El cuarteto de ‘Los pequeños cisnes’ se convierte en octeto en “Swan Lake in-the round” de Derek Deane. Foto: © Laurent Liotardo.

Cuadriplicar los cisnes sobre el escenario fue la genial idea que tuvo Derek Deane cuando el promotor Raymond Gubbay invitó al English National Ballet a ofrecer una actuación en el Royal Albert Hall de Londres. El reto para el coreógrafo británico era de unas dimensiones tan colosales como el propio Hall, concebido a semejanza de un anfiteatro romano y cuya forma elíptica tiene un tamaño de 83 por 72 metros para albergar a un aforo cifrado en 5.544 espectadores. Convertir la necesidad en virtud le dio unos excelentes resultados a Deane, quien triunfó con la fórmula “Swan Lake in-the-round”, producción estrenada con grandísimo éxito el 29 de mayo de 1997 en la emblemática sala londinense.

Desde su creación, más de 650.000 espectadores se han sumergido en el espectáculo ideado por Deane, por lo que cíclicamente el English National Ballet ofrece una temporada en su escenario fetiche del Hall, como ocurre estos días. Partiendo del original de Marius Petipa y Lev Ivanov (1895), el objetivo inicial de Derek Deane era crear una versión de “El lago de los cisnes” que cubriera todos los ángulos del escenario circular con la intención de poder deleitar al numeroso público congregado en las gradas dispuestas también de manera circular. Su feliz hallazgo consistió en convertir los 24 cisnes tradicionales en 60 ánades y en multiplicar el número de bailarinas intervinientes en los célebres dúos y cuartetos del segundo acto, amén de los participantes en las danzas de carácter del tercer acto. En total, la producción reúne a 120 bailarines en escena.

Sesenta cisnes del English National Ballet en escena es uno de los grandes atractivos de “Swan Lake in-the-round” de Derek Deane. Foto: © Ian Gavan.

Siendo una de las principales innovaciones el número de participantes, también estriba ahí uno de los mayores retos de producción: cómo mover a tan copioso elenco sin que los bailarines se obstaculicen entre sí en un espacio circular. La clave se halla en la construcción de la coreografía en cuartos de círculo, sirviéndose necesariamente de una estudiada geometría. Otra de las dificultades que encaran los intérpretes es la ausencia de caja escénica y por tanto de telones y calles tan socorridos en determinados momentos de un espectáculo, así que Deane tuvo que idear soluciones ingeniosas tanto para el acceso como para la salida de sus bailarines. Sin embargo, el entonces director del English National Ballet no se amedrentó ante todos los desafíos técnicos que suponía convertir un ballet creado para un teatro convencional en una imaginativa producción de grandes dimensiones pensada en formato circular. El resultado es una experiencia inmersiva, en la que el espectador se ve sorprendido por cada entrada de los intérpretes empleando los diferentes pasillos de acceso del graderío.

La matinée del pasado domingo rozó el aforo completo y especialmente destacable fue la presencia de abundante público familiar. A priori, un título archiconocido como “El lago de los cisnes” puede resultar demasiado comercial, sin embargo, realmente es un acierto el enfoque de la producción para atraer y generar nuevos públicos, de los que tan necesitado está el mundo del ballet. Y pequeños guiños a la contemporaneidad como los esbirros del malvado Rothbart dibujando acrobacias en la línea de danzas urbanas también ayudan a acercarse más aún «al mayor número de personas, estén donde estén y sean cuales sean sus medios», en palabras de los legendarios fundadores del English National Ballet Alicia Markova y Anton Dolin.

Bailarines del English National Ballet en el tercer acto de “Swan Lake in-the-round”. Foto: © Laurent Liotardo.

Los papeles protagonistas de la función fueron interpretados por Emma Hawes, en el rol dual de Odette-Odile, y Aitor Arrieta como príncipe Siegfried. La balanza interpretativa de la estadounidense se inclinó a favor de Odile, deslumbrando especialmente en la coda del paso a dos conocido popularmente como el ‘Cisne Negro’, en el que fue cambiando el foco durante los célebres 32 fouettés. Respecto a Arrieta, disfrutó de los solos en los que regaló limpios tour en l’air –bien asentados desde su época como bailarín de danzas tradicionales vascas- e incluso la amplitud del espacio le permitió ejecutar doce grand jeté en su manège. Como contrapunto al ensimismamiento amoroso de los protagonistas, Junor Souza da vida a un histriónico Rothbart, quien atemorizó a los peques con su caracterización y gestos amenazantes.

En la parte de la bandada de cisnes, Derek Deane convirtió el dúo de ‘Los grandes cisnes’ en un cuarteto y ‘Los cuatro pequeños cisnes’ en un octeto, en aras de conseguir un mayor impacto y cubrir el campo visual de más espectadores, lo que funciona de manera sensacional. Más complejo es el entrelazado escénico de los sesenta cisnes en las partes grupales, pero los veintisiete años de rodaje de la producción dejan claro que es un engranaje perfectamente engrasado para lograr su eficacia. Y una producción tan superlativa en todos los términos, no estaría completa sin una orquesta en directo: la English National Ballet Philharmonic, bajo la batuta de Maria Seletskaja. Si de normal, la música en directo contribuye a crear una atmósfera especial y completa una función de ballet, en este caso, además, su esfuerzo es mayor ya que debe acomodar los compases al desplazamiento de los intérpretes en un escenario de grandes dimensiones.

Cualquier balletómano que se precie, tiene a “El lago de los cisnes” entre sus títulos de cabecera. La trascendencia de la obra de Petipa-Ivanov es tal que se cuentan por decenas las versiones: desde cisnes masculinos a ánades feministas, lecturas humorísticas o incluso la traslación de un célebre triángulo amoroso, por citar algunos. El “Swan Lake in-the-round” de Derek Deane ofrece la magnífica experiencia de poder sumergirse en el clásico que, sin ser tan fidedigno con la coreografía canónica, atrapa al espectador por la grandiosa puesta en escena. Si bien el trabajo del elenco del English National Ballet fue muy destacado, nada puede igualar a las conmovedoras escenas de los actos blancos, en las que sesenta y un cisnes –incluyendo a la princesa Odette- flotan en el ovalado escenario londinense. La ovación del público fue tan redonda como el círculo que originó esta exitosa producción en el Royal Albert Hall.

Isaac Hernández pisó tierra azteca para compartir los pormenores de su espectáculo “Despertares”. Fotos: Gabriela Jiménez Bernal.

Una cocina acondicionada con piso especial fue el cubil donde el bailarín Isaac Hernández vivió una transformación interna y profesional durante el confinamiento sanitario que se vivió en el mundo. Y es que esa experiencia de confrontamiento consigo mismo le permitió convertirse en un mejor intérprete, pero, sobre todo, en un mejor ser humano, confiesa el mexicano dibujando una gran sonrisa en su rostro.

El destacado bailarín pisó tierra azteca para compartir los pormenores de su espectáculo “Despertares”, el cual ha logrado reunir desde hace una década a algunos de los mejores intérpretes de las compañías de danza más prestigiadas del mundo. El tapatío se muestró entusiasmado por bailar nuevamente en su país y hacerlo en el escenario que le abrió las puertas desde 2012: el Auditorio Nacional, que lo recibirá a él y a sus colegas internacionales el sábado 6 de agosto.

“Me siento encantado, emocionado, incluso un tanto nervioso de estar aquí.  Todos hemos vivido momentos muy difíciles en los últimos años y ya es momento de reencontrarnos otra vez”, expresó el ganador del Benois de la Danse, el máximo galardón que se da a nivel internacional en el ballet y que le fue otorgado en 2018 en Moscú.

El legado del arte

Sumergido en una profunda reflexión sobre lo vivido durante la reciente pandemia, Hernández comparte lo que, en su opinión, aprendió sobre el valor de las artes: “En este tiempo me quedó más que claro la importancia de estar juntos y de compartir, pero también de los beneficios del arte, de ahí mi necesidad de darle continuidad a ‘Despertares’. Es valioso lo que nos da el arte, es lo que nos da esperanza”.

Considera que el confinamiento ha sido uno de los grandes retos que han enfrentado las artes después de la Segunda Guerra Mundial. Por ello, el tapatío está convencido que hoy más que nunca se deben mantener los proyectos culturales que contribuyan a la sociedad, en especial a los nuevos talentos: “Estar alejado de mi proyecto me hizo ver que las nuevas generaciones de bailarines pueden perder la ilusión de seguir. Por ello, considero que ‘Despertares’ contribuye a que se sientan motivados viendo a grandes bailarines del mundo”.

También está consciente de que la industria del espectáculo cambió con el mayor uso de la tecnología, obligando a los artistas a proponer nuevas formas de creación y llegar a públicos diversos: “Estamos generando una mente más consciente de lo que tenemos que hacer, y cómo generar una industria cultural más accesible para nuevos espectadores”.

Una etapa de transformaciones

Los 14 números que integrarán el programa estarán protagonizados por destacadas figuras del Ballet Bolshoi y el English National Ballet. Fotos: Gabriela Jiménez Bernal.

Hernández, al igual que el mundo, vivió un confinamiento que lo llevó a innumerables momentos de introspección. En lo personal, aseguró que le permitió una madurez personal y profesional: “Todos experimentamos un peso emocional durante el encierro. Por fortuna, yo tuve mi refugio en la danza. Puse un piso especial en la cocina de mi casa y ahí me refugié. Incluso puedo decir que mejoré en mi técnica y cuidé más mi cuerpo y mi mente. Me aferré a lo que el ballet me da para ser mejor persona. Sin lugar a duda el ballet ha sido un beneficio personal y lo entendí en plenitud. De hecho, cuando no entrenaba la pasaba muy mal. Así que me di mucha esperanza a través de mi baile”.

El tapatío considera que está en su mejor momento como intérprete. Recuerda que durante la formación de cualquier bailarín evidentemente hay mayor preocupación por la técnica. Pero conforme pasan los años se adquiere una libertad física y emocional: “Antes existía una cierta obligación a nuestra profesión, pero ahora hay libertad para elegir el repertorio que deseas interpretar. Como ya hay dominio de la técnica comienzas a disfrutar más tu profesión. Te vuelves un adicto al escenario y buscas conectar con éste de manera única y diferente”.

La transformación que ha vivido el bailarín coincide con su debut como padre de familia. Sobre esta etapa crucial en su vida compartió: “Ser padre me ha cambiado mucho. Veo las cosas más claras y he entendido que es un privilegio estar en el escenario”.

Sobre la responsabilidad que está adquiriendo con su primogénito, Hernández confesó que esta nueva experiencia lo ha hecho apasionarse más sobre el tema de la infancia, por eso tiene una gran inquietud: “Hay mucha incertidumbre en el mundo; sin embargo, mi hijo está rodeado de arte y cultura que inspira a vivir. Quiero que tenga acceso a las expresiones artísticas y que se sienta un apasionado por la vida”.

Noche de estrellas

El tapatío está convencido de que la función de “Despertares” llega en un momento simbólico, ya que la humanidad requiere de experiencias estéticas que resulten una caricia al corazón: “Llegar a mi país con este espectáculo tiene un significado especial. Retomar la normalidad y revivir momentos que nos permitan sentir al público. Será una noche llena de emociones, de conectar a nivel humano. Me alegra llegar a mi país con un proyecto que es parte de la vida cultural de México”.

“Despertares” 2022 reunirá a 30 artistas en escena bajo la dirección del bailarín mexicano, con la producción de Soul Arts Productions, casa productora dirigida por su hermana Emilia Hernández y de la cual ambos son cofundadores.

Los 14 números que integrarán el programa estarán protagonizados por figuras de destacadas agrupaciones como el Ballet Bolshoi y el English National Ballet. Los bailarines internacionales que llegarán al coloso de Reforma son Natalia Osipova, Tamara Rojo, James Streeter, Jurgita Dronina, Chey Jurado, Michaela DePrince, Gabriele Frola, Sae Eun Park, Maria Alexandrova y Vladislav Lantratov, Emily Suzuki, Jason Kittelberger, Brooklyn Mack, así como el propio Isaac y su hermano Esteban Hernández. Sobresale la participación del grupo Guetto Funk Collective y de la cantante Geo Meneses que estará acompañada por los músicos Los Macorinos.

El repertorio reunirá piezas de los coreógrafos más reconocidos en la escena dancística internacional, como George Balanchine, Marius Petipa, Vakhtang Chabukian, Akram Khan, William Forsythe, Jason Kittelberger, Joseph Mazilier, Aszure Barton, Annabelle Lopez Ochoa y Stephan Toss.

Un futuro prometedor

Hernández está consciente que su carrera como intérprete es efímera: “Como bailarines, nuestra vida profesional es corta. Aún me quedan unos seis años para seguir bailando. Física y artísticamente me siento en un gran momento”.

Una vez que llegue el momento de retirarse de los escenarios, le gustaría seguir incursionando en la actuación, como lo hizo recientemente en la pantalla chica. Asimismo, le gustaría tejer más lazos de colaboración con comunidades latinas.

A su vez, le gustaría construir una plataforma digital a través del cual pueda seguir impulsando la danza clásica, género que lo ha llevado al éxito internacional.

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Los integrantes de distintas agrupaciones cumplen las directivas de las autoridades sanitarias de acuerdo con los protocolos de la OMS. Foto gentileza RM.

Lo que parecía una inactividad temporal obligatoria con la cancelación de los espectáculos para evitar la propagación contaminante del nuevo Coronavirus COVID-19, y el ulterior cierre laboral de todas las compañías de ballet y danza, las de artes dramáticas, de teatro lírico -más adelante también museos y galerías de arte-, aplicada por decreto estatal a todos los estamentos de la vida social y comunitaria del archipiélago cubano, se ha convertido en una realidad sin término conclusivo definido, en cuanto a un retorno a las actividades culturales en calendarios normales.

En consecuencia, esto incluye a los artistas profesionales que practican y ejercen su actividad escénica con el dominio de sus cuerpos mediante el ejercicio cotidiano para evitar que su rendimiento muscular de vea mermado por la inacción. Es por ello que los bailarines -practicantes e intérpretes- de las diversas compañías o agrupaciones de cualquier tendencia y estilo, las cuales cerraron “sine die” se dieron a la tarea de revertir esta situación de manera privada en los domicilios donde mantienen disciplinadamente su “encierro” involuntario.

Sin importarle las limitaciones de los espacios disponibles, los danzantes se afanaron en el mantenimiento de sus tonos musculares, y se dedicaron a instalar un improvisado estudio de clases con el mobiliario a su alcance: sillas o butacas, mesas, alfombras o esteras, espejos colgantes en sus paredes y otros elementos. Allí cumplen, cotidianamente, los ejercicios en la barra y los de centro en días alternos por un promedio de dos horas, con descanso el domingo.

Este tipo “novedoso” de resiliencia ante la adversidad sanitaria provocada por el virus COVID 19, ha permitido conocer interesantes y positivas reflexiones de algunos jóvenes solistas del Ballet Nacional de Cuba o de la compañía Acosta Danza. Todos están conscientes de lo correcto en las medidas tomadas por las autoridades sanitarias cubanas, que siguen los protocolos fijados por la Organización Mundial de la Salud (OMS), aunque también lo están de una posible afectación de la técnica alcanzada o la merma de su rendimiento corporal y mental.

Aislados, los bailarines necesitan hacer una rutina de ejercicios, que les sirva de preparación física para cuando todo vuelva a la normalidad. Foto gentileza RM.

“Teniendo en cuenta que nos ejercitamos sobre el suelo duro de nuestras viviendas, es imposible ejecutar algunos pasos como se debe”, comentó Daniela Gómez (25) solista del BNC, por ejemplo, los “grand jetés”, las cabriolas, los tours en “l´air”, los “sisones”, u otros, empero si hacemos muchas “baterías”, los estiramientos de piernas, los calentamientos de tobillos y de empeines con o sin zapatillas de punta. Los muchachos entrenan como si estuvieran en un gimnasio improvisado (la mayoría posee sus propios artefactos), para fortalecimiento de sus musculaturas con suaves ejercicios de halterofilia afines con las cargadas, o se van a nadar para activar la respiración -los que viven próximos al mar, por supuesto-, como mi pareja Alex Silva, y su hermana Leticia, ambos solistas de Acosta Danza, apuntó.

Algo similar y contrastante ocurre en los Estados Unidos, igualmente abrumado por la rápida propagación del Coronavirus en todo su inmenso territorio. Un artículo publicado en “The NYTIMES”, firmado por Gia Kourlas, expone ampliamente la misma situación afrontada por los principales solistas del American Ballet Theatre y del NYCity Ballet. Son dos tipos de resiliencia hacia el mismo objetivo: teniendo en cuenta los avanzados recursos tecnológicos al alcance de estas importantes compañías de danza, los ballet masters emplean para dar sus clases una laptop con aplicaciones y video cámara conectados con los bailarines en sus respectivos domicilios, algunos de ellos en otros estados de la Unión con diferentes usos horarios. Por ejemplo, el maitre Carlos López en NYC explica los pasos y combinaciones a Tiler Peck en su casa de California. Y en NYC a los solistas Gonzalo García o Aran Bell…así ocurre con otros miembros de las dos compañías estadounidenses.

Sobre Cuba y la pandemia

Gentileza de Mercedes Borges Bartutis / CMBF, Radio Musical Nacional

Con las limitaciones de los espacios disponibles en sus propias casas, los danzantes improvisaron un estudio. Foto gentileza RM.

En estos tiempos en que una pandemia nos obliga a permanecer quietos en casa…, uno de los sectores que más puede sufrir a nivel profesional, son los bailarines… 

Ya sabemos que la danza es movimiento y el cuerpo humano es su principal instrumento de trabajo…, para ello los bailarines se entrenan diariamente…, en rutinas muy parecidas a la de los deportistas de alto rendimiento.

Pero este aislamiento que vivimos hoy ha llevado a suspender en el país cualquier sesión de clases en los salones de danza, ballet y folclore, justamente porque es el salón el lugar donde más posibilidades de contagio existen por el nuevo coronavirus COVID 19….

Todos los ejercicios de clases tanto de ballet como de danza implican sudor, contacto físico, la utilización de la barra…, en fin, todo lo que está contraindicado para enfrentar los riesgos del COVID 19.

Es por eso que los bailarines al permanecer en casa, aislados, necesitan hacer una rutina de ejercicios, que les sirva de preparación física, y tratar de mantenerse en forma para cuando las cosas vuelvan a la normalidad que su cuerpo vaya respondiendo poco a poco a las exigencias de un montaje y de los ensayos.

Para brindarles más herramientas de trabajo a los bailarines de todo el mundo, varias figuras a nivel internacional han publicado en las redes sociales, productos que han surgido de sus iniciativas individuales y colectivas.

Por ejemplo, la bailarina española Tamara Rojo, una de las estrellas que hizo época en el Royal Ballet de Londres y que hoy dirige el English National Ballet, ha realizado varias trasmisiones desde el interior de su casa, donde utiliza la cocina como pequeño salón de clases… Así, la meseta donde habitualmente se cortan y preparan alimentos, ahora cumple la función de barra para realizar ejercicios que son dictados y hechos por esta hermosa bailarina que visitó Cuba en varias oportunidades.

En nuestro país también varios artistas de la danza se han mantenido activos en las redes sociales… Hoy en la mañana (30 de marzo), la coreógrafa Rosario Cárdenas posteaba en su perfil de Facebook el siguiente mensaje: 

“Bailarines queridos, en estos momentos en que hemos tenido que abandonar nuestros salones, ese no poder atender como debiéramos: la fuerza, la resistencia, la flexibilidad, y más que ello, ese también sutil estar con nosotros mismos dejando surgir nuestras sensaciones, escuchándolas y haciéndolas vibrar, no es justo que nos abandonemos, no es justo que dejemos a nuestros cuerpos vencerse por la gravedad y no dedicarle el tiempo que merecen. Tenemos que ser fuertes y alzar la voluntad, ser conscientes de lo que significa en nuestra carrera abandonarnos hacia el No entrenamiento, cualquiera que este sea como incluso esa parte que significa dedicarle minutos al cuerpo para estar con nosotros mismos. Un pedazo de nuestras casas será suficiente para que nuestra voluntad se eleve y edifique al nivel de la realidad en que vivimos.”

Este es solo un fragmento del mensaje que la coreógrafa cubana Rosario Cárdenas, enviaba estaba mañana, desde su perfil de Facebook, a los bailarines para que no descuiden su forma física en estos días de aislamiento, donde todos debemos quedarnos en casa.

Acosta Danza lleva a Europa “Belles Lettres”, creación neoclásica del estadounidense Justin Peck, con música de César Frank, entre otras obras de su repertorio. Foto> Enrique Smith Soto. Gentileza AD.

Acosta Danza, compañía dirigida por Carlos Acosta, se presentará en escenarios del Reino Unido y Francia con un programa conformado por conocidas obras de su repertorio. Los días 31 de mayo y primero de junio, la agrupación actuará en la escena del Royal Theatre de Norwich, ciudad del condado de Norfolk. El 4 de junio los artistas cubanos bailarán en el Wales Millennium Center, en la ciudad galesa de Cardiff.

Continuando el periplo, Acosta Danza se presentará por primera vez en Francia, el 7 y 8 de junio, durante las celebraciones del Festival Les nuits de Fourviere, en Lyon.

El programa está compuesto por las coreografías “El cruce sobre el Niágara”, pieza antológica de la danza moderna cubana, realizada en 1987 por Marianela Boán; “Belles Lettres”, creación neoclásica del estadounidense Justin Peck, con música de César Frank.

También bailarán las coreografías “Imponderable”, de Goyo Montero, a partir de la obra musical y poética de Silvio Rodríguez; “Mermaid”, dueto del belga Sidi Larbi Cherkaoui, que será interpretado por Carlos Acosta y Marta Ortega, y “Twelve”, de Jorge Crecis, en la que se funden la danza, el deporte y las matemáticas.

“Mermaid” fue uno de los estrenos de la temporada 2017 que la compañía presentó en La Habana durante la temporada anterior, al igual que “Twelve”, y las obras de Boán y Peck, formaron parte de las presentaciones de 2017 que la compañía realizó también en Cuba.

Fundada en 2015 por Carlos Acosta, Acosta Danza hizo su premiere en abril de 2016. En 2017 fue nominada al Premio Robert Robson para la Danza de los Manchester Theatre Awards que entrega la crítica especializada en Artes Escénicas a los mejores espectáculos presentados durante el año en Greater Manchester, condado del Reino Unido. Con este reconocimiento, la compañía, a dos años de su fundación, se inserta en el mismo escalón que las emblemáticas compañías británicas English National Ballet y la Rambert Dance Company. La compañía tiene como objetivo ofrecer espectáculos integradores desde lo contemporáneo y lo neoclásico, sin desechar otras expresiones, épocas y estilos coreográficos.

Gabriela Alberti e Iñaqui Urlezaga en “Lago de los cisnes”, obra que subirá a escena el Ballet Clásico Nacional en el Parque Centenario. Foto gentileza BCN.

Entrevista a Gabriela Alberti, primera bailarina del Ballet Clásico Nacional (BCN) dirigido por Iñaqui Urlezaga, maestra del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón (ISA), teatro en el que desarrolló su carrera como bailarina realizando los principales roles del repertorio clásico. Sus próximas funciones son del 2 al 6 de diciembre en Parque Centenario, donde la compañía presentará “Lago de los cisnes”, con entrada gratuita y libre para todo público.

A los 16 ingresó al cuerpo de baile del Teatro Colón por concurso. Desde entonces, durante la carrera de Alberti la municipalidad no volvió a abrir otro, para así hacer posible la movilidad del ballet. Los bailarines no pudieron legitimar lamentablemente entonces los roles que iban ocupando; tal es así que a la bailarina argentina la elegían para bailar en los papeles principales, pero figuraba como cuerpo de baile.

De esta manera, a punto de jubilarse, luego de 30 años como bailarina del ballet del Teatro Colón, se le presenta el problema que no lo puede hacer, conforme a la carrera que realizó. “Ahora tengo que jubilarme y quisiera hacerlo acorde a la carrera que realmente hice:tengo los programas, los videos, las críticas que acreditan que yo realicé una carrera como primera bailarina, entonces no corresponde que me jubile como cuerpo de baile”, expone.

El teatro ofrece a los bailarines también un recurso que se llama “retiro voluntario” pero en una de las cláusulas figura que quienes tomen este retiro no podrán ser contratados por este teatro por cinco años. Alberti desde hace también cinco, trabaja como maestra del ISA, puesto que califica de una “gran responsabilidad porque enseño a las próximas generaciones de bailarines”, dice. Una colega tomó ese retiro voluntario y como resultado trabajó gratis por casi dos años ―lamenta― hasta que le resolvieron la situación. “Si no son los bailarines del Teatro Colón que forman y trasmiten la tradición del ballet¿quién lo va a hacer?”, se pregunta conmovida.

Estilizada, de piernas kilométricas, con un cuerpo muy al estilo Vaganova, ni bien entró al ballet del Teatro Colón, coreógrafos nacionales e internacionales comenzaron a designarle los papeles principales. Su primer protagónico fue con Julio Bocca en “Bayadera”, quien luego la invitó para bailar en su ballet. EldarAliev, director del Ballet de Indianápolis cuando vino a reponer junto a Irina Kolpakova “La Sílfide”, la convocó a formar parte de su ballet en Estados Unidos. Asimismo el English National Ballet le ofreció una beca para estudiar en Inglaterra entre otras varias oportunidades que la bailarina tuvo gracias a su calidad artística.

A pesar de estas ofertas de partir al exterior, en el Teatro Colón estaba haciendo la carrera que ella tanto había soñado y trabajado. Le ofrecían protagonizar roles y hacer obras completas, lo que la motivaba para seguir, sentía que podía desplegarse allí como bailarina y artista. Así que esto, más los años de dedicación y formación en ese teatro, además del amor por el primer coliseo, hicieron que la bailarina decida quedarse. “La cuestión de bailar en el escenario de ese teatro es impagable; por el placer de bailar en el teatro Colón en el que estudié desde los 11 años y que tanta historia y tradición tiene quizás uno soporta injusticias (de tipo administrativas)”, reflexiona.

Cuando vio por primera vez bailar a Maya Plisetskaya “La muerte del Cisne” en televisión supo que era eso lo que quería hacer en la vida: ¡bailar! Enseguida, le dijo a su abuela que quería ser como esa bailarina que veía por la tele. Ante el deseo de la niña, su abuela le regaló unas alpargatitas para que diera sus primeros pasos. A los 11 entró a la escuela de ballet del Teatro Colón a donde durante la mañana estudiaba la carrera de danza y por la tarde, en el instituto privado de Gloria Kazda. “Yo aspiraba a bailar en el escenario del Teatro Colón y llegar a primera bailarina, era un disfrute diario, el deseo que me miren, elijan y poder bailar; cada vez la motivación era mayor y la entrega, más fuerte”.

Como bailarina del Teatro Colón pudo trabajar con maestros, repositores y coreógrafos de la escuela rusa de la que aprendió y siguió, “absorbí como esponja cada indicación de los maestros rusos porque me encantaba la manera de bailar rusa que siempre me pareció muy elegante y refinada. Los port de bras y las cabezas de la escuela rusa son distintivos”. Desde hace diez años conoce a Tatiana Fesenko, actual directora del ISA y ex bailarina del Kirov a donde estudió con Elena Shiripina. “Con ella profundicé muchos los roles blancos y admiro mucho sus brazos, sus manos, para mí son únicos”, se explaya.

Con el Ballet Clásico Nacional

La bailarina se siente agradecida de haber sido llamada para bailar en el Ballet Clásico Nacional (BCN) con el que presenta piezas como “La Traviata” (bailaron en octubre y noviembre con seis funciones en el Teatro Coliseo). “Yo creo que este ballet es una genialidad, Iñaqui es muy talentoso y le gusta crear; tuvo el coraje de tomar clásicos como el “Lago de los cisnes” o el “Cascanueces” y hacer sus propias versiones. No hay muchos que se dediquen a hacer ese tipo de trabajo”, dice entusiasmada.

En estos momentos mantiene su cuerpo con pilates además de su clase diaria de ballet, “doy gracias de poder seguir estando a mi edad en el escenario y que el cuerpo me responda”, dice. Desde hace cuatro años es primera bailarina del flamante BCN, creado en 2013 por el Ministerio de Desarrollo Social de la Nación y que a partir de este año pasó a formar parte del Ministerio de Cultura. “La interpretación arriba del escenario es un placer que me brota, yo lo vivo al personaje, es una metamorfosis que se produce y todo fluye”, señala. Prepara los roles con mucha profundidad y dedicación, “para este rol (el de Violeta, en “La Traviata”) me preparé reparando en la letra de la ópera de Verdi y leí el libro, luego fui buscando al personaje en mí y con el traje, la escenografía, los primeros compases ya estaba metida íntegramente en el personaje. Ese día soy Violeta y no Gabriela”.

En una gira por España con el BCN en 2015 le sucedió algo increíble: los medios dieron la triste noticia del fallecimiento de Plisetskaya (su faro y por quien comenzó a bailar) y como imagen pusieron a la bailarina argentina bailando “La muerte del Cisne”. “No te puedo explicar cuando me di cuenta de que era yo, las lágrimas que me salieron. Es fuertísimo y esa noche yo tenía que bailar ‘La muerte del Cisne’, fue algo muy especial bailar esa pieza cerca de la que fue mi inspiración”.

En “La Traviata”, con coreografía de Iñaqui Urlezaga, Gabriela Alberti encarna a Violeta, la heroína de esta obra. Foto gentileza BCN.

Con Urlezaga tienen mucha química y espera seguir teniendo la posibilidad de continuar interpretando las creaciones de este “genial coreógrafo y creativo, de bailar también otros estilos y expresar con el cuerpo nuevos desafíos artísticos”.

La bailarina desea poder seguir buceando en las profundidades de la danza, que muchas veces, como el bailarín convencionalmente tiene una vida útil de 40 años, muchos deciden cortar definitivamente con la profesión. ¿Qué pasaría si aprovechando la experiencia, la capacidad de movimiento, con la técnica ya inmersa en el cuerpo y la memoria y los conocimientos, se experimentara y desarrollara variedades de piezas artísticas a partir de esta edad?

El caso de Baryshnikov es ejemplificador, él ofrece al público historias y piezas de danza-teatro de calidad para y desde un cuerpo de más de 40.Se contarían otras historias más reales y más allá de las edades acostumbradas de niñas de 15 años o jóvenes casaderas; pero esto es ¡otra historia!

Y como afirma Alberti, a partir de cierta edad ya pesa ponerse una coronita o un tutú y contar una historia de una niña porque la vida pide y está dispuesta a contar otras realidades.“Espero poder seguir expresando la música e interpretando siempre (con y para la danza)”.

“Desde que estoy con Iñaqui es un disfrute tras otro. Lo admiro como coreógrafo”.  Interpretar el rol de Violeta fue todo un desafío ―comenta― porque en el Colón había tenido la posibilidad de realizar todos los roles blancos y menos los de carácter y con una exigencia interpretativa mayor como puede ser Manon por ejemplo. Pero el ballet también presenta los clásicos con coreografía de Urlezaga, este caso el ballet se presentará en diciembre con el Lago de los Cisnes en el Parque Centenario de Buenos Aires. Esta obra encuentra a una Alberti íntegra, con un cuerpo esbelto, una técnica perfecta y una madurez que permite a su arte fluir y brindarse profundamente al personaje.

Julie Kent, Maki Onuki, Victor Barbee y Rolando Sarabian en un ensayo de “Giselle” para The Washington Ballet. Foto gentileza TWB.

Desde su exilio en 2005, el cubano Rolando Sarabia ha recorrido un camino ecléctico y al mismo tiempo, signado por su constante búsqueda dentro del ámbito de la danza clásica, un lenguaje que le fue familiar desde su infancia y que también ha sido su sello indiscutible. Su primera y gloriosa presentación en los Estados Unidos, luego de su exilio, fue en el Festival Internacional de Ballet de Miami de 2006, apenas recuperado de una de sus tantas operaciones en la rodilla. Luego pasó por el Houston Ballet, el Miami City Ballet, el Ballet Clásico Cubano de Miami, y también fue bailarín independiente. Premiado y multipremiado, Sarabia, recibió el Benois de la danza en 2011, y otros tantos reconocimientos que obtuvo cuando apenas tenía 20 años y era primera figura del Ballet Nacional de Cuba (BNC).

En septiembre de 2016, cuando Julie Kent asumió la dirección de The Washington Ballet (TWB), Sarabia pasó a integrar la compañía que durante 17 años había dirigido Septime Webre. Y este jueves 2 de marzo será protagonista en el estreno de “Giselle”, su primer rol en un clásico completo como bailarín de esta compañía. Las funciones, que se realizarán desde el 1 hasta el 5 de marzo en el Eisenhower Theatre del Kennedy Center, contarán con orquesta en vivo y diferentes elencos.

Siguiendo los pasos de su esposa, la bailarina cubana Venus Villa, también bailarina de TWB, Sarabia decidió quedarse en Washington. “Cuando me enteré que Julie (Kent) y Xiomara Reyes estaban en la compañía, tomé la decisión de hacer una audición”, comentó a pocos días del estreno en Washington.

DANZAHOY: ¿Cómo fue tu primer acercamiento con la dirección de TWB?

Rolando Sarabia integra en elenco de The Washington Ballet desde mediados de 20016. Foto gentileza TWB.

Rolando Sarabia: Había compartido galas internacionales con Julie, pero tenerla como directora es otro ámbito. Creo que tanto con Julie, como con Victor Barbee, su esposo y director artístico asociado, y de larga trayectoria en el American Ballet Theatre, la compañía va a cambiar. Los cambios siempre hacen bien. Estamos trabajando muchísimo en un repertorio variado que va desde Frederic Ashton a Alexei Ratmansky. Con la perspectiva de utilizar orquesta en vivo, de recuperar los grandes clásicos y de hacer tours no solo por los Estados Unidos sino también por el resto del mundo, se abre un nuevo panorama.

D: ¿Cómo fue trabajar “Giselle”?

RS: Es uno de los clásicos más grandes. La producción es de Julie, mezclada con toda su experiencia en este ballet. “Giselle” es uno de mis favoritos, aunque “Don Quijote” está en el primer lugar de mis preferencias. Pero la historia de “Giselle” me encanta, especialmente cuando la haces tuya. Julie ha hecho un trabajo estupendo con todas las parejas y sus consejos son increíbles. La visión que tienen, tanto Victo como ella, de los personajes, ayuda a seguir mejorando, y cuando nos hacen una crítica es para enfatizar en lo que uno tiene que rectificar para hacerte mejor bailarín. Julie llena a las bailarinas de detalles asombrosos. Y yo, hacía mucho tiempo que no tenía un coach como Victor, un coach que ayude a interpretar el personaje. Porque en estos roles, si no tienes ángel, presencia y emoción no existe el bailarín. El ballet no es solo técnica, es arte, y hay que dar prioridad a la calidad más que a la cantidad. Muchas veces la gente no se da cuenta de que no se trata de hacer trucos o piruetas sino de encontrar la interpretación. En la época de Mikhail Baryshnikov y de Rudolph Nureyev, ninguno de los dos exageraron los saltos o los giros, ni se fueron de estilo para llamar la atención.

D: Después de estos cinco meses de experiencia, ¿qué es lo que remarcarías de TWB?

RS: Hay mucho talento joven y mucha diversidad. Por otra parte, esta intención de recuperar los clásicos me parece interesante. Después de todo, ¿por qué esperar que venga el Bolshoi para ver ballet clásico? Esta compañía es perfecta para mí, y me interesa volver a la experiencia de ser bailarín “full time”.

D: ¿Cuáles son las diferencias que encuentras entre ser bailarín invitado y pertenecer a un ensamble?

RS: La diferencia es que el “full time” te mantiene entrenado y te permite alcanzar nuevas metas todos los días. A su vez, perteneciendo a una compañía, en los períodos de receso se puede ser también invitado en galas. En cambio el ser un bailarín “free lance” limita mucho, es muy duro mantenerse en forma, no solo porque no hay incentivo sino también porque pesan otros factores como los lugares de ensayo, las clases, y la constancia en el trabajo. Las compañías, en cambio, te dan la posibilidad de hacer muchos ballets diferentes, y eso alimenta la cultura del cuerpo y de la mente, algo que se pierde mucho como invitado porque el bailarín no se entrena de la manera adecuada. Por eso los bailarines con carrera satisfactoria han estado en una compañía en forma permanente.

Rolando Sarabia y Maku Onuki, de The Washington Ballet, en “Cascanueces”. Foto: Media4artists, Theo Kossenas. Gentileza TWB.

D: ¿Y si tuvieras que elegir entre alguna de las dos formas?

RS: En lo personal, necesito mucho el reto del día a día. Me interesa saber que hay bailarines mejores porque me incentiva a sobrepasar mis propias metas. Eso es lo importante, porque mantienen el entusiasmo vivo. Cuando uno es el único grande en una compañía, cae en la rutina inevitablemente. Me inspira y me ayuda a mejorar saber que hay otros de los que se puedo aprende para mantener la competencia sana.

D: ¿Cuál fue tu motivación para salir de Cuba?

RS: Cuando me fui, salí con la mente preparada y tenía decidido lo que iba a hacer. Me fui no porque vivía mal, en absoluto. De hecho viajaba por el mundo con el BNC, mi papá, Rolando Sarabia, y mi hermano Daniel Sarabia, los dos bailarines, también viajaban. Nuestra familia tuvo la fortuna de no pasar esos grandes trabajos que otros dicen. Pero me fui porque quería mostrarle al mundo lo que me enseñó mi escuela cubana. Mi carrera es una de las cosas más importantes de la vida y me propuse crecer. Llegué a Miami, me recibió mi tía Marisol, que me dio comida y techo; estuve tomando clases con Magaly Suárez, quien me ayudó a recuperarme de mi rodilla y aprendí mucho de ella.

D: ¿Y cómo llegó el amor? ¿Amor entre bailarines?

RS: Con Venus (Villa) nos conocimos en el Festival Internacional de Miami, dirigido por Pedro Pablo Peña, un hombre que revolucionó la cultura en Miami. Por entonces, ella estaba en el English National Ballet, y nos fuimos encontrando en festivales. Bailamos juntos en algunas galas, si bien al principio éramos amigos. Pero después de un tiempo nos dimos cuenta de que estábamos enamorados y decidimos casarnos. Y ahora tenemos una niña de 3 años que me llena la vida con su sonrisa.

La nueva compañía creada por Carlos Acosta ofrecerá contratos a 12 bailarines con capacidad para abordar danza clásica y contemporánea. Foto: Johan Persson. Gentileza RBof L. Archivo Danzahoy.

Carlos Acosta, el bailarín que hace soñar con el olimpo de la danza a cientos de estudiantes de ballet dentro y fuera de Cuba, confirmó su decisión de fundar una compañía en su país natal, y con tal fin, convoca a bailarines de formación profesional interesados en integrar el proyecto.

El futuro director realizará audiciones los próximos días 10 y 11 de agosto, en la Escuela Nacional de Ballet Fernando Alonso, localizada en la confluencia de las calles Prado y Trocadero, de La Habana, a las 14:30 p.m., hora local. La nueva compañía, adscrita al Centro de Danza de La Habana, ofrecerá contratos a 12 bailarines: seis hombres y seis mujeres, con capacidad de asumir las demandas de las técnicas de la danza clásica y la contemporánea. En correspondencia con estas pautas, las audiciones consistirán en clases de ambas modalidades para medir la habilidad de los artistas.

Acosta prepara en estos momentos su retiro como bailarín clásico del Royal Ballet y aspira a continuar una carrera en la línea contemporánea. Este año, el Círculo de Críticos de Gran Bretaña le concedió el Premio Nacional de Danza en reconocimiento a su trayectoria, y la crítica estadounidense aplaudió efusivamente su versión de “Don Quijote” para la compañía británica.
Tras disfrutar del éxito con una interpretación propia de Don Quijote, Acosta eligió retirarse del Royal con un obsequio coreográfico: una nueva versión de “Carmen”. La puesta deberá estar lista en septiembre de este año y marcará una transición profesional del artista, dispuesto a entregar su talento y energías a una compañía propia dentro de Cuba. Nadie pudo vaticinar que se convertiría en el único bailarín negro hasta el momento, capaz de llegar y mantenerse en la cúspide mundial del ballet.

Hace un año, el príncipe de Gales le confirió el título de Comandante del Imperio Británico, y durante la ceremonia en el palacio de Buckingham, alabó al cubano por haberse convertido en una inspiración para jóvenes humildes.

Un largo camino

El llamado “Superman Acosta” no tenía muchas ilusiones a los 17 años, cuando vivía en la modesta barriada de Los Pinos, en La Habana. Tras un comienzo difícil en el ballet, Carlos Junior –bajo la guía de la maestra Ramona de Saá (Cheri)– era, sin saberlo, uno de los mejores bailarines de la Escuela Nacional.

“Siempre viví sin esperar muchos resultados de la vida y me había adaptado a eso, como para evitar la desilusión. De repente, gané el Grand Prix de Lausanne (Suiza) y no podía creerlo”, comentó hace algún tiempo. La etapa inicial de estudios en la escuela elemental fue caótica, tuvo problemas de disciplina, pero la persistencia de su padre, Pedro Acosta, humilde camionero, para que el hijo estudiara una carrera, comenzó a dar frutos cuando el adolescente halló una conexión entre el virtuosismo del deporte y la práctica de la danza. Luego, se enamoró del arte.

Y llegaron los reconocimientos. “Trabajé muchísimo, quería ser muy bueno y me daba cuenta de que si trabajaba de verdad, podía cambiar mi futuro y el de mi familia. El ticket ganador era mi trabajo y entonces mientras mucha gente jugaba fútbol, yo estaba trabajando en un salón, haciendo doble tours para los dos lados. Ahora, la gente viene y dice: ¡mira esto y mira lo otro! Y si ustedes supieran el trabajo que hay detrás de todo eso y la dedicación. Incluso, me lastimé muchas veces por la obsesión de ser muy bueno, pero así es como se llega”, aseguró.

En 1991, el artista comenzó su carrera profesional en las filas del cuerpo de baile del Ballet Nacional de Cuba (BNC) cuando una propuesta como primer bailarín del English National Ballet (ENB) llegó a sus manos y no se lo pensó dos veces. Tenía 18 años y el mundo le empezaba a sonreír. Cuenta que llegó a Londres con su mochila y sus sueños, nada más. El inglés, apenas lo entendía. Hasta la falta de arroz con frijoles se le hizo difícil los primeros tiempos. El cubano se abrió a otros estilos de danza y escuelas. Pronto el Houston Ballet lo atrajo también en calidad de primera figura, la prensa norteamericana lo distinguió como una relevación mundial y lo nombró heredero de las máximas celebridades del ballet clásico: Nijinski, Nureyev y Barishnikov.

A fines del siglo XX, el Royal Ballet de Londres lo llamó, y desde entonces se convirtió en su casa. En Gran Bretaña, recibió el Premio Nacional de la crítica especializada y una nominación a los Laurence Olivier por su primera coreografía “Tocororo: Fábula cubana”. Estrella al fin, ha sido invitado de todos los grandes teatros del mundo y compañías como la Ópera de París, el Ballet Bolshoi y el American Ballet Theatre, entre muchas.

En Cuba, su pueblo lo vio bailar junto a la española Tamara Rojo, una de sus parejas habituales, y disfrutó de una química similar con la italiana Alexandra Ferri, otra grande con quien actuó en la clausura de un Festival minutos después de conocerla en vivo, sin un solo ensayo. Además, saboreó cada baile compartido con artistas locales como Lorna Feijóo, Alihaydée Carreño y Viengsay Valdés. Gran parte de la crítica considera a Acosta el mejor bailarín de su generación. Más allá de las tablas, cuenta con dos libros publicados y dos actuaciones en cine. Pese a su anunciado retiro, resulta previsible que no abandone la escena por completo, fiel al credo que durante una tarde calurosa, típica de La Habana, reveló: “el ballet no es una profesión, sino un estilo de vida”.

Tamara Rojo (izq.) y Loipa Araújo durante un ensayo del ENB. Foto gentileza del Museo de la Danza de Cuba.

Loipa Araújo, calificada como ‘’la orquídea del ballet cubano’’ y una de las cuatro joyas –asi bautizada por el eminente crítico inglés Arnold Haskell–, estuvo brevemente en su natal Habana, con el fin prioritario de solucionar algunos asuntos familiares impostergables, y para acompañar a la estelar bailarina española Tamara Rojo, directora artística del English National Ballet, para ensayar ”Corsario”, mientras que disfrutaba de unas breves ”vacaciones”.
Locuaz, y poseedora de una experiencia de seis décadas, involucrada en el perfeccionamiento de jóvenes bailarines, y en los elencos de las más importantes compañías de danza de las cuatro esquinas del planeta. Actual directora artística asociada del English National Ballet (ENB) de Londres

La compañía dirigida por Tamara Rojo empezó la temporada con funciones de “La bella durmiente”. “A mi criterio, es uno de los ballets más difíciles del gran repertorio –dijo Araújo–, porque es el clasicismo en su pureza más absoluta. Cuando una bailarina lo interpreta, especialmente el papel de Aurora, es como estar desnuda. Es decir que debe estar en plena forma para que pueda hacerlo. No solo debe encarnar a una niña de 15 primaveras, ya que este ballet transita cien años de un acto al siguiente, sin que lo sufra físicamente, aunque debe demostrarlo teniendo en cuenta que son dos épocas distintas en que se sitúa el argumento de esta célebre pieza”.

El debut fue en Milton Keynes, ciudad a una hora de Londres. Y allí comenzó este nuevo periplo de la “joya cubana”. El programa siguiente se lanzó con un ballet que significó un reto para la compañía: “Etudes”, del danés Harald Lander.

Danzahoy: ¿Cómo consideras esta etapa de tu vida y la carrera profesional que desempeñas en Gran Bretaña?
Loipa Araújo: En estos momentos vivo de una manera más sosegada, podría decir con franqueza, empero sin actividad ”ballética” no podría vivir. La novedad de entrar como miembro de un equipo, en este primer año, implica una dedicación absoluta. Porque hay que sentar las bases de los objetivos que buscamos para un conjunto de danza, es decir el alto nivel de calidad artística, en lo interpretativo y lo técnico que se aspira de esos bailarines. Por lo tanto, hay que estar vigilantes de cada detalle todo el tiempo.

D: ¿Cómo fue el proceso durante esta primera etapa?
LA: Fue una temporada con un trabajo intensa de clases, ensayos, todo el dia. Los tres del equipo, el español José Martín, la china Hua Fang Zhang, y el japonés Yohei Sasaki, cuerpo de baile y solistas. Entre los cuatro nos dividíamos las responsabilidades. Tamara Rojo, como directora artística, me asignó la preparación y los ensayos de los otros bailarines principales, mientras que los otros tres se ocupaban del cuerpo de baile y solistas. Fueron días que, después de mis ejercicios matinales en la barra, me ocupaba de impartir las clases, y luego me involucraba el resto del día con los ensayos.

D: ¿De qué manera ha estructurado el trabajo Tamara Rojo?
LA: Como directora artística y bailarina, Tamara Rojo, está siempre muy vigilante de que sus bailarines puedan bailar otros modos de danza, pero sin perjuicio de su físico. Entre sus planes en un futuro cercano, está la producción de un programa dedicado a las mujeres coreógrafas. Tamara tiene una capacidad de trabajo enorme. Con 39 anos, logra dirigir y bailar brillantemente, aunque no quiere ser siempre la protagonista de los espectáculos del ENB.

D: ¿Qué significa la presencia de Alina Cojocaru en el ENB?
LA: La incorporación de Alina Cojocaru en el ENB ha sido valiosa en muchos aspectos, además es una de las más importantes bailarinas del mundo. Sin embargo, internamente, ha complicado las cosas, en cuanto a la organización de sus ensayos y programas, puesto que continuará sus presentaciones en el Metropolitan de NYC con el ABT, y en Alemania, con el Ballet de Hamburgo que dirige John Neumeier. Ella es la que abre la temporada como protagonista de “El Corsario”, por lo cual debe estar en Londres para el ensayo general con orquesta (a los tres elencos alternantes les corresponde siempre un ensayo con la orquesta).

D:- Crees que los bailarines con formación clásica perjudican su físico, al bailar las nuevas coreografías contemporáneas del siglo XXI, que exigen un entrenamiento particular previo?
LA: En mi criterio, no creo que los lesionen, en cambio los enriquecen. La vida me ha demostrado que un bailarín clásico puede hacer de todo, pero una bailarina de “moderno”’ no se puede parar en puntas. Para mí, el clásico es como el gran abecedario, donde tienes que lograr desde la A hasta la Z el máximo nivel, con un gran conocimiento de los ¿por qué? de cada letra. Después de alcanzar esa base, puedes usar las combinaciones deseadas, que no alteran en lo absoluto tu base: por ejemplo, es el caso de Carlos Acosta o Tamara Rojo, que pueden bailar una pieza como “Croma”, y luego triunfar en “La Bayadera”. En mi caso, una noche bailaba una Giselle, y en otra, una obra de Alberto Alonso o de Alberto Méndez (muy moderna para su época, porque la danza ha evolucionado), sin embargo eso no me perjudicó, ni artística ni muscularmente.

D: ¿Forma parte de una evolución natural?
LA: Lo que está forzado se olvidará, pero lo que está justificado, coherente, perdurará. La danza no se puede anquilosar. Hoy no se baila como ayer, ni hace 10 años es la misma del presente. Hasta las obras maestras de Petipa, pueden estar técnicamente correctas, pero no anquilosadas, rígidas; Deben estar animadas por el espíritu de estos tiempos.

D: En el ENB, según me comentas, el desarrollo interpretativo de sus artistas ocupa un sitial de primer orden…
LA: La técnica es importantísima: si quieres hacer diez pirouettes mejor; si puedes saltar más alto mejor, siempre que la música y el estilo de la obra te lo permitan. Pero, por favor, que no inventen pasos que Petipa no imaginó. Hasta un balance sostenido sobre las puntas o no, es hermoso, siempre y cuando no se vayan de la música.
D: Si alguna vez te decides a retornar permanentemente a Cuba, ¿cómo piensas que podrías contribuir al desarrollo del ballet cubano, teniendo en cuenta tu experiencia profesional internacional?
LA: Tal vez heredé algo de mis padres, que fueron unos grandes pedagogos –padre médico y madre maestra–, pues disfruto mucho con enseñar. No hay nada en el mundo que me satisfaga más que el poder compartir todas las experiencias adquiridas. Como dicen: “más sabe el diablo por viejo que por Diablo”, con los diversos coreógrafos y maestros, y los distintos públicos. Eso me hace vivir, es mi alimento cotidiano, y nunca estoy negada a ofrecerlas doquiera me encuentre, y me las soliciten.

D: …¿Para cuándo el regreso?
LA: No lo puedo decir ahora. Yo quisiera acompañar a Tamara (Rojo) hasta que el ENB se consolide, sea fuerte, que hayamos logrado los objetivos propuestos al inicio de este camino. Igualmente, porque las condiciones económicas se superen para poder aumentar el elenco; hacer mas producciones…Tamara sueña con realizar su versión de “El lago de los cisnes”, situando la acción en España. Claro, antes que su mandato de 10 años expire. Por mi parte, debido a mi edad no sabría si llego con vitalidad hasta la terminación de su mandato, por lo tanto, mis planes los hago a corto plazo. Donde estamos sentados, es mi casa habanera, y mi país es éste: aquí retorno siempre para “recargar las baterías”.
D: Ahora que Fernando Alonso no está, ¿cuál sería, a tu criterio, la trascendencia del ballet cubano?
LA: El retorno del maestro Fernando Alonso a Cuba –después de trabajar varios años en México–, fue una suerte para la Escuela Nacional de Ballet. Su presencia allí fue importantísima, porque aplicó en los estudiantes el ojo crítico que siempre tuvo, y que nos enseñó (a sus discípulas más cercanas como yo), el tenerlo en activo siempre: no debes mirar la danza con ojo complaciente, nos decía. Es una lección del gran maestro que tengo muy bien aprendida. Por mucho que disfrute con el baile de un bailarín, siempre debo mantener ese “ojo crítico” ante lo que está ejecutando. El tiempo pasa y todos iremos, finalmente, al mismo lugar, donde el destino nos tenga destinado: en el más allá o en otro planeta, donde sea. Estimo que lo importante es, y en el caso de Fernando Alonso se cumple, el legado, lo que dejas para la posteridad. Y creo ha dejado, especialmente en Aurora Bosch, Ramona de Sáa, Laura su hija y en mí, que fuimos los que aprendimos directamente de él, ese legado de sus principios, de cómo enseñar, el cual es objetivo de un verdadero pedagogo: su ética profesional, artística y humana.

D: Y ustedes son las encargadas de trasmitir su legado…
LA: Después vino una segunda generación, que también recibió sus enseñanzas. En la medida que podamos transmitir a otros ese legado que nos dejó, haciendo entender la importancia de esos principios, el estará siempre con nosotros. Estoy segura que se le evocará siempre, y que llegará el momento de hacerle cabal justicia al hombre, al Maestro.

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El comienzo con la nueva dirección del ENB. Hacer clic aquí.

Rudolf Nureyev montó con el ENB su versión de “Romeo y Julieta” de Prokofiev. Foto promocional del homenaje a RN por el ENB.

Tamara Rojo apunta a mantener el nivel artístico-técnico de los clásicos, así como de la contemporaneidad con programas que muestren un hilo conductor cuando son los llamados ‘’triple bill’’ (tres ballets en una noche). Entonces busca un título que refleja, más o menos, el sentido general o “mood” del espectáculo. Por ejemplo, este se llamó ‘’Ectasy and Death” (Extasis y muerte), que incluyó: “La Petite-Mort”, de Jiri Kylián, “Le jeune homme et la mort”, de Roland Petit, y cerraba con ‘’Etudes’’ (montado por Jhonny Eliassen, quien lo bailó mucho tiempo y es el responsable de reponerlo por medio mundo, y prácticamente estuvo dos meses con el ENB). Para el montaje de la pieza de Kylián viajaron dos de los bailarines que lo estrenaron, y para la obra de Petit estuvo Luigi Bonino, encargado de las reposiciones por la Fundación Petit. Y contamos, como bailarín invitado, a Nicholas le Riche, estrella de la Ópera de París.

Después vino el Homenaje a Rudolf Nureyev. Era con el ENB que Nureyev realizaba sus grandes festivales en Londres, y fue en esta compañía donde monto su versión de ‘’Romeo y Julieta’’ de Prokofiev. Desde sus bailarines fundadores, Alicia Markova y Anton Dolin, podemos ver la constelación sucesiva de famosos que han bailado con el ENB, no solamente ingleses, sino de todas partes del mundo.

Por ejemplo, en el presente tenemos a Vadim Montagirov, uno de los bailarines clásicos más asombrosos sobre la escena mundial en los últimos tiempos. Formado en Kiev, ganó el Grand Prix de Lausanne, que le permitió estudiar en la Escuela del Royal Ballet, sin embargo al graduarse decidió integrar las filas del ENB. Hasta ahora bailaba los grandes clásicos solamente, pero lo motivamos para que bailara también la otra dirección: los contemporáneos.

Alban Landorf, proveniente del Danish Ballet, otra de las grandes promesas de la danza planetaria, fue invitedo para bailar ‘’Etudes’’, quien se sentía en su salsa, puesto que lo conoce desde niño como estudiante en la escuela de Copenhague. Es un virtuoso, brillante, y gran artista. (En Rusia, resultó ganador este ano del Premio Benois de la danza, ex aequo con Montagirov, en la categoría hombres).

El cierre de temporada fue el programa Homenaje a Nureyev, montado con ayuda de la principal “ballet mistress” del Ballet de L’ Opéra de Paris, Clotilde Vayer, con la cual trabajé armoniosamente en años precedentes. Este espectáculo incluyó ‘’Petrouchka’’; ‘’El canto del compañero errante” y finalizaba con ‘’Raymonda’’ (primer ballet montado por Nureyev para el Royal Ballet). Vayer repuso con el ENB la versión de Nureyev para el Ballet de la ‘Opera de Paris, que difiere de las anteriores debido a una serie de variaciones agregadas por él mismo.

Hubo tres elencos alternantes para ‘’Petrouchka’’, en el cual debutó el cubano Jonah Acosta (sobrino de Carlos), como El Moro, quien defendía un rol carente de pasos acrobáticos, por lo cual debía demostrar sus dotes histriónicas en su interpretación. Para ‘’El canto…’’ viajaron a Suiza con los bailarines elegidos para la obra, ya que la Fundación Béjart-Lausanne es muy celosa con las reposiciones de los títulos de Béjart para otras compañías: ellos lo revisan todo al detalle, y solicitaron que los acompañara, teniendo en cuenta el periodo largo que trabaje allí con el propio autor.

Con el Royal Ballet de Londres, Alina Cojocaru y Christopher Saunders bailan “Manon”. Foto: Bill Cooper. Archivo.

Cuando el año pasado Tamara Rojo dejó el Royal Ballet de Londres (RB) para convertirse en directora artística y principal del English National Ballet (ENB), se sintió el golpe. Rojo era una de las grandes estrellas de la compañía dirigida por Kevin O’Hare, y una de las favoritas.

Ya en 2010, cuando Nacho Duato anunció su retiro de la Compañía Nacional de Danza, la española nacida en Montreal, Canadá, era una de las candidatas a la dirección de la agrupación española. Pero sin embargo, el destino marcó su permanencia en Inglaterra.

Hace un mes, otra de las estrellas anunció su despedida: la rumana Alina Cojocaru. Su partida también se lleva de las filas del Royal a su compañero de vida y de escena, Johan Kobborg. La pareja de bailarines pasará a formar parte del ENB a partir de la próxima temporada. Una sospecha poco probable hasta ese momento.

Se especulaba que Cojocaru iba a recibir oferta del American Ballet Theatre, o del Hamburg Ballet, dos compañías con las que siempre trabajó como bailarina invitada. Pero sin embargo, optó por quedarse en Inglaterra y aceptar la propuesta de su antigua compañera de escena.

Alina Cojocaru y Johan Kobborg se despidieron del Royal Ballet de Londres el 5 de junio. Foto: Bill Cooper. Archivo.

Cojocaru y Kobborg bailaron su última función con el RB el 5 de junio en la Royal Opera House de Londres. La despedida fue apoteósica, con lluvias de flores, emoción, y en algunos casos, pesar.

Con planes para la nueva temporada, Cojocaru hará su debut con el ENB el 17 de octubre como Medora, la heroína de “El Corsario”, en el Milton Keynes Theater. También bailará obras de Liam Scarlett, Russell Maliphant y Akram Khan.

Tras Cojocaru y Kobborg, se van otras dos bailarinas emblemáticas de la compañía, Mara Galeazzi, que se despidió el 13 de julio, y Leanne Benjamin, en la función del 15. Ambas, con más de 20 años de carrera en el RB, en su mayoría, como bailarinas principales. Benjamin se retira con 49 años, y Galeazzi, con 39.

Con este panorama, el RB tiene ahora como plato fuerte sólo dos de sus grandes estrellas, la argentina Marianela Núñez y Sara Lamb. No obstante, la llegada de la rusa Natalia Osipova será un punto a favor para mantener el nivel y el atractivo de la compañía.

Rojo, por su parte, intenta acercar grandes nombres al ENB, con la intención de insuflarle mayor reconocimiento internacional que permita incrementar las giras y la convocatoria de coreógrafos y diseñadores de renombre.

Por su parte, Cojocaru anunció que su paso al ENB se debía a que se sentía atraída por las oportunidades de repertorio que propone la compañía, la combinación de obras clásicas y la posibilidad de trabajar con coreógrafos que ella realmente admira.

Actualmente Rojo tiene como directora artística asociada a Loipa Araujo, una de las cuatro joyas cubanas y una de las grandes maestras de ballet del siglo XX.