Gauthier Dance en “Le chant du cygne: Le lac”, de Marie Chouinard, un alegato feminista llevado a la danza. Foto gentileza de Gauthier Dance.

Una década después de su primera visita al Teatro Arriaga de Bilbao, la compañía alemana Gauthier Dance retornó al emblemático escenario de la capital vizcaína para ofrecer un triple programa que obtuvo el aplauso unánime del entusiasmado público. Fundada en 2007 por ex solista de Stuttgart Ballet, Eric Gauthier, la compañía residente del Theaterhaus de la ciudad germana se caracteriza por apostar por un repertorio versátil con trabajos de los coreógrafos contemporáneos más destacados de la actualidad. Y estas dos actuaciones en Bilbao dieron la oportunidad para disfrutar de piezas de los renombrados Marie Chouinard, Hofesh Shechter y Ohad Naharin.

En 2021, Eric Gauthier invitó a cuatro reputados coreógrafos para que crearan sendas piezas de veinte minutos de duración, partiendo del clásico inmortal de “El lago de los cisnes”. El resultado fue un cuadríptico con las poliédricas lecturas de Marie Chouinard, Marco Goecke, Hofesh Shechter y Cayetano Soto. Para la actuación en el Teatro Arriaga de Bilbao, el director canadiense se decantó por las obras de Chouinard y Shechter, con dos planteamientos muy diferenciados.

En “Le chant du cygne: Le lac”, la coreógrafa Marie Chouinard imagina a una bandada de cisnes oprimidos que se rebela contra el heteropatriarcado. Ante un ciclorama compuesto por un mar de llamas, un octeto de ánades se arrastra lastimosamente, probablemente subyugado por el poder del maléfico Rothbart. No faltan ni el tutú ni las zapatillas de punta, pero tampoco las rodilleras, los maillots en tono nude y las pelucas de color blanco en sustitución de los tradicionales tocados de plumas. Singular e imaginativo resulta el empleo de las puntas: una calza un pie de cada una de las intérpretes y la otra cubre la mano, que junto al antebrazo dibuja figuras que terminan recordando la cabeza y cuello del cisne, como si fuera un juego infantil de imitar una sombra chinesca. La coreografía se centra en subrayar la parte animal y la sumisión de la pléyade de ánades, hasta que éstas deciden enfrentarse y reclamar su voz con la letra de “Un violador en tu camino” (2019), una performance del colectivo chileno LASTESIS para denunciar los feminicidios y la violencia sexual contras las mujeres. Apaciguado el fuego de la protesta en un mar en calma en la proyección, las empoderadas intérpretes danzan en libertad en este aplaudido alegato feminista de la coreógrafa canadiense.

Hofesh Shechter es el coreógrafo de “Swan Cake”, obra de trepidante acción y estilo terrenal inspirada en “El lago de los cisnes”. Foto gentileza de Gauthier Dance.

Bajo el título de “Swan Cake”, el coreógrafo y compositor Hofesh Shechter construye una pieza que se asemeja a una fiesta rave y aparentemente con nulos puntos en común con el clásico de Petipa e Ivanov. Sin embargo, lo que se percibe con claridad es su característico estilo terrenal, rotundo y lleno de trepidante acción. Ataviado con ropa informal, el elenco sobresale en una especie de caótica celebración, inspirada quizás en los festejos del cumpleaños del príncipe Siegfried del original decimonónico. El israelí contrapone en su coreografía las calidades individualidades con el grupo, presentado como una masa en movimiento constante y enérgico, mientras que la banda sonora cita esporádicamente algún breve fragmento de la música de Tchaikovsky, como si fuera casi un jingle publicitario para recordar que la pieza parte del encargo basado en “El lago de los cisnes”.

La segunda parte estuvo protagonizada por “Minus 16”, emblemática obra de Ohad Naharin estrenada por Nederlands Dans Theater 2 en el Lucent Danstheater de La Haya, el 11 de noviembre de 1999. A punto de celebrar sus bodas de plata, esta obra se ha convertido en un referente obligado de la creación Naharin y su éxito le ha llevado a formar parte del repertorio de numerosas compañías internacionales. En el entreacto, un bailarín trajeado empieza a improvisar para desconcierto de los espectadores que han aprovechado el intermedio para salir del patio de butacas. En un momento determinado, comienzan a aparecer en escena los restantes intérpretes también trajeados y tocados con sombreros. A partir de ahí, el creador israelí engarza varias escenas musicalmente diferentes -“Echad Mi Yodea” en versión del grupo de rock The Tractor’s Revenge, “Stabat Mater” de Antonio Vivaldi, un solitario metrónomo y una versión tecno de “Over The Rainbow”-, pero coreográficamente bajo un estilo o lenguaje denominado Gaga.

A raíz de una lesión de espalda, Ohad Naharin se vio obligado a cambiar sus patrones de movimiento y así investigó cómo encontrar nuevas sensaciones. El resultado fue un lenguaje que potencia la ductilidad del cuerpo, con extremidades muy flexibles, y sorprende al espectador con enérgicas explosiones de movimiento alternadas con aparentes momentos de sosiego. El mejor ejemplo de ello fue la primera escena de la obra, ejecutada bajo la letra de la canción tradicional de la Pascua hebrea “Echad Mi Yodea” (¿Quién conoce a uno?). Sentados en un semicírculo conformado por sillas plegables, los dieciséis bailarines comienzan cabizbajos hasta que se produce ese estallido de energía, coreográficamente traducido en un canon y que finaliza con la caída al suelo de uno de ellos. Más convencional, un dúo sobre música de Vivaldi da paso a una divertida escena a ritmo de chachachá y con sorpresa final, para deleite del  público.

“Minus 16″ es una icónica obra de Ohad Naharin| Fotografía Jeanette Bak, cortesía de Gauthier Dance.

Durante los minutos que mediaron entre la primera y la segunda pieza, Eric Gauthier no dudó en dirigir unas palabras a los asistentes, explicando el programa que presentaba su compañía y lo emocionado que estaba por la segunda visita de Gauthier Dance al Teatro Arriaga de Bilbao, después presentar en aquella primera ocasión un catálogo de creaciones titulado “Future 6”: “Burning Bridges” de Jiří Bubeníček, “Cherry Pink and Apple Blossom White” de Itzik Galili, “Malasangre” de Cayetano Soto, “Takuto” de Eric Gauthier, “I Found A Fox” de Marco Goecke y “Bolero” de Stephan Thoss. Con una duración cercana a las dos horas, el díptico “Swan Lakes” con piezas de Chouinard y Shechter, unido a las buenas sensaciones que contagia “Minus 16” de Naharin, dejó nuevamente un fantástico sabor de boca en el numeroso público congregado en el Teatro Arriaga de Bilbao, que no dudó en gratificar el extraordinario trabajo de Gauthier Dance con una entregada salva de aplausos, deseando que no vuelva a pasar un decenio para disfrutar de nuevo de la compañía alemana en el escenario bilbaíno.

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Malpaso estrenó una versión posmoderna de “Cascanueces” con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado. Foto gentileza Malpaso.

Malpaso, la juvenil compañía de danza contemporánea, se presentó, entre el 4 y el 6 de febrero, en la gran sala del Teatro Nacional de Cuba (su sede habitual ha sido el decimonónico Teatro Martí), con un aforo de tres mil ahora reducido al 50% ante las medidas sanitarias obligadas por la pandemia de la Covid 19. En esta ocasión se lanzó al reto de estrenar una rompedora versión minimalista y posmoderna del archiconocido ballet del gran repertorio, “Cascanueces”. Siempre con la música original de P. I. Tchaikovsky en un meritorio arreglo “digest” de la joven violinista y compositora cubana Jenny Peña, y con coreografía del bailarín y director artístico Osnel Delgado.

En la primera parte del programa, una obra ya paradigmática de la danza contemporánea de los finales del siglo XX, “Tabula Rasa”, del coreógrafo y bailarín israelita Ohad Naharin. Se sumó una intrigante miniatura coreográfica del inmenso coreógrafo sueco Mats Ek, “Woman with water”, como ingreso al repertorio activo del conjunto. Como pieza de apertura el solo masculino “Nana para un insomnio”, creado para Osnel Delgado, con coreografía de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana, sobre el poderoso soporte musical del malogrado compositor catalán Jordi Sabatés, con dedicatoria in menoriam de esta temporada.

Un equipo, conducido por Fernando Sáez, diseña con cuidadosa estrategia los títulos elegidos para cada temporada y giras internacionales, para evitar arduas elaboraciones intelectuales que permean o cargan las obras que deciden poner a consideración de los numerosos seguidores de este grupo. Es una pauta que siguen otros conjuntos igualmente asociados al Joyce Theatre de Nueva York.

Heriberto Meneses en “Nana para un insomnio”, de la bailarina-fundadora de la agrupación Daile Carrazana. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

Por supuesto que, de este festín de danza, el plato fuerte a descubrir y degustar es la mencionada versión de “Cascanueces”. Una obra para 10 bailarines de ambos sexos en un acto, con duración de algo más de 40 minutos, en la cual Delgado no se aparta del tema central de la historia familiar, pero elude la narración lineal y se concentra en las definiciones de cada personaje en sus interacciones con los otros en la supuesta fiesta navideña, sin recurrir a la simbología tradicional. La música es ejecutada sobre la escena por una orquesta de cámara ad hoc, conducida con pericia por el maestro Pedro Ortiz. Los diseños de luces y de vestuario son una baza de triunfos debidos a su creador, Guido Gali (asociado al equipo de producción desde sus inicios).

Empero, como se dice en buen cubano: el pollo del arroz con pollo es la coreografía, la cual exhibe una amplia variedad en su vocabulario de pasos, así como unas ingeniosas articulaciones con un desenfadado atletismo posmoderno en las dinámicas corporales, sin miedo a utilizar contaminaciones provenientes de la técnica del ballet, en los port de bras, los sautés, los portées, los tours, los coup de tete y otros. Esta amalgama tiene una coherente estética en la ejecución de los excelentes bailarines del elenco. Por otra parte, la dramaturgia no quedó descuidada. Esta obra fue merecedora con justicia del premio Villanueva 2021, que otorga anualmente un exigente jurado del círculo de la crítica de las Artes Escénicas de la UNEAC (Unión nacional de escritores y artistas de Cuba).

El solo creado por Carrazana para Osnel Delgado (luego compartido por el apolíneo Heriberto Meneses), contó con un “grand concert” piano en escena ejecutado sensiblemente por Carolina Baños. La coreógrafa explota “in extremis” el virtuosismo técnico del notable intérprete que, además, logra comunicar matices interpretativos donde demuestra su madurez artística.

Dos coreógrafos foráneos invitados –gracias al patrocinio de importantes instituciones internacionales–, completaron el cartel con sus creaciones bien avaladas por el público y la crítica europea: “Woman of the Water”, un dúo concebido por el sueco Mats Ek para su excelsa esposa-bailarina-actriz Ana Laguna (aquí su asistente), montado para dos parejas del conjunto, Dunia Acosta con Delgado y Daile Carrazana con Meneses. El hecho de presentarse en este vasto espacio y con la lejanía del público por interposición del gran foso de orquesta, la entrega del drama -encapsulado en 15 minutos- resultó epidérmica.

Por otra parte, la obra coral de Naharin, “Tabula Rasa”, desde su estreno mundial europeo, ha derramado ríos de tinta, más para bien que para mal. Ha sido muy apreciada por las sutilezas refinadas en los planteamientos filosóficos que se empeña en comunicar, danza mediante, apoyado por un grandioso soporte musical minimalista del muy mediático compositor letón Arvo Part, pleno de sutilezas con acentos cósmicos. La producción escénica ha sido muy cuidada e inteligente: luces diseñadas por el propio Naharin y un vestuario pertinente de Eri Nakamura. Una muy agradecida reposición, ovacionada cada noche, que adoleció (como pasó con las otras piezas) del devorador espacio escénico de la Sala Avellaneda.

Una miniatura coreográfica de Mats Ek, “Woman with water”, interpretada por Osnel Delgado y Dunia Acosta, ingresó al repertorio de Malpaso. Foto: Ivo Baelli. Gentileza Malpaso.

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Malpaso Dance Company presentó en la sala García Lorca “Tabula Rasa” del coreógrafo israelí Ohad Naharin Foto: Foto gentileza Yuris Norido.

La compañía cubana de danza Malpaso, una compacta agrupación mixta de bailarines bien entrenados concluyó su primera incursión en el vasto escenario de la grandiosa sala neobarroca Federico García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso. Para muchos artistas esto sería considerado un gran privilegio -si tenemos a este sitio como el de mayor rango consagratorio-, pero para este veterano observador de las artes escénicas hubiera preferido como locación más ajustada para el formato actual de Malpaso (y de otros conjuntos similares), un espacio teatral donde se produjera la interacción dialógica de los intérpretes con el auditorio, aquí entorpecida por el distanciamiento por el amplio y profundo foso para una orquesta sinfónica.

Como apoyo a nuestra observación, podemos sumar el hecho de la elección del repertorio que conformaba este programa. Los tres títulos, en esta ocasión, se debían a jóvenes creadores con bien ganada reputación mediática en el mundo de la danza contemporánea, especialmente el menos joven, autor de la obra conclusiva del espectáculo. La producción escénica de los mismos no tenía necesidad de una escenografía corpórea; los cambios de sus respectivos ambientes o atmósferas eran conseguidos rápidamente por experimentados diseñadores de luces, teniendo como soporte un ciclorama negro. En el caso del acompañamiento musical para todas las obras, se consiguió el apoyo con excelentes grabaciones en HD.

Como bien señala en el programa de mano Fernando Sáez, director general y co-fundador de este conjunto, la escogencia de “notables” coreutas extranjeros, ha sido “el resultado de colaboraciones que han marcado nuestro destino (…), y nuestra voluntad de diálogo”. Sin embargo, a dos años de una década de existencia, Malpaso prepara una temporada para marzo de 2021 -esta vez de nuevo en el renovado decimonónico teatro Martí-, para seguir su primigenia motivación al ofrecer una “serie de obras de jóvenes coreógrafos cubanos”.

El espectáculo

“Vals Indomable”, de Aszure Barton, fue la primera obra seleccionada en este ciclo de dos funciones en el Gran Teatro de La Habana. Foto gentileza Yuris Norido.

Sin duda, han ofrecido un espectáculo encomiable por su titánica resiliencia ante las privaciones del ostracismo involuntario de nueve meses, obligado por los protocolos sanitarios a seguir para evitar los contagios de esta pandemia planetaria del nuevo Coronavirus. Esta decena de bailarines, bajo la égida de su colega y compatriota Osmel Delgado, lograron mantenerse en forma física y técnica con un duro trabajo cotidiano, clases y ensayos, a partir de las copias en video enviadas por los autores, en ausencia de su ejecutoria presencial debido al cierre de aeropuertos y la prohibición de los vuelos internacionales y locales.

Pudimos apreciar en ellos el atletismo elegante de los chicos y el retador lirismo de las chicas, para entregar con rigor estético los diversos estilos coreográficos de cada título. Esos variados estilos son inclusivos, evidente por las contaminaciones del vocabulario del movimiento procedente de la danza académica (tal vez guiños a la manera de Twyla Tharp, o de otros en la Judson neoyorkina), que observamos en las tres piezas de autores norteamericanos.

En la primera parte, como apertura disfrutamos los 27 minutos del “Vals Indomable” con coreografía de Aszure Barton, sobre motivadoras músicas de Alexander Balanesco, Michael Nyman y Nils Frahm y diseño de luces por Nicole Pearce. Varias instituciones y fundaciones estadounidenses contribuyeron a la realización de esta obra, co-comisionada por Dance Cleveland y la Cleveland Foundation.

Tras una breve pausa, le siguió “Elemental”, de sólo 24 minutos, para honrar la memoria de Bob Williams, concebida por la coreógrafa Robyn Mineko Williams, sobre un collage musical variado que incluye nueve temas, bajo la supervisión de Robby Haynes. En “Elemental” escuchamos a Tim Rutili en “Zabriskie After Midnight”, pasando por dos danzas para piano del cubano Ernesto Lecuona; un bolero cantado a capela en vivo por el bailarín Manuel Durán, así como un instrumental de Arvo Part. La obra cerró con el famoso “Kitchen Pan” de Robyn Williams (su voz en off). Muy generosamente aplaudida, la pieza contó con el apoyo del Chicago Auditorium, donde fue estrenada, y del Joyce Theater Production.

La segunda parte, como pieza conclusiva única, presentó “Tabula Rasa”. Gratificantes 27 minutos del afamado coreógrafo israelita Ohad Naharin, quien pudo enviar a tiempo dos asistentes, Matan David y Bret Easterling. (Gracias a ellos los bailarines pudieron trabajar el particular vocabulario Gaga creado por Naharin). Con el magnífico soporte musical de Arvo Part y el vestuario diseñado por Eri Nakamura (esposa japonesa de Naharin), beneficiado con las luces del propio coreógrafo. Como los precedentes títulos, la presentación de esta obra fue también posible gracias a The Executive Director´s Fund del Joyce Theater Foundation y de la Jerome Greene Foundation, en honor de Karen Brooks Hopkins.

Malpaso estrenó en Cuba “Tabula rasa”, una de las tres primeras obras del coreógrafo Ohad Naharin, creada en 1986. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

La más joven compañía de danza contemporánea del archipiélago cubano, Malpaso -fundada hace solamente un lustro en la capital cubana por tres osados, testarudos e indomables  jóvenes lugareños-, sigue mostrando en cada representación la solvencia de las potencialidades físicas y técnicas de sus bailarines, empero están renuentes a menoscabar sus “estándares coreográficos”, que han sido los objetivos fundacionales de esta agrupación.

Para sustentar este objetivo confesado de la constante “renovación”, preferimos citar una nota en el programa de mano firmada por Fernando Sáez, director general y co-fundador de Malpaso, donde expresa: “no es (por tanto) obra del azar, de la pereza o el descuido, que el programa que presentamos (ahora en el habanero teatro Martí) incluya junto a las obras de coreógrafos célebres (o consagrados), las de (bailarines) debutantes en el oficio”.

La primera parte nos permitió valorar, “Ser”, una miniatura (10 min) firmada por la solista Beatriz García Díaz, escrita para dos parejas mixtas sobre la sugestiva música de Ezio Bossio (compositor mediático  en Europa), apoyado por inteligentes diseños de luces y vestuario de la propia coreógrafa y danzante de la pieza. De su coreografía reprochamos la ausencia aparente de un asidero conceptual que justifique las articulaciones atléticas, con la consiguiente disminución comunicacional con el auditorio. Esto será superado con la madurez de su talento.

Después de una breve pausa, subió a escena la creación de la coreógrafa canadiense Aszure Barton, “Vals Indomable” (27 min). Nos presentó una obra coral para diez bailarines mixtos co-comisionada por Dancecleveland y la Cleveland Foundation, producida merced al mecenazgo de la New England Foundation for the Arts´ National Dance Project y el apoyo de otras instituciones con sede en los Estados Unidos. Malpaso es una compañía asociada al Joyce Theatre Productions.
Aszure Barton, asistida por Jonathan Emanuel Alsberry, elaboró una pieza atrayente y dinámica donde hecha mano de la técnica del contact y de unos pocos elementos de ballet, para así aprovechar las posibilidades rítmicas y tímbricas que le proporcionan las diversas músicas elegidas  de compositores  tales como Alexander Balanescu, Michael Nyman y Nils Frahm, así como la producción escénica de Nicole Pearce, en las luces, y de Fritz Masten en los figurines. La solvencia ejecutoria de los danzantes quedó probada con creces, particularmente en las intervenciones de Daile Carrazana, Osnel Delgado y Fernando Benet.

Solo para bailarín, “El piso a cuestas”, de Abel Rojo, protagonizado por Osnel Delgado, director artístico de Malpaso. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

Tras otra breve pausa, las cortinas abrieron para mostrar bambalinas negras y por iluminación, una luz cenital al centro (según diseño de Guido Gali) donde podemos distinguir a medias un atlético bailarín todo de negro sobre una losa blanca: Abel Rojo, el solista y coreógrafo del solo “El Piso a Cuestas” (10 min intensos e hipnóticos). Sobre ese piso desmontable se desarrollan las acciones de este carismático bailarín de especial proyección escénica. Su desempeño se vio mermado, según pudimos conocer, por una lesión muscular en el ensayo precedente, no obstante, las ovaciones no se hicieron esperar al final. Señalemos que un elemento a su favor fue su elección de Les Gymnopédies, de Erik Satie, como soporte musical, aunque la originalidad de la pieza de Rojo está por verse.

Finalmente, luego de un prolongado intermedio, llegó el plato fuerte de esta temporada: el estreno en Cuba de “Tabula rasa” (1986), del afamado coreógrafo israelita Ohad Naharin (residente director de Batsheva Dance Company y creador de un nuevo método de improvisación denominado GAGA con vocabulario propio), nacido en 1952 en el seno de una familia de artistas con formación musical, que comenzó en la danza con 22 años cumplidos . “Tabula…”, una de sus tres primeras creaciones, fue la pieza elegida en común acuerdo por los codirectores Malpaso y el creador, teniendo en cuenta varios aspectos logísticos y estéticos, para ser interpretada por diez de los más solventes danzantes de la joven agrupación.

Para lograr esto, viajaron previamente a La Habana dos de sus asistentes: Matan David y Bret Easterling, que se entregaron día y noche al montaje de la obra, hasta la llegada de Naharin, quien trabajó intensas jornadas con todo el equipo para revisar, pulir  y precisar matices y detalles actualizados en los movimientos requeridos para conseguir  claridad en las complejas imbricaciones de sus bien estructurados 27 minutos de duración, apoyados por una perturbadora música de Arvo Part.
La entrega artística del cuerpo de baile mixto -implicado a fondo en la profunda dramaturgia de “Tabula rasa” -,  logró apresar  y comunicar  su intensa carga dramática: angustias, desesperanza, dolor espiritual y físico. Son algunos de los elementos referenciales y autobiográficos en la vida del autor que transpira la pieza en su discurso coreográfico: un accidente óseo que detuvo su carrera de bailarín clásico (estudió primero con Martha Graham y luego en la School of American Ballet) o la trágica muerte en 2001 de su primera esposa y asistente. El éxito quedó sellado con largas ovaciones en pie.

Igualmente, esta obra fue posible gracias al director ejecutivo del Joyce Theatre Foundation; Jerome L. Green Foundation en honor a Karen Brooks Hopkins, así como el apoyo de Susan Dickler y Sig  Van Raan.

El Conjunto Folclórico Nacional presentó “Dahomeñó”, obra de su director Manolo Micler, con música ritual en vivo. Foto: Buby.

El onomástico del francés Jean-Georges Noverre -considerado tradicionalmente como el creador del ballet moderno- el 29 de abril de 1727, ha sido establecido desde 1982 por el Comité de la Danza del Instituto Internacional del Teatro (ITI) como el Día Internacional de la Danza. Esta organización para las artes escénicas, la más grande del mundo, fue fundada por la UNESCO en 1948.

En este 2018 se produce un “azar concurrente” al arribar el ITI a su aniversario 70, igualando el aniversario de la nave insignia de la danza cubana, el Ballet Nacional de Cuba, fundado el 28 de octubre de 1948 por la icónica tríada de los Alonso: Alicia, Fernando y Alberto. Por este motivo, entre otros no menos importantes, fue seleccionada Cuba sede de esta anual cita planetaria.

El Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, el emblemático coliseo de la Antilla Mayor -con sus 180 años cumplidos el pasado 15 de abril-, fue la flamante tribuna donde se leyó al mundo el mensaje del Día Internacional de la Danza, ese lenguaje universal que une a todos los seres humanos “más allá de barreras políticas, culturales y étnicas”.

Empero, en esta oportunidad, para conmemorar aniversario tan especial y con el objetivo de enfatizar “el aspecto intercultural e internacional” del arte de Terpsícore, fueron elegidos cinco autores de mensajes correspondientes a cada una de las regiones definidas por UNESCO, los cuales viajaron a la capital cubana para, con sus voces amplificadas, reafirmar los objetivos primordiales de esta institución: el entendimiento entre los pueblos, la unión y la paz.

El director general del ITI, Tobías Biancone, expresó públicamente ante una prestigiosa audiencia, su satisfacción de estar en el archipiélago caribeño por vez primera –tercera ocasión que esta cita se celebra fuera de París, antes Shanghai en dos-, al tiempo que agradeció el total apoyo ofrecido por las autoridades culturales del país anfitrión para la organización del evento, así como a los directivos del Centro Cubano del ITI, presidido por el dramaturgo y teatrista Carlos Celdrán.

“Desde el punto de vista del ITI, las personas y el mundo no necesitan sanciones sino un diálogo creativo y positivo orientado a buenos resultados (…) se necesita del esfuerzo de todos para hace de este planeta un mundo mejor”, concluyó Biancone.

Con este motivo, también la Directora General de la UNESCO, Audrey Azoulay, envió su mensaje que fue leído en la Gala. Después de felicitar al ITI por la organización de esta edición de la efeméride, expresa que “ésta es (también) una celebración de los valores de este arte ancestral. Son valores de libertad: libertad de los cuerpos, sus movimientos, sus inclinaciones. También son valores de compartir y de comunión (…) Son valores de universalidad: el lenguaje de la danza es el de los cuerpos, que prescinde de las palabras (…), que se establece más allá de los idiomas particulares, las posiciones sociales, las diferencias nacionales y políticas”.

Y añadió: “Por esta razón, es una maravillosa introducción a la diversidad cultural. La Habana está muy consciente de esto, la ciudad anfitriona de este Día Internacional de la Danza que recibe a visitantes de todo el mundo, atraídos por la música y la danza cubanas. Un signo”, concluyó.

Posteriormente, ocuparon la escena de la Sala García Lorca las cinco personalidades elegidas para dar lectura a sus respectivos mensajes. Ellas fueron precedidas por el primer bailarín del Ballet Nacional de Cuba Dani Hernández, quien prestó su voz al mensaje de la eximia bailarina Alicia Alonso (presente en la Gala), en tanto que Embajadora d Buena Voluntad de la UNESCO y Embajadora Mundial de la Danza. En él, señala que “la danza ha sido, es y será, para el pueblo cubano una expresión natural y espontánea que brota desde lo más profundo de su espíritu y de su realidad corporal”.

“El encuentro que (hoy 29 de abril) celebramos en La Habana -apuntó la Alonso-, reúne el entusiasmo y el impulso creativo de personalidades de todo el mundo, para gloria de la danza, expresión que hunde sus raíces en la tradición, se expande por todas las épocas y transita por una amplia diversidad de caminos creativos.

Luego le sucedieron, por los países árabes, la bailarina/coreógrafa/escritora/educadora Georgette Gebara (Líbano); por África, el director/bailarín/coreógrafo Salia Sanon (Burkina Faso); por Asia Pacífico, el coreógrafo/director/educador Willy Tsao (Hong Kong, China); por las Américas, la bailarina/coreógrafa/maestra Marianela Boán (Cuba-República Dominicana), así como por Europa, el director/coreógrafo/creador del movimiento GAGA, Ohad Naharin  (Israel).

Alternando cada mensaje, subieron a escena una selección de grupos cubanos de excelencia, que ofrecieron piezas de éxito de sus repertorios activos: el Ballet Nacional de Cuba con “Don Quijote” (Suite) protagonizado por Viengsay Valdés y Patricio Revé, con solistas y cuerpo de baile junto con la Orquesta Sinfónica del GTH bajo la dirección de su titular Giovanni Duarte; Acosta Danza con “Twelve” del español Jorge Crecis para 12 bailarines; Danza Contemporánea de Cuba con “Coil” de Julio César Iglesias; Lizt Alfonso Dance Cuba con “Ella y Él…siempre” (fragmento de “Latido” de la propia Alfonso); el Conjunto Folclórico Nacional con “Dahomeñó”,  coreografía de su director Manolo Micler, con solistas, cuerpo de baile, coros y música ritual en vivo.

No podemos concluir sin señalar el espléndido auspicio de la empresa china Beijing Lv Dong Wu Xian Culture and Communication, con sede en Shanghai, sin el cual este evento no hubiera sido posible.

La víspera de la Gala, en el moderno teatro habanero Mella, tuvo lugar la entrega del Premio Nacional de Danza 2018 al exbailarín y maestro Miguel Iglesias, quien por más de tres décadas ejerce exitosamente la dirección de la compañía Danza Contemporánea de Cuba, que nos brindó una representación de “El Cristal” de J. C. Iglesias  y “Matria Etnocentra” de George Céspedes.

“Coil”, de Julio César Iglesias, bailada por Danza Contemporánea de Cuba en las celebraciones del Día Internacional de la Danza en La Habana. Foto: Buby.

Fragmentos de los mansajes 2018

Por la libanesa Georgette Gebara: “Este & Oeste: Diálogo de danza. Traducido del inglés.
(…) Los movimientos y gestos de la oración se consideran una forma de danza espiritual. Sus orígenes pueden viajar más allá de lo que podemos rastrear, pero sin duda son las expresiones más puras, más antiguas y más misteriosas  del cuerpo humano. (…) De hecho, ya sea que nos sentemos en el piso, nos agarremos de una barra, volemos en el aire, pateemos nuestras botas sobre el pico de alguna montaña, si agitamos nuestras caderas lascivamente debajo de una tienda de campaña o en algún club nocturno, ¡Nuestro lenguaje nos une! Porque el baile no es solo una expresión de sentimientos, la danza es una declaración. Una declaración que habla más elocuentemente que cualquier lenguaje hablado, ya que somos uno.” 

Por Willy Tsao, Hong Kong - China:
El mundo parece estar en constant disidencia y en problemas. Hemos sido testigos, especialmente en los últimos años, de incesantes conflictos entre países, etnicidades y culturas. Como prácticamente de danza, no puedo evitar el preguntarme si el arte puede d algún modo convertirse en un antídoto para prevenir o contrarrestar algunos trastornos que amenazan la paz y la armonía mundiales. (…) confío en que China se acelerará para convertirse en una fuerza importante para abogar por puntos de vista individuales, defender cambios innovadores y fomentar la tolerancia…  

Por el coreógrafo israelita Ohad Naharin:
La danza se trata de estar en el momento. Se trata de escuchar el alcance de las sensaciones, permitiendo que esa escucha se convierta en el combustible de todos los sentimientos, formas y contenidos. Sin embargo, siempre debemos recordar de donde venimos. (…)En el mejor de los casos, la danza puede ser sublime, incluso si está lejos de ser perfecta. Tenemos que resistir al pensamiento conservador y convencional que tiene sus raíces en gran parte de la educación y la capacitación en danza, y dejar de lado las viejas ideas para obtener ideas nuevas y mejores. Y siempre debemos recordar danzar un poco todos los días… Y nunca frente a un espejo.

Por Marianela Boán, exbailarina y coreógrafa cubana residente en República Dominicana:
Tu cuerpo empieza antes que tú mismo y es el lugar de todos los rituales que te pertenecen.
Cuando escuchas tu cuerpo a través de la danza, escuchas también los cuerpos y los bailes de seducción y celebración de tus antepasados y tu especie.
En tu cuerpo llevas las danzas que te salvarán.(…)Ser coreógrafa en Cuba y República Dominicana, las islas mágicas donde habito, rodeada del mar Caribe y de gente que baila ante de nacer, es un privilegio innombrable.
Danzar es el gran antídoto para la locura de la humanidad.
A cada desplazado, refugiado y exiliado del mundo, le digo: tienes un país que va contigo y que nada ni nadie podrá arrebatarte; el país de tu cuerpo.

Por la región de África, Salia Sanou, bailarín, educador y director de compañía en Burkina Faso: con el título Danza o sentido del futuro.
¿Cómo transmitir este mensaje a toda la comunidad de humanos sin pensar en todos esos cuerpos migratorios, obligados a viajar y a exiliarse en todo el mundo?
Como coreógrafo y bailarín, habiendo viajado por todos los continentes para presentar mi trabajo y tener experiencias enriquecedoras en contacto con otros. ¿Puedo apartar mi vista del caos que sacude al mundo y en particular, el peligro migratorio? No, lo miro con la oscuridad, la brutalidad, pero también con todas las oportunidades, las oportunidades que la danza contemporánea me ha permitido descubrir para ser parte de una era.(…) !Sí, lo expreso en voz alta, la danza puede inventarse y reinventarse a sí misma, aquí, ahora y en cualquier otro lugar! (…) Danzar para engañar a la soledad, la espera, el dolor, danzar para dar luz a una mirada, danzar para protegerse del miedo, danzar y danzar nuevamente.(…) Es una fuente de significado. Para mi, es el arte de la vida, la poesía y la esperanza, es el coraje y el principio para “luchar contra el destino, para sorprender el desastre con el poco miedo que nos produce, a veces para enfrentar el poder injusto, a veces para insultar la victoria del borracho, para aferrarse, ponerse de pie; este es el ejemplo que la gente necesita, y la luz que los electriza”, una magnífica cita de “Los Miserables” de Víctor Hugo, que les entrego y les comparto.

El Festival internacional de ballet de La Habana, considerado el más antiguo de su tipo en el mundo –el primero se celebró en 1961. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

El maestro ruso de ballet Azari Plisétski estuvo entre las personalidades invitadas por Alicia Alonso, con la cual bailó como su partenaire varios años de los diez en los que fue miembro invitado del BNC, desde su llegada a Cuba en 1963. Plisétski (descendiente de la famosa familia Messerer), reconoció en un encuentro con la prensa esta etapa de su vida como muy enriquecedora, principalmente por todo lo aprendido con el maestro Fernando Alonso en cuanto a conciliar la carrera de bailarín con la de maestro.

El ballet cubano es un fenómeno, expresó, que todavía le causa asombro y orgullo, porque se siente parte de él. Sin embargo, después de elogiar a los bailarines egresados de la Escuela nacional de ballet, los alertó a cuidar aspectos como la musicalidad, pues observó durante las funciones del festival, a no pocos de ellos “fuera de música” y sin interés en apegarse a ella, “para priorizar el alargamiento de un paso técnico y  ganarse  el aplauso del público”, y agregó: educar al público es también una responsabilidad del artista.

Por su parte, otra de las notables personalidades del mundo de la danza presentes en esta edición 2016 fue la estrella francesa Aurélie Dupont (ahora con 42 años), actual directora del Ballet de L´Opéra de Paris, quien no pudo bailar en La Habana, debido a una lesión sufrida por su partenaire Hervé Moreau. Prometió Dupont que retornaría, con la intención de bailar ante el público cubano. Ella tomó clases, presenció funciones y visitó la Escuela nacional de ballet Fernando Alonso, y sugirió a su directora la ex bailarina Ramona de Sáa la posibilidad de un futuro intercambio con su homóloga de París.

Dupont, en rueda de prensa, confesó una duda: ¿acaso los profesores en esta isla caribeña son muy buenos o es que los cubanos han nacido para bailar? La técnica de la escuela cubana está muy bien considerada en el mundo, apuntó, pero sobre todo en el sector masculino: “en las clases que tomé aquí vi bailarines muy talentosos y dotados”. La temporada del 2017-2018 será su debut como directora artística de la principal compañía de ballet francesa, tras la abrupta renuncia de Benjamin Millepied, con poco más de un año en el cargo.

El ballet de Michel Fokine, “Les Sylphides”, fue otro triunfo para el cuerpo de baile femenino del Ballet Nacional de Cuba en el XXV Festival internacional de ballet de La Habana. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

Los mayores momentos climáticos lo proporcionaron los estrenos mundiales creados por coreógrafos extranjeros, entre ellos “Oscurio” de la colombo-belga Annabelle López-Ochoa, para cuerpo de baile femenino y una primera bailarina, por supuesto la poderosa y versátil Viengsay Valdés, en un contrapunteo neoclásico, con pinceladas contemporáneas, marcado por el vestuario de las chicas: unas en negro y otras en blanco. El diseño de luces desempeñó un papel fundamental en el éxito de esta pieza. López-Ochoa presentó igualmente un fragmento de “Línea recta”, realizado para el Ballet Hispánico de New York, quien lo estrenará este mes en su forma integral. Destacaremos el solo “Cygne”, del bailarín y coreógrafo argentino Daniel Proietto (residente en Alemania) quien tuvo el buen tino de elegir del cuerpo de baile a Daniela Gómez , y ello nos permitió descubrir su talento y dominio escénico, una verdadera revelación, apoyada por una audaz producción, vestuario, luces y maquillaje. En otro programa, Proietto bailó un solo de su autoría, como tributo a David Bowie con su música como soporte, muy efectista pero con una inconsistente escritura coreográfica.

Entre las reposiciones relevantes debo destacar, antes que todo, ¨Jardín de Lilas” de Antony Tudor por su elegante y sobria producción y la elección de Sadaise Arencibia como protagonista (quien nos había entregado una espléndida muestra del estilo el el pas de deux Raymonda la víspera), aquí demuestra su versatilidad histriónica en este difícil personaje tudoresco; rodeada de un elenco juvenil técnicamente ajustado empero sin la madurez necesario para expresar los entresijos de este magistral drama psicológico. Destacaremos la presencia y aplomo de Ginett Moncho, que ha sido la bailarina más recurrente y eficiente en los múltiples desempeños asignados por su compañía en este festival. Cual un factótum, bailó la misma tarde y noche tres roles en dos teatros diferentes.

Igualmente, el infaltable ballet de Michel Fokine, “Les Sylphides”, resultó otro momento de triunfo para el cuerpo de baile femenino del Ballet Nacional de Cuba, logrando interpretar brillantemente la versión más auténtica de esta obra sobre la música de Chopin que puede verse actualmente. Aplausos gratificantes cosecharon, con mucha razón, las vengativas willis del emblemático segundo acto de la “Giselle” versionada por Alicia Alonso. Al éxito de esta reposición contribuyó grandemente la pareja titular encarnada por los primeros bailarines  Anette Goncález y Dani Hernández (habiendo probado sus altos quilates en otros títulos presentados en este evento).

Las puestas en escena del “Lago de los cisnes” y del “Don Quijote” se vieron lastradas por diversas irregularidades, por altas y bajas de los elencos alternantes, tanto por sus intérpretes principales, los solistas y el cuerpo de baile; en particular la falta de rigor técnico y estilístico en la ejecución de las danzas de carácter, una mayor atención debía ponerse sobre la nueva promoción de egresados al BNC. Debemos mencionar las notables entregas de los bailarines que asumieron roles de démi-character, siguiendo una sólida tradición establecida por sus predecesores (Adolfo Roval, Ernesto Díaz o Félix Rodríguez), particularmente Francois Llorente (el bufón) o Darion Darias ( en Sancho Panza).

Dos orquestas sinfónicas aseguraron, en vivo, el importante soporte musical: la Nacional y la del Gran Teatro Alicia Alonso, siempre bajo la titánica dirección musical del experimentado maestro Giovanni Duarte. Ambas ocuparon los fosos de las Salas García Lorca y Avellaneda, pero se hicieron evidentes algunas imprecisiones, o cacofonías desde algunas secciones instrumentales, tal vez achacables a una errática ecualización de la amplificación. Problemas  que, confío, pueden ser resueltos  ocasiones ulteriores. Como también, por otra parte, se requiere de una renovación del vestuario y la escenografía ya fatigada, en las producciones de los grandes clásicos del repertorio. Las modernas iluminaciones hicieron más evidente el desgaste por la lógica usura de estos recursos.

Las dos únicas presentaciones de Martha Graham Dance Company constituyeron una revelación en el XXV Festival internacional de ballet de La Haban. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

El Festival internacional de ballet de La Habana, considerado el más antiguo de su tipo en el mundo –el primero se celebró en 1961-, confirmó en esta vigesimoquinta edición su calificativo de “mega” festival. Especialmente si tenemos en cuenta algunas cifras acontecidas en solo diez días: 25 funciones, 67 obras por unas 21 compañías representadas, 4 salas teatrales de tres coliseos capitalinos, tres estrenos mundiales (uno de ellos por el Ballet Nacional de Cuba) y poco más de una docena de estrenos en Cuba; sin soslayar las reposiciones de la producciones integrales de tres de los conocidos grandes clásicos del repertorio del BNC: Giselle, Don Quijote y Lago de los cisnes.

Paralelamente, pudimos ver los programas importados por compañías foráneas, tales como “Danza Americana” de Justin Peck; Martha Graham Dance Company (con la rigurosa Janet Eilber al frente; el Buenos Aires Ballet (con miembros de los teatros Colón y La Plata); Les Grands Ballets Canadiens, de Montreal o el Ballet West (Utah, EE UU).

La víspera de la clausura, las cuatro salas ofrecían un programa interesante, sin contar los eventos colaterales diversos: aperturas de exposiciones de artes visuales, muestras de filmes o conferencias de prensa. Debo entonces recurrir al concepto acuñado por la icónica crítica de danza neoyorkina Arlene Croce: priorizar lo que denomina “afterimages”. Es decir, enfocarme en aquellos fenómenos artísticos que más impresionaron, y algunos quedarán ignorados involuntariamente.

Los visitantes
Para las nuevas generaciones de amantes de la danza, tanto los miembros del gremio danzante como del público –algunos de ellos mis vecinos en el palco de butacas-, las dos únicas presentaciones aquí de la Martha Graham Dance Company constituyeron una revelación, al constatar la real vigencia de la inmensa obra creativa de la fundadora de la llamada “danza moderna”.

Todas las piezas sabiamente elegidas fueron entregadas con brillantez e intensidad interpretativa. Ciertos grupos juveniles “snob”, felizmente una minoría, menospreciaban lo visto por las fechas de creación consignadas en el programa de mano. El desmentido apareció publicado en el diario de mayor circulación de la isla, en unas esclarecedoras declaraciones del nonagenario maestro Ramiro Guerra –bailarín y coreógrafo, fundador de la danza moderna cubana y premio nacional de danza-, quien fuera discípulo de la Graham en su estudio neoyorkino: este deslumbramiento acontece 75 años después de su debut en La Habana, con “Lamentations” (1930); “Diversion of Angels” (1948), entre otras.

El joven bailarín del NYCB, Justin Peck, se destacó en sus recientes piezas: “In Creases” y “Furiant”. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

Igualmente, proveniente de la “gran manzana”, pudimos apreciar los talentos del joven bailarín del NYCity Ballet Justin Peck, especialmente en sus recientes piezas: “In Creases” y “Furiant”, con los desempeños estelares de Sarah Mearns con Amar Ramasar, y los soberbios Ashley Bouder y Joaquín de Luz, respectivamente.

Menos impresionantes pero triunfadores con el público cubano, llegaron de la Argentina los representantes de lo mejor del tango. Una agrupación ad hoc con bailarines del Ballet Estable del Teatro Colón y el Ballet de La Plata dirigidos por el primer bailarín Federico Fernández, que nos mostraron sus escrituras apoyadas sobre las melancólicas músicas del emblemático Astor Piazzolla. Luego, vinieron los canadienses de la gran compañía de ballet de Québec con un intrigante ritual masculino ejecutado intensamente por cinco atléticos y expresivos bailarines, en la pieza “Black Milk” del afamado coreógrafo Ohad Naharin, la carta de triunfo para Vladimir Pankov, director artístico de Les Grands Ballets de Montréal.

Finalmente, antes de la función de cierre el 6 de noviembre, proveniente del vecino país norteño, llegó una representación reducida del Ballet West, con “Presto”, una banal coreografía del ítalo-norteamericano Nicolo Fonte, dignamente bailada por tres parejas hetero. En el mismo caso, podemos situar al cuarteto proveniente de lejanos parajes del orbe, el Universal Ballet de Corea del Sur, exquisitos danzantes de su milenaria cultura asiática, ejecutada con particular “fisicalidad” y gran musicalidad, especialmente en el dúo “Shim Chung”.

Artistas invitados y locales
La poliédrica programación propuso una constelación de estrellas de la danza mundial, otros que ya se han convertido en excelentes prospectos y otros con potenciales talentos –tanto en el caso de los foráneos como de los locales–, los cuales se desempeñaban en sus roles con arrojo, desafiantes ante todos los retos coreográficos –algunos de ellos impensables-, confrontándolos a un público exigente en cada una de las salas teatrales del evento.

Hubo exceso de efectos pirotécnicos, casi al borde de la acrobacia atlética, en la mayoría de las veces en detrimento de la corrección en los tempos y fraseos musicales, con el objetico primario de demostrar su bien ganada etiqueta de virtuosos. Entre la élite de estos últimos, aplaudimos las entregas el español Joaquín de Luz (merecedor del premio nacional de danza 2016), así como su pareja estadounidense Ashley Bouder, particularmente con la deslumbrante interpretación de “Tarantella”, de George Balanchine; el cubano Javier Torres (principal del Northern Ballet) en el intenso solo de Michel Descombey “Muerte de un cisne”; Mary Carmen Catoya (del Arts Ballet Teatro de la Florida) de aceradas puntas y línea perfecta, en “Suite Generis” del indestructible Alberto Méndez, secundada estupendamente por dos hermosos bailarines de Acosta Danza.

La espléndida estilista rusa Maria Kochetkova (primera figura del San Francisco Ballet) con el soporte preciso y elegante del cubano Joel Carreño (estrella indiscutible del Ballet de Noruega); el bólido afroamericano Brooklyn Mack (del Washington Ballet) junto a la poderosa y brillante Viengsay Valdés, provocadores de la más tumultuosa respuesta al pas de deux “Diana y Acteón”.

Otra histérica reacción de los balletómanos la provocó otro cubano triunfador en los escenarios europeos, Osiel Gouneo, con sus inigualables saltos y vertiginosos giros en los “manéges”, junto también a Valdés, esta vez en el pas de deux del tercer acto del “Don Quijote”. El retorno a bailar en su país de origen y con su “alma mater”, es decir, la compañía de sus inicios profesionales, es una buena señal indicativa de un cambio positivo en la política artística en el seno de la dirección general del BNC, al invitarlos a exhibir su desarrollo técnico e interpretativo conseguido, ante sus aficionados naturales.

Estrenos y reposiciones
Elogios y sugerencias

La Compañía Nacional de Danza finalizó el espectáculo con “Minus 16″, una explosión de energía que conquistó al público de Biarritz. Foto: Jacobo Medrano. Gentileza de CND.

El primer espectáculo de la temporada 2015/16 llevó a la Compañía Nacional de Danza (CND), a la localidad vascofrancesa de Biarritz, que, estos días, apura las últimas jornadas de la vigésimo quinta edición del Festival Le Temps d’Aimer la Danse. Habiendo sido su actual director José Carlos Martínez étoile del Ballet de la Ópera de París durante quince años, las estrechas relaciones con todo el mundo de la danza francés son consustanciales, por eso, a nadie extraña que la primera actuación en el extranjero de la etapa de Martínez fuera en Biarritz o que Thierry Malandain, director del Ballet Biarritz y del Festival Le Temps d’Aimer la Danse, invitara a la CND en la edición de las bodas de plata del certamen.

Para esta ocasión, Martínez se decantó por un programa triple de corte contemporáneo, compuesto por piezas del coreógrafo norteamericano William Forsythe y de los creadores israelíes Itzik Galili y Ohad Naharin. Comenzó la velada con la obra “Sub” (2009) de Galili, una especie de enérgico combate masculino que reúne a siete bailarines en escena, ataviados con largas faldas y torsos desnudos. Las piezas del coreógrafo israelí suelen nutrirse de un lenguaje muy físico, casi cercano a una batalla campal o a una lucha de un arte marcial. De extremada exigencia física, requiere intérpretes con buen fondo físico para su correcto desarrollo. Por otra parte, concibe el dibujo escénico del movimiento de forma muy geométrica, tendiendo a las líneas cardinales puras, todo ello muy subrayado por una iluminación de mínimos y certera, que acentúa el dramatismo y derroche energético de los intérpretes.

Considerado uno de los coreógrafos clave del último cuarto del siglo XX, el neoyorquino William Forsythe redefinió y exprimió la técnica clásica con modos muy contemporáneos, durante su etapa al frente del Ballet de Frankfurt (1984-2004). “Herman Schmerman” (1992), creada para el New York City Ballet, es un buen ejemplo de cómo emplear la técnica clásica y que su apariencia diste mucho del almibarado prototipo de tutú y zapatillas de punta. Se trata de una pieza sin argumento, más que la pura diversión de los intérpretes, en palabras del propio Forsythe. Construida en dos escenas, comienza con lo que podría ser el cuerpo de baile y finaliza con un paso a dos.

El espectáculo finalizó con la divertidísima “Minus 16” (1999) de Ohad Naharin, creada para Nederlands Dans Theater II. El israelí es el padre de la técnica gaga, gracias a la que los bailarines ganan autoconciencia de su cuerpo y aprenden a escuchar su propio movimiento, de forma que consiguen mayor fluidez. En el caso de la pieza con la que la CND finalizó su actuación, la nota más característica es su eclecticismo tanto en la calidad y estilo de movimiento como en el collage musical que acompaña a la obra: desde “Stabat mater” de Vivaldi a una versión tecno de “Somewhere over the rainbow”. La obra se compone de varias escenas, alternando fragmentos de mayor seriedad, con otros más desenfadados, en los que incluso los bailarines suben a escena a varios espectadores.

El público biarrota recibió con ganas a la CND, tras la buena imagen dejada en su actuación de 2012. Hace días que las entradas se agotaron y no cabía ni un alma más en la Gare du Midi. Siendo el primer espectáculo de la temporada para el grupo de Martínez, la compañía demostró profesionalidad y oficio en unas obras en las que se destacó su vertiente contemporánea. Muy aplaudidos en cada pieza, el final con la entretenida interacción con los espectadores, provocó muchas situaciones cómicas y consiguió una destacada salva de aplausos, con gran parte del patio de butacas en pie. Para la temporada 2015/16, el gran caballo de batalla de José Carlos Martínez es la puesta en escena de un ballet clásico íntegro, habiendo sido el escogido “Don Quijote”, que subirá a las tablas del Teatro de la Zarzuela, el 16 de diciembre. Visto que en los programas mixtos -de corte más clásico, neoclásico o contemporáneo- la CND se desenvuelve con soltura, queda abordar ese gran clásico que sería deseable que no quedara en una quijotada.

El Alvin Ailey American Dance Theater presenta, entre otras obras, “From Before”, obra con ritmos de danza africana e influencias caribeñas, de Garth Fagan. Foto: Paul Kolnik. Gentileza AAADT.

Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT), una de las compañías de danza moderna más importantes de los Estados Unidos, reconocida internacionalmente por su temática especial que originalmente priorizó la danza contemporánea con un toque social y de alto contenido estético, se presenta por primera vez en la Argentina desde el 26 al 29 de septiembre en el teatro Coliseo.

Con el director artístico, Robert Battle, el ballet presentará estrenos y nuevas producciones que agregan voces coreográficas dinámicas al repertorio tradicional de la compañía fundada por Alvin Ailey.

Presentando la obra “From Before” del innovador maestro de la danza moderna Garth Fagan, la AAADT, incluirá también una obra de Robert Battle, “Strange Humors”, y la nueva producción de Ronald K. Brown, “Grace”. Junto a los estrenos, también se incluyen en el programa los más destacados clásicos de Ailey.

“Estoy muy contento de seguir ampliando el repertorio de AAADT en esta temporada incorporando nuevas voces y talentosos coreógrafos contemporáneos que muestran la profundidad y la versatilidad del talento de los bailarines –declaró Battle–. El público de todo el país tendrá la oportunidad de experimentar estos nuevos tesoros, junto con reposiciones de obras notables presentadas en la temporada pasada y un programa en el que se destaca especialmente la obra de nuestro fundador, el  legendario Alvin Ailey”.

La reposición de las obras más aclamadas de la primera temporada de Battle incluirán “Arden Court”, del maestro de la danza moderna Paul Taylor; “Home”, del coreógrafo Rennie Harris; “Minus 16”, de Ohad Naharin, obra basada en la improvisación y que rompe la barrera entre público y los artistas. Además, se presentará una importante cantidad de obras del repertorio clásico de Ailey, incluyendo “Revelations”.

La Organización Ailey tiene como meta utilizar la danza para educar, inspirar y entretener y su principal interés es llegar a los jóvenes a través de presentaciones especiales de estudiantes y clases magistrales. Revelaciones: un acercamiento interdisciplinario es un programa curricular que se implementará en las escuelas públicas de Miami, South Bend, Detroit, Los Ángeles, y Chicago. Utilizando la obra más trascendente de Alvin Ailey, “Revelations”, el programa busca ser un marco para el estudio exhaustivo del lenguaje, los estudios sociales y la danza.

La AAADT busca inspirar una celebración universal del espíritu humano aunando la experiencia cultural afroamericana y la tradición de la danza moderna americana.

Las obras 

“From Before” combina los ritmos de la danza africana e influencias caribeñas, con movimientos pulidos y con una estética propia de Garth Fagan, coreógrafo ganador del premio Tony por “El Rey León”. La música de la obra se basa en una partitura de jazz percusiva del ganador del Premio Grammy Ralph MacDonald.  El estreno de la obra marca la primera vez que la puesta se presenta en una compañía distinta de la Garth Fagan Dance.

“Strange Humors” es una obra del director artístico de la compañía, Robert Battle, y se basa un dúo con música de John Mackey para cuerdas y tambor africano. La obra muestra el enfrentamiento entre dos hombres con sorprendentes secuencias que presentan agresión, discordia, picardía y humor.

“Grace”, de Ronald K. Brown, marca un punto de inflexión en su carrera. Creada para AAADT 1999,  volvió al repertorio de la compañía en una nueva versión.  Una mezcla de danza moderna y los gestos de África Occidental. El espíritu de la obra es un viaje en movimiento basada en el tema clásico de Duke Ellington “Come Sunday” y el éxito de Roy Davis “Gabriel”, unidos a los poderosos ritmos del Afro-Pop de Fela Kuti.

“Minus 16”, basada en una música ecléctica que va desde Dean Martin al mambo, pasando por el  techno y la música tradicional israelí. Ohad Naharin es la creadora de esta innovadora obra usando el método “Gaga” de ,de su creación, para superar los viejos hábitos y hacer espacio para nuevos recursos y experiencias. Esta obra es completamente distinta al resto de las obras de la compañía.

“Night Creature”, uno de los ballets clásicos de Ailey, que fundió la música de jazz de Duke Ellington  y lenguaje de la danza moderna. Esta obra captura los atractivos rituales nocturnos que impulsan un ritmo acelerado que lleva a un clima catárquico.

“Revelations”, de 1960, basada en Spirituals tradicionales. La obra maestra de Alvin Ailey, es un tributo a su herencia y a su genio. Utilizando la música religiosa afroamericana (spirituals) esta obra explora con fervor los rincones de más profunda pena y más santa alegría en el alma.

“Takademe”, coreografía de Robert Battle, con música de Sheila Chandra. Los complejos ritmos indios se entrelazan con la danza india Kathak  y se deconstruyen resumiéndose en esta obra de ritmo acelerado y percusivo, donde los movimiento depurados y los saltos imitan los fraseo rítmico del jazz de Sheila Chandra.

Programa A:

Night Creature, de Alvin Ailey

Takademe, de Robert Battle

Grace, de Ronald K. Brown

Revelations, de Alvin Ailey

 Programa B:

From Before, de Garth Fagan

Strange Humors, de Robert Battle

Minus 16, de Ohad Naharin

Revelations, de Alvin Ailey