La Compañía Antonio Ruz presenta “Pharsalia” basada en el único texto que sobrevivió de los escritos de Lucano hace más de veinte siglos. Foto: Alperi. Gentileza: Teatros del Canal.

El Premio Nacional de Danza de 2018 adapta el poema épico inacabado del cordobés Marco Anneo Lucano, nieto de Séneca, escrito en el siglo I. “Pharsalia” es la primera producción de gran formato de la Compañía Antonio Ruz, en coproducción con los Teatros del Canal, y llega en un momento relevante de su trayectoria con su estreno absoluto en la Sala Roja el 21, 22 y 23 de octubre.

Basada en el poema épico inacabado del escritor cordobés Marco Anneo Lucano, nieto de Séneca, Ruz ha concebido “Pharsalia” como un “canto antibelicista a la danza como arma de liberación y de energía salvadora”, en un tiempo en el que, de nuevo, la guerra, esta vez en Ucrania, se hace presente.

Como recuerda el propio Ruz, “la guerra nos acompaña desde el comienzo de las civilizaciones, está en la naturaleza humana el deseo y la ambición, lo que induce a la inseguridad colectiva y a la lucha. Es un proceso brutal y peligroso pero que forma parte de nuestra especie”.

No sabía entonces, cuando esbozaba las líneas de este proyecto a principios de 2021, que el conflicto bélico sorprendería al coreógrafo, Premio Nacional de Danza en 2018, en medio del proceso creativo. Había escogido una obra de un cordobés como él, pero que vivió en el siglo primero de nuestra era. Es el único texto que ha sobrevivido entre los que escribió Lucano hace más de veinte siglos, en cuyos diez cantos aborda la guerra civil entre Julio César y Pompeyo Magno.

De la dramaturgia de “Pharsalia” se ha encargado la actriz, bailarina, coreógrafa escénica Rosabel Huguet, quien ha concebido la obra en tres momentos: antes de la guerra, durante la guerra y tras la guerra, en los que plasma los sentimientos que suscita la contienda: del miedo al caos, de la amenaza a la anarquía, el exilio y la esperanza.

A partir de esta dramaturgia, el trabajo coreográfico de Ruz, según explicó, indaga en la idea de la guerra desde un enfoque alegórico, poniendo al cuerpo al servicio de conceptos cotidianos como el conflicto, la crisis, la resistencia, la tensión o la evasión.

“Pero el ser humano no se conforma con su estado de guerra -comentó-, y es ahí, cuando aparecen en escena los vestigios de la belleza, de nuestra esperanza. La violencia del mundo, el desasosiego y la constante lucha por la supervivencia, por un refugio ante la adversidad, se vuelven aquí una experiencia estética elevada y sublime”.

“Pharsalia” es una obra concebida en tres momentos: antes, durante y después de un conflicto bélico. Foto: Alperi. Gentileza: Teatros del Canal.

El coreógrafo cordobés ha querido plantear “una reflexión crítica y comprometida sobre la crueldad y la barbarie en la sociedad contemporánea. Un alegato a favor de la concordia, el respeto y la compasión”.

Con una propuesta escénica y de vestuario contundente y una creación musical original que viaja entre lo épico y lo electrónico, once intérpretes transitarán coreografías cargadas de violencia, sutileza y teatralidad lanzándose, con toda su fisicidad, a una fiesta del combate.

Una música envolvente compuesta por Aire y marcada por elementos electrónicos y acústicos, rodeará al espectador despertándole, según explica su autor, “sensaciones más propias de una película que de una pieza de danza”, con sonidos que evocan “una batalla, la muerte, la reconciliación, el éxtasis y la conexión espiritual”.

Un lenguaje singular 

Al concederle a Antonio Ruz (Córdoba, 1976) en 2018 el Premio Nacional de Danza 2018 en la categoría de Creación, el jurado valoró especialmente su “lenguaje singular” como resultado de una amplia investigación personal. Ruz aterrizó en el Ballet del Gran Teatro de Ginebra en 2001, después de formarse en su Córdoba natal y en la Escuela de Víctor Ullate en Madrid.

Su etapa en el extranjero se consolidó en el Ballet de la Ópera de Lyon y en 2006 regresó a España para formar parte del elenco de bailarines de Nacho Duato en la Compañía Nacional de Danza. En la búsqueda de su propio universo creativo destacó especialmente su relación con la prestigiosa coreógrafa Sasha Waltz.

En 2009 Ruz fundó su propia compañía con un estilo característico abierto a las influencias internacionales, las preocupaciones de sus obras son eclécticas: filosóficas, humanísticas, psicológicas o simplemente musicales, todas se caracterizan por una poética que inunda sus movimientos.

El coreógrafo y bailarín Igor Bacovich en “CreAcción”. Foto: Danilo Moroni. Gentileza Metamorphosis Dance.

El fin de las restricciones derivadas de la pandemia –a excepción de la obligatoria mascarilla en los espacios interiores- ha marcado el inicio de un periodo de ebullición en la programación escénica de danza. Si bien los teatros españoles sólo permanecieron cerrados en los meses de confinamiento domiciliario del pasado año, la situación sanitaria de cada región llevó a diferentes normativas en lo referente al aforo de los espectáculos, permitiéndose generalmente una ocupación máxima del 60% con un límite de 600 espectadores. La mejora de la incidencia gracias al alto índice de vacunación en España también ha conllevado una relajación de la estricta normativa.

Como si fueran brotes verdes en el ámbito de la cultura, los teatros abren sus puertas a los ávidos artistas por cuyas cabezas pululan miles de ideas y cuyos cuerpos están deseosos de vehiculizar sus ganas de crear y de bailar sin cortapisas. Éste es el caso de Iratxe Ansa, reconocida bailarina con una importante carrera internacional en prestigiosas formaciones como el Basel Ballet, el Ballet Gulbenkian, la Compañía Nacional de Danza –bajo la dirección artística de Nacho Duato-, el Ballet de la Ópera de Lyon y Nederlands Dans Theater. Desde muy pequeña sintió el impulso de crear y ya en 2009, orientó su carrera hacia sus proyectos personales, contando con la colaboración del también coreógrafo y bailarín Igor Bacovich desde 2013. Juntos concibieron un método que llevaron por todo el mundo y que hace apenas dos años, convirtieron en la materia prima de su compañía, Metamorphosis Dance. La asociación del tándem Ansa-Bacovich no pudo ser más fructífera para ambos, pues la coreógrafa vasca obtuvo el Premio Nacional de Danza 2020 en la modalidad de interpretación y recientemente el Premio Max de las Artes Escénicas, mientras que el creador italiano se hizo con el Premio Nazionale Sfera d´Oro per la Danza 2021.

Metamorphosis Dance estrenó “CreAcción” en el Museo Universidad de Navarra. Foto: Danilo Moroni. Gentileza Metamorphosis Dance.

La mayor visibilidad de Metamorphosis en el ámbito español también ha acarreado nuevos proyectos, entre ellos, el encargo del Museo Universidad de Navarra cuyo estreno absoluto tuvo lugar el pasado sábado. Bajo el título de “CreAcción”, la obra arranca de un proceso participativo de un grupo de personas ajenas a la danza, quienes sugerían ideas, conceptos o líneas de trabajo. El reto para Iratxe Ansa e Igor Bacovich consistía en “traducir” al lenguaje coreográfico estas propuestas tan dispares como el sentimiento de desarraigo por la emigración o la disconformidad con el propio cuerpo, entre otras. Con una duración de setenta minutos, la pieza se compone de diversas escenas cuyo hilo conductor principal es el bailarín y coreógrafo italiano, soberbio intérprete que maneja los tiempos y las transiciones. En una meditada decisión, Ansa renuncia a bailar en escena para focalizar su atención en la dirección y creación de la coreografía junto a Bacovich, a quien le acompañan otros cuatro bailarines en escena -Katherine Currier, Clementine Dumas, Antonella Alabanese, David Serrano-.

Las señas de identidad del lenguaje coreográfico de Iratxe Ansa e Igor Bacovich son la fisicidad de la danza, la apuesta por el movimiento puro y constante, y la exigencia máxima para los intérpretes que deben poseer una excelente base dancística para poder explorar los límites. En este sentido, no es una excepción “CreAcción”, pues tanto los dúos como las partes grupales responden a estas características, siempre a partir de la premisa de intentar corporeizar las propuestas del equipo participativo. Buen trabajo para amalgamar bajo su estilo a los diferentes intérpretes, en el que Bacovich brilla especialmente al ser el mejor exponente de cómo metabolizar todo aquello que significa el método Metamorphosis.

Otro elemento de importancia capital en “CreAcción” es la iluminación firmada por Nicolas Fischtel, una instalación compuesta por dieciséis tubos led que recordaban a las blanquecinas fluorescentes de antaño y que partieron del dibujo esbozado por el coreógrafo italiano. Inicialmente suspendida en las alturas, la disposición de la estructura permitía mover cada uno de los componentes al antojo de los intérpretes, lo que iba creando espacios y atmósferas escénicas. La preocupación de Ansa y Bacovich por la influencia de la iluminación en la puesta en escena viene de lejos, tal y como se pudo apreciar en piezas precedentes como “Al desnudo” y “Elkarrizketa Ilunak”, ambas estrenadas en 2020.

La música original de Juan Belda y el apartado audiovisual con los habituales Danilo Moroni y Juan Carlos Toledo completan ese todo que es “CreAcción”. El disfrute con tintes casi lúdicos que supone para Iratxe Ansa entrar a un lugar sagrado como un estudio para crear, se traduce en una obra sólida que va ‘in crescendo’, pero que quizás quedaría mejor enmarcada si sintetizara un poco su material coreográfico. Hay mucha verdad, muchas ganas de explorar, mucho derroche creativo, pero a veces menos es más. En cualquier caso, excelente resultado de la entente entre el Museo Universidad de Navarra y Metamorphosis Dance –y que también cuenta con el apoyo del Gobierno Vasco-. En la fría noche de Pamplona, el público en pie gratificó con una calurosísima ovación de cinco minutos de aplausos el estreno absoluto de “CreAcción”, una creativa invitación a la acción en tiempos post pandémicos.

El Ballet Estable del Teatro Colón repuso “Tema y variaciones”, de George Balanchine, a 70 años de su estreno, con Camila Bocca y Maximiliano Iglesias en los roles principales. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

“Noche clásica y contemporánea” ofrece dos programas y el primero se estrenó el 15 de octubre con coreografías de Clark Tippet, Nacho Duato y George Balanchine. Los bailarines del Ballet Estable del Teatro Colón, dirigidos por Paloma Herrera, pudieron demostrar su fortaleza técnica, virtuosismo y despliegue de estilos. El director musical de la orquesta fue el invitado Javier Logioia Orbe. Además de las obras de Tippet y Balanchine en el segundo programa (20, 21 y 24 de octubre) subirán a escena “Adagietto”, de Oscar Araiz con música de Gustav Mahler y el pas de deux del segundo acto de “Lago de los cisnes”, de Mario Galizzi, basado en la versión de Marius Petipa y Lev Ivanov.

La función abrió con “Concierto para violín n° 1” de Clark Tippet con reposición coreográfica de David Richardson, discípulo de Tippet, obra bailada antes de su presentación en el primer coliseo, en una gira por el interior del país. La música es de Max Bruch; el violinista, Freddie Varela Montero. La pieza está pensada para cuatro parejas de primeros bailarines: el coreógrafo trabaja con cada primera bailarina y su relación con el divismo. El hombro del varón es el otro gran protagonista. El coreógrafo investiga y experimenta las posibles variaciones hasta agotarlas entre el cuerpo de un hombre, una bailarina y el hombro como elemento de apoyo. El cuerpo de baile, conformado por ocho parejas -no son un adorno de los primeros bailarines-, cada una tiene variaciones de gran trabajo técnico. El diseño de vestuario es de Dain Marcus y la iluminación de Rubén Conde.

La pareja de Georgina Giovannoni y Edgardo Trabalón fue la primera en aparecer: la llamada pareja turquesa porque la bailarina tenía un tutú estilo francés de color turquesa. Giovannoni se lució por su muy buen eje y gracia. En seguida fue el turno de Natalia Pelayo y Maximiliano Iglesias como la pareja roja. Iglesias demostró su solvencia técnica en los jeté manèges y los brisé en arrière. El cuerpo de baile: los varones se desplegaron con gracia eterna junto a sus parejas al unísono del violín. De repente, hizo su aparición la pareja azul, Nadia Muzyca y Alejandro Parente que despertaron con su canto hecho cuerpos como pareja enamorada. Muzyca se destacó por sus fluidos pas de bourrée en arrière y su grand développé à la seconde. Al final salieron a escena Karina Olmedo y Juan Pablo Ledo como la pareja rosa: la primera bailarina brilló por su fuerza de espíritu y elegancia que transcendía el escenario con su sonrisa imperante y su excelente técnica, que remató con un temps de flèche a gran altura. Ledo, por su parte, subrayó sus jetés en l’air en tournant saliendo airoso. Las parejas bailaron junto a otras ocho parejas.

Duato y su marca registrada

“Por vos muero”,de Nacho Duato, con música de Jordi Savall y textos de Garcilaso de la Vega relatados por el actor y cantante Miguel Bosé. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

“Por vos muero” de Nacho Duato fue la segunda obra presentada. La música es de Jordi Savall y se escucha un audio con Miguel Bosé como relator de los textos poéticos de Garcilaso de la Vega. La intención de Duato, bien lograda, fue la de homenajear el papel preponderante que tenía la danza como forma de expresión del pueblo en los siglos XV y XVI. El vestuario es del propio Duato e Ismael Aznar.

Risas, cantos, máscaras, interrelaciones alegres y complaciente entre los bailarines se destacan. Los encuentros entre los bailarines que bailan en media punta son sutiles con movimientos que se mueven eternos. Los torsos aparecen en un primer momento semi desnudos y se desplazan como si fuera una cámara lenta. Luego la alegría comienza al son de una música barroca que presenta una puesta en escena en la gama de los verdes y azules. La obra que fue montada para seis parejas estuvo bailada por Candela Rodríguez Echenique, Magdalena Cortés, Emilia Peredo Aguirre, Iara Fassi, Manuela Rodríguez Echenique, Clara Sisti Ripoll, Jiva Velázquez, Facundo Luqui, Anotnio Luppi, Alejo Cano Maldonado, Emiliano Falcone y Edgardo Trabalón.

Infaltable Balanchine

La velada finalizó con “Tema y variaciones” de George Balanchine a 70 años de su estreno, con una espléndida Camila Bocca y Maximiliano Iglesias como bailarines principales. El objetivo de Balanchine era el de evocar la época dorada de los grandes ballets del siglo XIX en Rusia, la música elegida seguiría siendo la de Tchaikovski (Suite n° 3 para Orquesta in G mayor, Op. 55) pero en contraposición a las obras de Petipa, no habría una historia que contar, sino que ¡lo que primaría sería la técnica! Ni el argumento, ni el vestuario, ni la escenografía debían distraer la atención.
Bocca compuso unos brillantes pirouettes y fouettés en perfecto eje que junto a su partenaire se lució en sus fluidos developpés en croix. Iglesias se destacó por su gracia y sus tours en l´air en altura y precisión.

Balanchine quería así concentrar y guiar la energía visual del público en sus variaciones de gran brillo. La técnica era la diva. La obra fue creada para Alicia Alonso e Igor Youskevitch como primeros bailarines del Ballet Theater en 1947 (luego American Ballet Theatre): Alonso comentó en una entrevista que Balanchine comenzó a agregar variaciones, mismo durante el montaje, cada vez más demandantes; por ejemplo se marcaba una variación en cuatro compases pero había que bailarlo en cinco.

Una competencia comenzó entre los primeros bailarines y Balanchine. Alonso y Youskevitch trabajaron duro, ellos nunca dijeron que no a ninguna variación propuesta. La bailarina más tarde relató cómo sus amigas, primeras bailarinas que nailaron esta pieza después, como María Tallchief, le reclamaron a Alonso diciendo: “Pero, Alicia, ¿cómo permitiste que pusiera esto o aquello, ¿cómo vamos a hacer nosotras?, y yo les respondía: Bueno querida, eso lo puso Balanchine, eso es idea de él”. Balanchine quería llegar a los límites de Alonso y Youskevitch. Al final, el primer bailarín le expresó a Balanchine sonriente: “¡Gracias por matarme!” De esto resultó que la presente pieza que se vuelve a presentar en el Teatro Colón fuera la más difícil del repertorio balanchineano, y la de mayor virtuosismo técnico.

El Ballet Estable del Teatro Colón repone “Por vos muero”, un clásico del coreógrafo español Nacho Duato, con música de Jordi Savall y texto de Garcilaso de La Vega. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Teatro Colón.

Luego de una breve gira por el interior, con la dirección de Paloma Herrera, el Ballet Estable del Teatro Colón presentará, a partir del domingo 15 de octubre a las 17:00 horas, una propuesta que incluirá coreógrafos clásicos y contemporáneos. Se realizarán siete funciones con dos programas mixtos en los que se alternará un vocabulario clásico y nuevos modos de expresión de la danza escénica, y llevará como título, “Noche clásica y contemporánea”.

Javier Logioia Orbe, estará al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón, dirigirá las siete funciones que comenzarán el domingo y continuarán el martes 17, el miércoles 18, el jueves 19, el viernes 20, el sábado 21 y el martes 24 de octubre a las 20:00 horas.

En las funciones del 15, 18 y 19 de octubre el programa estará compuesto por “Concierto para violín Nᵒ 1”, con música de Max Bruch y coreografía de Clark Tippet, que también se verá en el segundo programa; “Por vos muero”, un clásico del coreógrafo español Nacho Duato, con música de Jordi Savall y texto de Garcilaso de La Vega; y “Tema y Variaciones”, una de las obras más famosas de George Balanchine, con música de Piotr Ilich Tchaikovski. La reposición coreográfica de esta obra estará a cargo de Ben Huys.

En las presentaciones del 17, 20, 21 y 24 de octubre se verá un programa compuesto por el “Concierto para violín Nᵒ 1”, con reposición coreográfica de David Richardson; el Pas de deux del Acto II de “El lago de los cisnes”, con música de Tchaikovski y coreografía de Mario Galizzi basada en los originales de Marius Petipa y Lev Ivanov, versión que hace más de 20 años forma parte del repertorio de la compañía. También subirá a escena “Adagietto”, una célebre obra de Oscar Araiz con música de Gustav Mahler, creado para el Ballet Contemporáneo de la Ciudad de Buenos Aires en 1971, estrenado también por el Royal Winnipeg de Canadá, el Ballet del SODRE, de Uruguay; el Ballet del Grand Theatre de Ginebra, de Suiza; el Ballet Nice Mediterranée, entre otros. Esta obra es hoy, uno de los clásicos del repertorio del Ballet Estable del Colón. La tercera obra de este segundo programa es “Tema y Variaciones”.

“Tema y Variaciones”, una de las obras más famosas de George Balanchine, con música de Piotr Ilich Tchaikovski. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza Teatro Colón.

Programa 

Domingo 15 de octubre, 17:00 horas; y miércoles 18 y jueves 19 de octubre, 20:00 horas.

“Concierto para violín no. 1”
Música: Max Bruch
Coreografía: Clark Tippet
Reposición coreográfica: David Richardson

“Por Vos Muero”
Música: Jordi Savall
Coreografía: Nacho Duato
Texto: Garcilaso de La Vega

“Tema y variaciones”
Música: Piotr Ilich Tchaikovski
Coreografía: George Balanchine
Reposición coreográfica: Ben Huys

Martes 17, viernes 20, sábado 21 y martes 24 de octubre, 20:00 horas.

“Concierto para violín no. 1”
Música: Max Bruch
Coreografía: Clark Tippet
Reposición coreográfica: David Richardson

Pas de deux (del segundo acto de “El lago de los cisnes”)
Música: Piotr Ilich Tchaikovski
Coreografía: Mario Galizzi (basada en los originales de Marius Petipa y Lev Ivanov)

“Adagietto”
Música: Gustav Mahler
Coreografía: Oscar Araiz

“Tema y variaciones”
Música: Piotr Ilich Tchaikovski
Coreografía: George Balanchine
Reposición coreográfica: Ben Huys

Principales Intérpretes

La Compañía Nacional de Danza en “The vertiginous thrill of exactitude”, con coreografía de William Forsythe. Foto: Jesús Vallinas. Gentileza CND.

La Compañía Nacional de Danza (CND) vuelve a dar otro paso de gigante con el programa “Una noche con Forsythe”, en la segunda velada dedicada íntegramente a autor -tras la noche de Jiří Kylián hace un lustro-,  desde la incorporación en la dirección artística de José Carlos Martínez, en 2011. Considerado uno de los coreógrafos más influyentes y revolucionarios de la escena del último cuarto del siglo pasado, William Forsythe (Nueva York, 1949) desarrolló una parte importante de su trabajo al frente del Ballet de Frankfurt, que dirigió de 1983 a 2004. En una primera etapa, su trabajo parte del lenguaje académico más estricto y lo lleva hasta unos límites insospechados; posteriormente, el estilo de Forsythe evoluciona por otros derroteros hacia el planteamiento de sus piezas como una instalación coreográfica, una línea en la que ahondó en su década al frente de The Forsythe Company, de 2005 a 2015.

El programa seleccionado por Martínez se decanta por tres piezas selectas del repertorio de Forsythe: “The vertiginous thrill of exactitude” (1996), “Artifact Suite” (2004, sobre el original de 1984) y “Enemy in the figure” (1989). Alterando sabiamente el orden cronológico de su creación, el programa va de menos a más: desde la visión más cercana al clasicismo hasta la obra de corte más contemporáneo. Con la Sala Argenta del Palacio de Festivales de Cantabria a punto del lleno, la CND acometió la noche de estreno con una mezcla de nervios, ilusión y expectativas, pues un programa Forsythe tan exigente como éste, eran palabras mayores.

Comenzó la velada con “The vertiginous thrill of exactitude”, un homenaje a las aportaciones del coreógrafo francés Marius Petipa (1818-1910), autor de los grandes temas del repertorio clásico como “La Bella Durmiente”, “El Cascanueces”, “El lago de los cisnes”, “Don Quijote”, entre otros, y del padre del neoclásico, el ruso George Balanchine (1904-1903), piedra angular de la escuela americana y autor de obras como “Serenade”, “Tema y Variaciones”, “Tchaikovsky. Pas de deux” o “Jewels”. Mientras que de Petipa toma la construcción de la obra en solos, pasos a dos, a tres y glorioso final del elenco al completo, y, obviamente, todas las bases estilísticas del lenguaje clásico; de Balanchine, su gusto por los ballets abstractos o ‘plotless ballet’, además de la ejecución endiablada de enésimos pasos a ritmo, precisamente, vertiginoso, tal y como anuncia el título.  Estrenada en su origen por el Ballet de Frankfurt en 1996, esta pieza presenta a un quinteto de intérpretes –tres mujeres y dos hombres-, sobre la novena  sinfonía de Franz Schubert, y responde a todos los cánones del clásico: imaginativo tutú de color verde pistacho y no de tul ilusión, las hipnóticas zapatillas de punta, lirismo y virtuosismo técnico, todo ello interpretado con acierto por el elenco de la CND, pese a algunos desajustes, sobresaliendo los representantes masculinos –Alessandro Riga y Anthony Pina- sobre el apartado femenino.

Los componentes de la CND en “Artifact Suite”, que contó con cerca de cuarenta bailarines en escena. Foto: Jesús Vallinas. Gentileza CND.

Basado en tres secciones de la obra original de 1984, el Scottish Ballet estrenó veinte años después una versión reducida titulada “Artifact Suite”, que introdujo la CND en su repertorio precisamente en su actuación en el Palacio de Festivales en Santander. Carente de argumento, la obra se construye en tres movimientos como una exhibición del potencial máximo del clásico, del valor del trabajo del conjunto y, en especial, del cuerpo de baile, de la importancia de los elementos teatrales con esos impenitentes telones cayendo en mitad de escena. En la sección primera, un bello paso a dos sobre “La chacona” de Bach, enmarcado por treinta bailarines del cuerpo de baile; en la segunda, música de piano de Eva Crossman-Hecht acentuando la repetición para mostrar al cuerpo de baile como un complejo engranaje con una sincronía propia de la precisión suiza. Gracias a ese movimiento, se pudo apreciar el gran avance de la CND en pos de creación de una compañía compacta en la que los casi cuarenta bailarines se involucran al máximo en beneficio de la pieza de una gran belleza escénica, que casi consiguió hacer levitar a los espectadores en Santander.

Un foco enemigo

Vieja conocida de la CND, la obra “Enemy in the figure” entró en el repertorio de la compañía española en 2001, dentro de la etapa de Nacho Duato como director artístico. De corte más contemporáneo que todas las anteriores y nutrida en su origen de materiales propios de la improvisación, fue estrenada por el Ballet de Frankfurt en 1989 y aborda cuestiones como la necesidad de elección del espectador ante varios focos de acción en escena, la importancia de la iluminación en el escenario, la delimitación del espacio escénico. Una mampara ondulada cual escultura sinuosa de Richard Serra, divide el espacio escénico, pero no la acción que discurre en él. Además, la luz también adquiere un protagonismo singular: los intérpretes, ataviados con ropa estrafalaria, deben dirigir un gran foco como si fuera la manera en la que redirigir la mirada del espectador, pese a que hay acción más allá de donde ilumina el foco. Destellos de luz, sombras proyectadas, la desapacible música metálica de Thom Willems y una danza esencialmente contemporánea, convierten a “Enemy in the figure” en un curioso universo poblado de seres estrambóticos con la necesidad de subrayar, sobre todo, su soledad o individualidad ante el foco.

Con dos horas de duración, “Una noche con Forsythe” fue una buena forma de tomarle el pulso a esta CND que bien cabalga por un lugar de la Mancha de la mano del clásico “Don Quijote” o bien se aventura por los exigentes terrenos de un creador contemporáneo cuya revolución de las bases académicas le han convertido ya en un clásico. Puede que los universos de William Forsythe sean crípticos para los legos en la materia, pero la belleza que insuflan esta obras, en especial, las dos primeras, no es ajena a los espectadores. Así lo entendió el numeroso público reunido en el Palacio de Festivales de Cantabria que premió con una sonora salva de aplausos de más de cinco minutos de duración. Porque la belleza es belleza y no necesita más explicación.

Aída Badía, Agnés López y Erez Ilán, miembros de la CND, en “Enemy in the figure”, obra de William Forsythe que cerró la velada.Foto: Jesús Vallinas. Gentileza CND.

Flamantes autoridades del Teatro Colón, (de izq. a der.) María Victoria Alcaraz, Paloma Herrera, Horacio Rodríguez Larreta, Enrique Diemecke y Diego Santilli. Foto: Sandra Hernández. Prensa GCBA.

Hace menos de una semana las autoridades del Teatro Colón de Buenos Aires anunciaron a Paloma Herrera como directora del Ballet Estable del Teatro, tras las renuncias de Dario Lopérfido de la dirección del teatro, y de Maximiliano Guerra como director de la compañía de ballet, luego de enfrentamientos con los bailarines.

La Directora General del Teatro Colón, María Victoria Alcaraz, nombró en reemplazo de Lopérfido para ocupar la Dirección General de Programación y Producción Artística del primer coliseo al maestro Enrique Arturo Diemecke, de larga trayectoria en el teatro, y quién desde 2007 se desempeña como Director Musical de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires.

Herrera, que comenzó su carrera en ese teatro, y desde muy pequeña deslumbró con roles como “Amor” en “Don Quijote”, para luego entrar, con apenas 15 años como cuerpo de baile en el American Ballet Theatre (ABT), compañía con la que bailó hasta 2015, año de su retiro. A su vez, la bailarina fue la primera en la historia del ABT en llegar a la categoría de bailarina principal con 19 años.

“Acepto este reto con un enorme orgullo y agradecimiento -dijo Herrera, al recibir la noticia-. El Colón me dio todo, amo esta casa en la que crecí desde muy niña. Es una gran satisfacción para mí devolverle al Teatro todo lo que me dio y poder proyectar a nuestro extraordinario cuerpo de baile al mundo”.

Como primera bailarina del ABT, Herrera fue una de las pioneras del “boom” de bailarines latinos en los Estados Unidos, fenómeno que reemplazó el protagonismo de los rusos exiliados de la década de los ’80, y fue una de las bailarinas más reconocidas a nivel internacional. Invitada en compañías como el New York City Ballet, el Tokio Ballet, el Kirov Ballet de San Petersburgo, el Bolshoi Ballet, el Kremlin Ballet, el Ballet Nacional de Cuba, y otras, también partición en innumerables galas, entre ellas, la Gran Gala de Homenaje a Maya Plisetskaya y la Gala de Despedida de Alessandra Ferri en Japón.

Coreógrafos reconocidos internacionalmente como Twyla Tharp, Nacho Duato y James Kudelka, crearon roles principales para ella, y a lo largo de su carrera trabajó con una diversidad de coreógrafos tales como Jiri Kylian, William Forsythe, Alexei Ratmansky o Benjamin Millepied. Su despedida del Teatro Colón, fue en octubre de 2015 con “Romeo y Julieta”.

Además de felicitar a los funcionarios entrantes, el Jefe de Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires, Horacio Rodríguez Larreta, destacó que durante la gestión de Lopérfido se incrementó la asistencia de público. También fueron parte de la programación figuras de nivel internacional y argentinos que triunfan en el exterior, como Marcelo Álvarez, Marianela Núñez, Ludmila Pagliero y Alejo Pérez. Y entre otros logros, las transmisiones por streaming y la apertura de los ensayos con público en forma gratuita.

La renuncia de Guerra se rumoreaba desde hacía un tiempo debido al malestar que expresaban los bailarines de la compañía a la espera de resultados en relación a los reclamos: un grupo médico especializado, un gimnasio equipado, barras perimetrales, cambio de la iluminación en la sala 9 de julio, mayor cantidad de funciones en el teatro, más giras y más títulos por temporada. Todos estos, elementos indispensables para cualquier compañía de nivel internacional.

De hecho, durante 2015/2016, los bailarines advirtieron la pérdida de títulos del repertorio clásico y la disminución de funciones. En enero de 2017, la compañía salió a la calle con carteles que decían “Basta”, con el fin de hacer públicos sus reclamos. En medio de este entorno, la llegada de Herrera marca un nuevo tanto para las autoridades del teatro como también para los bailarines de la compañía.

El Ballet Estable del Teatro Colón en un ensayo de “In the middle somewhat elevated”, de William Forsyte, en “Noche Contemporánea”. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colón.

Bajo la convocatoria de Maximiliano Guerra, Director artístico del Ballet Estable del Teatro Colón, llegan nuevos aires para la compañía a través de la presentación de “Noche Contemporánea”, un espectáculo que reúne obras de reconocidos coreógrafos internacionales. Las cinco funciones de ésta “Noche Contemporánea” se realizarán desde el martes 21 hasta el sábado 25 de junio.

Subirán a escena las coreografías de los argentinos Walter Cammertoni y Constanza Macras –residente en Berlín, Alemania-, “Amor, el miedo desaparecerá” y “Bosque de Espejos” respectivamente. Ambas serán estrenos mundiales, realizadas especialmente para el Teatro Colón. Mientras que las piezas, “Por vos muero”, creada en 1996 por el coreógrafo español Nacho Duato, y “In the middle somewhat elevated”, la legendaria obra creada en 1987 por el estadounidense William Forsythe, llegarán al escenario del Colón, después de presentarse en los mejores festivales y teatros del mundo.

Cammertoni basó su obra en la música de J.S.Bach, y Macras, para “Bosque de espejos” utilizó piezas del compositor Alban Berg, Anton Webern, Henry Purcell  y J.S. Bach. La realización de Duatto, utiliza partituras de Savall, mientras que “In the middle somewhat elevated”, de Forsythe, lleva composiciones de Thom Willems.

Nacida en Argentina, Macras estudió danza y diseño de indumentaria, y desarrolló los fundamentos de su obra coreográfica y artística en Ámsterdam y en el Estudio Cunningham Merce en Nueva York, entre otros. En 2003 fundó la compañía de danza-teatro internacional CONSTANZA Macras | Dorky Park en Berlín, compañía que agrupa actores, bailarines, músicos y artistas de distintas disciplinas y nacionalidades. Sus obras apuntan a explorar la participación social, la integración, la segregación y la marginación, así como las consecuencias sociales y desafíos de la globalización. En 2010, fue galardonada con el premio de teatro alemán superior, Der Fausto, en la categoría de Mejor Coreografía por su producción “Megalopolis”.

Camertoni, por su parte, estudió en Francia, donde cursó estudios en Epsedanse (Ecole Professionnelle Supérieure d’Enseignement de la Danse de Montpellier). Nacido en Córdoba, Argentina, desde 1997 dirige el Grupo MxM Danza. Y en Buenos Aires, participa en las Residencias del Centro de Experimentación del Teatro Colón y dirige el Ballet de la Universidad Nacional de las Artes (UNA). En 2006 es coreógrafo y bailarín en “Lontano Blu”, obra representada en Córdoba y en Adelaida (Australia). Junto al Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín de Buenos Aires realiza la coreografía de la obra “Indiferencia divina”.

Hannah O’Neill y Alicia Amatriain compartieron el Benois a la Mejor Bailarina, en la ceremonia que tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de Moscú, el 17 de mayo. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El Teatro Bolshoi de Moscú acogió el 17 de mayo, la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse. Instituidos en 1992 por la Unión Internacional de la Danza, estos galardones son considerados los ‘Óscar’ del ballet. “Realmente es muy gratificante cuando la gente considera que el Benois es la distinción más alta en el mundo del ballet”, asegura Nina Loory, cofundadora y directora artística del certamen.

Jason Reilly y Alicia Amatriain, ambos bailarines del Stuttgart Ballet, en la entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse, en el Teatro Bolshoi de Moscú. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El jurado estuvo presidido por el legendario Yuri Grigorovich, quien celebrará sus 90 calendarios, el próximo 2 de enero y en cuyo homenaje también se está organizando un festival. Además de Grigorovich, formaron parte del jurado José Carlos Martínez (director de la Compañía Nacional de Danza), Marie-Agnès Gillot (Étoile del Ballet de la Ópera de París), Johannes Öhman (director artístico del Real Ballet de Suecia), Xiao Suhua (coreógrafo y profesor del departamento de coreografía de la Beijing Dance Academy), Elisabetta Terabust (estrella italiana del ballet), Yury Fateyev (Mariinsky Ballet) y Linda Shelton (directora ejecutiva de la Fundación del Joyce Theater, en Nueva York).

La ceremonia de entrega quiso revestirse de toda la pompa y solemnidad predicables de uno de los mayores templos del ballet, el mítico Teatro Bolshoi. Como si fuera una mezcla de un acto versallesco con chambelán incluido y una moderna imitación de los galardones más cinematográficos con los videos presentación de cada uno de los candidatos, el acto se alargó en exceso –tanto como sesenta minutos de reloj- y más siendo el prólogo de la gala de nominados, con una duración de tres horas. De cualquiera de las maneras, lo realmente interesante fue el palmarés en el que se aplicó dos veces el juicio salomónico para conceder dos distinciones.

La categoría de mejor coreógrafo aupó a Yuri Possokhov por su creación “Hero of our time” para el Bolshoi Ballet, y a Johan Inger, por sus obras “Carmen” para la Compañía Nacional de Danza y “One on One” para Nederlands Dans Theater.  Como mejor bailarín despuntó el coreano Kim Kimin (Mariinsky Ballet) por sus interpretaciones de “La Bayadère” y “Schéhérazade”.

Octavo para España

Alicia Amatriain y José Carlos Martínez, director de la Compañía Nacional de Danza de España. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El jurado otorgó el Benois a la ‘Mejor Bailarina’ ex aequo a Alicia Amatriain (Stuttgart Ballet), por sus magistrales interpretaciones en “Un tranvía llamado deseo”, con coreografía de John Neumeier, y “The soldier’s tale”, creada por Demis Volpi; y a Hannah O’Neill (Ballet de la Ópera de París), por “Paquita”. “En el caso de ‘Un tranvía llamado deseo’, el reto fue entender a Blanche DuBois y cómo reacciona esa mujer. Es una persona muy compleja que ha sufrido durante toda su vida. Técnicamente, no tiene una coda de 32 fouettés, pero para conseguir que el público entienda su drama, la técnica debe pasar desapercibida”, confesó la intérprete donostiarra. Gracias a la creación del rol del demonio ‘The soldier’s tale’, Amatriain se convirtió en la primera artista española en recibir el der Faust, el pasado mes de noviembre. “Fue un papel muy difícil y físicamente muy duro, que me ha traído muchas alegrías. No puedes salirte del personaje en ningún momento, ya que se perdería la ilusión de la animalidad”.

La artista vasca pone así broche de oro a una temporada prolífica en premios que se inició en septiembre del año pasado con su nombramiento como ‘Kammertänzerin’ –Bailarina de Cámara- del estado de Baden-Württemberg. En su discurso, palabras de agradecimiento para el Stuttgart Ballet, “su casa”, y John Neumeier “por la oportunidad de interpretar este personaje tan complicado que es Blanche DuBois”. De esta manera, Amatriain se alza con el octavo ‘óscar’ del ballet español, tras los intérpretes Ángel Corella (2000), Joaquín de Luz (2009) y Fernando Romero (2011), las bailarinas Lucía Lacarra (2003) y Tamara Rojo (2008), y los coreógrafos Nacho Duato (2000) y José Carlos Martínez (2009).

El premio a la mejor escenografía recayó en Ren Dongsheng por “Emperor Yu Li” de la Beijing Dance Academy. Fuera de las categorías a concurso, John Neumeier recibió el Benois en homenaje a toda su carrera, de manos del mismísimo Yuri Grigorich, y glosó su relación con Rusia, en su discurso. De hecho, la presencia del repertorio de Neumeier fue amplia tanto en la gala de nominados (17 de mayo) como en la gala de laureados (18 de mayo), estando esta última orientada a recordar el 400 aniversario del fallecimiento de William Shakespeare, para lo que se programaron pasos a dos de ballets inspirados en sus obras.

Ver artículos relacionados

Los mejores de la escena
El teatro también baila

En esta edición del Festival Flamenco en Berlín, Sara Calero subirá a escena “El mirar de la maja”, pieza con la que fue distinguida con el Premio Artista Revelación en el Festival de Jerez. Foto gentileza FFB.

Sara Calero, una de las principales figuras en la renovación del binomio danza española/baile flamenco se presenta el 5 de diciembre, en el Akademie der Künste, dentro de la programación del Festival Flamenco en Berlín.

Su formación clásica y su experiencia en compañías tan significativas como el Ballet Nacional de España son la base sobre la que Calero construye sus espectáculos. En ellos, la bailarina exhibe su técnica y, sobre todo, su toque personal.

En esta edición del Festival subirá a escena “El mirar de la maja” pieza con la que fue distinguida con el Premio Artista Revelación en el Festival de Jerez, uno de los más importantes del mundo dedicado a la danza española y al flamenco.

Calero también participó de la mesa redonda sobre la danza, integrada por Nacho Duato (actual director del Staatsballet de Berlín) y Rocío Molina, Premio Nacional de Danza. Este encuentro entre creadores se realizó el 3 de diciembre en la sede del Instituto Cervantes de Berlín.

Cuando tenía 7 años la bailaora entró por primera vez en una escuela de danza, y terminó su formación académica con certificado de excelencia en el Conservatorio de Madrid. Discípula aventajada, ha estado vinculada a las más importantes compañías de danza española y flamenco de España, como Ballet Nacional de España (donde fue primera bailarina), Compañía Andaluza de Danza, Compañía de Antonio Márquez o Compañía Ibérica de Danza. Ha compartido escena con primeras figuras del cante flamenco como Carmen Linares o Esperanza Fernández.

“El mirar de la maja” es una propuesta que surgió tras una reflexión sobre cómo utilizar el lenguaje de la danza española (flamenco, ballet español, folclore) para avanzar en la construcción de otras inquietudes expresivas del siglo XXI. “Me emociona poder representar esta obra  ante el público de una ciudad tan cosmopolita, tan diverso y de tan alto nivel cultural”, aseguró Calero.

Con idea original de Calero y Gema Caballero, dirección de escena y coreografía de Calero, la obra tiene como protagonista a la bailaora, en cante a Caballero, en guitarra flamenca a Fernando de La Rua, y guitarra clásica a Pablo Romero Luis.

Jorge Nozal, interpreta “Thin skin” de Marco Goecke, por la que obtuvo el Premio Swan 2015. Foto: Rahi Rezvani. Gentileza: Nederlands Dans Theater.

Jorge Nozal (San Sebastián, 1978) obtuvo el Premio Swan 2015 –Zwaan Dansprijs, en su denominación neerlandesa-, otorgado por la asociación de teatros nacionales (VSCD) y definido como el ‘Óscar’ de la danza en los Países Bajos. En la ceremonia de entrega que tuvo lugar en el marco del Festival de danza de Maastricht, el pasado sábado, el jurado destacó que “Jorge Nozal alterna los movimientos de su cuerpo desde el lirismo hasta la brusquedad, subrayando la carga poética de la coreografía con sus movimientos articulados. Su presencia, suave y poderosa a la vez, deja sin aliento al espectador”. Satisfecho por recibir el galardón, el artista vasco confiesa que “la verdad es que no cambia nada en mi carrera y menos a estas alturas, pero, estoy súper contento de que me reconozcan ya a estas alturas de mi carrera todo el trabajo que he hecho hasta ahora. En el momento en el que llega da un sentido al porqué. Es una gran sensación; es una muy buena sensación”.

Nozal optaba al galardón por su interpretación de la obra “Thin skin”, una coreografía original de Marco Goecke, cuya creación fue “muy importante para mí, porque venía de dos meses de baja por lesión, un parón que me sirvió para ver la danza desde otra perspectiva”. La pieza con tintes autobiográficos, cuenta con música de Patti Smith y en ella, Nozal da vida al propio creador. “Es una obra muy personal para Marco y para mí, en la que he intentado crear una capa más allá de lo que él proponía, sabiendo lo que él sentía. El resto de bailarines lleva una red de tatuajes que representan los sueños y yo salgo con el torso desnudo, interpretándole a él”.

La sencillez de la exreina

El acto tuvo lugar en el transcurso de una cena “muy elegante y con mucha clase” en el foyer del Theater aan het Vrijthof de Maastricht. Entre el primer y el segundo plato, se anunció el ganador del premio al mejor bailarín del año. “Estaba todo abierto y me lo estaba tomando todo con mucha calma, pero, en ese momento, mi corazón empezó a palpitar. Cuando leyeron mi nombre, me puse nervioso, emocionado, y muy contento a la vez. De repente, le di el valor que tiene”, asegura el bailarín donostiarra. “Salí al pequeño escenario que habían montado y, por supuesto, tuve que decir unas palabras. Tenía pensado decir más cosas, pero, en el momento, quise hacerlo más simple: agradecí a la organización por dar el premio y al coreógrafo que creó esta pieza y me dio este papel tan importante. Ésas fueron mis palabras: un agradecimiento bastante simple y honesto, y con una sonrisa en la cara. Fue sencillo, pero muy bonito”, rememora.

Posteriormente, entre el segundo plato y el postre, se entregó el galardón correspondiente a la mejor producción, al que también optaba “Thin skin”, pero esta vez, la distinción recayó en otras manos. Al empezar el espectáculo del Festival de danza de Maastricht, nominados y ganadores se acomodaron en un palco especial y durante el intermedio, la princesa Beatriz –anteriormente, reina de los Países Bajos- les felicitó personalmente en un salón reservado para la ocasión, “fue muy oficial pero muy bonito. Ella es una mujer muy simple y muy normal, así que se hizo muy ameno”.

La princesa Beatriz de Holanda, anterior reina de los Países Bajos, felicitó personalmente a los nominados y galardonados. Foto: Jochem Jurgens. Gentileza de Festival de Nederlandse Dansdagen.

Un hombre con enormes alas

La asociación VSCD creó los premios de danza y teatro -Theaterdansprijzen, en holandés- en 1983. Nacho Duato recibió el ‘Gouden Theaterdansprijs’ –premio de oro- (1987) en su faceta de bailarín, mientras que los catalanes Anna Teixidó y Joaquim Sabaté obtuvieron el ‘Zilveren Theaterdansprijs’ –premio de plata- (1991)  y ‘Lucas Hoving Productieprijs’ –premio a la mejor producción- (1999), respectivamente. “No tenía ni idea de qué había españoles que lo habían recibido antes y me alegro que yo sea uno de ellos”, confiesa.

Rebautizados como Swan en 2003, Jorge Nozal se convierte así en el primer vasco y cuarto español que se alza con la escultura de Toer Van Schayk, acreditativa del ‘Óscar’ holandés de la danza, “me gusta mucho el diseño del trofeo y me siento muy identificado con él: es el cuerpo de un hombre desnudo con alas enormes; así es como me siento yo en el escenario”, añade. El galardón de Jorge Nozal se suma al reciente nombramiento de Alicia Amatriain como ‘Kammertänzerin’ del estado alemán de Baden-Wurtemberg, lo que confirma el excelente momento de los bailarines vascos en el extranjero. Precisamente, Amatriain (14 años) y Nozal (16 años) salieron juntos de su San Sebastián natal con rumbo a la Escuela “John Cranko” de Stuttgart en 1994. “Alicia y yo éramos dos niños en un tren con destino a Stuttgart y con ganas de cumplir un sueño. Hemos trabajado mucho y aquí estamos”, finaliza.