “Giselle” (2019) o sus primeros coqueteos con la coreografía en “Raymonda” (2023), en esta ocasión, Rojo se inclinó por uno de los títulos de excelencia del gran repertorio clásico, “El lago de los cisnes” (Marius Petipa y Lev Ivanov, 1895), en la versión remozada de su predecesor en la dirección del San Francisco Ballet, Helgi Tomasson (1985-2022). Precisamente, “El lago de los cisnes” fue el primer ballet que el islandés coreografió para el San Francisco Ballet en 1988, actualizó esta versión primigenia en 2009, y fue la obra que escogió para su despedida de la compañía.

Sabedora de la escasez de ballet clásico en la programación en España, quizás ése fuera el argumento de Rojo para decantarse por un título tradicional para deleite de los balletómanos de su país. En la actualidad y más aún después de los tiempos pandémicos, cada vez se prodigan menos las grandes compañías internacionales en giras, entre otros motivos, por la nueva conciencia ecológica que busca minimizar la huella de carbono y sabido es que la producción de un clásico conlleva decenas de bailarines en escena, amén del cuerpo técnico detrás, con sus consabidos desplazamientos. Sumando la sequía de espectáculos clásicos en la programación, con la poca posibilidad de disfrutar de grandes compañías internacionales fuera de sus respectivos teatros, lo cierto es que las ocho actuaciones del San Francisco Ballet en el Teatro Real se vivieron como un auténtico acontecimiento en Madrid.

Además, se trató de la primera visita de la veterana compañía estadounidense a la capital española, aunque no la primera al país, porque casualmente el luctuoso 11-S pilló al San Francisco Ballet actuando en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona, donde ofrecieron “El lago de los cisnes” -cuyo el estreno protagonizó la bailarina vasca Lucía Lacarra- (4-9 de septiembre de 2001) y un programa mixto Tomasson/Robbins/Forsythe/Morris (13-16 de septiembre de 2001).

La solidez de la técnica del San Francisco Ballet destacó en “El lago de los cisnes”. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

Cisnes balanchinianos

La versión de Helgi Tomasson se estructura en cuatro actos, precedidos de un prólogo sobre el hechizo que el malvado Rothbart lanza a la princesa Odette. El primer acto se sitúa en las afueras del palacio y se centra en el cumpleaños del príncipe Siegfried, interpretado en la segunda función de forma muy correcta por el bailarín principal chino Wei Wang, y en él sobresale el pas de trois -Cavan Conley, Isabella DeVivo y Julia Rowe-. Además, participan un grupo infantil de estudiantes de danza del Conservatorio Profesional ‘Carmen Amaya’ de Madrid.

Durante el segundo acto y acuciado por el imperativo de tener que contraer matrimonio, el príncipe se interna en los bosques con la ballesta que le ha regalado su madre y se topa con la bandada de cisnes comandada por Odette, encarnada por la bailarina principal coreana Wona Park. Esta parte recoge algunos de los fragmentos más memorables de “El lago de los cisnes”, como el célebre pas de deux denominado el ‘Cisne Blanco’ o el paso de los ‘Cuatro Pequeños Cisnes’. Quizás lo que más llama la atención en toda la versión de Tomasson es lo fuertemente influida que está por el espíritu balanchiniano y en los actos blancos se percibe sobre todo en la mayor velocidad de ejecución de los pasos, en contraste con otras versiones europeas que tienden más hacia el lirismo y la suspensión de los pasos.

Paso de los ‘Cuatro Pequeños Cisnes’. San Francisco Ballet. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real de Madrid.

Dadas las características de la escuela americana de ballet, no sorprende la rapidez y limpieza de las danzas de carácter del tercer acto -española, húngara, napolitana y rusa-, aunque la danza española responde más al cliché de lo que se entiende por español en el extranjero, que a una verdadera danza española. Y llegó el momento cumbre de esta parte, el pas de deux del ‘Cisne Negro’, en el que Park demostró sus mimbres como Odile. Apoyada en su técnica, pareció sentirse más cómoda en el papel de la sosias malvada de la obra -y en su consabida tanda de 32 fouettés-, que como princesa Odette. Y con un brevísimo entreacto sin descanso, el acto final transportó al espectador de nuevo al lago, con el decisivo combate entre Rothbart y Siegfried. En definitiva, la lucha entre el bien y el mal, en medio de una pléyade de cisnes. Dentro del abanico de posibles finales, Tomasson se decanta por unir a los amantes en el más allá, después de haber vencido al hechicero, encarnado por Jakub Groot.

Con una duración que rondó las tres horas, “El lago de los cisnes” ofreció una imagen excelente del San Francisco Ballet, una compañía con una fuerte impronta de la escuela americana, con una técnica muy sólida y una ejecución limpia, aderezada con algunos saltos de aire balanchiniano, no en vano George Balanchine fue el padre del ballet en los Estados Unidos. En un ballet con todos sus ingredientes no debe faltar la música en directo, en esta ocasión la Orquesta Titular del Teatro Real interpretó la partitura de Tchaikovsky, bajo la batuta de Martin West. La escenografía y vestuario de Jonathan Fensom buscaron crear la magia del clásico, ayudados por la iluminación de Jennifer Tipton. En sus nueve décadas de existencia, la primera visita a Madrid del San Francisco Ballet no pudo ser más exitosa, a la vista de la calurosa recepción del público, que brindó una larga salva de aplausos a la compañía cuyo destino dirige actualmente la prestigiosa Tamara Rojo, primera bailarina española en obtener el Premio Príncipe de Asturias hace casi veinte años.

San Francisco Ballet en “Symphony In C”, de George Balanchine © The Balanchine Trust. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Con emoción anticipada por la asunción de Tamara Rojo en el rol que durante 37 años cumplió Helgi Tomasson, el San Francisco Ballet (SFB) mantiene, por sobre todo, su rasgo de diversidad.

Quizás la confluencia de algunos eventos culturales hizo que en 2020 algunos miembros de la administración del SFB acusaran a la institución de falta de diversidad en su personal artístico.

El ex bailarín, maestro de ballet y coreógrafo del SFB, Carlos Carvajal, llamó mi atención sobre esta acusación publicada en el San Francisco’s Chronicle.

Me encargué de examinar las listas de bailarines que la oficina de prensa de la compañía produjo durante casi dos décadas. Hice los cálculos por cada temporada y por rango, y los coloqué en el sitio web de woollywesterneye. Y nada podría haber estado más lejos de los hechos.

Tamara Rojo asumirá como directora artística del San Francisco Ballet a fines de 2022. Foto: Karolina Kuras. Gentileza SFB.

Es cierto que tres bailarines de ascendencia afroamericana se unieron a la compañía, y luego se fueron a bailar a otro lugar. No obstante, la compañía mostró un sano respeto por el talento, independientemente del origen de nacimiento de los bailarines.

Con la incorporación de Katisha Fogo en el verano de 2021, el SFB podría afirmar que uno de sus primeros bailarines es de color. Al menos, parcialmente, dado que el padre de Fogo es oriundo del Caribe y su madre, nativa de Suecia. Un detalle que se suma a la diversidad de los 72 bailarines.

La compañía se verá reforzada este año cuando Isaac Hernández regrese como bailarín principal de la compañía que honró antes de partir hacia su carrera europea. Queda por ver qué cambios se producirán durante esta primavera cuando se renueven los contratos.

La compañía enumera a 22 bailarines principales, seis de los cuales son estadounidenses de nacimiento, tres de China, dos de Canadá y uno de cada uno de los siguientes países: Australia, Dinamarca, Estonia, Francia, Italia, Japón, México, España, Suecia y Reino Unido.

Hay 17 solistas de países como Argentina, Brasil, Inglaterra, España, dos de Japón, y once de los Estados Unidos. Fuera de esa lista, hay varios de ascendencia rusa y filipina.

Conté treinta y dos bailarines del cuerpo de baile cuyos lugares de nacimiento son tan diversos como Zimbabue, Austria, Australia, mientras que de los Estados Unidos hay una lista de 18 miembros.

Un buen número de países han contribuido con dos bailarines: Brasil, China, Francia, Italia. Los que tienen un solo representante son: Australia, Austria, Corea, México, España y Zimbabue. Y ni siquiera me refiero a la etnia de la administración artística, que incluye profesionales de Islandia, Rusia y Colombia, así como a los bailarines nacidos en los Estados Unidos de ascendencia italiana y escandinava.

Al recopilar estos lugares de origen y observar la frescura de esos bailarines, se registran dos impresiones, una práctica y otra emocional. La primera, la práctica, es el costo que implica llevar a estos profesionales a sus posiciones actuales. Primero, lo que significa en la vida familiar en cuanto a sus finanzas, programación, y por último, el hecho verlos partir de su entorno. En segundo lugar, el coraje diario y de largo alcance para ejercer una profesión difícil e intensa con relativa brevedad, aunque la participación y las actividades alternativas pueden justificar la inmersión en un mundo muy especializado. Buen viaje a estas almas especiales.

También confío en que esta “recitación” responderá a aquellos que cuestionan la diversidad.

La compañía dirigida por Helgi Tomasson en un ensayo de “The Seasons”, de Alexei Ratmansky. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Elizabeth Powell interpreta a Clara y Damian Smith, Drosselmeyer, en “Cascanueces” del San Francisco Ballet en el War Memorial Opera House (2007). Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Casi a fines de noviembre el San Francisco Ballet sorprendió con el anuncio de su temporada virtual de “Cascanueces”. Meses antes, el director artístico de la compañía, Helgi Tomasson, había confirmado que este tradicional ballet de Navidad no se presentaría este año en el War Memorial Opera House debido a las restricciones por COVID-19. Sin embargo, y dadas las características de esta tortuosa pandemia, la compañía retoma -en línea- esta tradición que comenzó en 1944 con el estreno del primer “Cascanueces” de los Estados Unidos, piloteado por el San Francisco Ballet.

Esta vez, tiene el perfil de una experiencia virtual e interactiva que comenzó el 27 de noviembre y cerrará la temporada el 31 de diciembre. La propuesta es absolutamente conmovedora, y permite al espectador sumergirse en un mundo digital en el que se funden la historia, los juegos interactivos y el ballet completo. Una impecable realización de Blueprint Studios que refleja las características de una comunidad pionera en tecnología.

Realizada por Televisión Pública KQED en asociación con la coproducción de Thirteen / WNET New York, esta versión del “Cascanueces” de Tomasson, con música de Peter Ilyich Tchaikovsky, fue filmada en el War Memorial Opera House en diciembre de 2007. Tiene como protagonistas a Yuan Yuan Tan como la Reina de las Nieves, Pierre-François Vilanoba como el Rey de las Nieves, Vanessa Zahorian como el Hada de Azúcar y Elizabeth Powell como Clara. Y en el grand pas de deux: una magnífica Maria Kochetkova junto a Davit Karapetyan.

Estudiantes de SF Ballet School y el Cascanueces se preparan para atacar al Rey de los Ratones. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Con atractivos decorados y un vestuario impecablemente diseñado, Tomasson imaginó su “Cascanueces” en la ciudad de San Francisco y evocó aquella memorable Exposición Panama-Pacific de 1915.

Este ballet que reemplazó en 2004 el original creado por Lew Christensen, primer director artístico de la compañía, transita por esta historia con un delicado equilibrio narrativo y estético. Al comienzo, Drosselmeyer, interpretado con encanto por Damian Smith, se prepara para ir a la fiesta de Navidad de los Stahlbaum. Al llegar, el gran mago y constructor de muñecos mecánicos hace un despliegue de sus creaciones ante la mirada azorada de los niños, y también de los mayores. Sin embargo, la verdadera historia recién comienza cuando Clara sueña con un príncipe Cascanueces. Deliciosa la interpretación de Elizabeth Powell, por entonces una jovencísima y promisoria bailarina cuya delicadeza y frescura logran captar la atención.

Los muebles de la casa se agigantan y allí empieza la inevitable lucha entre el Cacanueces y el rey de los ratones. Un cañón de juguete que explota, caballos aguerridos, valientes soldados, y ratones inmensos y musculosos dispuestos a dar batalla. Hasta que de pronto, Clara trae una enorme y desmesurada trampa para atrapar al monarca. Brillante y sincronizado desempeño de los niños, todos ellos estudiantes de SF Ballet School.

La escena de los copos de nieve, una de las más bellas de este ballet, puso la magia en esta versión virtual. Yuan Yuan Tan, como la Reina de las Nieves, y Pierre-François Vilanoba, como el Rey de las Nieves, con maestría absoluta interpretaron el bello pas de deux que cierra el primer acto de “Cascanueces”. El trabajo del cuerpo de baile, también cuidado y minucioso, se amalgamó con los protagonistas hasta el momento en el que un carruaje con bellísimos caballos transparentes llega en busca de Clara y su príncipe para llevarlos a otros mundos.

Finalmente, llegan al universo de los dulces donde un desfile de personajes se apodera de la escena con sutil delicadeza, con variaciones de danzas de carácter que recorren diferentes estilos. El Vals de las Flores, al igual que los insectos que aparecen en la historia, marca uno de los momentos donde se evoca al invernadero de flores de San Francisco. Excelente Vanesa Zahorian como el Hada de Azúcar, una bailarina que, a lo largo de los años ha reafirmado su estilo y sus sutilezas.

Con delicados brazos, giros veloces y a tempo, y ajustados fouettes, Kochetkova, una bailarina de sólida técnica y conmovedor encanto, hizo una sublime interpretación del Grand Pas de Deux con Karapetyan. Para el final, Clara volvió a su realidad, abrazada a su Cascanueces en el sofá de su casa que, ahora, volvía a ser de tamaño real.

Vals de las Flores en la versión de “Cascanueces” de Helgi Tomasson, evoca al invernadero de flores de San Francisco. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Información

La experiencia digital expansiva de 2020 está disponible hasta el 31 de diciembre de 2020.

La entrada a “Nutcracker Online” tiene acceso por 48 horas.

https://www.sfballet.org/productions/nutcracker-online/

https://www.sfballet.org/digital-viewing-tips/

Una mirada social sobre la tecnología en “Bound To”, pieza de Christopher Wheeldon que integra “Unbound”. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Indiscutible. El San Francisco Ballet (SFB) es una de las mejores compañías del mundo, sin lugar a duda. La excelencia de sus bailarines llega a niveles técnicos poco frecuentes. Y la pluralidad en la selección de las obras apunta, constantemente, a nuevos desafíos. Esta compañía, pionera en la Costa Oeste del país, bajo el comando de Helgi Tomasson desde hace más de 30 años, volvió al Kennedy Center de Washington DC desde el 23 al 28 de octubre, con dos programas mixtos integrados por obras que forman parte de lo que Tomasson llamó “Unbound”.

Un proyecto, que convocó 12 de los jóvenes coreógrafos del momento, para la creación de 12 nuevos ballets para la compañía, y su estreno fue durante la temporada de primavera 2018 del SFB en California. A Washington, la troupe trajo seis. El primer programa estuvo integrado por “Your Flesh Shall Be a Great Poem”, de Trey McIntyre; “Bound To”, de Christopher Wheeldon, y “Anima Animus”, de David Dawson. El segundo, que abrió el jueves 26, trajo a escena “The Infinite Ocean”, de Edwaard Liang; “Snowblind”, de Cathy Marston, y “Hurry Up, We’re Dreaming”, de Justin Peck.

“Your Flesh Shall Be a Great Poem”, de Trey McIntyre abrió la noche del San Francisco Ballet el 23 de octubre en Washington DC. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

El SFB tiene como características principales, el gran refinamiento en las líneas y en los estilos, elegancia, limpieza en los movimientos y sofisticación. Cada uno de esos elementos se conjugan en el ensamble, no importa la propuesta. Algo que quedó claro nuevamente en estas dos presentaciones.

La obra de McIntyre, “Your Flesh Shall Be a Great Poem”, un homenaje a su abuelo, convoca a nueve bailarines que, en secuencias diferentes, bailan sobre la música del cantautor Chris Garnneau, canciones de su álbum “El Radio”. Un juego coreográfico sentimental por el que transitan secuencias de conjuntos, solos, dúos, marcados por cada uno de esos temas musicales. Un excelente trabajo de Benjamín Freemantle en sus solos.

Wheeldon, en cambio, en “Bound To”, su décimo trabajo para el SFB, hace una reflexión, con humor y dramatismo en relación a la tecnología. Con este fin, los bailarines comienzan la obra cargando en sus manos pantallas iluminadas como teléfonos celulares, incomunicados y enajenados. Con un diseño escenográfico casi futurista de Jean-Marc Puissant en el que se van proyectando frases y mensajes para reflexionar sobre un tema que se acentúa a través de la presencia de la tecnología: la incomunicación y los intentos de suicidio.

En su primera obra encargada en los Estados Unidos, David Dawson, trajo “Anima Animus”, con música de Ezio Bosso, una obra minimalista y atractiva. Los bailarines ganan el espacio con giros y saltos como si fueran pájaros, con un bello vestuario, también minimalista y abstracto que retrotrae a diseños de Piet Mondrian, en tonos blancos, negros y amarillos. Y un diseño de luces brillante, creado por James F. Ingalls.

“Anima Animus”, de David Dawson con música de Ezio Bosso, obra minimalista presentada por el SFB en el Kennedy Center. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Una segunda vuelta

El segundo programa llevó a escena “The Infinite Ocean”, de Edwaard Liang. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

El jueves 26, el segundo programa trajo tres piezas totalmente diferentes entre sí. Liang, con “The Infinite Ocean”, una obra de gran belleza estética, abre la escena con un inmenso sol. Dos parejas principales: Sofiane Sylve, una bailarina expresiva y de sólida técnica, y Tiit Helimets, de notables cualidades, y una de las estrellas principales del SFB desde hace varios años, Yuan Yuan Tan, con Victor Luiz, ambas parejas lograron momentos insuperables en cuanto a técnica e interpretación, mientras el resto de la coreografía fue oscilando entre dúos, solos y escenas de conjunto.

Sarah Van Patten, la esposa; Mathilde Froustey, la amante y Ulrik Birkkjaer en “Snowblind”, de Cathy Marston. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Quizás la más distinta de las obras, la más intimista, la más contundente desde lo emocional haya sido “Snowblind”, de Marston, basada en la novela de Edith Wharton, “Ethan Frome”. Una pieza de gran intensidad, con música de Arvo Part y otros compositores, en la que el triángulo amoroso, la infidelidad, el castigo por la infidelidad, y la condena, determinan la narrativa. Una danza emocional, estilizada, en la que la escena marca dos niveles a través de una tarima más elevada en donde domina la esposa (Sarah Van Patten) -como símbolo de la jerarquía establecida socialmente- y en el nivel más bajo, la amante (Mathilde Froustey). Mientras el hombre (Ulrik Birkkjaer) transita, por ambos y queda entrampado en lo formal. Conmovedora pieza de la coreógrafa inglesa. Excelentes, Van Patten, en su frialdad y su obsesión, y Froustey, en su frescura, su inocencia y su vitalidad.

El final llegó en zapatillas para la pieza de Peck, “Hurry Up, We’re Dreaming”. Una obra juvenil, plena de energía y espíritu colectivo, sin una estructura demasiado consistente, pero que solo reafirma la calidad de estos bailarines que, ante cualquier circunstancia, siguen demostrando su técnica y su solidez.

Dores André y Wei Wang en “Hurry Up, We’re Dreaming”, de Justin Peck. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

The Washington Ballet, dirigido por Julie Kent, se presenta en el Warner Theater hasta el 24 de diciembre. Foto: Theo Kossenas. Gentileza TWB.

A fines de noviembre, justo en la semana de Acción de Gracias, Lara Asch debutó como uno de los ratoncitos de “Cascanueces”, con el Kansas City Ballet en el Kennedy Center de Washington DC, y en otras funciones, también fue uno delos polichinelas escapados de la gran falda de Mother Ginger. Casi una semana después, Sofía Bentolila, en Lansdowne Resort, Leesburg, Virginia, hizo su primer “Cascanueces”, con el Ravel Dance Studio.

Lara y Sofía, compañeras de cuarto grado en la Escuela Argentina de Washington, durante varios meses dividieron su tiempo entre la danza, algo que las apasiona; la escuela “americana”, como suelen llamarla, y el aprendizaje del español durante cuatro horas los sábados por la mañana. Para las dos, al igual que para muchos otros niños que año tras año participan de esta obra tradicional de la Navidad, es una experiencia especial, y hasta inolvidable. Y quizás sea la semilla para una elección de vida en el mundo del arte.

Sofía Bentolila, en Lansdowne Resort, Leesburg, Virginia, hizo su primer “Cascanueces”, con el Ravel Dance Studio. Foto gentileza familia Bentolila.

Más de cien producciones invaden cada año los teatros más famosos y los más recónditos de los Estados Unidos. Las propuestas, que varían en estilos, formas y estéticas, no solo se limitan a contar una mágica historia para toda la familia, sino que también se convierten en un fenómeno singular que combina estrategias de marketing, calidad artística y participación comunitaria.

Noviembre es, por excelencia, el mes de lanzamiento en los Estados Unidos, y las funciones continúan hasta el 31 de diciembre, como ocurre, entre otros, con el New York City Ballet en el David H. Koch Theater en Nueva York. Algunas compañías hacen un par de funciones y otras, como el American Ballet Theatre, salen de gira.

Uno de los clásicos infaltables y, quizás, el más simbólico de la Capital del país, es el “Cascanueces” del Washington Ballet (TWB), con coreografía de su antiguo director, Septime Webre. Esta puesta narra la trama de Clara y el príncipe Cascanueces a partir de personajes de la historia fundacional de los Estados Unidos y elementos simbólicos de la lucha por la independencia. TWB hizo sus primeras presentaciones este año el 25 y 26 de noviembre en el Town Hall Education, Arts and Recreation Campus (THEARC), en el sudeste del Distrito de Columbia, para luego pasar, desde el 30 de noviembre al 24 de diciembre al Warner Theatre de DC, un lugar ya tradicional para la compañía dirigida por Julie Kent.

La producción tiene un promedio de 350 bailarines y niños reclutados de las tres sucursales de la Washington Ballet School de Maryland, el Distrito de Columbia y Virginia. Y así como hay producciones netamente locales, hay otras itinerantes que reclutan niños de las escuelas de ballet del área. Lara, comenzó a hacer ballet porque muchas de sus amigas tomaban clases, y cuando llegó la convocatoria para formar parte del elenco del Kansas City Ballet en el Kennedy Center, quedó seleccionada. “Lo que más me gusta de ‘Cascanueces’ –dijo–, es que es difícil pero divertido a la vez”. Su primer debut en este clásico fue años atrás en el Warner Theater. Y aseguró que lo que más le gustaría, es personificar a Clara. “Los ensayos eran todos los fines de semana –relató la niña–, comenzaron en septiembre, pero al principio eran muy cortos, y cuando se acercaba la fecha del primer show, eran de ocho horas”.

En muchos casos, las recaudaciones totales, entre entradas y mercadotecnia, alcanzan a cubrir el 25 por ciento del presupuesto anual de una compañía de ballet. Y en los Estados Unidos, se ha convertido en furor desde hace más de 50 años.

Cuando Sofía tenía 4 años, sus padres la anotaron en ballet para ver si le interesaba, y no solo le gustó, sino que desde ese momento nunca dejó de ir a las clases, y a los 5 años empezó en el Ravel Dance Studio, “lugar que adora”, confirmó su mamá. “Lo que más me atrae de ‘Cascanueces’ es la música, en especial, la de la escena de la fiesta –comentó –. Y me gustaría mucho ser Clara”. Sofía debutó por primera vez en “Cascanueces” el 2 de diciembre de este año, y quedó fascinada. Y desde luego, toda la familia dio el “presente” en el teatro.

“Cascanueces”, es una de esas piezas donde se combinan varios elementos que la convierten en una especie de poción mágica: el cuento escrito por E. T. A. Hoffmann en 1819, “El cascanueces y el rey de los ratones”; la fantástica música escrita por Piotr I. Tchaikovsky, y la coreografía, con versiones diversas, basada en la original de dos de los grandes genios del ballet clásico, Marius Petipa y Lev Ivanov. No obstante, la primera versión en los Estados Unidos fue creada por Willam Christensen en 1944 para el San Francisco Ballet (SFB), compañía que había fundado con sus hermanos Lew y Harold en 1933. Esa misma versión subió hace un par de años al escenario del Kennedy Center de Washington DC, a través de Ballet West.

Lara Asch debutó en noviembre como polichinela en “Cascanueces”, con el Kansas City Ballet en el Kennedy Center de Washington DC. Foto gentileza familia Asch.

Christensen se inspiró en el relato del entonces joven George Balanchine y de Alexandra Danilova. Y el estreno fue precisamente en la Nochebuena de 1944. Cuando en 1951 Willam se radicó en Salt Lake City, en Utah, para fundar Ballet West en 1963, montó su “Cascanueces”, y desde entonces, lleva más de 60 temporadas con la compañía dirigida por Adam Sklute, ex bailarín y director asistente del Joffrey Ballet.

Valentina Kozlova Dance Conservatory, presentó el 2 de diciembre “Nutcracker Winter Suite”, protagonizada por los medallistas del Valentina Kozlova International Ballet Competition 2016, Nikita Boris y Justin Valentine, y los becarios de Vaganova Ballet Academy en San Petersburgo, Russia, como una forma de incentivar a las jóvenes generaciones.

Desde el norte hacia el sur y desde el este hacia el oeste del país, “Cascanueces”, estrenada en 1892 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, tiene la particularidad de convocar a los estudiantes de ballet, y de convertirlos en protagonistas. Los primeros que la hicieron: Antonietta Dell’Era, como el Hada de azúcar, Pavel Gerdt, como el príncipe Coqueluche, Stanislava Belinskaya como Clara, Sergei legat como el Príncipe Cascanueces y Timofey Stukolkin como Drosselmeyer.

Más allá del virtuosismo de los bailarines principales, la obra adquiere un carácter integrador con la presencia de los niños del área, sea cual sea la ciudad, quienes descubren el encanto particular de este ballet, y empiezan a formar parte del grupo de “futuros espectadores”.

Maria Kochetkova del San Francisco Ballet, en “Cenicienta” de Christopher Wheeldon. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Si la idea es encontrarse con un cuento de hadas tradicional, quizás habrá que buscarlo en otro teatro. Esta versión de “Cenicienta” creada por Christopher Wheeldon para el Dutch National Ballet en el Amsterdam Music Theatre en 2012, rescata algunos aspectos más sombríos de la versión de los hermanos Grimm, en contraposición con la de Jacques Perrault. Un año más tarde, el San Francisco Ballet también estrenaba en el Opera House de la ciudad esta magnífica coproducción entre ambas compañías que rompe con algunos clichés del género.

Sobre música de Sergei Prokofiev, una espectacular escenografía y un magnífico vestuario del diseñador británico, Julian Crouch, la compañía dirigida por Helgi Tomasson, llevó al escenario del Opera House del Kennedy Center esta “Cenicienta” deslumbrante, con toques de humor y dramatismo al mismo tiempo. En esta versión, Cenicienta planta una rama de avellana sobre la tumba de su madre, que luego crece y se convierte en un árbol mágico, que junto a cuatro espíritus reemplazan el rol del hada madrina del cuento tradicional.

Maria Kochetkova y Joseph Walsh, son los protagonistas de “Cenicienta” en la verión de Christopher Wheeldon para el San Francisco Ballet. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

El libreto de Craig Lucas, que induce al análisis de estereotipos psicológicos y sociales, muestra en el principio, a modo de prologo, a Cenicienta jugando con su madre enferma, el vacío de su muerte, el entierro y una escena en el cementerio. Escenas breves a través de las cuales la niña va creciendo. Hasta que finalmente, llega la madrastra (Sara Van Patten) y las desagradables hermanastras (Sasha De Sola y Ellen Rose Hummel). Y el caos. Cenicienta, Maria Kochetkova, se convierte en una víctima de esas tres mujeres y de un padre pusilánime que ni siquiera atina a defenderla.

Pero en esta historia no hay un hada madrina que se disfraza de pordiosera para probar la bondad de Cenicienta, sino que es el mismo príncipe quien llega a la casa en busca de comida y amparo. Allí se produce el primer encuentro entre Cenicienta y su “salvador”. El príncipe Guillaume, interpretado por Joseph Walsh, mostró a un bailarín interesante, atractivo y preciso en sus saltos, “pirouettes” y repetidos giros. Descollante, Taras Domitro (Benjamín), el amigo del príncipe, que no sólo hace despliegue de su histrionismo, su humor y su gracia, sino que deslumbra con sus saltos precisos.

En esta “Cenicienta”, los elementos mágicos y los poderes sobrenaturales los posee el árbol de avellana que había plantado Cenicienta plantó a los pies de la tumba de su madre. Al llegar allí, guiada por los espíritus protectores, el espacio se transforma en un bosque encantado donde los gnomos y los duendes logran transformar a la joven en una bella mujer. Aquí no hay ratones convertidos en lacayos, no hay calabazas transformadas en carrozas, ni lagartos mutados en caballos. Son los duendes del bosque los que realizan ese cambio: la carroza se construye con las ramas del bosque, y el traje dorado de Cenicienta, con plumas de aves.

Kochetkova es una bailarina delicada, sutil, con unos maravillosos brazos y una exquisita fluidez en sus movimientos. No obstante, en su segundo encuentro con el príncipe, en el palacio, no alcanzó a transmitir la emoción y el encanto de una joven enamorada durante en el impecable “pas de deux” que bailaron juntos.

Y en esta sucesión de elementos simbólicos, bellos, sutiles y deslumbrantes, el coreógrafo dejó para el desenlace final una escena sorprendente: una larga fila de sillas donde las damas de la comarca se probaron infructuosamente el zapatito de cristal, comienzan a suspenderse en el aire. Finalmente, Cenicienta reaparece en la escena y demuestra que era ella la secreta dama que había llegado al palacio. Y nuevamente, triunfa el amor.

Cenicienta ante el árbol mágico que la transformará en princesa. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

El San Francisco Ballet presentó en el Opera House de San Francisco “Hummingbird” de Liam Scarlett. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

El Programa 7 del San Francisco Ballet entregó un repertorio amplio y bien bailado coronado por un estreno mundial innovador del coreógrafo británico Liam Scarlett. Una pieza de ballet cambiante y una gama de colores para el arte de una compañía cuyas virtudes y virtuosismo parecen no conocer límites.

Con decorados diseñado por John MacFarlane, “Hummingbird” de Scarlett se abre a un enorme telón de fondo blanco enrollado con rastros de color gris. Se ilumina (iluminación por David Finn) desde la parte inferior. Frances Chung aparece en un traje simple gris. Gennadi Nedvigin se arrastra. Después de una caminata a paso ligero hacia el lado , repiten el movimiento lateral en un dueto de lado a lado tachonado con cargadas energéticas. A medida que el desplazamiento aumenta, otros bailarines entran desde abajo y detrás de él. Hay un uso dinámico de la escena.

Los bailarines, sobre “Glass Pieces”, de Philip Glass, se mueven de una manera sorprendentemente innovadora. Un bienvenido desafío, ante la ortodoxia de la pieza que le precedió, “Suite en Blanc”, de Serge Lifar.

Yuan Yuan Tan baila una meditación lenta y luego con Lucas Ingham, un pas de deux, con los pasos que en espiral alrededor de la columna vertebral y luego fijan un punto con los dos cuerpos que sirve de punto para el movimiento. Ingham llega hasta la línea central de su cuerpo para levantarla.

Siguen más pas de deux a un dúo masculino con Hansuke Yamamoto y James Sofranko. Chung y Nedvigin regresan. Una luz verde impregna la escena. Nedvigin balancea a Chung alrededor de la cintura en un desgarbado jugueteo musical. Al igual que la canción del colibrí, existe el compromiso constante entre la pareja. La siguiente pareja: Dores André y Joan Boada, con “Cast Your Fate to the Wind”, segmento que de alguna manera termina siendo orquestado a los efectos de un ritmo boogie- woogie. André ha entrado en el centro de atención en las últimas dos temporadas como uno de los más versátiles motores naturales de SFB, y en este breve dúo, Boada, parece estar disfrutando el baile más que nunca. El cuerpo de baile, en una combinación sensual que recuerda a Balanchine en “Los Cuatro Temperamentos “.

Koto Ishihara, del San Francisco Ballet, en “Suite en Blanc”, de Serge Lifar. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

“Suite en Blanc”, puesta en escena por Maina Gielgud, conserva su elegancia, pero prevalece un tono más festivo. Cada uno de los bailarines en el segmento sieste poseen una identidad clara con su papel y han encontrado el camino para el dominio de los pasos. Jaime García Castilla y Vitor Luiz se emparejan en una demostración de virtuosismo de la batterie en su pas de trois con Sasha de Sola. Dores André vuelve una línea diagonal en una plataforma para el embrujo. Mathilde Froustey se convierte en otra herramienta de Snap -On.

Davit Karapetyan hizo una mazurca magistral. Tiit Helimets y Sarah Van Patten participan en un dúo en el que se van envolviendo unos a otros como picos de nata montada en una mouse ligera. El sello del trabajo lo da Sofiane Sylve que ha encontrado la llave para una solo de flauta seductoramente malvado, a través de sus giros en plié como si bailara en los intersticios de las notas.

“Fifth Season” de Helgi Tomasson es una adición modernista en su obra. Con el apoyo de impresionantes decorados y un vestuario de vanguardia. El telón de fondo de inspiración del artista Gerhard Richter es blanco y tiene manchas de carbón de tamaño natural. Los bailarines, el cuerpo de baile y la escenografía presentan un horizonte diferente en una temporada en la que habita la musa de la danza.

Frances Chung y Davit Karapetyan irrumpieron luminosamente en un pas de deux llamado Waltz, se iluminaron aún más por un resplandor de luz amarilla. El cuerpo de Karapetyan, esculpido no sólo por la danza , sino por el gimnasio, se mostró perfectamente en esta obra que se basa tanto en un virtuosismo sin pretensiones.

Frances Chung y Davit Karapetyan en la obra de Helgi Tomasson, “The Fifth Season”.
Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Sarah Van Patten alternativamente chisporrotea y ronronea, y se relaciona con las tres parejas masculinas : Karapetyan , Damian Smith y Carlos Quenedit, una pareja cuyo magnetismo es un campo de fuerza de gran alcance.

El pas de deux de Damian Smith y Yuan Yuan Tan , posiblemente, será su último antes de retirarse al final de la temporada. Todo lo que él ha significado para ella durante estos años de trabajo juntos se hace evidente en su pas de deux. Ella tiene ojos sólo para él. Parece que mirar más allá del momento en la bruma del futuro.

Este programa perfectamente elegido lleva adelante los mejores activos de la compañía que posee algunos de los mejores bailarines del mundo. Tampoco hay temor en la introducción de nuevos trabajos de coreógrafos emergentes impulsados por la creatividad y la imaginación.

El San Francisco Ballet presentó la versión de “Giselle” de Helgi Tomasson en el Opera House de San Francisco. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Sarah Van Patten dio un tono perfecto a Giselle en su actuación del 2 de febrero en el protagónico de este clásico y favorito del público presentado por el San Francisco Ballet en el Opera House de San Francisco, a sala llena, a pesar del Super Bowl.

¿Cuántas actuaciones en el rol de Hilarion han quedado en la memoria? Pocas. Pascal Molat fue una notable excepción que confirma la regla, y no sólo porque él no baila al estilo “Neanderthal” como lo hace la mayoría para dar a entender que el personaje  es un campesino. Molat baila de forma limpia, y confiere la indignación moral fundamental de Hilarión a través de su orgullo y sobre todo, en la mímica. Molat resolvió la cuestión para mí y tal vez por primera vez para los observadores de Giselle.

En la escena de apertura se establecen claramente tres cosas: que es un guarda de caza; que encuentra a Giselle hermosa y la adora, y que cuando llama a su puerta, ella no responde. Esto no sólo sienta las bases para la historia, pero también nos prepara para el ingreso del gallardo de Lucas Ingham como el aristócrata, el conde Albrecht. Ingham es lo contrario de Hilarión. No es cautelosamente escrupuloso en sus movimientos, sino que se mueve por el escenario con propiedad exagerada, despreocupado y casi descuidado en su conducta.

Yuan Yuan Tan, del San Francisco Ballet, fue una de las intérpretes del protagónico de “Giselle” en la temporada 2014 de la compañía. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Cuando Van Patten sale de su casa, es veloz, “ala-de-angel” ligera, alegre, y por lo tanto un contraste con los dos pretendientes rivales. Albrecht, disipa las dudas de Giselle en la cuenta fraudulenta en “Él me ama, no me ama”, en la secuencia de los pétalos.

Cuando Hilarion vuelve y se enfrenta a Giselle, pone un baño de realidad al mundo creado entre Albrecht y Giselle. El estallido de la pasión ha dado a Giselle la confianza para manejar adecuadamente cada uno de sus pretendientes. Van Patten en su solo de balloné con una infusión de alegría nos muestra que, a pesar de este pequeño bache en el camino, ella lo supera con gozo, y hospitalariamente invita Ingham para reunirse con ella y compartir su afición por la danza.

La puesta

Aquí se ve la ayuda de Lola De Avila –que a veces se echa de menos– en los detalles de la puesta en escena. Pero este elenco comparte la confianza y el poder de su explicación, lo cual le permite tomarse el tiempo para sembrar cuidadosamente cada detalle, que con el tiempo florece a la vez que la historia se vuelve más compleja.

La interacción entre el mimo y la puesta en escena es el secreto para el éxito de esta actuación. Pero el ritmo también permite que el baile desarrolle la trayectoria del amor entre Giselle y Albrecht, de modo que para el momento de la partida de caza se ve a una pareja que es la encarnación creíble del amor maduro.

Este es un proceso que tiene un paralelo en los intercambios entre Giselle y Berthe, bailado por Anita Paciotti, que evoca todos los conflictos que una madre campesina se permite a sí misma para albergar y transmitir a su hija enferma.

Van Patten hace otra transición al conocer a la aristocrática Batilde, que se sospecha (y se confirma más adelante) es la prometida de Albrecht. Giselle sólo ve sus modales y galas, y se remite a la belleza arrogante de la aristócrata. Batilde se relaciona con Giselle hasta el punto de regalarle su collar, pero el Pas de Cinq de campesinos interrumpe la admiración mutua.

Este divertimento lo bailan alegremente Julia Rowe, Lauren Parrott y Emma Rubinowitz, acompañadas por Max Cauthorn y un nuevo miembro del cuerpo de baile, el apasionante Esteban Hernández, un joven bailarín talentoso, aunque exagera un poco, y paga con un paso en falso. Pero no fatal. La coreografía es divertida, pero complicada, con cambios de ritmo y dirección, pero los bailarines ofrecen su bravura.

Cuando la duplicidad de Albrecht sale a la luz, la fragilidad de la condición de Giselle, sólo insinuada en momentos anteriores, se traduce en la escena de la locura, bailando y representando con gestos la historia de su relación con Albretch. Muestra su engaño y el punto en el que quedaron defraudadas las supersticiones campesinas; con los pétalos fatalmente mal calculados como evidencia final.

“Giselle”, la historia de la campesina engañada que se convierte en Wilis. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

En esta versión de Helgi Tomasson, la apertura del acto II rara vez es lo mismo de una temporada a otra. Estamos acostumbrados a ver a las Willis viajando a través de la bruma y el bosque como un millar de puntos de luz, pero después de la era Bush, nuevas ideas brotaron.

Este año, vemos a los hombres caídos en desgracia vagando a través de la niebla y los laberintos, llevando linternas, pero perdidos irremediablemente. La espesura de los árboles se parte para dar paso a Frances Chung como la arrogante Myrtha, la reina de las Willis. Ella es enérgica y establece el perímetro de su dominio. Allí gobierna sobre las novias que murieron antes de perder su virginidad con hombres a los que castigan por esta gran injusticia y los hacen bailar hasta la muerte. Sus armas preferidas se seleccionan de entre el mundo natural: ramas de árboles y lirios.

El cuerpo de baile de Wilis, encabezado por las solistas Koto Ishihara y Elizabeth Powell, importa un movimiento resplandeciente, desde el suelo, a pie, a saltos exuberante, tan oscuramente sombría en la intención como los trajes de los bailarines son luminiscentes en su blancura nacarada.

En lugar de golpear con fuerza el aire con lirios de tallo largo, hasta el punto de incurrir en el aburrimiento, ya que algunas, Ishihara y Powell nos dan los saldos mantenidos de forma escultórica, y una vigilancia melancólica que nos tiene siguiendo cada detalle de su dúo.

El “voyagé”, donde los bailarines hacen arabescos idénticos, también es un poco diferente cada vez que vemos esta versión. Esta vez, la entrada viene a través de pasos rápidos para llenar los lugares, y luego el voyagé se ralentiza un poco y se acelera a medida que avanza. El “manege” de Chung de “saut de basque” sale pulido, autoritario, y animado por la grandeza.

La entrada de Van Patten en sauté promenade se caracteriza por su excelencia, el establecimiento de ella como co-conspiradora, digno del esquema de Myrtha para procurar que Hilarión y Albrecht reciban su justo merecido.

En su pas de deux con Molat, vemos cargadas perfectas. En el pas de deux con Ingham, donde por lo general los lirios de tallo largo son el accesorio de la elección, en su lugar vemos lirios estrella de tallo corto, y son mucho más bonitos y manejables para la bailarina, especialmente Van Patten deja a caer uno a la vez. Y nos recuerda los pétalos arrancados que sacaban Giselle y Albrecht en su folie a deux en el primer acto, con el amor y la clase social como antagonistas, injustamente emparejados.

El San Francisco Ballet presentó una nueva temporada de “Cascanueces” en el Opera House de San Francisco. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Noche de apertura de la función de “Cascanueces” de esta temporada, el 11 de diciembre de 2013, dio a luz una solidez y un nivel del ensamble que hasta ahora no había visto cumplido tan plenamente en la versión de Helgi Tomasson del San Francisco Ballet.

Desde que se levantó el telón, un encantador y elegante Rubén Martín Cintas como el Tío Drosselmeyer, y toda la producción parecía encontrar profundidad y certeza. Y la confianza del ensamble para llevar de manera natural en el papel. Extrañé a Jorge Esquivel en este mismo papel, quien lo cubrió en los últimos años. Pero Martín Cintas ha aprendido bien los gestos de Esquivel, y la manera en la que se ancla la escena de la fiesta que se hace sentir que Esquivel todavía está presente en la casona, incluso cuando él, lamentablemente, ya no aparece en la lista de la compañía.

Falta también en este espectáculo fue Clara Blanco como la muñeca de baile, que fue hecha para este papel. Elizabeth Powell, un poco nerviosa hizo bien en el rol, apoyada por la efervescencia de Myles Thatcher y James Sofranko.

Fue un placer ver a Clara (Julie Doherty), que se mostró encantada con las delicias del personaje, bien ensamblada con su antagonista Fritz (Andrew Boosalis ), cuya entrega en las travesuras de chico malo sobre el que gira la trama fue limpia y jugosa, con movimientos perfectamente sincronizados.

El momento escénico favorito de la audiencia llega cuando el salón Stahlbaum se transforma en tamaño, de modo que todo crece junto con el árbol y los regalos se hacen más grandes que en la vida real y son una plataforma para la aventura que le sigue. Ya en tamaño natural el Cascanueces, convertido en príncipe, (Joan Boada ) asegura a Clara que no hay nada de qué preocuparse. En ese mismo momento, los ratones, bajo el mando del Rey Rata (Sean Orza ) arrastran desde atrás los regalos envueltos, y el Cascanueces comanda un ejército, que por orden de Clara derrota al enemigo. Con la ayuda de Drosselmeyer, Clara ofrece socorro al príncipe Cascanueces. Orza y Boada son dignos rivales y esta batalla es uno de los mejores logros respecto a la versión anterior de Christensen.

Frances Chung y Jaime García Castilla están radiantes como la Reina y Rey de la nieve, un pas de deux exquisitamente hecho, con una especie de brillo y luminosidad que crea un mundo de nieve verdadero del escenario.

En el Acto II es donde esta versión pierde terreno rápidamente, casi como si los bailarines se hubieran visto obligados a bailar sobre arenas movedizas. Lo menos envidiable en cuanto a los roles bajo estas condiciones es el de la Hada de Azúcar, bailado por Vanessa Zahorian.

Por alguna razón, su solo tradicional se apodera de ella y en el Gran Pas de Deux del final es donde recupera su intensidad. No puede sentirse cómoda o confortable en modo alguno al tener que bailar una coreografía de Gota de Rocío mientras que está vestida como Hada de Azúcar y rodeada por un cuerpo de baile, muchos de los cuales son estudiantes vestidos de flores o insectos.

Iteraciones anteriores recrearon la Casa de las Flores del Aboretum en el Golden Gate Park. Los decorados actuales son tan pocos que no son más que una mera sugerencia de ese lugar. Y si se trata de un visitante de afuera de la ciudad, puede resultar un rompecabezas tratar de adivinar lo que simbolizan esas estructuras de alambre que asoman desde arriba.

Todos los obstáculos imaginables, físicos y dramatúrgicos, se colocan en el camino del Hada de Azúcar, lo que garantiza que no va a ofrecer una representación creíble. Para su crédito, Zahorian parecía sobrepasar la coreografía no-danzada para guardar sus fuerzas para los momentos bailables. De esta manera, en la segunda aparición de las flores, se lanzó como un hada feroz.

Felizmente, la mímica jactanciosa del Príncipe Cascanueces se conserva en la versión de Tomasson, y Boada hace excelente y legible trabajo con él.

En los divertimentos, vemos un excelente manejo de sostén en “Francés” por Marie- Claire D’ Lyse, Kristina Lind y Jennifer Stahl; Dores André es hipnótica en “Árabe”, paseada por Daniel Deivison y Steven Morse –la mejor representación que recuerdo de esta versión–; Hansuke Yamamoto, Max Cauthorn y Esteban Hernandez entregan con altos honores la versión de “Russian”, coreografiada por Anatole Vilzak. Los bailarines estallan a través de los Huevos de Fabergén. Y el Grand Pas de Deux es una caja de música de teatro en miniatura de sí mismo, con Maria Kochetkova, perfectamente emparejado con Joan Boada, brillando en trajes dorado y cardenillo de Martin Pakledinaz.

Joan Boada es el príncipe en la versión de “La Cenicienta”, de Christopher Wheeldon que presentó en Nueva York el San Francisco Ballet. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Para finalizar su corta temporada en el teatro Koch del Lincoln Center, el San Francisco Ballet (SFB) ofreció un estreno reciente, que tuvo lugar en Amsterdam en diciembre de 2012: “La Cenicienta”, sobre la música original de Prokofieff, y coreografía de un reputado y joven coreógrafo, Christopher Wheeldon, quien fuera miembro del New York City Ballet (NYCB) por varios años.

No mucho ha sido cambiado este conocido cuento infantil, según el libreto de Craig Lucas. EL ballet da comienzo con Cenicienta en el cementerio, delante de la lápida de la tumba de su madre, que tiene detrás un inmenso árbol que juega un gran papel en la obra, ya que crece y según las necesidades de la escena, surgen bellas lámparas de canelones entre sus ramas.

El diseño y proyección de la obra se debe a Daniel Brodie. Los cambios de los decorados que suceden  con frecuencia, incluyen a veces  interesantes secuencias dirigidas por Basil Twist. A  todos estos créditos,  hay que añadir el esplendoroso vestuario y sorprendente escenografía que lleva la firma de Julian Crouch.

La Cenicienta, Maria Kochetkova, por el nuevo matrimonio de su padre,  tiene ahora madrasta, Hortensia, Marie-Claire D´Lyse, y dos hermanastras, Edwina, a cargo de  Sarah Van Patten, dominante y a veces malévola,  y Clementine, interpretada por Frances Chung, la más dulce de ellas, tiene sus propios intereses amorosos. La madrastra muestra  su defecto principal en el gran salón del castillo real: Le gusta beber, y en esa importante ocasión, a la que asiste con sus hijas, después de tomar en demasía, se vomita sobre el bello salón del castillo.

Christopher Wheeldon creó una Cenicienta que responde al perfil marcado en el cuento original. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

El rol del Príncipe Guillaume (Guillermo) fue desarrollado brillantemente por Joan Boada, especialmente en sus innumerables “pirouettes” y repetidas vueltas “a la seconde”. No menos haría Taras Domitro como su constante amigo, quien pone sus ojos en la hermanastra Clementine. No obstante, la Cenicienta y heroína de la historia, Kochetkova, poseedora de suavidad, sutileza y exquisita fluidez, no le dio al rol la emoción necesaria, especialmente en el “pas de deux” con Boada, a quien no le faltaba mostrar ardor al bailar con ella. Por su parte Taras Domitro, como Benjamin, amigo de travesuras del príncipe, tuvo variadas oportunidades para destacar su magnífico potencial como bailarín principal de la compañía.

No hay hada madrina en esta obra. Wheeldon, en cambio, ha creado un cuarteto llamado “Destinos”,  quienes parecen dirigir la ida de la Cenicienta al gran baile, donde pierde uno de sus brillantes zapatos, que le sirve al príncipe para buscar a su misteriosa dueña, de la que ha quedado prendado.  La carroza que la transportaría a la fiesta, surge como por encanto, cuando aparecen enormes ruedas que giran alrededor del enorme árbol  que aparece desde el principio del ballet en la escena.

Otra idea magnífica del coreógrafo fue la creación de una línea larga de sillas, donde todas las damiselas que concurrieron a la recepción, toman asiento para probarse la zapatilla perdida por la cenicienta en el gran evento bailable. Cuando las sillas quedan vacías, son subidas por hilos invisibles, que las elevan hasta formar un semicírculo en lo alto de la escena, creando  un agradable ambiente.

El coreógrafo utiliza un gran Corps de Ballet en esta obra, vestido con bellísimos trajes de colores esplendorosos, que danzan a los acordes algunas veces disonantes de la partitura de Prokofieff. No obstante, la obra es un nuevo triunfo para Wheeldon, y para el Ballet de San Francisco, que bajo la dirección artística de Helgi Tomasson, a la cabeza de la compañía desde hace veintinueve años, ha logrado un conjunto que puede contarse entre los mejores de los Estados Unidos.