El Ballet Nacional de Cuba presenta “Double bounce”, de Peter Quanz, un pas de deux neoclásico con chispeante humor. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

El Ballet Nacional de Cuba (BNC), Patrimonio Cultural de la Nación, en el año del Centenario de Alicia Alonso, desde el 7 al 16 de febrero ofrece un programa tributo en el Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso.

La compañía cubana que dirige Viengsay Valdés, ha invitado al coreógrafo canadiense Peter Quanz, para la reposición de sus obras “Le Papillon” y “Double bounce”, existosas piezas que integran el repertorio del BNC.

Al decir de Peter Quanz, “Le Papillon” es el único ballet coreografiado por Marie Taglioni. Fue creado en 1860 para su alumna Emma Livry como un regalo a la bailarina más joven y sobresaliente de su tiempo. La versión que he realizado para el Ballet Nacional de Cuba no tiene conexión con el libreto original, pero está centrada en la relación entre Marie Taglioni y Emma Livry. En su época, Taglioni inspiró a las nuevas generaciones de bailarines, de la misma forma que Alicia Alonso abrió su corazón a los artistas de Cuba y de todo el mundo».

“Double bounce” con música de David Lang y vestuario de Anne Armit, es un pas de deux neoclásico con rápidos cambios sincopados de ángulos con poses precisas y malabares chispeantes de humor alegre, como lo definió el crítico ruso Alexander Firrer. El programa lo integran también “Suite géneris” de Alberto Méndez, inspirado en la música de Haendel y Haydn, que deviene en un agradable juego coreográfico. El pas de deux del ballet “Las intermitencias del corazón”, que en 1974 creara el coreógrafo francés Roland Petit, está inspirado en fragmentos de “En busca del tiempo perdido” de Marcel Proust, esta obra alterna con “Double bounce”.

Cierra el programa “Tema y variaciones”, uno de los más famosos ballets de George Balanchine. Su estreno tuvo lugar en 1947, en New York, a cargo de Alicia Alonso e Igor Youskevitch, quienes hicieron una inolvidable creación de esta obra. Desde su estreno en el Ballet Theatre, “Tema y variaciones” ha pasado a enriquecer el repertorio de las más famosas compañías del mundo. Siguiendo la música de Tchaikovski, el estilo balanchiniano logra en esta obra un singular concierto formal de rejuegos coreográficos, que exige de los intérpretes un gran virtuosismo técnico y una depurada sensibilidad artística.

Los roles protagónicos de estas presentaciones estarán a cargo de Viengsay Valdés, Anette Delgado, Sadaise Arencibia, Grettel Morejón, Dani Hernández, Rafael Quenedit, Ginett Moncho y Yankiel Vazquez, secundados por solistas y cuerpo de baile.

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La premiada como Mejor Bailarina Alicia Amatriain y Jason Reilly, del Stuttgart Ballet, interpretaron un fragmento de “Un tranvía llamado deseo”, de John Neumeier. Fotografía gentileza de Jack Devant.

Finalizada la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse y con apenas una breve pausa, comenzó en el Teatro Bolshoi de Moscú la tradicional gala de nominados. De entrada, puede resultar extraño que los participantes intervengan en el espectáculo con los galardones ya entregados. De esta manera, habrá quien esté eufórico por contar con un Benois –considerado el ‘Óscar’ del ballet- en su camerino y quien se haya quedado con las manos vacías. Dividida en dos partes y con una duración de tres horas, la gala de nominados desplegó un amplio abanico de posibilidades interpretativas sobre el escenario del mítico Bolshoi.

Como si el ballet quisiera volver sus orígenes cortesanos, un sexteto de bailarines del Mariinsky Ballet presentó un fragmento de “Divertissement of the King”, coreografía del nominado Maxim Petrov, sobre la música del compositor barroco francés Jean-Philippe Rameau. El contrapunto a los modos y maneras versallescas, llegó de la mano del dúo de “Carmen”, obra creada para la Compañía Nacional de Danza, por Johan Inger, premiado como mejor coreógrafo. Acostumbrado a propuestas más clásicas, quizás el público se sorprendió por este fragmento interpretado con solvencia por Emilía Gisladöttir y Daan Vervoort (CND). La escena “Tears” de la obra “Emperor Yu Li”, con coreografía del nominado Zhang Yunfeng y bailado por Hu Yuting y Sun Ke (Beijing Dance Academy), se alargó en exceso, para dar pie al dúo de “Cinderella”, creado por el nominado Mauro Bigonzetti, e interpretado por Virna Toppi y Christian Fagetti (La Scala de Milán). Al volver el clásico a escena con un paso a dos de “Giselle”, protagonizado por la nominada Rebecca Bianchi y su partenaire Claudio Cocino (Ballet de la Ópera de Roma), los espectadores demostraron su preferencia por ese estilo, ratificada con el “Tchaikovsky. Pas de deux”, bailado por Emily Slawski y Dmitry Zagrebine (Real Ballet de Suecia).

Oxana Skorik y Philipp Stepin, del Mariinsky Ballet de San Petersburgo, bailaron el clásico “Sylvia”, con el que finalizó la gala de nominados en el Teatro Bolshoi, el 17 de mayo. Fotografía gentileza de Jack Devant.

La primera parte se clausuró de manera impactante por la flamante Benois de la Danse a la ‘Mejor Bailarina’, Alicia Amatriain (Stuttgart Ballet), quien junto a su partenaire Jason Reilly, pusieron el corazón en un puño al espectador por su soberbia interpretación de la durísima escena de la violación a Blanche DuBois, extraída de “Un tranvía llamado deseo”, coreografía del también galardonado John Neumeier. Dramatismo puro en el punto de inflexión de la obra que, sin embargo, tiene difícil acomodo en una gala, aunque la petición de la organización era interpretar la obra por la cual el candidato estaba nominado.

Si la primera parte había mostrado su apuesta por la danza más actual, el segundo acto se inclinó por dar preferencia al clásico. Así, Hannah O’Neill (Ballet de la Ópera de París) – ‘Mejor Bailarina’, ex aequo con Amatriain- inauguró esta parte con un paso a dos de la obra de repertorio “Esmeralda”, contando con Hugo Marchand como pareja. Continuó la pieza “L’Arlésienne” de Roland Petit, dúo de gran belleza de los nominados Bianchi y Alessandro Riga (CND), que dio paso a “What love tells me”, en claro homenaje a John Neumeier –reconocimiento a toda su trayectoria-, e interpretada por los aclamados bailarines Silvia Azzoni y Alexandre Riabko (Ballet de Hamburgo).

Con la ventaja de actuar en casa, Olga Marchenkova y Artemy Belyakov (Bolshoi Ballet) presentaron un fragmento de “Hero of our time”, de Yuri Possokhov , premiado como ‘Mejor Coreógrafo’, ex aequo con Inger. El tramo final de este acto volvió a recurrir a piezas de repertorio bien conocidas por los espectadores moscovitas como “Schéhérazade”, de Michel Fokine, obra gracias a la que Kimin Kim (Mariinsky Ballet) recibió el premio como ‘Mejor Bailarín’ y de la que bailó un extracto con Nadejda Batoeva; un paso a dos de “Romeo y Julieta”, de sir Kenneth MacMillan, interpretado con exquisitez por Lauren Cuthbertson y Edward Watson (The Royal Ballet); y “Sylvia”, en la versión de sir Frederick Ashton, bailada con una técnica impecable por la figura emergente Oxana Skorik y Philipp Stepin (Mariinsky Ballet).

Todos los participantes en la gala de nominados de los XXIV Premios Benois de la Danse, en el Teatro Bolshoi de Moscú, el 17 de mayo. Fotografía gentileza de Jack Devant.

En general, el público ruso tiene fama de conocedor del ballet. Por sus aplausos, la sensación que transmite es que aprecia y se deleita con el ballet clásico, pero no llega a conectar en exceso con las piezas contemporáneas. Además, al parecer, la tradición es que, en las galas, una voz en off anuncia los créditos de cada pieza, lo que resulta chocante para el espectador foráneo y, de alguna manera, interrumpe la fluidez de un espectáculo ya excesivo en su metraje. Si la velada se inició a las 19.00 hora local con la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse, finalizó cuando el reloj marcaba las 23.00 horas. En una gala tan extensa, quizás sería interesante un ojo externo a la hora de conformar la combinación de piezas del programa, que dicho sea de paso, podía haber tenido más ritmo. Probablemente sea una cuestión de diferente percepción del concepto de espectáculo. Consideraciones aparte, la gala de nominados fue una kilométrica y aplaudida muestra de tres horas y es que la fama del Bolshoi requiere de exhibiciones mastodónticas para mayor gloria de las leyendas que han bailado sobre sus tablas.

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El teatro también baila

Por primera vez en Cuba Acosta Danza subió a escena “Carmen”, de Carlos Acosta, una producción estrenada en 2015 por el Royal Ballet de Londres. Foto Buby Bode. Gentileza BB.

Carlos Acosta, el portentoso bailarín cubano en sus 42 primaveras, después de triunfar con su virtuosismo técnico e interpretativo en los principales escenarios del orbe, decidió acometer un nuevo desafío: fundar su propia compañía de danza en su país natal. Anteriormente sorprendió como coreógrafo, e incursionó en dos géneros literarios. En abril, debutó con Acosta Danza en la sala García Lorca del ahora flamante Gran Teatro Alicia Alonso de La Habana, con dos programas diferentes montados y ensayados en solo seis meses, acometidos por un inteligente y esforzado equipo técnico. Y, por supuesto, bailado por los 25 bailarines locales, seleccionados en audiciones abiertas, provenientes de compañías de danza contemporánea o ballet, o recién egresados de las reconocidas escuelas de ballet y danza nacionales.

Acosta había expresado previamente en una multitudinaria conferencia de prensa, su interés seminal de crear una compañía de gran ductilidad en sus técnicas y “novedosa” en los movimientos estilísticos. Y también, a partir de la diversidad aportada por los creadores nacionales o foráneos -con una real contemporaneidad-, así como interpretar y ejecutar el repertorio llamado “clásico”, o el “neoclásico”, sacralizados por la historia de la danza o por la tradición en las artes escénicas.

“Fauno”, obra creada para el Sadler´s Wells de Londres, en 2009, por el coreógrafo Sidi Larbi Cherkaoui. Foto: Buby Bode. Gentileza BB.

El programa “contemporáneo” de la primera semana incluyó cuatro piezas en reposición y un estreno mundial. Entre los “revivals”: “Alrededor no hay nada” (2006), una laureada coreografía del español Goyo Montero sobre cuatro poemas de Joaquín Sabina y Vinicius de Moraes, cuyas propias declamatorias sirvieron de intrigante soporte “musical” a las cinco parejas ataviadas de riguroso negro, con ciclorama del mismo color de fondo auxiliadas por las sillas respectivas. Le siguió “Fauno”, un fabuloso dúo para una pareja mixta creado para el Sadler´s Wells de Londres, en 2009, por el coreógrafo Sidi Larbi Cherkaoui, interpretado aquí por Yanelys Godoy y Julio León. Dos espléndidos bailarines, quienes regalaron una audaz, apasionada y sensual interpretación cargada de notable calidad de movimiento, con el consecuente éxito de público y de la crítica cada noche, además del valor agregado de la música de Debussy, el innovador vestuario de Chalayan y el diseño de luces de Adam Carrée.

La bailarina y coreógrafa cubana Marianela Boán (residente por más de dos décadas en el exterior), retornó a su natal Habana para remontar su conocido dúo masculino “El cruce sobre el Niágara”, estrenado por Danza Contemporánea de Cuba en 1987, con el soporte de una música vibrante y emotiva de Olivier Messiaen. Boán encontró la inspiración creativa en la pieza teatral homónima del peruano Alonso Alegría. Con dos atléticos danzantes de gran control corporal, capaces de ser armónicos, y de conseguir la conmovedora entrega de esta pieza minimalista “avant la lettre”, que por su vigencia puede calificarse de un “clásico” de la danza contemporánea cubana. Sus intérpretes actuales fueron Mario Sergio Elías y Raúl Reinoso, ambos de una asombrosa intensidad dramática. La pieza contó con el experto diseño de luces de Carlos Repilado, laureado con el Premio nacional de danza 2016.

El único estreno mundial propuesto, esta vez, por Acosta Danza para iniciar su andadura planetaria es “De punta a cabo”, creación del bisoño coreógrafo Alexis Fernández (Maca), en una transición de su carrera como bailarín. Maca ha pretendido, situando toda la acción en un set único que muestra escenas populares en un anochecer del Malecón habanero, llevar a la danza “sus impresiones sobre la Cuba de hoy, un país de mezclas y contrastes”. Con la participación de casi todo el elenco de Acosta Danza, se tradujo en un débil trabajo coral al no lograr las necesarias articulaciones, para clarificar la “mixtura” de lo tradicional y lo moderno.

El dúo de Kenneth MacMillan, “Winter Dreams”, interpretado por Acosta Danza en Cuba. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Después de una prolongada pausa, se abrió el telón para dar paso al último título anunciado: la nueva versión de “Carmen” de Carlos Acosta, siempre sobre la novela homónima de Prosper Merimée y la música de George Bizet, orquestada por el ruso Rodión Schedrin (por encargo de Alberto Alonso para el estreno Moscú de “su” Carmen). Una producción mejorada de la interpretada, en 2015,  por el Royal Ballet de Londres (según confirman testigos del Covent Garden). Aunque no es menos cierto que, a lo largo de la pieza, se evidenciaron los guiños a las versiones referenciales, como la de Alberto Alonso, o en menor grado la de Roland Petit, sin menoscabo a lo diseñado por Acosta.

De los dos elencos programados, en el primero se vio una admirable entrega de Laura Treto, por su sólida técnica y la apasionada interpretación del papel titular, y un meritorio  Don José encarnado por el bisoño Javier Rojas, recién egresado de la academia con 18 años. De fina estampa pero con una caracterización del personaje aun en ciernes. Como partenaire, su desempeño tuvo el fuste necesario. Los comprimarios, tal Zúñiga por Alejandro Silva, en una sobria pero precisa ejecución, y particularmente el Escamillo de Luis Valle, en sus solos virtuosos y los dúos eróticos con Carmen, se robaron las salvas de aplausos en la noche inaugural.

A la versión de Acosta se le podrían marcar puntos débiles, como el escaso empleo del personaje del destino-toro. Sin embargo, las escenas de la taberna alcanzaron un punto álgido con la intervención del afamado bailaor Rafael Amargo y su conjunto en una serie de palos del flamenco y de su notable cantaora gitana Genara Cortés. La respuesta masiva y bulliciosa del respetable, que colmó la Sala García Lorca cada noche, no se hizo esperar. La música en vivo fue un aliciente más, especialmente por un desempeño aceptable del conjunto orquestal (brillante la sección de las percusiones) dirigido por el maestro Giovanni Duarte.

La carrera de Maya Plisétskaya empezó cuando bailó por primera vez “La muerte del cisne”, obra con la que se despidió de los escenarios cuando ya tenía cerca de 70 años. Foto archivo Danzahoy.

El 2 de mayo, en Munich, Alemania, falló su corazón y o hubo ninguna alternativa para salvarla. Maya Plisétskaya, una de las más grandes bailarinas del siglo XX, marcó su adiós a los 89 años.

Maya Plisétskaya empezó a bailar a los 3 años en la Escuela de Danza de Moscú. Su padre, Mijaíl Plisetski, judío, fue ejecutado por orden de Stalin en 1938, y su madre, la actriz Rachel Messerer, también judía, fue deportada junto con su hermano al gulag. Plisétskaya logró destacarse en la escuela del Teatro Bolshói, bajo la influencia de sus tíos Asaf y Sulamith Messerer, por entonces bailarines de esa compañía controlada por el régimen soviético.

Maya Plisétskaya en “Carmen Suite”, obra que Alberto Alonso hizo para ella. Foto archivo Danzahoy.

En 1943 la bailarina pasó a integrar las filas del Bolshoi y a los 18 años se convirtió en primera bailarina. Su carrera profesional empezó cuando bailó por primera vez “La muerte del cisne”, obra con la que se despidió de los escenarios cuando ya tenía cerca de 70 años.

Después de un largo período en el que no pudo salir del país por restricciones políticas, comenzó a hacer giras internacionales durante las que visitó países como Estados Unidos, Francia, Reino Unido, Italia (donde fue directora del Ballet de la Ópera de Roma), Argentina, y en España, donde dirigió la Compañía Nacional de Danza.

Nacida el 20 de noviembre de 1925 en Moscú, Plisetskaya desafió el tiempo y las costumbres de la época, escandalizó al régimen soviético con interpretaciones osadas y se apasionó con coreografías modernas como “Carmen Suite”, que Alberto Alonso hizo para ella. Incorporó obras de Maurice Béjart y de Roland Petit.

Entre los roles más reconocidos figuran el de Odette y Odile en “El lago de los cisnes”, que interpretó más de 800 veces; Kitri en “Don Quijote”, Carmen en “Carmen Suite” de Alonso, Anna Karénina, en la obra del mismo nombre en la cual fue intérprete, directora escénica y coreógrafa, y otras que se acumulan en una larga lista de memorables interpretaciones que han dejado huella en la historia del ballet.

La artista dirigió, entre 1987 y 1990, el Ballet del Teatro Lírico Nacional de España, tenía la medalla de oro de Bellas Artes y en 1993 obtuvo la nacionalidad española. Venerada y aclamada por el público y los bailarines de todo el mundo, recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2005, que se otorga a las personalidades más destacadas de la cultura y el arte.

Junto a su marido de toda la vida, el compositor Rodión Shchedrín, crearon un archivo documental sobre su trayectoria, un museo sobre la danza clásica y la composición musical; organizaron concursos de danza clásica, cursos, charlas y conferencias relacionadas con el ballet clásico y la composición.

Inolvidable por su intensidad como intérprete, con Plisétskaya se va una parte importante de la historia de la danza, y una cultura ética de esta profesión que ha perdido su razón de ser con el exitismo, la falta de trabajo y las acrobacias primando sobre la calidad.

En el XXIV Festival Internacional de La Habana se presentó el Ballet Hispánico de Nueva York, con un elenco de más de 60 bailarines. Foto: Yailín Alfaro. Gentileza YA.

El evento bienal más antiguo e importante de América latina clausuró su vigésimo cuarta edición el 7 de noviembre en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional con las sorprendentes reverencias de la gran dama de la danza cubana y cofundadora del Ballet de Cuba, Alicia Alonso, quien sonriente esbozó grands pliés hacia el público y luego hacia los bailarines de pie a sus espaldas.
El programa de clausura fue uno de los más equilibrados en su diversidad de estilos e interpretaciones, siempre de altos quilates tanto por los artistas invitados como por los cubanos, quienes entregaron lo mejor de sus talentos, si bien la pieza de cierre, Valsette, un pas de deux de “Nuestros Valses” del malogrado venezolano Vicente Nebrada, fue bien servida por Viengsay Valdés, en el baile y en el piano por el excelente Marcos Madrigal (de notable carrera en los circuitos internacionales), era preferible algo más cargado de virtuosismos técnicos.

Es ardua la tarea para resumir en pocas líneas un macroevento de dos semanas, que mantuvo una alta asistencia de público en cuatro salas de la capital cubana –dos de ellas con aforo para tres mil  y otra para cinco mil espectadores–, por lo tanto me obliga a descartar ciertos eventos históricos o artísticos meritorios, teniendo en cuenta las efemérides elegidas para definir el diseño general de la programación: los 450 de William Shakespeare, el bicentenario del nacimiento de la poeta y dramaturga Gertrudis Gómez de Avellaneda y el centenario del maestro de maestros fundador de la escuela cubana de ballet, Fernando Alonso Rayneri.
El festival habanero es uno de los más antiguos del mundo (está a punto de cumplir 55 años de historia –el primero ocurrió en la primavera de 1960–, y ha presentado artistas provenientes de más de 60 países de cinco continentes, ha estrenado más de 900 obras (absolutos 241 y en Cuba unas 690).
El acervo cultural se ha visto enriquecido en esta ocasión por la participación de nuevas compañías de corte contemporáneo, tales como LINGA, de Suiza, fundada por Katarzyna Gdaniec y Marco Cantalupo; de los Estados Unidos la del sueco Pontus Lidberg (su director–fundador saltó a la fama por su filme de ballet “La lluvia”, de 2007) con su hermoso “Faune” inspirado en el de Nijinsky. Ambas trajeron un repertorio afiliado al posmodernismo. Por otra parte, también estuvo el Ballet Hispánico de Nueva York, que,  con su director y coreógrafo Eduardo Vilaró, al frente de un afiatado elenco de poco más de 60 bailarines sobrepasó todas las expectativas de éxito popular, debido a las obras bailadas e interpretadas, como “Asuka” (una evocación patética de la cantante cubana Celia Cruz); “El beso”, por la audaz creatividad de los contacts en los dúos, especialmente el que ejecutan con ternura dos bailarines, sin sacrificar su masculinidad, sobre fragmentos musicales de conocidas zarzuelas hispanas.

Finalmente, de Annabelle López–Ochoa, “Sombrerisimo”  un sexteto masculino inspirado en los personajes icónicos del pintor surrealista belga René Magritte, que sedujo a todos con su humor inteligente. Previamente, ella montó “Celeste” para el BNC, y bailado en este evento, aunque con éxito menor.
Inolvidable la delirante acogida conseguida por el Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires con su “Tango”, con coreografía de su directora actual, Lidia Segni, con música de Astor Piazzolla y soberbios figurines para las chicas, así como el trabajo robusto e impecable de los chicos con sombreros milongueros.

Shakespeare en La Habana
Sin duda, hubo mucho de Shakespeare en los repertorios elegidos por los invitados extranjeros y por los nacionales, con abundancia de versiones del “Otello”. Un pas de deux con destacada interpretación dramática por parte del bailarín cubano Javier Torres, principal residente con el Northern Ballet, quien contó con una exquisita Desdémona en Carolina Agüero (del Ballet de Hamburgo). Entre los conjuntos, una histórica producción de “La Pavana del Moro” de José Limón, en una interpretación intensa y “stylish” del Ballet de la Ópera de Niza, con su director Eric Vu An, en el rol principal. Luego vino la reposición –después de dormir por varias décadas–, por el BNC del “Prólogo para una tragedia”,  del canadiense Brian McDonald, que todavía requiere de un ulterior trabajo dramático y estilístico; por último mencionaré otra reposición por el BNC, el neoclásico “Hamlet” de Iván Tenorio, quien falleció en los días previos al inicio de este festival.
Sin duda, los aficionados gozaron plenamente con las abundantes muestras de pirotecnias en las dobles funciones diarias. Allí aplaudieron demostraciones de excelencia conocidos caballos de batalla del repertorio, de “Corsarios”, “Diana y Acteón”, “Las llamas de París”, “Espartaco”, el “Tchaikovsky pas de deux”, “Esmeralda”,  según las ejecuciones con virtuosismo técnico por parte de consagrados y otros solistas en franco desarrollo ascendente.

Se pueden citar las de Viengsay Valdés, Amaya Rodríguez, Sadaise Arencibia, Annet Delgado, Yanela Pinera, en la primera línea y pisádole los talones Grettel Morejón, Estheysis Menéndez, Dayesi Lorente o Jessie Domínguez. Entre los chicos están Víctor Estévez, Dani Hernández, Arián Molina, Ernesto Díaz, José Losada, Camilo Ramos, y los promisorios Alejandro Silva, Camilo Ramos, Serafín Castro. Luis Valle, Alfredo Ibáñez, Ernesto Álvarez,  entre otros. En general, adolecen de una preparación dramática para cubrir esas necesidades escénicas: todo no es atletismo en el ballet, aunque esto seduzca a las masas y provoque ovaciones de pie.

Joyas y sorpresas

Viengsay Valdés, del Ballet Nacional de Cuba y Brooklyn Mack, del Washington Ballet, hicieron el pas de deux de “Don Quijote” en el XXIV Festival Internacional de Ballet de la Habana. Foto: Yailín Alfaro. Gentileza YA.

Importancia excepcional le otorgó a esta edición festivalera las actuaciones de las estrellas del New York City Ballet y del American Ballet Theater que nos visitaron: Ashley Bouder y Joaquín de Luz con “Other Dances” de Robbins (felizmente la música de Chopin fue ejecutada al piano por Marcos Madrigal, quien reside en Italia y triunfa en los circuitos pianísticos internacionales).

Xiomara Reyes y Carlos López demostraron elegancia y lirismo glamuroso en “Great Galloping Gottschalk”, y Paloma Herrera con Juan Pablo Ledo (del Ballet del Teatro Colón) triunfaron con el dúo de “Variaciones Portenas” –Gonzalo García la acompañó para bailar el “Tchaikovsky pas de deux” de Balanchine–. Ambas anunciaron su retiro del ABT para la primavera del 2015, por lo tanto esta fue una brillante despedida cubana.
Dos sorpresas individuales concedió este festival: descubrir al joven bailarín Brooklyn Mack (junto a Viengsay Valdés), proveniente de las filas del Washington Ballet, con grandes potencialidades atléticas demostradas en “Diana y Acteón”, con saltos y giros inmensos, pero sin control para matizarlos.

La segunda sorpresa fue el solo “Sinnerman”, del coreógrafo noruego Alan Lucien Oyen, bailado de forma mercurial en espirales fluidas por el joven argentino Daniel Proietto, ataviado con un traje metalizado que solamente dejaba libre su cabeza, apoyado con un diseño de luces muy elaborado por Stine Sjogren, aunque los recursos de los teatros de acá no tienen aún la alta tecnología de los que cuenta en Oslo.
No faltaron las versiones de “Carmen” –pero la de Alberto Alonso nadie la bailó–, en cambio llegó el pas de deux de la versión de Marcia Haydée, interpretado con intensidad dramática y aplomo por las estrellas del Ballet de Santiago de Chile, Natalia Berrios y José Manuel Ghiso, ambos bailarines–actores sin duda.

Posteriormente, la versión de Roland Petit, con José Manuel Carreño y Alexhandra Meijer (primera bailarina del Ballet San José de California), él emotivo y elegante, ella con fuste y maravillosas piernas y puntas de acero, con referencias en momentos a Zizi Jenmaire, creadora del rol.

Igualmente, la danza española afirmó su presencia con la carismática bailaora Irene Rodríguez, creadora de la pieza “Ardabal” evocadora de las posibilidades de evasión hacia la libertad, que pueden brindar la apertura de las puertas cerradas que rodean al ser humano.

Los locales
Y por su fuera poco, el BNC ofreció varias de sus producciones para toda una noche, algunas de ellas renovadas en cuanto a los figurines de decorados y vestuario, tales como la afamada versión de “Giselle”´ de Alicia Alonso, con el regalo de la maravillosa entrega de Annette Delgado y Dani Hernández, y el fabuloso trabajo estilístico afiatado del cuerpo de baile de las willis. Un “Lago de los cisnes” que tenía dos estelares bailarines en los protagonistas, Viengsay Valdés, rutilante a pesar de su estado febril transitorio esa noche, apoyada por el notable bailarín ucraniano Iván Putrov, esta vez contrastante con su quehacer controlado “a la manera del Royal Ballet” y la exuberancia del virtuosismo de Valdés y los chicos del elenco cubano.

“La Bella Durmiente del bosque” trajo una protagonista superada en su técnica e interpretación estilística y dramática, pero su príncipe, Arián Molina, tuvo un loable desempeño en  la función de acompañamiento, pero su definición del personaje está todavía por conseguir.

Aniversarios

Para la celebración del bicentenario de Avellaneda, excelsa cubana de la literatura, Alicia Alonso decidió reponer su “Tula”, ballet en dos actos y varias escenas, con renovaciones positivas de todo tipo para una obra narrativa de muchos personajes participantes en casi dos horas de espectáculo.

“Sinnerman”, del coreógrafo noruego Alan Lucien Oyen, bailado por el argentino Daniel Proietto. Foto: YA. Gentileza YA.

Amaya Rodríguez, encarnando el protagónico, y los figurines de Salvador Rodríguez, así como las inteligentes iluminaciones en la Sala Avellaneda, dieron nuevo lustre a esta pieza con música original de Juan Piñera, que se sintió aburrida cuando fue su estreno. La Alonso asistió a esta representación, y participó en la cancelación de un sello postal conmemorativo previamente. Una de sus escasas apariciones en el evento.
Merece elogios la labor del joven director musical de la Orquesta del Gran Teatro de La Habana (esta vez con refuerzos de algunos solistas de la Orquesta Sinfónica Nacional), maestro Giovanni Duarte, quien tuvo que sortear las escasas posibilidades para ensayar con los artistas, la presencia de jóvenes músicos que tocaban a primera lectura, la carencia de un real experto de sonido para ecualizar debidamente amplificación del sonido en los variados fosos, y otros obstáculos.

Las acciones colaterales fueron diversas y algunas muy atrayentes, tanto en las exhibiciones fotográficas: la de Nancy Reyes y Luis Alberto Alonso sobre las manos de Alicia Alonso, y la realizada por Pilar Rubí, fotógrafa hispano-boliviana que trabajó las piezas con collages de perlas, encajes y alambres para “La geometría de los cuerpos”; y el “Retrato de la escuela cubana de ballet”, de la artista norteamericana Rebekah Borman.

Las Jornadas In Memoriam Fernando Alonso para celebrar el centenario del nacimiento del maestro fundador de la metodología de la escuela cubana de ballet resultaron exitosas y muy concurridas. En cada sesión matinal de clases magistrales, impartidas sucesivamente por Julio Bocca, Eric Vu An, Cyril Atanassoff, José Manuel Carreño, Xiomara Reyes y en dúo Marta García con Orlando Salgado. Una gran experiencia brindada a los estudiantes de ballet de todos los niveles, críticos y profesores, y algunos balletómanos interesados.

Rudolf Nureyev montó con el ENB su versión de “Romeo y Julieta” de Prokofiev. Foto promocional del homenaje a RN por el ENB.

Tamara Rojo apunta a mantener el nivel artístico-técnico de los clásicos, así como de la contemporaneidad con programas que muestren un hilo conductor cuando son los llamados ‘’triple bill’’ (tres ballets en una noche). Entonces busca un título que refleja, más o menos, el sentido general o “mood” del espectáculo. Por ejemplo, este se llamó ‘’Ectasy and Death” (Extasis y muerte), que incluyó: “La Petite-Mort”, de Jiri Kylián, “Le jeune homme et la mort”, de Roland Petit, y cerraba con ‘’Etudes’’ (montado por Jhonny Eliassen, quien lo bailó mucho tiempo y es el responsable de reponerlo por medio mundo, y prácticamente estuvo dos meses con el ENB). Para el montaje de la pieza de Kylián viajaron dos de los bailarines que lo estrenaron, y para la obra de Petit estuvo Luigi Bonino, encargado de las reposiciones por la Fundación Petit. Y contamos, como bailarín invitado, a Nicholas le Riche, estrella de la Ópera de París.

Después vino el Homenaje a Rudolf Nureyev. Era con el ENB que Nureyev realizaba sus grandes festivales en Londres, y fue en esta compañía donde monto su versión de ‘’Romeo y Julieta’’ de Prokofiev. Desde sus bailarines fundadores, Alicia Markova y Anton Dolin, podemos ver la constelación sucesiva de famosos que han bailado con el ENB, no solamente ingleses, sino de todas partes del mundo.

Por ejemplo, en el presente tenemos a Vadim Montagirov, uno de los bailarines clásicos más asombrosos sobre la escena mundial en los últimos tiempos. Formado en Kiev, ganó el Grand Prix de Lausanne, que le permitió estudiar en la Escuela del Royal Ballet, sin embargo al graduarse decidió integrar las filas del ENB. Hasta ahora bailaba los grandes clásicos solamente, pero lo motivamos para que bailara también la otra dirección: los contemporáneos.

Alban Landorf, proveniente del Danish Ballet, otra de las grandes promesas de la danza planetaria, fue invitedo para bailar ‘’Etudes’’, quien se sentía en su salsa, puesto que lo conoce desde niño como estudiante en la escuela de Copenhague. Es un virtuoso, brillante, y gran artista. (En Rusia, resultó ganador este ano del Premio Benois de la danza, ex aequo con Montagirov, en la categoría hombres).

El cierre de temporada fue el programa Homenaje a Nureyev, montado con ayuda de la principal “ballet mistress” del Ballet de L’ Opéra de Paris, Clotilde Vayer, con la cual trabajé armoniosamente en años precedentes. Este espectáculo incluyó ‘’Petrouchka’’; ‘’El canto del compañero errante” y finalizaba con ‘’Raymonda’’ (primer ballet montado por Nureyev para el Royal Ballet). Vayer repuso con el ENB la versión de Nureyev para el Ballet de la ‘Opera de Paris, que difiere de las anteriores debido a una serie de variaciones agregadas por él mismo.

Hubo tres elencos alternantes para ‘’Petrouchka’’, en el cual debutó el cubano Jonah Acosta (sobrino de Carlos), como El Moro, quien defendía un rol carente de pasos acrobáticos, por lo cual debía demostrar sus dotes histriónicas en su interpretación. Para ‘’El canto…’’ viajaron a Suiza con los bailarines elegidos para la obra, ya que la Fundación Béjart-Lausanne es muy celosa con las reposiciones de los títulos de Béjart para otras compañías: ellos lo revisan todo al detalle, y solicitaron que los acompañara, teniendo en cuenta el periodo largo que trabaje allí con el propio autor.

Lucía Lacarra y Marlon Dino, bailarines principales del Ballet de la Ópera de Munich interpretarán tres pas de deux en la 9na. edición “Los vascos y la danza”. Foto: M. Logvinov. Gentileza Asociación Bilbao Ballet Elkartea.

La bailarina vasca más aclamada y premiada de todos los tiempos, Lucía Lacarra, retorna al escenario del Auditorio del Palacio Euskalduna, como principal protagonista de la 9ª Gala “Los vascos y la danza” organizada por la Asociación Bilbao Ballet Elkartea. Será la segunda ocasión en la que la artista guipuzcoana participe en el evento, tras su paso en la quinta edición del mismo en 2010. Lucía Lacarra y Marlon Dino (Bailarines Principales del Ballet de la Ópera de Munich) interpretarán tres pas de deux, entre ellos el icónico “Cisne Blanco”, extraído del Acto 2º de “El lago de los cisnes”, con el que fueron aclamados en la Gala de Presentación de la Compañía Nacional del Danza Clásica, en marzo, en el Teatro Real de Madrid.

El Auditorio del Palacio Euskalduna acogerá el espectáculo que será el  18 de octubre, a las 20.00 horas, cuya dirección artística recae en Andoni Aresti. Las entradas para esta 9ª edición de “Los vascos y la danza” ya están a la venta en taquilla y a través del servicio de venta de entradas por Internet de Kutxabank.

Otro de los platos fuertes de la 9ª Gala es la participación del grupo de música rock We Are Standard, Premio Ojo Crítico de RNE a la mejor banda 2006 y Mejor Grupo Español en los MTV Awards 2009. En su época, Roland Petit con “Pink Floyd Ballet” (1972) y Maurice Béjart con “Ballet for life” (1997) sobre la música de Queen, ya realizaron un maridaje entre la música rock y el ballet.

La banda de Getxo tocará las canciones “Something bigger” –coreografiada y danzada por Beatriz Pérez y Roberto Hernández– y “7.45 bring me back home” –coreografiada por Edu Muruamendiaraz y bailada por Aukeran Dantza Konpainia-. La compañía guipuzcoana ofrecerá también otra pieza más, además de iniciar el espectáculo con el tradicional agurra, un especial homenaje a todos los bailarines que mantuvieron viva la llama de la tradición y de la danza en Euskadi.

El grupo Andoni Aresti Dantza presentará la pieza “Aldapeko sagarren” sobre música del grupo de Iparralde  Kalakan.

Como ganadora del 7º Premio Bilbao para Jóvenes Bailarines en 2012, Paula García participará en la gala. También se incluye al Taller de Danza del Conservatorio Municipal José Uruñuela de Vitoria-Gasteiz, con la pieza “Zure barnean”, coreografía de Jon Ugarriza creada con motivo del 25º Aniversario del centro.

"Suite en Blanc" con Marie-Agnès Gillot y el cuerpo de baile del Ballet de la Ópera de París en el Lincoln Center de Nueva York. Foto: Stephanie Berger. Gentileza LC.

Ver el Ballet de la Ópera de París, es trasladarse a una era en la que el buen gusto, los exquisitos modales y la delicadeza, imperaban en los teatros y en los salones palaciegos. Con la llegada a los Estados Unidos del ballet parisino, y desde el escenario del teatro Koch, que forma parte del Lincoln Center de Nueva York, el público ha podido disfrutar de una magnífica lección de perfección académica y mesura interpretativa. El programa, “French Masters of the 20th Century” (Maestros Franceses del Siglo XX), reunió tres piezas de igual número de coreógrafos y compositores franceses, las cuales, no obstante, incluyó dos en contraposición a la primera.

El programa dio comienzo con “Suite en Blanc”, creado por Serge Lifar (1905-1986) en 1943, sobre la música de Edouard Lalo (“Namouna”). El vestuario es el requerido para el ballet: tutús largos o cortos, en blanco para las mujeres, y camisas y mallas blancas para los hombres, si bien hay algunos que visten mallas negras. El escenario, sin decorados, solo telones oscuros y plataformas que algunos bailarines ocuparon cuando fue necesario. Según explican las notas del programa, Lifar creó la pieza como “danza pura” para “presentar las innovaciones de nuestros tiempos”.

Muchos años han transcurrido desde entonces, sin embargo, la obra mantiene la belleza y frescura que el coreógrafo concibió y que los actuales integrantes del Ballet de la Ópera, observan estrictamente. Poco parecen haber cambiado para el Ballet de la Ópera de París, esas reglas de buen gusto impuestas por los grandes maestros favorecidos por Luis XIV en su corte, responsables de la nomenclatura clásica como es practicada hasta el presente.

Pasos y poses llenos de simples encantos hacen que “Suite en Blanc” sea una  deliciosa clase del mejor curso de danza de escuela. El coro, formado por 10 parejas, con solistas de ambos sexos, interpretan desde los pasos más fáciles hasta los más complicados; fouettés para las bailarinas y doble assemblés en l´air para los hombres, todo expuesto con gran limpieza y determinación. Las erectas espaldas de las bailarinas, junto a la perfecta armonía del cuello, y los hombres, son una buena muestra de la gran escuela que las entrena. De igual manera, la bella colocación de los brazos en alto, como si fueran una corona, no pueden escaparse a los ojos de los amantes del divino arte de la musa Terpsícore. Los hombres, por su parte, son galantes en los bailes en pareja guardando la uniformidad necesaria cuando los bailes son de grupo.

Entre las interpretaciones más sobresalientes hay que mencionar la labor de Dorothée Gilbert y Marie-Agnès Gillot, cuando bailaron al compás de la música de La Cigarette y La Flute respectivamente. En especial Gilbert, una gran bailarina en toda la extensión de la palabra, por la forma límpida en que terminar cada paso, igualmente que la exuberante Isabelle Ciaravola, en el inspirado Adagio con Stéphane Bullion.

Mathieu Ganio, en la Mazurka, fue un atractivo húngaro, que supo demarcar las poses típicas con gran elegancia. En resumen, una hermosa visión de bailarinas y bailarines como el título indica, que causan deleite para los que aprecian la danza en su más clásica exposición.

Con la segunda obra, “L´Arlesienne” (La mujer de Arles), sobre la partitura del mismo nombre de Georges Bizet, Roland Petit (1924-2011), pasa al ballet con argumento, en su estilo neoclásico preferido. No obstante, Petit adquirió gran fama posteriormente, con sus obras que puedo llamar de cabaret, especialmente “Carmen” y “Le Jeune Homme et la Mort”, entre varias otras más.

“L´Arlesienne”, con escenografía de René Allio y vestuario de Christine Laurent, presenta la pasión trágica del atractivo Frederi, Benjamin Pech –seegún es descripta en la obra de Daudet–, por su infiel dama de Arles, rol a cargo de la brillante Ciaravola.

La pieza con que cerró el programa no podía haber sido mejor escogida: “Bolero” de Maurice Ravel. No necesita mucha presentación. Su repetitiva melodía, popular bajo todos los aspectos, va subiendo en intensidad y en número de intérpretes, según avanzan los compases. Maurice Béjart (1927-2007) hizo la coreografía de la obra en 1961, para su Ballet del Siglo XX (disuelto en 1986), que llevaba a Jorge Donn como el bailarín principal. Poco tiempo después, el famoso rol sería intercambiado con una mujer (la gran Maya Plisetskaya lo bailó en más de una ocasión). En el comienzo, el escenario aparece casi oscuro, y poco a poco comienza a visualizarse una plataforma en redondo, de color negro, iluminado solamente por un reflector central para destacar a la solista o solista sobre la plataforma.

Aurélie Dupont asumió el llamativo rol, vistiendo una camiseta sencilla, blanca sin mangas, y mallas negras hasta los tobillos, y el largo cabello, amarrado sobre la nuca, le caía profusamente sobre la espalda. Con el escenario a oscuras, salvo el reflector de la solista, poco a poco  comienza a notarse un nutrido grupo de hombres, vestidos en negro, que circundan el fondo de la escena, sentados a cierta distancia de la plataforma. Los hombres se van haciendo de notar de dos en dos, al levantarse y bailar cerca de la plataforma. Con cada nuevo sonido, la música va en aumento, igual que los bailarines, incluyendo a Dupont, que acomete con gran vigor el crescendo de la repetitiva melodía. En el final: una explosión de incontenibles aplausos y gritos del público, puesto en pie en todos los pisos del teatro. ´La orquesta de la Ópera del City Center, bajo la dirección de Koen Kessels sonó maravillosamente en entonación y ritmo.

Una noche más que añadir a la innumerable lista de triunfos del Lincoln Center de Nueva York, y del gran Ballet de la Ópera de París, que dejó transcurrir mucho tiempo desde su última visita, para volver a tocar estas costas, donde esperaban ansiosos muchos admiradores.

El gran maestro y coreógrafo Roland Petit murió el 10 de julio en Ginebra, Suiza. Foto: wikimedia commons.

Funcionarios de la Ópera de París, anunciaron la muerte de Roland Petit, ilustre figura  en el mundo de la danza del siglo XX, ocurrida el 10 de julio de 2011. Petit tenía 87 años. Renée (Zizi) Jeanmaire, su esposa desde 1954, anunció la noticia desde Ginebra, Suiza, donde la pareja residía desde hacía varios años.

Petit abarca una larga carrera como coreógrafo. Serge Lifar fue su primer maestro en la Escuela de la Ópera de París. Una vez entrenado, compartió la escena muchas veces con la mítica Janine Charrat. No obstante, los mayores logros de Petit, además de sus coreografías, fueron como director de distintas compañías, algunas fundadas por él mismo, así como revistas musicales. Y así fue como se relacionó con distintos personajes del mundo de la moda, entre ellos Yves St. Laurent y Christian Dior.

En Hollywood también triunfó como director de los bailables del film “Hans Christian Andersen” (1951), en la que actuaría Danny Kaye, junto a Jeanmaire, y Farley Granger.

Su gran fama, no obstante,  comenzoaría con su ballet “Carmen”, sobre la historia y música de la ópera del mismo nombre de Bizet, en 1949, que hizo expresamente para Zizi.  La escena de seducción de la pareja, en la alcoba, si bien no traspasaba los límites del buen gusto, en la época de su estreno fue poco menos que un escándalo; sin embargo, el triunfo no le fue escatimado.

La lista de importantes compañías que contaron con su dirección artística, es impresionante, por lo que mencionaremos las más conocidas, entre las que aparecen Ballets de Champ Elysées (1945), Ballet de Paris (1948), Casino de París (1970-1975), Ballet de Marsella (1972-1998), tantas otras.

La lista de sus obras, además de “Carmen”, es enorme. Las que más éxito obtuvieron:  “Les Forains” (1945),  “Le Jeune Homme et la Mort” (1946), “Le Demoiselles de la Nuit” (1948), “Cyrano de Bergerac” (1959), “La Croqueuse de Diamants” (1960), “Notre Dame de Paris” (1965), “Pelléas et Mélisande” (1969), “Pink Floyd” (1972),  “La Rose Malade” (1973), “Les Intermittence du coeur” (1974), y varias otras más, hasta 2008.

Petit, que nunca dejó de mejorar su estilo, fue merecedor durante su vida de distintos premios otorgados por su país, entre ellos Chevalier dans l´ordre des arts et des lettres (1962), y Chevalier de la Légion d´Honneur (1974).

Descanse en paz el gran coreógrafo y hombre de teatro.