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El conjuro de dos notables

mgueler — Wed, 18 Feb 2026 14:11:13 +0000

En “Siempre vuelvo” la coreógrafa Rosario Cárdenas explora los códigos estéticos de la artista plástica Belkis Ayón. Foto: Sonia Almaguer. Gentileza CRC.

La coreógrafa Rosario Cárdenas (Premio nacional de danza) esta vez se implica y se adentra, desde su narrativa, en los códigos estéticos de una malograda joven creadora de las artes visuales, Belkis Ayón, cuya corta vida sembró misterio y desconcierto. Al decir de la laureada poetisa cubana Nancy Morejón, “hasta hoy, nos deja con la boca abierta y la respiración cortada”. A partir de la experiencia (y la intensa investigación de campo de la también autora de la puesta en escena), Cárdenas aplica acertadamente sus recursos intelectuales y las herramientas de su llamada tesis “danza combinatoria” en los cuerpos danzante de sus 14 bailarines. De esta manera consigue la solución al desafío de “perpetuar los arcos de belleza y rebeldía que habitan en las obras de Belkis”.

La coreógrafa logra entregarnos un deslumbrante espectáculo nada descriptivo de lo pictórico, sino una apropiación de los signos fundamentales en la obra plástica de esta mujer negra criolla en la plenitud de su etapa creativa. Su arte, retador y patético, desafía los cánones ancestrales regidores de lo onírico en los rituales afrocubanos vigentes en el “hic et nunc” de la Mayor de las Antillas. Ayón plasma una intención subyacente de activismo racial: lo femenino ante la masculinidad dominante, doquiera fuera su “origen de clase o condición racial”.

En su obra pictórica Belkis Ayón plasma cierto activismo racial y de género. Foto: Argel González. Gentileza CRC.

Cárdenas tuvo el buen tino de rodearse de un equipo de producción de lujo, con colaboradores de excelencia tanto en lo académico como en la tecno-escena: luces, maping, escenografía o vestuario (con audaces estilismos). Sin embargo, el soporte musical en vivo ejecutado por uno de los más calificados MC o DJ, Iván Lejardi, en ciertos momentos asumió un inusitado protagonismo con el apoyo eficaz del eminente compositor Juan Piñera. El ritmo sincopado domina la escena para subrayar la cadencia natural de los isleños: “con los componentes africanos de nuestra identidad”, según se consigna en las notas al programa de mano.

Rosario Cárdenas afirmó -en previos encuentros con la prensa-, que no pretendía trasladar en movimientos coreográficos las imágenes de los grabados o colografías de Ayón, sino una interpretación muy personal de la creación ético-artística de sus objetivos visuales. Por consiguiente, “Siempre Vuelvo” es de una abundante e intrigante complejidad ideo-estética, que para los especialistas del tema ha sido un reto expresar una valoración acuciosa a partir de una sola presentación en la gran sala del Teatro Nacional de Cuba.

La espectacularidad deslumbrante de la secuencia final, con la aparición impactante del gigantesco pez como representación de Sikán -fundamento esencial de la Sociedad Secreta Abakuá solo para hombres-, manipulado por los bailarines en un diseño coreográfico inmersivo. Una razón lógica para provocar la sonora respuesta aprobatoria del auditorio en pie.

“Siempre vuelvo” reúne un equipo de producción de lujo, tanto en lo académico como en la tecno-escena. Foto: Sonia Almaguer. Gentileza CRC.

Un imprescindible de la danza

mgueler — Sun, 08 Feb 2026 22:12:59 +0000

Alvin Ailey American Dance Theater en “Revelations” en el Warner Theatre. Foto: Danica Paulos. Gentileza AAADT.

El Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT) lanzó en Washington DC su gira 2026, que marca el comienzo de un recorrido por 20 ciudades de los Estados Unidos. Esta vez, la compañía fundada por el inolvidable Alvin Ailey inaugura una nueva era bajo la dirección artística de Alicia Graf Mack, reconocida bailarina y educadora, marcada por el legado de Ailey y originaria del área de Washington, D.C.

Desde el 30 de enero al 8 de febrero, las funciones promovidas por Live Nation se realizaron en el histórico Warner Theatre, reconocido desde hace más de un siglo como un emblema del espectáculo en la ciudad. Con un repertorio variado que incluyó clásicos del repertorio de Ailey tales como “Cry” o la emblemática “Revelations”, la compañía mostró, como lo viene haciendo todos los años, que el espíritu de Ailey está vivo en el alma de sus bailarines.

Esta temporada, concebida como un “legado en movimiento”, muestra nuevamente a los magníficos bailarines de AAADT y su innegable maestría artística y técnica. Cuatro estrenos mundiales: “Embrace”, de Fredrick Earl Mosley, “Difference Between”, de Matthew Neenan, “Song of the Anchorite”, de Jamar Roberts y “The Holy Blues” de Jawole Willa Jo Zollar en colaboración con Samantha Figgins y Chalvar Monteiro fueron parte de esta propuesta que culminó el 6 y el 8 de febrero con un especial de Ailey que incluyó fragmentos de obras memorables como “Night Creature”, “A Song for You”, “Pas De Duke”, “Hidden Rites” y “Cry”.

Jacquelin Harris y su magnífica energía en la interpretación de un clásico del repertorio de Alvin Ailey. Foto: Glyn Stanley. Gentileza AAADT.

El viernes 6, a pesar de la nieve y de las temperaturas que llegaron a 15 bajo cero, el público esperó calmo en una larga fila en la calle hasta el momento de entrar. La primera obra, que no hizo más que confirmar que Ailey es un indiscutible de la danza contemporánea internacional, fue “Night Creature” (Movimientos 2 y 3). El ballet se estrenó por primera vez en un especial de televisión en 1974, “Ailey Celebrates Ellington”, y dos años más tarde subió al escenario del Lincoln Center de Nueva York. Un homenaje al jazz y a Duke Ellington.
La reposición de Masazumi Chaya, con diseños de vestuario de Jane Greenwood recreados por Barbara Forbes, permitió recuperar en escena el espíritu de la danza de Ailey. La sutil iluminación de Chenault Spence hizo que esta pieza adquiera una magia especial. Movimientos ondulantes, felinos, acompasados, y bailarines estupendos hacen que esta obra se convierta en un todo de una enorme belleza estética.

Al despliegue extravagante y llamativo de “Night Creature” se sumó un fragmento de “Love Songs”, “A Song for You” (1972). La obra, constituida por tres partes en las que el virtuosismo técnico y dramático pone sobre la escena la calidad y solvencia de los bailarines de la compañía. Este solo lírico es una puerta hacia la emoción y la esperanza. Bello y profundo.

Luego, otro fragmento de uno de los clásicos pas de deux de Ailey, “Pas de Duke”. Creado originalmente en 1976 para Judith Jamison y Mikhail Baryshnikov, es una obra de un enorme virtuosismo y, al mismo tiempo, un intercambio de destrezas técnicas que requiere de un trabajo profundo de interpretación. Es una pieza especial, que se recrea con cada nuevo intérprete y a su vez permite descubrir el alma de cada bailarín que transita por ella. Ashley Kaylynn Green y Patrick Coker hicieron una estupenda interpretación de esta joya de la danza.

Alvin Ailey se refirió a “Hidden Rites”, otro de los fragmentos que interpretó la compañía, como una forma de acercamiento a los rituales ancestrales de seducción. Creada en 1973, fue uno de los ballets más experimentales de su carrera. Una fusión de jazz, danza moderna, neoclásico y tradiciones, Ailey construyó una obra compuesta por grupos, solos y dúos para un elenco de 19 bailarines que celebraba a los hombres, a las mujeres, al amor y a la muerte. El dúo integrado por Corrin Rachelle Mitchell y James Gilmer logró encontrar el lenguaje justo para una obra de esta naturaleza.

En 1971, Alvin Ailey creó “Cry” como regalo de cumpleaños para su madre. Con el tiempo, se convirtió en una obra icónica de la danza estadounidense. Este solo de 16 minutos, interpretado por primera vez por Judith Jamison, está dedicado a “todas las mujeres negras del mundo —especialmente a nuestras madres—”, según expresó Ailey.

“A Song for You” (1972), obra que pertenece a la tríada de “Love Songs”. Foto: Paul Kolnik. Gentileza AAADT.

Con música popular y góspel de Alice Coltrane, Laura Nyro y Chuck Griffin, la obra se divide en tres partes que van marcando el periplo de una mujer a través de la agonía constante de la esclavitud hasta alcanzar su estado de gracia. Una obra con gran exigencia física y dramática que se convierte en algo así como la cima de toda bailarina. En el Warner Theater, la elegida fue Jacquelin Harris, cuya energía y solvencia técnica dejan sin aliento. Conmovedora y vibrante interpretación que hizo levantar de sus butacas a la platea.

Y para el final, la favorita del repertorio. La infaltable “Revelations” (1960). Un clásico necesario de la danza contemporánea. Una obra maestra de la narrativa coreográfica. Ailey la concibió cuando apenas tenía 29 años, “Revelations” es un tránsito hacia las emociones más profundas plasmadas en un lenguaje que funde la danza y el teatro a través de “negro spirituals” y una combinación perfecta de colores, vestuarios y escenografías.

La obra de Ailey trasciende tiempos y fronteras y, sin duda, abre el alma, la esperanza y las emociones propias del ser humano. Una síntesis de belleza, reflexión social y exploración de los límites del cuerpo y las emociones.

De transgresión a icono

mgueler — Fri, 28 Nov 2025 19:38:49 +0000

: El Teatro Real de Madrid acogió “El lago de los cisnes: la nueva generación”, de Matthew Bourne. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

El Romanticismo consideraba que el cisne era un símbolo del amor ideal y eterno, de la fidelidad por su naturaleza monógama, de la elegancia por su movimiento majestuoso, y de la pureza por su blanco plumaje. Tan altos estándares de perfección cristalizaron en el clásico del ballet con mayúsculas, “El lago de los cisnes”, en cuya cuarta y exitosa versión (1895) confluyeron los genios de Piotr Ilich Tchaikovsky en la composición musical, y del tándem Marius Petipa-Lev Ivanov en la coreografía. La dualidad entre la etérea princesa-cisne, Odette, y su malvada sosias, Odile, fue encarnada magistralmente por Pierina Legnani (1868-1930), famosa por ser capaz de ejecutar los famosos 32 fouettés y primera artista nombrada Prima Ballerina Assoluta de la historia.

Darle una vuelta de tuerca al clásico de los clásicos no es una tarea sencilla, pero, sin embargo, resulta muy tentador para numerosos coreógrafos. En los años 90 del pasado siglo, Matthew Bourne asumió el reto y le dio un enfoque totalmente original: el príncipe pertenece a una familia disfuncional y se enamora de un cisne masculino, muy lejos de la etérea imagen de Odette. En un contexto en el que el movimiento LGTB luchaba contra la epidemia del sida y por una mayor visibilidad del colectivo, no tardaron en propagarse múltiples lecturas homoeróticas del espectáculo creado para la compañía New Adventures, mientras que la radical versión de Bourne conquistó el favor del público y empezó a acumular galardones, como tres Premios Tony (1999), un Premio Lawrence Olivier (1996), un Premio Astaire (1999), Premio de la Crítica de Los Ángeles (1997). Su breve aparición como epílogo de la historia de superación del protagonista del filme “Billy Elliot” (2000), de Stephen Daldry, dieron el espaldarazo internacional a la producción, que periódicamente vuelve a subirse a los escenarios para conmemorar los correspondientes aniversarios.

La gran originalidad de la versión de Matthew Bourne es que los cisnes son un elenco masculino. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Desprovisto de la lectura subversiva que pudo tener en su origen por la osadía de convertir a la bandada de cisnes en un conjunto de ánades masculinos, “El lago de los cisnes: la nueva generación”, interpretado por New Adventures, llegó al Teatro Real de Madrid en su gira conmemorativa por su trigésimo aniversario. Con el aforo completo, las cinco funciones ofrecidas por la compañía británica presentaron por primera vez en España esta transgresora producción, convertida actualmente en un icono de la escena.

¿Por qué el “Swan Lake” (1995) de Matthew Bourne sigue encandilando a diferentes generaciones de espectadores? Mientras muchos programadores del mundo de las artes escénicas se devanan los sesos para ver cómo conseguir atraer al público joven, lo cierto es que esta producción es capaz de seducir a espectadores de todo tipo, y ésa es su gran virtud: Matthew Bourne tocó la tecla adecuada para atraer a público de diversas edades y no específicamente de danza. Con una puesta en escena cercana al musical, la coreografía de Bourne mezcla sin pudor el lenguaje clásico y la danza contemporánea, sin estridencias. No huye de las referencias esenciales del clásico: los pasos a dos del ‘Cisne Blanco’ y ‘Cisne Negro’, el acto blanco en el lago o las danzas de carácter en un cabaret nocturno. En el plano narrativo, pone el foco en el rol del Príncipe (James Lovell), atormentado y subyugado por una dominante madre, la Reina (Carla Contini), quien, tras intentar cumplir con los convencionalismos sociales de tener Novia (Bryony Wood), cae rendido a los brazos del Cisne (Jackson Fisch).

El príncipe atormentado no encuentra consuelo en su opresiva madre, la Reina. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Otra de las licencias narrativas tomada por el libertino Bourne es situar al príncipe en un entorno disfuncional. Retrocediendo a 1995, cuando se estrenó la producción, las hilarantes escenas de humor del comportamiento inadecuado de la Novia en los actos oficiales provocaban la risa en un momento en el que la Familia Real británica acaba de vivir el annus horribilis de la reina Isabel II (separaciones de los príncipes de Gales, los duques de York y la princesa Ana, además de incendio en el castillo de Windsor). Y aunque son referencias lejanas -y probablemente, descontextualizadas para los espectadores jóvenes-, aún consiguen esbozar una sonrisa en el público.

¿Qué sería un “Lago de los cisnes” sin cisnes? Sabido es a priori que parte de la original subversión consistió en sustituir a las delicadas bailarinas-cisne por un varonil elenco de ánades, pero, además, éstos representan sus roles cargados de masculinidad, sin un ápice de amaneramiento o sin caer en la tentación de caricaturizar a los ánades femeninos. En la escena, los viriles cisnes son muy solventes en los diferentes registros interpretativos, tanto en danza como en escenas más teatrales. En el acto II, la bandada de cisnes da muestra de su solidez como conjunto. Como contraste a su cándida imagen del acto blanco, en la última parte los cisnes adoptan un aspecto amenazante que recuerda a “Los pájaros” (1963), de Alfred Hitchcock.

El Teatro Real de Madrid ha demostrado ampliamente su fascinación por el título clásico de “El lago de los cisnes”, interpretado en diversas versiones durante las recientes visitas de grandes compañías internacionales, como el San Francisco Ballet (2024) o The Royal Ballet (2018). Con la visita de New Adventures y el estreno en España del libérrimo “Swan Lake” de Matthew Bourne, el coliseo madrileño apuesta por una versión poco ortodoxa, pero con una dilatada trayectoria que le permite conectar con nuevos públicos. El engranaje que puso en funcionamiento hace tres décadas el visionario artista británico funciona a la perfección: escenografía y vestuario de Lez Brotherston, iluminación de Paule Constable y vídeo de Duncan McLean. La única mácula a las presentaciones en gira es la ausencia de música en directo, ya que la interpretación se realiza sobre la grabación de la Swan Lake Orchestra, dirigida por Brett Morris, de 2004. No obstante, la transgresora versión de Matthew Bourne y la buena factura del trabajo interpretativo de New Adventures, consiguieron epatar al público del Teatro Real de Madrid, que, en la matinée del sábado, obtuvo una ovación de cinco minutos.

El acto III se desarrolla en un cabaret. donde se interpretan el célebre paso a dos del ‘Cisne Negro’. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Con alma y cuerpo

mgueler — Sat, 01 Nov 2025 13:25:02 +0000

“Mayday”, de Trey McIntyre, abrió el programa presentado por BODYTRAFFIC en el Eisenhower Theater del Kenndy Center. Foto: Kevin Parry. Gentileza JFKC.

El debut de BODYTRAFFIC con “This Reminds Me of You” la posiciona como una de las compañías de danza contemporánea más versátiles de la última década. La cita fue en Esenhower Theater del Kennedy Center entre en el Kennedy Center entre el 29 y el 30 de octubre. Bajo la dirección artística de Tina Finkelman Berkett -quien fundó la compañía en 2007-, el programa se propone explorar la memoria y sus detonantes, y también, las emociones. Tres coreógrafos: Trey McIntyre, Matthew Neenan y Juel D. Lane, y tres propuestas diversas que inducen a reflexionar y a sentir.

“Mayday”, de Trey McIntyre, fue la primera obra del programa. Con música de Buddy Holly la pieza examina la fragilidad de la vida y el impulso de seguir a pesar de la certeza de la finitud. Entre el humor y la melancolía, McIntyre construye un universo donde los bailarines ejecutan una coreografía precisa y vibrante, marcada por percusiones corporales y desplazamientos enérgicos que captan la energía del rock and roll. El pequeño avión rojo que pasa de mano en mano introduce un símbolo de mortalidad que contrasta con la ligereza del movimiento. El resultado es una realización vital, dinámica y ocurrente.

“I Forgot the Start”, de Matthew Neenan, propone una reflexión diferente sobre el ciclo vital. A partir de una partitura que combina música de Sufjan Stevens, Sinéad O’Connor, Heather Christian & The Arbonauts, Ozzie Kotani & Daniel Ho y Broken Social Scene, Neenan dibuja un paisaje emocional suspendido en la naturaleza, en la esperanza de un revivir constante. Sobre proyecciones, bellas y bucólicas, los bailarines se integran y desintegran con sus cuerpos para mostrar lo que nace y lo que muere, al igual que esas flores y arbustos que se mueven detrás de ellos. La coreografía, más contenida y de gran refinamiento plástico, se despliega en un espacio de penumbra donde los bailarines parecen flotar como si reprodujeran los ciclos de la vida. Un vestuario sugerente de Márion Talán De La Rosa, y una interpretación que capta la profundidad del mensaje, confluyen en un resultado impecable.

La obra de Matthew Neena, “I Forgot the Start”, se estrenó en 2024 en el Annenberg Center de la Universidad de Pensilvania. Foto: Guzman Rosado. Gentileza JFKC.

El programa cerró con “Incense Burning on a Saturday Morning: The Maestro”, de Juel D. Lane, un tributo visual y emocional al pintor Ernie Barnes. La pieza combina danza, proyección y voz en off, con sorprendente y conmovedora originalidad. A través de una pantalla translúcida, el intérprete principal, Chandler Davidson, en una actuación intensa y contenida, encarna al artista. Sus movimientos “pintan” trazos de color que se proyectan como si su pintura fuera construyéndose delante del público. Las figuras que aparecen, inspiradas en la célebre obra “Sugar Shack”, cobran vida en el escenario hasta fundirse con la imagen del propio Barnes.

Lane transforma el proceso creativo en una puesta en escena casi teatral. La danza pinta y la pintura danza. La fusión entre el ritmo afro-cubano de la música de Munir Zakee, el diseño lumínico y la precisión gestual de los intérpretes da como resultado un cierre de una potencia visual extraordinaria.

“This Reminds Me of You” es un programa que respira. Las tres piezas dialogan en torno a un mismo eje: la memoria y los ciclos vitales. A su vez, esta propuesta intenta trascender los límites y expandirse más allá de la danza en sí misma.

BODYTRAFFIC trajo en su debut en el Kennedy Center un toque diáfano de originalidad con el que demuestra su capacidad para habitar planos diferentes. El teatro, la danza, la música, la plástica se funden en un lenguaje casi abstracto que dispara directo hacia el espectador. Y con ello, un dominio técnico impecable y una presencia escénica que combina frescura, rigor y emoción genuina que toca las fibras más profundas y obliga a pensar con el alma.

Un clásico para celebrar 70 años

mgueler — Sun, 26 Oct 2025 11:51:36 +0000

En su aniversario, la Washington National Opera presenta una reposición de 2017 de “Aida” de Giuseppe Verdi en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC. Foto: Scott Schuman. Gentileza JFKC.

La “Aida” con la que la Washington National Opera (WNO) celebra su 70.º aniversario combina la solidez de un clásico con la energía de una creación moderna que deja translucir la universalidad de la trama. Dirigida por Francesca Zambello y con Kwamé Ryan al frente de la orquesta, esta producción diseñada por RETNA transita por jeroglíficos plasmados como grafitis, muros, paneles que suben y bajan, y telas que adquieren formas, dimensiones y colores. Cada uno de estos elementos envuelven el espacio y lo enaltecen.

Desde el 25 de octubre al 2 de noviembre esta ópera indiscutible en la historia del género sube a la escena del Opera House del Kennedy Center de Washington DC con vigor y solvencia. Emblemática ópera trágica en cuatro actos de Giuseppe Verdi, con libreto en italiano de Antonio Ghislanzoni, ambientada en el antiguo Egipto, que se estrenó en El Cairo en 1871. El libreto centra la historia en un triángulo amoroso. Aida, una princesa etíope capturada y llevada a Egipto como esclava. Radamés, un militar que se debate entre su amor por ella y su lealtad al Faraón, y Amneris, la hija del Faraón, que se enfrenta a Aida para disputar el amor de Radamés.

Pero más allá de ese triángulo, la ópera plantea dicotomías que transitan por cuestiones éticas y morales universales en medio de una guerra en la que opresores y oprimidos sufren las consecuencias. El deber contra el deseo. La lealtad contra el amor, y una lucha de sentimientos encontrados que convierten al escenario en una suerte de campo de batalla donde todo se pone en juego.

Esta interesante reposición de “Aida”, data de 2017, y es una coproducción entre la WNO, la Ópera de San Francisco, la Ópera de Seattle y la Ópera de Minnesota. En este estreno, la soprano Jennifer Rowley (Aida) debutó por primera vez para la WNO en la noche de apertura. Una voz con un marcado lirismo que logró una conmovedora interpretación en el acto IV, cuando debe optar entre la lealtad a su padre y a su pueblo y su amor por Radamés. Su rival, Raehann Bryce-Davis, encarna a Amneris con temperamento, presencia escénica y una fuerza que deslumbra especialmente en el acto IV. Adam Smith, como el guerrero Radamés, con una voz potente, conforma esta trama que, aún hoy, conmueve y genera interrogantes.

Los solistas Jennelle Figgins y Dwayne Brown junto al cuerpo de baile de “Aida”, dirigida por Francesca Zambello. Foto: Scott Schuman. Gentileza JFKC.

En medio de esta trama, los pasajes de danza, con coreografía de Jessica Lang, aportan un toque de modernidad interesante, no solo por el vestuario, sino también por una propuesta netamente contemporánea. De esta manera consolida un estilo que comenzó a desarrollarse en el siglo XVII, cuando el ballet se integró gradualmente en las representaciones operísticas, para luego afirmarse en el siglo XIX. En “Aida”, el ballet toma protagonismo en el Acto II, ambientado en el templo de Ptah, creando un tono de misterio y opulencia.

La danza es una parte fundamental de esta puesta en escena y asume un rol importante en la parte ceremonial de la ópera. Lang creó su propuesta desde una visión amplia en la que los guerreros reemplazan a las sacerdotisas. Su coreografía otorga movimiento, respiración, textura y pulso visual del espectáculo. La solista Jennelle Figgins, magnífica en sus solos, logra crear junto al cuerpo de baile y al solista Dwayne Brown, interesantes climas y transiciones. El grupo de niños descolla con sus saltos y piruetas, y pone un toque de ternura a este drama.

Ryan dirige la orquesta con sutileza y mantiene con solvencia la tensión entre la exuberancia coral y la intimidad de los solistas. El coro y la orquesta responden con precisión y una energía especial. Los metales suenan con vigor y las cuerdas se sumergen en la melancolía de los amantes atrapados.

El diseño de RETNA, junto con la escenografía de Michael Yeargan y los vestuarios de Anita Yavich, logran un delicado equilibrio entre lo arcaico y lo moderno: un Egipto simbólico, donde la guerra y el amor se pintan con el mismo pincel. La puesta en escena y sus simbolismos marcan una explosión de colores.

Esta puesta de “Aida” por la WNO es una desafiante puesta que reúne una potencia visual deslumbrante, una realización y conducción musical impecable y esa búsqueda de los conflictos y sentimientos que deja vibrando el corazón del espectador.

La coreografía de Jessica Lang aporta una propuesta que se afirma en la danza contemporánea. Foto: Scott Schuman. Gentileza JFKC.

Amores y desamores pasados por agua

mgueler — Thu, 11 Sep 2025 12:53:44 +0000

Hugo Layer y Allegra Vianello en “La Chambre d’Amour”. Foto: Olivier Houeix

Cuenta la leyenda que la hija de un pastor adinerado llamada Saubade y Laorens, un joven pescador huérfano, se enamoraron profundamente con la férrea oposición de la familia de la protagonista de la historia. En la costa vascofrancesa, una gruta entre las playas de Anglet y el faro de Biarritz era el escenario para los encuentros de los jóvenes amantes. Un buen día, una tormenta hizo elevarse a gran velocidad el nivel del Golfo de Vizcaya y las olas arrastraron a los enamorados, quienes murieron ahogados. La historia de Saubade y Laorens se popularizó gracias a la obra “L’Hermite en Province” (1817) de Étienne de Jouy, quedando la cueva como un símbolo del amor, de donde toma el nombre de La Chambre d’Amour.

En el año 2000, esta leyenda sirvió de fuente de inspiración a Thierry Malandain para crear un ballet de temática vasca, un par de años después de haber sido nombrado director del recién creado Centro Coreográfico Nacional-Ballet Biarritz. Pensado como una gran carta de presentación ante su nuevo público, la ambición del proyecto incluyó la composición original del músico vascofrancés Peio Çabalette. Todo aquel despliegue en un momento en el que el Ballet Biarritz aspiraba a tener una presencia estable en el País Vasco se tradujo en un apoyo institucional de gran calado a ambos lados de la frontera natural del Bidasoa. En aquel momento, la apuesta no obtuvo el resultado esperado y “La Chambre d’Amour” sólo ofreció nueve funciones, lo que le empujó a Malandain a buscar títulos más comerciales.

Irma Hoffrén y Raphaël Canet como Dido y Eneas. Foto: Stéphane Bellocq.

Curiosamente, el próximo relevo de Thierry Malandain en la dirección del Ballet Biarritz ha vuelto a poner de actualidad esta obra creada con tanto ímpetu, ilusión y apoyo hace un cuarto de siglo. El coreógrafo normando ha decidido recuperar “La Chambre d’Amour” para su adiós de la compañía biarrota. Concebido originariamente como un ballet para 14 bailarines, parte del reto actual de Malandain ha consistido en adaptar su coreografía original para 22 intérpretes. Aparte del acomodo numérico, lo más interesante de revisitar una obra antigua como ésta reside en el hecho de que permite visualizar con nitidez la evolución de Thierry Malandain como coreógrafo: mientras que en el año 2000 aún estaba inmerso en una fase de definición de su estilo y por ello, en la pieza conviven con total naturalidad en la escritura coreográfica frases neoclásicas con otras más contemporáneas, posteriormente, se ha caracterizado por el estilo neoclásico y ha hecho bandera de ello.

A nivel temático, el argumento de la obra hilvana seis historias de amores -y desamores- mitológicos o literarios con desenlace trágico, en la misma línea que la leyenda de Saubade y Laorens. La Biblia (Adán y Eva; Caín y Abel), las obras de Shakespeare (Otelo y Desdémona; Romeo y Julieta), “La Eneida” de Virgilio (Dido y Eneas) o la mitología clásica (Orfeo y Eurídice) proporcionan las parejas de personajes para escenificar el pecado original, el primer fratricidio de la historia, los celos, el amor trágico, la traición y la duda. A ellos añade un capítulo adicional con aire vasco protagonizado por los seres mitológicos Ura y Ederra. Viéndolo con la perspectiva que da el paso del tiempo, “La Chambre d’Amour” avanza algunas líneas temáticas que fueron posteriormente desarrolladas en sucesivas obras de Malandain como “Creation” / “Les Créatures” (2003) -espectáculo que se estrenó con el primer título y luego fue rebautizado con el segundo- y “Lucifer” (2011), producciones en las que incide en los episodios de Adán y Eva y en el fratricidio de Caín sobre Abel, y “Romeo y Julieta” (2010).

Claire Lonchampt y Michaël Conte como Desdémona y Otelo. Foto: Olivier Houeix.

En el plano de la interpretación, la comparación de las versiones de 2000 y de 2025 también deja conclusiones diferentes. Probablemente más vitales, imprecisos y con un cierto aire de ingenuidad -aunque el tiempo difumina el contorno de sus actuaciones-, gracias al trabajo de los catorce miembros del Ballet Biarritz de principios del siglo XXI se pusieron los cimientos para la actual compañía profesional. El momento ilusionante de poner en pie una compañía poco tiene que ver con la estabilidad de los componentes del ahora denominado Malandain Ballet Biarritz y esto hace que el calado de sus interpretaciones sea diferente. Con mucha inteligencia, Thierry Malandain ha sabido distribuir los roles de los siete cuadros escénicos para destacar las cualidades de sus bailarines actuales, una plantilla que aúna juventud con experiencia, ejerciendo de pareja fetiche en esta producción los veteranos Hugo Layer y Allegra Vianello en la piel de las duplas de Adán y Eva-Ura y Ederra. Aunque los dúos están depurados, donde mejor mano demuestra el coreógrafo es en los movimientos corales, lo que también se ha convertido en una de las señas de identidad de su trabajo.

Esta producción ha sido la única que ha contado con música original a lo largo de la dilatada carrera creativa de Malandain. La partitura de Peio Çabalette combina los sonidos de la abrupta naturaleza del Cantábrico con su lluvia ligera o sirimiri y su embravecido mar con otros más metálicos, resultando, en ocasiones, no muy confortable para el oído del espectador. La escenografía de Jorge Gallardo mantiene la postal cantábrica aderezada con algunas piedras lunares en tonos plateados y la nueva iluminación de François Menou potencia la paleta de los grises y sepias, para evocar tiempos de antaño.

Thierry Malandain podía haber escogido para despedirse su programa más exitoso, “Homenaje a los Ballets Rusos” (2001), compuesto por sus lecturas sobre las piezas “Pulcinella”, “L’Après-midi d’un faune”, “La mort du cygne” y “Bolero”, o su obra más personal construida con los retazos de sus recuerdos infantiles, “Magifique” (2009), pero ha optado por lo que a priori fue un traspié con escaso número de funciones, “La Chambre d’Amour” (2000). Las razones de esa elección son todo un misterio que sólo se pueden llegar a intuir: desde un deseo de resarcirse del tropezón hasta el sentimiento nostálgico de cerrar un círculo que le transporta a un tiempo de juventud. En cualquier caso, convertido en toda una institución para la localidad vascofrancesa de Biarritz, Thierry Malandain afronta su última temporada al frente del Ballet Biarritz y el prólogo de su adiós materializado en la nueva versión de “La Chambre d’Amour” consiguió una cálida ovación de más de cinco minutos en la Gare du Midi durante la inauguración de la trigésima quinta edición del festival Le Temps d’Aimer la Danse.

El Malandain Ballet Biarritz inauguró la 35ª edición del Festival Le Temps d’Aimer la Danse. Foto: Olivier Houeix.

Explosión de emociones y encanto

mgueler — Tue, 05 Aug 2025 12:57:32 +0000

Marianela Núñez y cuerpo de baile del Ballet Estable del Teatro Colón en el segundo acto de “Don Quijote”. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza TC.

El 31 de julio la sala del Teatro Colón volvió a vibrar con una de esas funciones que quedan grabadas en la memoria. Un clásico indiscutible: “Don Quijote”. Dos intérpretes excepcionales: la argentina Marianela Núñez, primera bailarina del Royal Ballet de Londres, y el cubano Patricio Revé, primer bailarín del Queensland Ballet de Australia. Y un cuerpo de baile motivado y dispuesto a darlo todo. Con todos esos elementos, esta versión de Silvia Bazilis y Raúl Candal se convirtió en una función memorable.

En esta temporada, “Don Quijote”, concebido en tres actos y con proyecciones narrativas sobre el desarrollo de la trama, se estrenó en el Teatro Colón el 24 de julio con Ayelén Sánchez y Juan Pablo Ledo en los protagónicos, y diferentes elencos en otras funciones. Sin embargo, el “Don Quijote” de Núñez-Revé adquirió una temperatura diferente. La sala, con localidades agotadas, estalló en ovaciones casi ensordecedoras de principio a fin. La sola aparición en escena de Núñez disparó vítores y aplausos, emociones y suspiros, que solo confirmaron una suerte de fervorosa devoción pocas veces vista en el ballet.

Núñez, con su carisma habitual, y una solvencia adquirida a lo largo de su carrera, volvió a demostrar por qué es una de las grandes intérpretes de su generación. Su Kitri no solo brilla por su destreza técnica —que se mantiene cada vez más refinada— sino por esa capacidad que solo tienen los grandes artistas para transmitir emoción y sensaciones diversas. Más allá de su frescura, que se transmite en cada gesto, y de su intensa comunicación con su partenaire y con la compañía, Núñez tiene absolutamente internalizado su personaje. Lo demostró infinitas veces y en diferentes versiones.

Los protagonistas, Marianela Núñez y Patricio Revé, en el tercer acto de “Don Quijote”. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza TC.

Con equilibrios largos y sólidos, impecable precisión en cada paso, un magnífico port de bras y maravillosos saltos, Núñez transita por la comicidad, por el guiño al público, por la ternura y por la pasión. Nada le falta a su Kitri para enamorar a Basilio. Tampoco para convertirse en la Dulcinea de los sueños de Don Quijote. Y nada le falta para despertar la pasión de un público devoto y fiel.

A su lado, Patricio Revé fue un Basilio encantador, con sólidos saltos, magníficos giros, técnica impecable y precisa. Pero, además, seducción, encanto y excelencia como partenaire. Ambos logran una conexión profunda, tanto, que parece que han bailado juntos desde siempre. El pas de deux del segundo acto fue conmovedor. Y al llegar al tercero, hicieron un despliegue asombroso de técnica, virtuosismo y bravura.

El Ballet Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Julio Bocca, se mimetizó con la energía de estos intérpretes y creció en calidad y entusiasmo. Un cuerpo de baile preciso y vital. Solistas que cuidaron al máximo cada una de sus variaciones. Un cupido encantador de Yoshino Horita, puso un toque fresco y cristalino al sueño de Don Quijote.

Pero sin duda, fueron los protagonistas Núñez y Revé los que convirtieron a este “Don Quijote” en una función para recordar y guardar en el corazón.

Crítica función de “Don Quijote”- 25 de julio.

Saludo final, Marianela Núñez y Patricio Revé. Una ovación con el público de pie en una sala desbordada. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza TC.

Fiesta por partida doble

mgueler — Mon, 28 Jul 2025 15:15:19 +0000

El Ballet Estable del Teatro Colón presenta “Don Quijote”, uno de los clásicos del repertorio académico. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza TC.

Un ballet que marca un hito en la carrera de cualquier bailarín. Una prueba de bravura, técnica y destreza que se funde con la historia de amor entre Kitri, la hija del tabernero, y Basilio, un joven barbero con poco porvenir. Y en el medio, Don Quijote, un personaje entrañable de la literatura universal. Todo esto confluye para una celebración de la historia y de la tradición de los Cuerpos Estables del Teatro que, este año cumplen un siglo.

El Ballet Estable del Teatro Colón comienza una nueva etapa con la dirección artística de Julio Bocca, un bailarín que ha quedado en la memoria tanto de los argentinos como del público internacional. La decisión de presentar “Don Quijote”, uno de los clásicos del repertorio académico, marca también un punto de inflexión.

Con coreografía de dos bailarines que hicieron historia en la compañía, Silvia Basilis y Raúl Candal, esta versión se estrenó por primera vez en el Ballet Nacional del SODRE de Montevideo, por entonces, dirigido por Bocca. Basada en la original de Marius Petipa (1869), revisada por Maximo Gorsky en 1900, “Don Quijote” llegó en 1980 al Ballet Estable del Teatro Colón, a través del coreógrafo yugoslavo Zarko Prebil. Esta puesta incorpora, a su vez, la “Variación de las copas”, creada por el inolvidable Mikhail Baryshnikov.

“Don Quijote”, obra basada en un capítulo del segundo libro de Miguel de Cervantes, “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha”, es una suerte de comedia en la que el humor y la picardía son protagonistas.

La música original de Ludwig Minkus, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, bajo la dirección musical de Manuel Coves, mantuvo el espíritu de esta obra y se ajustó con precisión a la coreografía. La escenografía y el vestuario de Hugo Millán, son elementos de contraste interesantes, especialmente, el diseño escenográfico que, más allá de los trazos contemporáneos y minimalistas, se ajusta con perfección al entorno.

Entre los bailarines invitados para los roles de Kitri y Basilio figuran Celeste Losa y Nicola Di Freo (funciones del 30 de julio y 2 de agosto), y Marianela Nuñez junto con Patricio Revé, el 31 de julio y el 3 de agosto.

El viernes 25, un día después del estreno, los protagonistas fueron Camila Bocca como Kitri y Jiva Vélazquez en el rol de Basilio. Ambos, precisos en sus variaciones, fluidos y cuidados, no han logrado aún la fusión necesaria como partenaires que requiere este ballet. Si bien hubo momentos de ajustada técnica, tanto en el primero como en el segundo acto. Pero fue en el tercero, donde Bocca se lanzó con magnífica precisión en sus 32 fouettes, sin salir de su eje y con la gracia natural de una Kitri feliz por el triunfo del amor.El cuerpo de baile mostró un sólido trabajo, especialmente en la coordinación de las escenas grupales, tanto en las danzas de carácter como en el acto blanco de las Dríadas. El jefe los gitanos, en el segundo acto, Luciano García, hace un despliegue de energía impecable en sus saltos y pirouettes. Acompañado de Maricel De Mitri, intensa y estupenda en su rol de gitana. Los dos ponen un interesante toque de sensualidad a sus personajes.

Stephanie Kessel, en su Cupido, mostró a una bailarina digna de tenerse en cuenta. Delicada, con bellos brazos y musicalidad. Milagros Niveyro, como la reina de las Dríadas fue precisa y sirvió como un complemento interesante para esta Kitri convertida en la Dulcinea de los sueños de Don Quijote.

En la escena de la taberna, Velázquez tuvo un buen desempeño en la Variación de las copas, coreografía de Baryshnikov. Un solo que requiere de un bailarín de enorme solidez técnica para atravesar las exigencias de virtuosismo de esta coreografía.

Cuando todo se arregla, y finalmente triunfa el amor y el padre de Kitri accede al casamiento con Basilio, llega el esperado tercer acto. Un desborde de alegría y celebración que culmina en el grand pas final. Velázquez sale airoso en los clásicos grands jetés y en los giros, si bien todavía necesita incursionar más en este rol para mostrar solvencia en su interpretación y en su técnica. Bocca, excelente, precisa y vibrante da cierre a esta historia con final feliz, castañuelas y festejos.

¡Que le corten la cabeza!

mgueler — Thu, 19 Jun 2025 14:39:14 +0000

La Reina de Corazones es una de las grandes protagonistas de “Alicia en el país de las maravillas”. Foto: Kiyonori Hasegawa

Cómo subir al escenario el cuento fantástico que Lewis Carroll improvisó para entretener a las hermanas Liddell durante un aburrido paseo en barco por el río Támesis fue el reto mayúsculo al que se enfrentó el coreógrafo británico Christopher Wheeldon cuando recibió el encargo de coreografiar “Alicia en el país de las maravillas”, por parte de The Royal Ballet de Londres y del National Ballet of Canada. La dificultad de recrear a cada uno de los personajes y las insólitas situaciones a las que se enfrenta la protagonista del relato requirieron grandes dosis de imaginación y un imponente despliegue técnico. La conjunción de la escenografía de Bob Crowley, la partitura original de Joy Talbot y, cómo no, la coreografía de Wheeldon consiguieron transmitir la esencia y la magia del cuento.

Desde su estreno en la Royal Opera House de Londres en 2011, se ha convertido en una obra muy popular y requerida por otras compañías internacionales para incluirla en su repertorio, como el Royal Swedish Ballet, el Royal Danish Ballet, el Australian Ballet o el National Ballet of Japan. Fundada en 1997 y dirigida actualmente por Miyako Yoshida, la formación nipona ofrece estos días una nueva temporada de la obra de Wheeldon, que incorporó en junio de 2022. Con un aforo de 1.800 localidades, el New National Theater de Tokyo acoge la docena de funciones con el aforo prácticamente agotado en todas ellas.

Dividida en tres actos y con una duración cercana a las tres horas, “Alicia en el país de las maravillas” comienza con una fiesta en el jardín de casa de los padres de Alicia, interpretada por la primera solista Risako Ikeda. Ella se disgusta al saber que su amigo Jack, hijo del jardinero, ha sido acusado por la madre de la protagonista de robar una tarta de mermelada. El amigo de la familia, Lewis Carroll, se ofrece a hacerle una fotografía para consolarla y es cuando éste se transforma en el Conejo Blanco -ambos papeles recayeron en el demisolista Myeonghyun Lee-, y al perseguirlo, Alicia cae por una madriguera que desemboca en el país de las maravillas, en el que Jack es ahora la Sota de Corazones -roles interpretados por el bailarín principal Shogo Hayami- y también es acusado de apropiarse de una bandeja de tartas de la Reina de Corazones. El primer acto resulta un poco largo y algo farragoso por la cantidad de personajes y situaciones inverosímiles. Muy relevante es la escena de la caída por la madriguera, dibujada a través de una hipnótica proyección, porque si hay un elemento a destacar en esta producción es el trabajo sobresaliente de escenografía, vestuario y efectos visuales.

El National Ballet of Japan incluyó en su repertorio “Alicia en el país de las maravillas” en 2022. Foto: Kiyonori Hasegawa.

En el segundo acto, aparecen algunos de los personajes más célebres de la novela, como el Gato de Cheshire -inteligentemente recreado a través de una marioneta manipulada con la técnica del teatro negro-, el Sombrerero Loco o la Liebre de Marzo. En la delirante fiesta el té, el espectador tiene la oportunidad de disfrutar del bailarín principal de The Royal Ballet de Londres, Steven McRae, creador del papel original del Sombrerero Loco e invitado para varias funciones con el National Ballet of Japan. La característica principal de este rol es que su lenguaje dancístico es el claqué, lo que supone un contraste frente al neoclasicismo imperante en la mayor parte de la obra. Completa esta parte, la escena de la Oruga y las odaliscas, que bien podría recordar al harén del Pachá de “Le Corsaire”.

Si bien la presencia de la Reina de Corazones es una constante a lo largo de la obra, en el último acto disputa el protagonismo a la propia Alicia y ofrece los mejores momentos de la producción de Wheeldon. El humor y los guiños a clásicos del ballet son otras características reseñables de la obra del coreógrafo británico, siendo especialmente destacada la satírica versión del célebre “Adagio de la rosa”, extraído de “La Bella Durmiente”, en la que brilla una majestuosa e histriónica Reina de Corazones, magníficamente bien interpretada por la demisolista Yuko Masuda. La excéntrica Reina de Corazones, que juega al croquet con flamencos en lugar de palos y con erizos sustituyendo a las pelotas, se manifiesta a través de una gestualidad muy acusada con la que parece gritar a través de sus pasos: «¡Que le corten la cabeza!». Como licencia narrativa y colofón de la obra, Wheeldon incluye un paso a dos entre Alicia y la Sota de Corazones, antes de volver a la realidad.

La música original de Joy Talbot es otro pilar sustancial de la obra. Contribuye de manera capital a crear los ambientes y atmósferas adecuados para surgir la magia del cuento. En las funciones del New National Theater, fue interpretada por la Tokyo Philharmonic Orchestra, bajo la batuta de David Briskin. En conjunto, la obra de Wheeldon es una imaginativa propuesta para dar vida a un relato complejo. Sin embargo, en muchas ocasiones, da la sensación de que la acción fagocita a la danza. No obstante, el resultado es una versión colorista, amena y muy adecuada para el público familiar.

El trabajo del National Ballet of Japan en “Alicia en el país de las maravillas” fue sólido y bien ejecutado. El resultado se tradujo en un público absolutamente entregado en todas las escenas y especialmente satisfecho por la actuación de Steve McRae como Sombrerero Loco, habida cuenta de los aplausos que cosechó en cada una de sus salidas. No le anduvo a la zaga la Reina de Corazones, ni el resto de los protagonistas, siendo el conjunto japonés gratificado con una calurosa salva de nueve minutos de aplausos.

El Conejo Blanco-Lewis Carroll en un momento de su actuación. Foto: Kiyonori Hasegawa

Una tarantela y una promesa cumplida

mgueler — Mon, 16 Jun 2025 18:29:36 +0000

“Core meu” es un tributo de Jean Christophe Maillot a su maestro Maurice Béjart y a la cultura mediterránea. Foto: Luis Joa. Gentileza BNC.

Les Ballets de Monte Carlo, bajo la presidencia de SAR Carolina, princesa de Hanover y Mónaco (presente con su hija Alexandra en esta gira a la Mayor de las Antillas) junto con su director y coreógrafo Jean Christophe Maillot, cumplió su promesa de bailar en La Habana la obra más entrañable del laureado coreógrafo francés: “Core meu”. La compañía debió posponer sus presentaciones programadas durante la edición 28 del Festival Internacional de Ballet que se realizó el pasado noviembre.

“Core meu” (Mi corazón), es un tributo de Maillot a su maestro Maurice Béjart, y a la cultura de los pueblos asentados por siglos en el Mediterráneo. A través de esta obra la afición cubana por la danza vio subsanada su previa frustración, y se precipitó a las taquillas de la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba con capacidad para tres mil espectadores. El resultado: entradas agotadas en las tres únicas presentaciones. Una pieza sin pausas para los 50 bailarines del muy afiatado cuerpo de baile de esta singular compañía europea.

Carolina de Hanover y Mónaco recibió el Grand Prix Cubadisco 2025. Foto: Luis Joa. Gentileza BNC.

Estas representaciones se realizaron con el patrocinio del Instituto Cubano de la Música y el Ministerio Nacional de Cultura. Y las funciones fueron parte de la programación del Festival Cubadisco 2025, donde también se incluyó una excepcional y brillante discografía del autor de la música original de “Core meu”, el cantante y compositor italiano Antonio Castrignanó y su banda Taranta Sounds, que acompañó fervorosamente cada presentación del ballet. Esta participación fue altamente reconocida por los organizadores del Cubadisco 2025, quienes otorgaron el Grand Prix de Honor, a la princesa Carolina de Hanover y Mónaco, al igual que a Les Ballets de Monte Carlo.

Castrignanó se ha destacado como cantautor y tamborilero en la defensa de la música tradicional de Apulia para bailar la Pizzica, como se conoce a la tarantela salentina, con fuerte tradición musical, como es la conocida Notte della Tarantela.

La dimensión sonora de este colorido y vibrante folclor mediterráneo se vio acentuada con la variedad de estilos en la escritura del coreógrafo iconoclasta de la pieza: fusiones de danza académica con la contemporánea, salpicada con la fuerza del baile proveniente de la tarantela de Salento. Para conseguir la comunicación inmediata de este singular vocabulario, hubo contribuciones fundamentales en la producción escénica. Por un lado, un imaginativo vestuario realizado por el destacado diseñador español Salvador Mateu Andujar, y por el otro, los diseños de luces con tecnología avanzada de Samuel Thery. Ambos contribuyeron a destacar la riqueza visual deseada en cada una de las frases corales de los conjuntos, o en los primeros planos de los dúos y los tríos.

A juzgar por las respuestas exultantes del auditorio al concluir la pieza, se hizo evidente que las expectativas fueron logradas a partir de un espectáculo alejado de los clásicos decimonónicos del gran repertorio, tanto por la concepción general y como por las brillantes ejecuciones.

Originalmente este espectáculo fue concebido para satisfacer grandes públicos en espacios abiertos. Varios años después, el coreógrafo decidió rediseñarlo para la visión frontal de los teatros. Así nació esta versión revisada y enriquecida en 2023, que el público cubano pudo disfrutar y ovacionar de pie varios minutos.

Este “Core meu” ratifica el enfoque mantenido por Maillot -y que lo identifica- durante los 30 años al frente de esta valiosa agrupación monegasca. El coreógrafo logra fundir códigos propios del vocabulario académico con símbolos y códigos que están en sintonía con los tiempos y preocupaciones del mundo de hoy. A eso se suma, una compañía de ballet que logra expresar un encuentro, o diálogo, inteligente entre la tarantela y el tecnicismo de la danza académica con líneas renovadoras.

“Core meu” por Les Ballets de Monte Carlo en La Habana. Foto: Luis Joa. Gentileza BNC.