Gauthier Dance en “Le chant du cygne: Le lac”, de Marie Chouinard, un alegato feminista llevado a la danza. Foto gentileza de Gauthier Dance.

Una década después de su primera visita al Teatro Arriaga de Bilbao, la compañía alemana Gauthier Dance retornó al emblemático escenario de la capital vizcaína para ofrecer un triple programa que obtuvo el aplauso unánime del entusiasmado público. Fundada en 2007 por ex solista de Stuttgart Ballet, Eric Gauthier, la compañía residente del Theaterhaus de la ciudad germana se caracteriza por apostar por un repertorio versátil con trabajos de los coreógrafos contemporáneos más destacados de la actualidad. Y estas dos actuaciones en Bilbao dieron la oportunidad para disfrutar de piezas de los renombrados Marie Chouinard, Hofesh Shechter y Ohad Naharin.

En 2021, Eric Gauthier invitó a cuatro reputados coreógrafos para que crearan sendas piezas de veinte minutos de duración, partiendo del clásico inmortal de “El lago de los cisnes”. El resultado fue un cuadríptico con las poliédricas lecturas de Marie Chouinard, Marco Goecke, Hofesh Shechter y Cayetano Soto. Para la actuación en el Teatro Arriaga de Bilbao, el director canadiense se decantó por las obras de Chouinard y Shechter, con dos planteamientos muy diferenciados.

En “Le chant du cygne: Le lac”, la coreógrafa Marie Chouinard imagina a una bandada de cisnes oprimidos que se rebela contra el heteropatriarcado. Ante un ciclorama compuesto por un mar de llamas, un octeto de ánades se arrastra lastimosamente, probablemente subyugado por el poder del maléfico Rothbart. No faltan ni el tutú ni las zapatillas de punta, pero tampoco las rodilleras, los maillots en tono nude y las pelucas de color blanco en sustitución de los tradicionales tocados de plumas. Singular e imaginativo resulta el empleo de las puntas: una calza un pie de cada una de las intérpretes y la otra cubre la mano, que junto al antebrazo dibuja figuras que terminan recordando la cabeza y cuello del cisne, como si fuera un juego infantil de imitar una sombra chinesca. La coreografía se centra en subrayar la parte animal y la sumisión de la pléyade de ánades, hasta que éstas deciden enfrentarse y reclamar su voz con la letra de “Un violador en tu camino” (2019), una performance del colectivo chileno LASTESIS para denunciar los feminicidios y la violencia sexual contras las mujeres. Apaciguado el fuego de la protesta en un mar en calma en la proyección, las empoderadas intérpretes danzan en libertad en este aplaudido alegato feminista de la coreógrafa canadiense.

Hofesh Shechter es el coreógrafo de “Swan Cake”, obra de trepidante acción y estilo terrenal inspirada en “El lago de los cisnes”. Foto gentileza de Gauthier Dance.

Bajo el título de “Swan Cake”, el coreógrafo y compositor Hofesh Shechter construye una pieza que se asemeja a una fiesta rave y aparentemente con nulos puntos en común con el clásico de Petipa e Ivanov. Sin embargo, lo que se percibe con claridad es su característico estilo terrenal, rotundo y lleno de trepidante acción. Ataviado con ropa informal, el elenco sobresale en una especie de caótica celebración, inspirada quizás en los festejos del cumpleaños del príncipe Siegfried del original decimonónico. El israelí contrapone en su coreografía las calidades individualidades con el grupo, presentado como una masa en movimiento constante y enérgico, mientras que la banda sonora cita esporádicamente algún breve fragmento de la música de Tchaikovsky, como si fuera casi un jingle publicitario para recordar que la pieza parte del encargo basado en “El lago de los cisnes”.

La segunda parte estuvo protagonizada por “Minus 16”, emblemática obra de Ohad Naharin estrenada por Nederlands Dans Theater 2 en el Lucent Danstheater de La Haya, el 11 de noviembre de 1999. A punto de celebrar sus bodas de plata, esta obra se ha convertido en un referente obligado de la creación Naharin y su éxito le ha llevado a formar parte del repertorio de numerosas compañías internacionales. En el entreacto, un bailarín trajeado empieza a improvisar para desconcierto de los espectadores que han aprovechado el intermedio para salir del patio de butacas. En un momento determinado, comienzan a aparecer en escena los restantes intérpretes también trajeados y tocados con sombreros. A partir de ahí, el creador israelí engarza varias escenas musicalmente diferentes -“Echad Mi Yodea” en versión del grupo de rock The Tractor’s Revenge, “Stabat Mater” de Antonio Vivaldi, un solitario metrónomo y una versión tecno de “Over The Rainbow”-, pero coreográficamente bajo un estilo o lenguaje denominado Gaga.

A raíz de una lesión de espalda, Ohad Naharin se vio obligado a cambiar sus patrones de movimiento y así investigó cómo encontrar nuevas sensaciones. El resultado fue un lenguaje que potencia la ductilidad del cuerpo, con extremidades muy flexibles, y sorprende al espectador con enérgicas explosiones de movimiento alternadas con aparentes momentos de sosiego. El mejor ejemplo de ello fue la primera escena de la obra, ejecutada bajo la letra de la canción tradicional de la Pascua hebrea “Echad Mi Yodea” (¿Quién conoce a uno?). Sentados en un semicírculo conformado por sillas plegables, los dieciséis bailarines comienzan cabizbajos hasta que se produce ese estallido de energía, coreográficamente traducido en un canon y que finaliza con la caída al suelo de uno de ellos. Más convencional, un dúo sobre música de Vivaldi da paso a una divertida escena a ritmo de chachachá y con sorpresa final, para deleite del  público.

“Minus 16″ es una icónica obra de Ohad Naharin| Fotografía Jeanette Bak, cortesía de Gauthier Dance.

Durante los minutos que mediaron entre la primera y la segunda pieza, Eric Gauthier no dudó en dirigir unas palabras a los asistentes, explicando el programa que presentaba su compañía y lo emocionado que estaba por la segunda visita de Gauthier Dance al Teatro Arriaga de Bilbao, después presentar en aquella primera ocasión un catálogo de creaciones titulado “Future 6”: “Burning Bridges” de Jiří Bubeníček, “Cherry Pink and Apple Blossom White” de Itzik Galili, “Malasangre” de Cayetano Soto, “Takuto” de Eric Gauthier, “I Found A Fox” de Marco Goecke y “Bolero” de Stephan Thoss. Con una duración cercana a las dos horas, el díptico “Swan Lakes” con piezas de Chouinard y Shechter, unido a las buenas sensaciones que contagia “Minus 16” de Naharin, dejó nuevamente un fantástico sabor de boca en el numeroso público congregado en el Teatro Arriaga de Bilbao, que no dudó en gratificar el extraordinario trabajo de Gauthier Dance con una entregada salva de aplausos, deseando que no vuelva a pasar un decenio para disfrutar de nuevo de la compañía alemana en el escenario bilbaíno.

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Malpaso estrenó una versión posmoderna de “Cascanueces” con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado. Foto gentileza Malpaso.

Malpaso, la juvenil compañía de danza contemporánea, se presentó, entre el 4 y el 6 de febrero, en la gran sala del Teatro Nacional de Cuba (su sede habitual ha sido el decimonónico Teatro Martí), con un aforo de tres mil ahora reducido al 50% ante las medidas sanitarias obligadas por la pandemia de la Covid 19. En esta ocasión se lanzó al reto de estrenar una rompedora versión minimalista y posmoderna del archiconocido ballet del gran repertorio, “Cascanueces”. Siempre con la música original de P. I. Tchaikovsky en un meritorio arreglo “digest” de la joven violinista y compositora cubana Jenny Peña, y con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado.

En la primera parte del programa, una obra ya paradigmática de la danza contemporánea de los finales del siglo XX, “Tabula Rasa”, del coreógrafo y bailarín israelita Ohad Naharin. Se sumó una intrigante miniatura coreográfica del inmenso coreógrafo sueco Mats Ek, “Woman with water”, como ingreso al repertorio activo del conjunto. Como pieza de apertura el solo masculino “Nana para un insomnio”, creado para Osnel Delgado, con coreografía de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana, sobre el poderoso soporte musical del malogrado compositor catalán Jordi Sabatés, con dedicatoria in menoriam de esta temporada.

Un equipo, conducido por Fernando Sáez, diseña con cuidadosa estrategia los títulos elegidos para cada temporada y giras internacionales, para evitar arduas elaboraciones intelectuales que permean o cargan las obras que deciden poner a consideración de los numerosos seguidores de este grupo. Es una pauta que siguen otros conjuntos igualmente asociados al Joyce Theatre de Nueva York.

Heriberto Meneses en “Nana para un insomnio”, de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

Por supuesto que, de este festín de danza, el plato fuerte a descubrir y degustar es la mencionada versión de “Cascanueces”. Una obra para 10 bailarines de ambos sexos en un acto, con duración de algo más de 40 minutos, en la cual Delgado no se aparta del tema central de la historia familiar, pero elude la narración lineal y se concentra en las definiciones de cada personaje en sus interacciones con los otros en la supuesta fiesta navideña, sin recurrir a la simbología tradicional. La música es ejecutada sobre la escena por una orquesta de cámara ad hoc, conducida con pericia por el maestro Pedro Ortiz. Los diseños de luces y de vestuario son una baza de triunfos debidos a su creador, Guido Gali (asociado al equipo de producción desde sus inicios).

Empero, como se dice en buen cubano: el pollo del arroz con pollo es la coreografía, la cual exhibe una amplia variedad en su vocabulario de pasos, así como unas ingeniosas articulaciones con un desenfadado atletismo posmoderno en las dinámicas corporales, sin miedo a utilizar contaminaciones provenientes de la técnica del ballet, en los port de bras, los sautés, los portées, los tours, los coup de tete y otros. Esta amalgama tiene una coherente estética en la ejecución de los excelentes bailarines del elenco. Por otra parte, la dramaturgia no quedó descuidada. Esta obra fue merecedora con justicia del premio Villanueva 2021, que otorga anualmente un exigente jurado del círculo de la crítica de las Artes Escénicas de la UNEAC (Unión nacional de escritores y artistas de Cuba).

El solo creado por Carrazana para Osnel Delgado (luego compartido por el apolíneo Heriberto Meneses), contó con un “grand concert” piano en escena ejecutado sensiblemente por Carolina Baños. La coreógrafa explota “in extremis” el virtuosismo técnico del notable intérprete que, además, logra comunicar matices interpretativos donde demuestra su madurez artística.

Dos coreógrafos foráneos invitados –gracias al patrocinio de importantes instituciones internacionales–, completaron el cartel con sus creaciones bien avaladas por el público y la crítica europea: “Woman of the Water”, un dúo concebido por el sueco Mats Ek para su excelsa esposa-bailarina-actriz Ana Laguna (aquí su asistente), montado para dos parejas del conjunto, Dunia Acosta con Delgado y Daile Carrazana con Meneses. El hecho de presentarse en este vasto espacio y con la lejanía del público por interposición del gran foso de orquesta, la entrega del drama -encapsulado en 15 minutos- resultó epidérmica.

Por otra parte, la obra coral de Naharin, “Tabula Rasa”, desde su estreno mundial europeo, ha derramado ríos de tinta, más para bien que para mal. Ha sido muy apreciada por las sutilezas refinadas en los planteamientos filosóficos que se empeña en comunicar, danza mediante, apoyado por un grandioso soporte musical minimalista del muy mediático compositor letón Arvo Part, pleno de sutilezas con acentos cósmicos. La producción escénica ha sido muy cuidada e inteligente: luces diseñadas por el propio Naharin y un vestuario pertinente de Eri Nakamura. Una muy agradecida reposición, ovacionada cada noche, que adoleció (como pasó con las otras piezas) del devorador espacio escénico de la Sala Avellaneda.

Una miniatura coreográfica de Mats Ek, “Woman with water”, interpretada por Osnel Delgado y Dunia Acosta, ingresó al repertorio de Malpaso. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

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“Gounod Symphony”, con música de Charles Gounod, una de las piezas presentadas en el Kennedy Center por The Suzanne Farrell Ballet. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Parece casi un absurdo, una burla del destino, que justo ahora, en un momento de gran esplendor para la compañía, el controvertido “romance” entre el Kennedy Center y la gran musa de George Balanchine haya llegado a su fin. En este mundo de la sinrazón, en el que el arte ha dejado el espacio a la violencia y al miedo, The Suzanne Farrell Ballet (TSFB), una de las grandes joyas del ballet, hoy, tiene un camino incierto. Lo único seguro, es que esta fue la última función bajo la “tutoría” del Kennedy Center Washington DC.

En su presentación de despedida en el Opera House, del 7 al 9 de diciembre, la compañía, como es costumbre desde hace 16 años, trajo una serie de “incunables”, pocas veces frecuentados por otros ensambles. Ni siquiera por el New York City Ballet (NYCB), compañía creada por Balanchine y Lincoln Kirstein en 1933, encargada de preservar la obra de Mr. B.

Farrell, con su estilo y con la pureza de su propuesta artística, ha logrado conquistar la fidelidad de sus bailarines a lo largo de todos estos años. Es casi un privilegio para los jóvenes del cuerpo de baile y para los principales poder aprender y trabajar con alguien que ha formado parte de la historia esencial de la danza en los Estados Unidos. Y allí están, a pesar de ser un ensamble temporal que los obliga a trabajar durante gran parte del año con otros estilos y otras compañías, siempre vuelven y asumen su compromiso con el arte.

Farrell optó para esta despedida, un título “casi” conmovedor y significativo: “Forever Balanchine: Farewell Performances”. Incluyo un repertorio magnífico en el que permitió el lucimiento de cada uno de sus solistas y también, de un cuerpo de baile que ha ido refinando su técnica, su calidad y su coordinación. Filas cuidadas, con un respeto de la pureza técnica pocas veces visto cuando se trata de Balenchine, y un entusiasmo fresco, son las mayores virtudes de este joven cuerpo de baile.

Natalia Magnicaballi en “Tzigane”, estrenada en 1975 por Suzanne Farrell, con coreografía de George Balanchine. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Dos programas que resumieron algunas de las mejores piezas que Mr. B creó para Farrell durante su paso por el NYCB, formaron esta última entrega en la que no faltaron los conflictos y las rispideces solapadas con el Kennedy Center. El 7 y el 9 de diciembre, subieron a escena “Chaconne” (Gluck/Balanchine), “Tzigane” (Ravel/Balanchine), “Meditation” (Tchaikovsky/Balanchine) y una de las obras más deslumbrantes de este gran maestro de la coreografía, “Gounod Symphony”, con música de Charles Gounod. Un derroche de precisión, claridad coreográfica, belleza y desafío técnico que pone a bailarines principales y cuerpo de baile en el límite de la concentración. Farrell, esta artesana de las artes escénicas, pudo recuperar y reponer de manera impecable.

En la primera noche, la argentina Natalia Magnicaballi y Michael Cook –quienes trabajan con Farrell desde que se creó la compañía– asumieron el rol de la pareja central con una enorme solvencia, calidad artística y técnica. Dos bailarines que juntos forman una pareja memorable con una comuinicación pocas veces vista.

Magnicaballi, una bailarina especial no solo por sus cualidades físicas sino por su compromiso en la interpretación y una capacidad particular para transmitir emociones, también asumió con intensidad, maestría y una enorme seducción, el rol central en “Tzigane”, obra que tuvo su estreno en 1975, creada especialmente para Farrell. Pieza corta, con fuerte acento moderno, donde las puntas intercambian espacio con movimientos de contracción de los pies, y un cambio importante en el port de bras. Con desplazamientos y movimientos ajenos a lo tradicional, esta gitana atractiva y esquiva, logra encontrarse con su amado, y al mismo tiempo, escaparse de él. Otra vez esta dupla –Magnicaballi-Cook– parece respirar al unísono.

La segunda de las dos piezas cortas, de la misma época, y también creada para Farrell, fue “Meditation”, en la primera noche a cargo de Elizabeth Holowchuk y de Kirk Henning. Una realización de una belleza singular, de profunda emoción, en la que lo abstracto se mezcla con lo real. Conmovedor trabajo de ambos bailarines.

La primera entrega de la noche del estreno fue “Chaconne”, otra de esas obras de ingeniería coreográfica de Mr. B., que confirma su genialidad y que lo hacen incomparable, a pesar del paso del tiempo y la llegada de nuevos coreógrafos que apelan a la pirotecnia de la tecnología y se olvidan de la danza. Heather Ogden, otra de las bailarinas históricas de la compañía, y Thomas Garrett, asumieron los roles principales. Ogden, una bailarina de una sutileza y de una técnica indiscutible, y Garrett, un buen partenaire que logró acompañar con solvencia a Ogden.

Para el final del segundo programa, otro de los indiscutibles: “Serenade”, obra de 1934 realizada por Balanchine para la School of American Ballet cuando todavía no se había creado el NYCB. “Serenade” posee una magnificencia casi superlativa a la que el tiempo mejora y reafirma en su majestuosidad, y a la que Farrell llenó de magia, con bailarines excelentes, capaces de transmitir emociones, climas, texturas y, a su vez, convertirse en instrumentos perfectos de la belleza.

The Suzanne Farrell Ballet culminó su ciclo “Forever Balanchine: Farewell Performances” con “Serenade”, creada por el coreógrafo en 1934. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

El cuerpo de baile del Kansas City Ballet en una escena del Reino de las Nieves de “Cascanueces” en el Opera House del Kennedy Center. Foto: Brett Pruit & East Market Studios. Gentileza JFKC.

Como todos los años y, a partir de la semana de Acción de Gracias, “El Cascanueces” se convierte en protagonista absoluto en cada rincón del país. Y sin dudas, el escenario del Kennedy Center for the Preforming Arts de Washington DC, es partícipe de esa “fiesta” de Navidad. Esta vez, El Kansas City Ballet (KCB) trajo al Opera House del Kennedy Center, desde el 22 al 26 de noviembre, su nueva producción estrenada hace casi dos años, con coreografía de su director artístico, Devon Carney.

La puesta utiliza interesantes y variados recursos escénicos, bellos, ocurrentes y hasta deslumbrantes. Títeres de varilla, títeres de mano, marionetas pequeñas, globos aerostáticos, magia, y hasta un Drosselmeyer que vuela por el aire como un pájaro o un demiurgo que todo lo ve y lo transforma, son los elementos que forman parte del especial atractivo de esta producción.

La obra comienza con un prólogo en la juguetería de Drosselmeyer, y allí aparecen los primeros guiños de humor, cuando los muñecos mecánicos fabricados por el gran “mago”, y hasta los muebles, se rebelan a sus mandatos. Holly Hines diseñó un vestuario atractivo, con una inteligente combinación de colores y detalles para esta historia cuyo argumento no varía del de otros cascanueces. La obra fluye con naturalidad a través del hilo narrativo marcado por Drosselmeyer, interpretado por Ryan Jolicoeur-Nye. Carney. En esta versión de Carney, no sólo las damas que asisten a la fiesta de Navidad bailan en zapatillas de punta –habitualmente usan zapatos de taco–, sino que también incluye un oso mecánico que se acopla a los arlequines que Drosselmeyer lleva a la fiesta de Nochebuena. Quizás, un secreto homenaje al creador del “Cascanueces” en los Estados Unidos, Willam Christensen, alma mater de esta primera versión realizada para el San Francisco Ballet en 1944.

Un ejército de ratones pelea contra los soldados del Cascanueces con cucharas, cuchillos, tenedores y lapiceras en la puesta de Devon Carney para el KCB. Foto: Brett Pruit & East Market Studios. Gentileza JFKC.

El encanto particular de Clara, Maggie Crist, adquiere peso propio en cada una de sus escenas, dándole a su personaje una frescura particular, especialmente en el primer acto, donde el humor gana protagonismo en la batalla entre soldados y ratones. Así, el rey de los ratones aparece en una lata de sardinas, y el resto de su ejército se dispone a pelear contra los soldados del Cascanueces con cucharas, cuchillos, tenedores y lapiceras. Mientras, los pequeños ratoncitos, interpretados por niños de escuelas del área de DC, se divierten en los sillones gigantes con un queso, también gigante.

A los 36 integrantes de esta compañía del centro oeste del país, se sumaron aprendices y miembros del elenco joven, KCB II, quienes cumplen roles múltiples en cada una de las funciones. Y más allá de las exigencias de cubrir varios personajes, el resultado fue magnífico. Especialmente en el Reino de las Nieves, cuyo diseño coreográfico se funde con bellos efectos visuales y escénicos a cargo del pintor francés Alain Vaes, y un interesante trabajo de la pareja principal protagonizada por Danielle Bausinger y James Kirby Rogers.

En el reino de las Golosinas, Clara y el príncipe Cascanueces miran las danzas chinas en el segundo acto de “Cascanueces”. Foto: Brett Pruit & East Market Studios. Gentileza JFKC.

En el segundo acto, Clara y el príncipe Cascanueces llegan al Reino de las Golosinas en un globo aerostático con un unicornio en uno de sus extremos –quizás, una vaga reminiscencia a los diseños de Marc Chagall–, para encontrarse con el Hada de Azúcar y su Caballero, roles interpretados con calidad y profesionalismo por la cubana Amaya Rodríguez y el brasileño Lamin Pereira dos Santos.

Para cada una de las danzas que desfilan ante Clara y el príncipe Cascanueces, Carney optó por darle un toque original, al igual que a la infaltable Mother Ginger, un estupendo títere de varillas de donde salen deliciosos polichinelas. O en el vals de las flores, en el que la Gota de Rocío se transforma en una rosa, papel a cargo de Taryn Mejía, quien puso un toque “casi balanchiniano” a su personaje.
Una propuesta bella, prolija, cuidada, que atrapa con sus guiños de humor, con la calidad de los bailarines, y por sobre todo, con la forma en que lograron fusionar el trabajo y la preparación entre los participantes locales con los miembros de la compañía. Un “Cascanueces” delicioso, que despierta un entusiasmo particular por su frescura y esa maravillosa e incomparable música de Tchaikovsky.

Natalia Osipova es la protagonista de “Anastasia” en esta producción del Royal Ballet de Londres que se exhibe en cines de España. Foto gentileza ROH.

“Anastasia”, el ballet completo más irresistible de Kenneth MacMillian, basado en la historia verídica de la Gran Duquesa Rusa perdida, se presentará en las pantallas de los cines Village y Cinemark este 13 de febrero. Escenarios evocadores y vestuarios de Bob Crowley.

En su primera interpretación por el Royal Ballet en más de una década, la puesta en la pantalla de los cines despliega un elenco estelar de primeros bailarines. Natalia Osipova asume el rol de Anastasia, con Marianela Núñez como Kschessinksa, Federico Bonelli como “Su Pareja ”, Edward Watson como “El Marido” y Thiago Soares como el siniestro Rasputin.

El argumento creado en torno a una serie de incógnitas sitúan este ballet en varios escenario. A medida que la guerra y la revolución devastaban Rusia, los glamorosos excesos de la dinastía Romanov se tambaleaban alrededor de la joven Gran Duquesa Anastasia. Años después, una mujer llamada Anna Anderson, una paciente psiquiátrica perturbada y retraída encerrada en un asilo, se ve atrapada por las pesadillas de su pasado. Los hechos y la fantasía se hacen indistinguibles mientras su convicción sobre su verdadera identidad la ayudan a sobrevivir en su sombría realidad. Este desgarrador ballet en tres actos dejará a la audiencia con la tarea de decidir sobre la legitimidad del reclamo de Anna.

Este ballet es una imperiosa exploración de la identidad en la estela turbulenta de la revolución rusa, donde muestra una identidad en crisis y un país en revolución. “Anastasia” es una creación sobre uno de los grandes misterios históricos del siglo XX, resuelto recientemente. En el apogeo de la revolución rusa, la familia real fue ejecutada, pero después apareció una mujer joven, al parecer una princesa real sobreviviente. Muchos quisieron olvidar la matanza y la Revolución; muchos creían, o esperaban, que pudiese haber quedado algún vestigio del viejo mundo.

“Anastasia” es una de las primeras creaciones de Kenneth MacMillan al convertirse en director del Royal Ballet en 1970, una exploración dramática e inquietante de la pesadilla de la memoria y la identidad de Anna. Con música de Tchaikovsky y Martinů, el coreógrafo relata los acontecimientos que condujeron al asesinato de la familia real, y los sueños confusos de Anna.

Esta producción realizada en el Royal Opera House forma parte del proyecto ROH Live Cinema que convocó a más de 400.000 espectadores en el Reino Unido durante 2015/16, lo que significó un incremento del 8 por ciento respecto del año anterior, mientras la cantidad de lugares de proyección aumentó a más de 450 sitios. Internacionalmente, una nueva sociedad de distribución con Picturehouse Entertainment promueve este proyecto que involucra más de 1500 cines en 35 países. Otras plataformas digitales incluyen el canal de la Royal Opera House de YouTube, que cuenta con 190.000 suscriptores.

Viengsay Valdés, una de las tres bailarinas que interpretó “Carmen”, enfatizó los perfiles eróticos del personaje. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El ballet “Carmen” del malogrado coreógrafo cubano Alberto Alonso –que fue estrenado por la prima ballerina rusa Maya Plisétskaya en 1967 y al final de ese mismo año, en La Habana, por la eximia Alicia Alonso–, cuenta con dos versiones coreográficas, una para cada una de las mencionadas divas, por exigencia lógica de la segunda. Razonablemente, el personaje creado por el francés Próspero Merimée para su novela homónima, requiere ser encarnado por intérpretes poseedores de peculiares fenotipos y caracteres idiosincráticos acusados. Además, la transferencia de la literatura a la danza clásica –sin abandonar ciertos tópicos etno–folclóricos empero eludiendo caer en pintoresquismos–, exigía un serio estudio por el experimentado coreógrafo, con el objetivo de incorporarla a su escritura coréutica para tan diferentes artistas y escuelas de ballet: una eslava y la otra latino–caribeña.

Cada una supo marcar sus improntas, tan altas cimas que llegaron a polarizar a los públicos de las variadas regiones donde bailaron esta pieza en un acto. Plisétskaya cargaba su Carmen, según su particular punto de vista, en el aspecto histriónico punteado con un toque de rudeza gestual, matizándolo para no caer en la sobreactuación. En cambio, la Alonso desplegaba en su Carmen el virtuosismo técnico de sus inimitables puntas,  los giros veloces y los interminables equilibrios, acentuando sus evidentes dotes de sensualidad y seducción pasional, a la vez que eludía la vulgaridad.

Pasaron varios lustros para que la creadora del rol y directora general del Ballet Nacional de Cuba –a pesar que no lo volvió a bailar más–, para que designara a otra intérprete en el desempeño de este papel. Esto ocurrió localmente una sola vez, por dos de las calificadas como “cuatro joyas” del ballet cubano.

Ahora, en junio de 2015, después de un prolongado letargo de doce años, se pudo admirar esta “suite” resucitada por una nueva generación de talentosos bailarines. Los referentes icónicos se han ido desdibujando en la memoria de los asiduos aficionados al ballet que peinan canas. Otra generación intermedia, de excelentes bailarines de ambos sexos, nunca pudo confrontarse en esta obra, tal vez la más audaz, creativa y paradigmática, del exiliado hermano del maestro Fernando Alonso, Alberto Alonso. Al menos, ha quedado la memoria fílmica de la última memorable entrega de la Alonso, junto con un notable elenco entre los cuales Azari Plisétski, Jorge Esquivel y Josefina Méndez.

En 2015

La bailarina Sadaise Arencibia debutó en el protagónico de “Carmen”, obra creada por Alberto Alonso en 1967 para Maya Plisétskaya. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

En el presente, sobre la escena temporal de la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba y con música enlatada, los distintivos y esforzados desempeños de tres elencos debutantes revivieron esta “Carmen”. Tres primeras bailarinas alternaron el rol titular en la cinco funciones programadas para este desbordado coliseo habanero.

Los intérpretes de los otros cuatro personajes todavía están distantes de los perfiles definitorios de los mismos, así como del peculiar estilo expresado aquí por el coreógrafo. Solamente el joven Víctor Estévez (Don José) logró un mayor acercamiento estilístico-gestual, al parecer por la ayuda fortuita y desinteresada de Sonia Calero, viuda de Alberto Alonso, durante un festival foráneo. El debut de Alfredo Ibáñez, como Escamillo, sugiere prometedores futuros empeños en el mismo.

Hacer juicios de valor definitorios sobre las entregas realizadas por las tres primeras bailarinas, a partir de una función única, es un ejercicio profesional del crítico muy arriesgado, y este ha sido el caso. Admirable la interpretación singular de Viengsay Valdés, enfatizando los perfiles más eróticos de esta seductora arrabalera y siempre con su poderosa técnica. Luego, una sensual y apasionada Anette Delgado, que elude un tanto los ataques rudos de las gitanerías del personaje litigioso. Por último, el positivamente sorprendente debut de Sadaise Arencibia, quien bordó el personaje con su espléndida línea clásica, sin intimidarse por la gestualidad particular del papel, empero eludiendo caer en clisés baratos. Una próxima oportunidad en esta aventura entregará el resultado esperado por sus admiradores. ¿Por qué imponerles a todas las Cármenes el mismo modelo de peluca, que fue ajustada para su creadora, con  tipo de cabeza y óvalo facial diferente?

Indiscutiblemente, esta magistral creación de la coreografía neoclásica cubana muestra una puesta en escena minimalista como ámbito eficaz para el desarrollo dramático de este quinteto trágico, que cuenta con el beneficio de una suite musical tímbrica compuesta por el ruso Rodión Schedrín, a partir de las conocidas partituras originales de George Bizet para su ópera homónima y de L´Arlesienne.
Alicia Alonso y el equipo artístico–técnico que la apoya puede anotarse un tanto a favor al concebir este programa de concierto, al elegir las otras dos obras que acompañaron este plato fuerte de las cinco jornadas.

Versión cubana de “Las Sílfides”, conocida también como “Chopiniana”, de Michael Fokine, integró el rpograma de fin de temporada del BNC. Foto; Nancy Reyes. Gentileza NR.

Un clásico y un hit

Como apertura, “Las sílfides”, de Michel Fokine sobre la admirable música de Frederick Chopin, con los valses, preludios y mazurcas orquestados por Aleander Glazunov y los figurines de A. Benois para el vestuario y la escenografía. Esta versión cubana, conocida también como “Chopiniana”, hasta hoy está considerada la más próxima al original neoromántico de principios de la pasada centuria. Hay que tener en cuenta que Alicia y Fernando Alonso trabajaron “la obra directamente con Fokine”, de acuerdo con la versión definitiva revisada por el coreógrafo poco antes de su muerte.

En general, los bailables de los solistas, así como los del bisoño cuerpo de baile –que en ocasiones precedentes arrancó aplausos–, resultaron aceptables. Hubo revelaciones entre los jóvenes relevos (en estos últimos meses las varias deserciones sorprendieron a los regisseurs), igualmente hubo fuste, aplomo y estilo en Anette Delgado, Grettel Morejón, Sadaise Arencibia y Aymara Vasallo. El difícil único papel masculino, el poeta, cuyo desempeño va más allá del virtuosismo técnico, está centrado en el control muscular y la voluntad de estilo, cómo lograr el equilibrio entre lirismo y virilidad, esto se ve solamente en el primer bailarín Dani Hernández.

Dos reproches para la producción de esta joya de Fokine: la evidente usura del vestuario y la escenografía, que pide a gritos su renovación; el segundo, va a la pésima grabación empleada, por su ejecución y su pobre alta fidelidad sonora.

“Celeste”, de la coreógrafa colombo-belga Annabelle López Ochoa, fue uno de los más aplaudidos estrenos del BNC en el último festival de ballet de La Habana. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El divertisement de aires contemporáneos, ”Celeste”, de la joven coreógrafa colombo–belga Annabelle López Ochoa, es uno de los más aplaudidos estrenos del BNC en el último festival de ballet de La Habana y, en esta ocasión, siempre con los elencos elegidos por la autora, se colocó en sándwich con los otros dos títulos. Esta pieza, en poco más de media hora, deslumbra por la inteligente destreza de López Ochoa en el hilvanado estructural de los cuerpos, inspirada en la música del brillante y gustado “Concierto en re para violín y orquesta” de P.I. Tchaikovsky.

Los guiños a Fortsythe y Kilián se revelan como tributos gestuales a estos maestros, tanto en las cargadas como en los diseños espaciales.  Con el desempeño técnico de las tres dúctiles siluetas de las bailarinas solistas, arropadas por cinco parejas enfundadas en unitardos azul turquesa, según los figurines de la holandesa Dieweke van Reij, Valdés, Morejón, Jessie Domínguez, Estheysis Menéndez o Dayesi Torriente,  el éxito estaba asegurado.

El poco entusiasmo (o etamina) de los danzantes, apreciado en el resultado general de las tres funciones ha compulsado a transcribir aquí una cita medular de la gran Anna Pavlova, de la que se celebra el centenario de su debut en Cuba: “Nadie pudo llegar a la cima armado sólo de talento. Dios da el talento; el trabajo transforma el talento en genio”.

El New York City Ballet continúa hasta finales de diciembre las funciones de "Cascanueces". Foto: Paul Kolnik. Gentileza NYCB.

Como todos los años sucede, especialmente en los Estados Unidos, después de celebrar el Día de Acción de Gracias pasar por el “Black Friday” (Viernes Negro), al que ahora se le han añadido los “Cyber Days” (Días cibernéticos) a través de Internet  (fechas para comprar con rebajas los regalos navideños), llegan las presentaciones del “Cascanueces”. Desde los comienzos de diciembre, este clásico aparece en múltiples escenarios de diferentes ciudades estadounidenses.

Según críticos reputados, esta encantadora obra –segunda de la trilogía creada por los genios Tchaikowsky y Petipa– tiene su mejor versión en la “definitiva”, que George Balanchine ideó para su compañía, el New York City Ballet, y que se estrenó en febrero de 1954.

Eran aquellos unos tiempos diferentes, y aún el gran maestro no había tomado posesión de su casa: el ahora llamado teatro Koch del Lincoln Center, del  que pudo disponer desde 1964 para dos temporadas anuales (aumentada recientemente a tres) de su compañía.

No es necesario recalcar que este ballet, dividido en un prólogo, dos actos y cuatro escenas,  es una obra para niños. La historia de E.T.A. Hoffman ya es harto conocida: la familia Stahlbaum celebra la Navidad con el tradicional árbol que en un momento preciso, crece y crece hasta llegar al techo. Y también incluye intercambio de regalos, y las sorpresas que trae consigo el misterioso Drosselmeier: tres muñecos que ejecutan danzas, y el  Cascanuece para Marie, la niña de la casa, quien se prenda de su muñeco.

Hay lucha entre ratones y soldaditos, y en resumidas cuentas, el sobrino, que es en realidad el mágico Cascanueces, después de luchar con los ratones y vencer al rey, transporta a la niña a un mundo de golosinas, transitando por un bello bosque nevado, donde hay dieciséis copos de nieve que danzan en medio del bosque cubierto de nieve.

El grupo de niños que acude a la fiesta –todos alumnos de la School of American Ballet– es simplemente adorable. El trabajo de los/as profesores/ras  merece inmensos aplausos, porque aquellas criaturas de cortas edades, se apoderan de sus  roles con total maestría y seriedad, como si fueran avezados profesionales. No parecen equivocarse  tampoco en los bailes del acto segundo en los que intervienen. Todos quedan a la altura de los mejores, asimismo los ángeles, que en la apertura del acto segundo parecen deslizarse sobre el suelo en vez de caminar.

Claire Abraham, la diminuta Marie, es un verdadero encanto, y su Cascanueces, el sobrino de Drosselmeier,  a cargo de Lleyton Ho, es un caballerito formal y lleno de cortesía. Merece un renglón aparte, la presencia del conocido Robert La Fosse como el intrigante Drosselmeier, cuya actuación dramática es superior. La Fosse le inyecta al personaje toques y matices muy apropiados y diferentes a otros vistos anteriormente en el mismo rol.

En el segundo acto puede comprobarse una vez más, la armonía e inspiración del grandioso Mr. B.  Desgranando con gracia y dominio toda la belleza de la coreografía que hay en ella, aparece Tiler Peck como Gota de Rocío (Dew Drop), quien dirige a los angelitos en la transición de la historia, cuando la pequeña Marie y su Cascanueces llegan al reino de las golosinas.  Ya Peck es bien conocida  por su magnífica técnica, aunque el público asistente era diferente al que siempre acude a las temporadas anuales de la compañía.  En este mes de constantes presentaciones, hay madres y padres que van con sus hijos, muchos de ellos en brazos, si bien no falta tampoco la gente joven.

Entre todos los muñecos bailables que acudieron a festejar a los pequeños visitantes, estaban presentes el nutrido grupo que representaba el Chocolate; la solitaria y sensual Café, a cargo de Savannah Lowery; el trío que ejecutaba el Té, así como el quinteto de mazapanes (pastorcitas), encabezadas por Erica Pereira. Y la infaltable Mamá Ginger, los Polichinelas, los traviesos bastones de caramelos, con el atractivo bailarín Robert Fairchild a la cabeza, quien además de mostrar su enorme personalidad como admirada figura del elenco, ejecutó innumerables y difíciles travesuras con su aro, como la coreografía reclamaba.

El plato fuerte de la obra es siempre el Pas de Deux final, esa noche espectacularmente ejecutado por la pareja formada por el Hada Garapiñada (Sugar Plum Fairy), encarnada por la sutil y esplendorosa Megan Fairchild, y su Caballero, Joaquín De Luz, quienes bordaron las difíciles variaciones, tanto en los bailes en pareja como en los solos. Aquí es de notar cómo el público entrenado en Balanchine, ya comienza a responder a los pasos de bravura o grandes alardes de técnica, poco frecuentes en el estilo coreográfico del coreógrafo, por más que su escuela demanda limpieza y rapidez en los pasos, que por ende los hace muy difíciles. Los múltiples pirouettes de De Luz arrebataron a los presentes, demostrado por los innumerables aplausos que recibió el simpático bailarín madrileño.

El final deja siempre sorprendido al público, especialmente a los pequeños, cuando surge en la escena el enorme trineo que vuela hacia las alturas, llevando a Marie y su Cascanueces a sitios elevados. Un aparte no puede negársele al solo de violí de Nicolas Danielson, en el bello intermezzo de la partitura. La orquesta, esta vez dirigida por Arturo Delmoni, llevó los tiempos con extrema rapidez. No obstante, fue una noche más de éxito, de las muchas en que la admirada obra ayuda durante este mes de salutaciones navideñas, a rellenar los cofres de la compañía.

El City ballet de San Diego presentará “Tchaikovsky Spectacular”. Foto gentileza de City Ballet de San Diego.

Pocos compositores de la época fueron tan prolíficos en su producción musical, y pocos, tan vinculados al ballet como Piotr Illich Tchaikovsky. Autor de una diversidad de obras de música clásica, famosas en el repertorio actual, como por ejemplo la “Obertura 1812”, la obertura-fantasía “Romeo y Julieta”, el “Primer concierto para piano”, sus sinfonías Cuarta, Quinta y Sexta (Patética) y la ópera “Eugenio Oneguin”.

Pero fundamentalmente, el músico es reconocido en el ámbito del ballet por tres obras cruciales en la historia de esta disciplina: “El lago de los cisnes”, “La Bella Durmiente” y “El cascanueces”.

El City Ballet de San Diego, California, dirigido por Steven y Elizabeth Wistrich, presentará desde el 4 al 6 de marzo, “Tchaikovsky Spectacular”, un programa en honor al compositor nacido en Votkinsk, un pequeño pueblo en Udmurtia, que había sido parte del Imperio Ruso. El programa contará con orquesta en vivo, dirigida por John Nettles, y será parte de la temporada número 18 de la compañía que se presenta en el Spreckels Theatre.

El programa incluye “Swan Lake Act II”, de “El lago de los cisnes” y cuenta con la escenografía concedida por el Milwaukee Ballet. También se presentará el “Cisne negro”, que pertenece al tercer acto de esta misma obra.

Dos bailarinas principales de la compañía, Ariana Samuelsson y Janica Smith, cubrirán los roles de Odette, en el acto II y de Odile, en el “Cisne Negro”. Los bailarines que cubrirán los roles masculinos son Gerardo Gil, quien perteneció al Ballet Nacional de México, y John Henry Reid, que integró las filas del Colorado Ballet y Texas Ballet Theater.

“Estamos entusiasmados de presentar este extraordinario repertorio de ballet especialmente ahora –comentó Steven Wistrich–. La audiencia que ya ha visto la película ‘Black Swan’ podrá pasar por la experiencia de ver el ballet real”.

El director hizo referencia a la cuestionada película de Darren Aronofsky, protagonizada por Natalie Portman, con coreografía de Benjamin Millepied, que actualmente está nominada para el Oscar como mejor película. Y entre otras nominaciones del film, Portman está como candidata al Oscar como mejor actriz; Aronofsky como mejor director y Matthew Libatique por la dirección fotográfica.

El programa en homenaje a Tchaikovsky se completa con “Tchai Celebration”, una obra realizada por la coreógrafa residente de la compañía, Elizabeth Rowe Wistrich, basada en “The Seasons, Opus 37b”, del compositor ruso. Informes: 858-272-8663 ó en www.cityballet.org.