El Teatro Real de Madrid acogió “El lago de los cisnes: la nueva generación”, de Matthew Bourne. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real. 

El Romanticismo consideraba que el cisne era un símbolo del amor ideal y eterno, de la fidelidad por su naturaleza monógama, de la elegancia por su movimiento majestuoso, y de la pureza por su blanco plumaje. Tan altos estándares de perfección cristalizaron en el clásico del ballet con mayúsculas, “El lago de los cisnes”, en cuya cuarta y exitosa versión (1895) confluyeron los genios de Piotr Ilich Tchaikovsky en la composición musical, y del tándem Marius Petipa-Lev Ivanov en la coreografía. La dualidad entre la etérea princesa-cisne, Odette, y su malvada sosias, Odile, fue encarnada magistralmente por Pierina Legnani (1868-1930), famosa por ser capaz de ejecutar los famosos 32 fouettés y primera artista nombrada Prima Ballerina Assoluta de la historia.

Darle una vuelta de tuerca al clásico de los clásicos no es una tarea sencilla, pero, sin embargo, resulta muy tentador para numerosos coreógrafos. En los años 90 del pasado siglo, Matthew Bourne asumió el reto y le dio un enfoque totalmente original: el príncipe pertenece a una familia disfuncional y se enamora de un cisne masculino, muy lejos de la etérea imagen de Odette. En un contexto en el que el movimiento LGTB luchaba contra la epidemia del sida y por una mayor visibilidad del colectivo, no tardaron en propagarse múltiples lecturas homoeróticas del espectáculo creado para la compañía New Adventures, mientras que la radical versión de Bourne conquistó el favor del público y empezó a acumular galardones, como tres Premios Tony (1999), un Premio Lawrence Olivier (1996), un Premio Astaire (1999), Premio de la Crítica de Los Ángeles (1997). Su breve aparición como epílogo de la historia de superación del protagonista del filme “Billy Elliot” (2000), de Stephen Daldry, dieron el espaldarazo internacional a la producción, que periódicamente vuelve a subirse a los escenarios para conmemorar los correspondientes aniversarios.

La gran originalidad de la versión de Matthew Bourne es que los cisnes son un elenco masculino. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Desprovisto de la lectura subversiva que pudo tener en su origen por la osadía de convertir a la bandada de cisnes en un conjunto de ánades masculinos, “El lago de los cisnes: la nueva generación”, interpretado por New Adventures, llegó al Teatro Real de Madrid en su gira conmemorativa por su trigésimo aniversario. Con el aforo completo, las cinco funciones ofrecidas por la compañía británica presentaron por primera vez en España esta transgresora producción, convertida actualmente en un icono de la escena.

¿Por qué el “Swan Lake” (1995) de Matthew Bourne sigue encandilando a diferentes generaciones de espectadores? Mientras muchos programadores del mundo de las artes escénicas se devanan los sesos para ver cómo conseguir atraer al público joven, lo cierto es que esta producción es capaz de seducir a espectadores de todo tipo, y ésa es su gran virtud: Matthew Bourne tocó la tecla adecuada para atraer a público de diversas edades y no específicamente de danza. Con una puesta en escena cercana al musical, la coreografía de Bourne mezcla sin pudor el lenguaje clásico y la danza contemporánea, sin estridencias. No huye de las referencias esenciales del clásico: los pasos a dos del ‘Cisne Blanco’ y ‘Cisne Negro’, el acto blanco en el lago o las danzas de carácter en un cabaret nocturno. En el plano narrativo, pone el foco en el rol del Príncipe (James Lovell), atormentado y subyugado por una dominante madre, la Reina (Carla Contini), quien, tras intentar cumplir con los convencionalismos sociales de tener Novia (Bryony Wood), cae rendido a los brazos del Cisne (Jackson Fisch).

El príncipe atormentado no encuentra consuelo en su opresiva madre, la Reina. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Otra de las licencias narrativas tomada por el libertino Bourne es situar al príncipe en un entorno disfuncional. Retrocediendo a 1995, cuando se estrenó la producción, las hilarantes escenas de humor del comportamiento inadecuado de la Novia en los actos oficiales provocaban la risa en un momento en el que la Familia Real británica acaba de vivir el annus horribilis de la reina Isabel II (separaciones de los príncipes de Gales, los duques de York y la princesa Ana, además de incendio en el castillo de Windsor). Y aunque son referencias lejanas -y probablemente, descontextualizadas para los espectadores jóvenes-, aún consiguen esbozar una sonrisa en el público.

¿Qué sería un “Lago de los cisnes” sin cisnes? Sabido es a priori que parte de la original subversión consistió en sustituir a las delicadas bailarinas-cisne por un varonil elenco de ánades, pero, además, éstos representan sus roles cargados de masculinidad, sin un ápice de amaneramiento o sin caer en la tentación de caricaturizar a los ánades femeninos. En la escena, los viriles cisnes son muy solventes en los diferentes registros interpretativos, tanto en danza como en escenas más teatrales. En el acto II, la bandada de cisnes da muestra de su solidez como conjunto. Como contraste a su cándida imagen del acto blanco, en la última parte los cisnes adoptan un aspecto amenazante que recuerda a “Los pájaros” (1963), de Alfred Hitchcock.

El Teatro Real de Madrid ha demostrado ampliamente su fascinación por el título clásico de “El lago de los cisnes”, interpretado en diversas versiones durante las recientes visitas de grandes compañías internacionales, como el San Francisco Ballet (2024) o The Royal Ballet (2018). Con la visita de New Adventures y el estreno en España del libérrimo “Swan Lake” de Matthew Bourne, el coliseo madrileño apuesta por una versión poco ortodoxa, pero con una dilatada trayectoria que le permite conectar con nuevos públicos. El engranaje que puso en funcionamiento hace tres décadas el visionario artista británico funciona a la perfección: escenografía y vestuario de Lez Brotherston, iluminación de Paule Constable y vídeo de Duncan McLean. La única mácula a las presentaciones en gira es la ausencia de música en directo, ya que la interpretación se realiza sobre la grabación de la Swan Lake Orchestra, dirigida por Brett Morris, de 2004. No obstante, la transgresora versión de Matthew Bourne y la buena factura del trabajo interpretativo de New Adventures, consiguieron epatar al público del Teatro Real de Madrid, que, en la matinée del sábado, obtuvo una ovación de cinco minutos.

El acto III se desarrolla en un cabaret. donde se interpretan el célebre paso a dos del ‘Cisne Negro’. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

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New Adventures presenta “The Infernal Galop”, un retrato de la Francia tradicional creado por Matthew Bourne se presenta en Madrid en Teatros del Canal. Foto: Johan Persson. Gentileza NA.

Danza-teatro, ironía, desenfado, irreverencia, humor. Pero por sobre todo, uno de los coreógrafos favoritos del Reino Unido. Todos esos elementos dejan imaginar un solo nombre: Matthew Bourne. Y esta vez, estará en Madrid, España con el apoyo del British Council y el estreno de “Early Adventures”, una de las obras más esperadas de la temporada en el marco del ciclo Dance Dance Dance UK. La cita será en Teatros del Canal, Sala Roja, del 15 al 18 de marzo y para el 16, está previsto un encuentro con el público después de la función.

En “Early Adventures”, Bourne apuesta por un programa que incluye las obras que lanzaron su carrera, marcada por la innovación, la ruptura de estereotipos, el ingenio y la imaginación. En este espectáculo se presentarán: “The Infernal Galop”, un retrato de la Francia tradicional desde la visión conservadora inglesa; “Watch with Mother”, una evocación particular de los juegos infantiles que vuelve a escena después de 25 años, y “Town and Country”, una evocación del pasado a través de un collage musical de ídolos británicos. El estreno en España forma parte de las celebraciones del trigésimo aniversario de la compañía New Adventures, y cuenta con el apoyo del Arts Council de Inglaterra.

“Watch with Mother”, con coreografía de Matthew Bourne subirá escena por primera vez después de 25 años. Foto: Johan Persson. Gentileza NA.

Bourne, bailarín y coreógrafo londinense muy discutido por romper los esquemas tradicionales del mundo del ballet al reinterpretar los grandes clásicos como “Lago de los cisnes” o “Cascanueces”, comenzó su revolución con un grupo al que llamaron Adventures in Motion Pictures (AMP), formado en 1987 por un grupo de estudiantes del London’s Laban Centre. Bourne se convirtió rápidamente en el líder y coreógrafo de AMP, y transformó las estrategias de la troupe presentando espectáculos de danza contemporánea con grandes dosis de ironía y dramatismo. Su primera producción, “Spitfire” (1988), sobre Pas de quatre de Jules Perrot, es una parodia sobre los roles del ballet romántico, así como “Deadly Serious” es un homenaje al genio del cine de suspenso, Alfred Hitchcock.

En 1993, Opera North le encargó una nueva coreografía de “Cascanueces”, la primera de las grandes producciones de AMP. “Me gusta hacer grandes espectáculos para grandes audiencias”, dijo Bourne en una reciente entrevista en el periódico “Sunday Times”. Cinco veces ganador del premio Olivier y único director británico que ha recibido el premio Tony al mejor coreógrafo y al mejor director de musical, es la primera vez que se presenta en España. Tras Margot Fonteyn Bourne es el segundo ganador del mundo de la danza en recibir el premio Hamburg Shakespeare de las Artes y el primer ganador en la categoría de arte del premio

El diseñador Lez Brotheston (Premio Olivier, Premio del Círculo de la Crítica de Los Ángeles, y Premio Tony, entre otros), es responsable del vestuario y la escenografía de este espectáculo que sintetiza el estilo del coreógrafo.

En 2004 codirigió con Richard Eyre el musical “Mary Poppins” en el West End, mientras que su particular versión de “Lago de los cisnes” forma parte de la icónica película “Billy Elliot”, dirigida por Stephen Daldry. Diez años más tarde Bourne recibió el premio De Valois por sus extraordinarios logros al tiempo que inauguraba el Matthew Bourne Theatre en su antigua escuela de East London. En 2015 se conviertió en la primera personalidad del mundo de la danza en recibir el premio The Stage en los Premios UK Theatre por su extraordinaria contribución al teatro británico. Al año siguiente fue nombrado Caballero por la Reina y recibió el Queen Elizabeth II Coronation Award en reconocimiento a sus servicios a la danza. También en 2016 New Adventures estrenó su último trabajo, “The Red Shoes”, basado en el clásico de Powell y Pressburger con música de Bernard Herrmann.

En “Early Adventures” Matthew Bourne hace una evocación del pasado a través de un collage musical de ídolos británicos en “Town and Country”. Foto: Johan Persson. Gentileza NA.

“La bella durmiente”, de Matthew Bourne, se estrenó por primera vez en 2012 y hace su debut en Washington. Foto: Simon Annand. Gentileza JFKC.

Innovador y revolucionario, Matthew Bourne es uno de los coreógrafos británicos que logró romper con los cánones tradicionales de los grandes clásicos de la dupla Petipa-Tchaikowsky. Después de su debut en el City Center de Nueva York en los últimos días de octubre, Bourne aterriza en el Opera House del Kennedy Center de Washington, DC para presentar siete funciones de su nueva creación: “La bella durmiente”, desde el 12 al 17 de noviembre.

La obra tuvo su estreno mundial en 2012 y se plantea con técnicas ingeniosas y situaciones fuera de libreto. Esta producción que incluye una diversidad de propuestas artísticas, tiene como realizadores a Lez Brotherston (escenografía y vestuario) y Paule Constable (iluminación), y Paul Groothuis, en sonido.

En esta versión de Bourne, la fábula tradicional en la que se debaten el mal y el bien se convierte en una historia sobrenatural en la que la historia de amor de la princesa y el príncipe transcurre a través de distintas décadas.

El cuento de Perrault, diseñado con hadas y maleficios en el que una muchacha, luego de dormir cien años, vuelve a la vida a través de un beso del príncipe, se convirtió en un clásico del ballet en 1890. Bourne toma esa fecha como el comienzo de su propia historia, recompone personajes y acontecimientos y coloca la celebración del bautismo de la princesa Aurora, al final del siglo XIX, en un entorno gótico donde hadas y vampiros se mezclan en decadente opulencia.

De allí, Bourne pasa por la era Eduardiana, y despierta a la princesa en la actualidad. Un tratamiento semejante al que el coreógrafo también planteó en su osada versión de “El lago de los cisnes”, que fue estrenada en el teatro  Wells de Sadler en Londres en 1995, el ballet más largo ejecutado en el West End londinense y en Broadway.

Basado en el romántico ballet ruso, del que toma la música de Tchaikovsky, “El lago…” de Bourne es especialmente conocido por tener las partes de los cisnes bailada por hombres. De la cual, una de las escenas aparece en la película ”Billy Elliot”, interpretada por Adam Cooper.

Bailarín y coreógrafo, discutido por romper todos los esquemas tradicionales, Bourne también realizó la coreografía de “Mary Poppins”, el musical de Broadway reestrenado recientemente, y también tiene su propia versión de “El cascanueces”.

Leah Hocking, como Mrs. Wilkinson, en "Billy Elliot, the Musical". Foto: Kyle Froman. Gentileza KC.

Billy Elliot, el personaje central de esta historia, es hijo de un minero, huérfano de madre que, más allá de las aspiraciones del padre de convertirlo en boxeador y de su destino marcado como minero, descubre su interés y aptitud para la danza clásica. A escondidas de su familia trabaja duro con la maestra del pueblo que lo incentiva para que participe en una audición de la Royal Ballet School. Caos familiar, crisis, frustración y una oportunidad a punto de truncarse.

La obra, que subió a escena en el Kennedy Center de DC el 13 de diciembre y que seguirá en cartel hasta el 15 de enero de 2012, transcurre en 1984, durante una huelga de mineros en el Norte de Inglaterra, entre piquetes de huelga, violencia, hambre, persecuciones y desolación. Un futuro incierto para esos trabajadores que ven peligrar sus fuentes de trabajo durante el gobierno de Margaret Thatcher.

Con música de Elton John, canciones de Lee Hall, coreografía de Peter Darling, y dirección de Stephen Daldry –quien también dirigió el filme de 2000–, este musical ha ganado 10 premios Tony y más de 81 premios nacionales e internacionales. La escenografía es de Ian MacNeil, el vestuario, de Nicky Gillibrand y el diseño de luces es de Rick Fisher.

J.P Viernes, quien protagoniza a Billy Elliot, se formó en el área de la Bahía de California. Foto Facebook.

Billy, que en esta producción es interpretado por cinco adolescentes, en la noche del 21 de diciembre fue J.P. Viernes. Conmovedor, el joven de 15 años, que nació en Half Mon Bay, California, se formó con Shely Pack Dancers y luego bailó dos años con el City Ballet of San Francisco, no sólo mostró sus buenas cualidades como bailarín, sino que además asumió con solidez las partes cantadas y las que requerían un alto compromiso actoral.

Intenso en sus diálogos, Viernes logra dos momentos inolvidables. Uno de ellos, cuando habla con su madre muerta y recibe el mensaje de seguir con sus sueños, y el otro, cuando se anima a decirle a su padre “Te odio”. Viernes, a su vez, es capaz de hacer un grand jeté o una sucesión de pirouettes con la misma naturalidad con la que zapatea pasos de tap. Pocas veces, y especialmente a una edad tan temprana, se puede encontrar un artista completo y con todo el futuro por delante. No por nada recibió el premio CHRP JUBA por su rol en este musical.

“Billy Elliot” es un musical que se hace cargo de una realidad sociopolítica en una Inglaterra de mano dura, en un pueblo cuya única salida laboral son las minas de carbón.

Rich Hebert, en el papel del padre de Billy, adquiere intensidad y presencia como actor y también en sus solos cantados. Una voz potente, con matices y fuerza expresiva. Leah Hocking, como Mrs. Wilkinson, la maestra de danza que descubre el talento de Billy, hace de su personaje una pieza clave en la historia. En medio de las luchas políticas, del drama familiar y de una vida dividida entre los mandatos sociales y los sueños personales, Hocking, endurecida por el entorno, es capaz, desde su coraza inquebrantable, de empujar al niño hacia su propio destino.

La música, la danza, y la actuación alcanzan un equilibrio poco frecuente. Y quizás, los temas en los que participa todo el conjunto sean los más potentes e intensos a nivel vocal. Mientras la escenografía de Ian MacNeil, ideal para una compañía en gira, se basa en módulos que se desplazan y permiten cambiar escenas con una enorme facilidad

Sublime por su significado simbólico, y definitorio desde el punto de vista dramático, el dúo entre Billy adulto y Billy niño es el único momento en donde la danza clásica se instala en la obra marcando el destino de ese niño que sueña con bailar y ni siquiera puede explicar qué es lo que siente cuando la música se apropia de su cuerpo y lo hace libre.

Kylend Hetherington es el protagonista de "Billy Elliot the Musical", que está en el Kennedy Center de DC. Foto: Kyle Froman. Gentileza KC.

En 1984, durante una huelga de mineros en el Norte de Inglaterra, un niño, con condiciones excepcionales para la danza, se animó a enfrentar a su padre, empeñado en convertirlo en boxeador para defender su propia vocación. “Billy Elliot, the Musical”, cuenta esta historia basada en la lucha contra los estereotipos y los prejuicios.

Considerado el “mejor musical de la época”, su argumento se basa en la película que en 2000 arrasó las taquillas de todo el mundo, el musical, que se estrenó en Londres y luego se convirtió en un éxito en Broadway, se estrenó en el Kennedy Center de DC el martes 13 de diciembre y permanecerá en cartel hasta el 15 de enero de 2012.

Con música de Elton John, libreto, canciones de Lee Hall, coreografía de Peter Darling, y dirección de Stephen Daldry, este musical ha ganado 10 premios Tony y cerca de 81 premios nacionales e internacionales. La escenografía es de Ian MacNeil, el vestuario, de Nicky Gillibrand y el diseño de luces es de Rick Fisher.

El protagonista, Billy, un niño de 11 años que vive con su padre su hermano mayor y una abuela que necesita cuidados permanentes descubre un día su interés por el ballet y debe superar sus propios prejuicios y los del barrio. Pero encuentra apoyo en la profesora de danza, quien lo ayuda a ingresar en la escuela del Royal Ballet.

Luego del gran éxito de la película dirigida por Stephen Daldry y protagonizada por Jamie Bell, Melvin Burgess escribió una novela basada en esa trama. “Billy Elliot” es uno de los films más recientes sobre el mundo del ballet, incluido “Black Swan”, (2010), y tiene como antecedentes “The Turning Point” (1977), de Herbert Ross con Mikhail Baryshnikov, y también con el mismo bailarín, “White Nights”, de Taylor Hackford.

Información: www.BillyElliotTour.com.