Mariko Sasaki y Joseph Sissens protagonizaron la función de “El lago de los cisnes” del Royal Ballet. Foto: © Asya Verzhbinsky.

Una producción del clásico “El lago de los cisnes” para la generación actual era el objetivo del director del Royal Ballet, Kevin O’Hare, cuando realizó el encargo al entonces coreógrafo residente de la prestigiosa compañía, Liam Scarlett. La intención era reemplazar la versión de Anthony Dowell (1987), que llevaba tres décadas en el repertorio del Royal Ballet. Y el resultado fue una suntuosa producción, respetuosa en la parte esencial con el original de Marius Petipa y Lev Ivanov (1895) y con algunas adiciones coreográficas, amén de la danza napolitana de Frederick Ashton (1952). El estreno de la lectura del joven coreógrafo inglés tuvo lugar el 17 de mayo de 2018 en la Royal Opera House, donde estos días la aplaudida compañía ofrece una nueva temporada, gracias al trabajo conjunto de Gary Avis, Laura Morera y Samantha Raine para conseguir sacar brillo a la lujosa producción firmada por Scarlett tres años antes de su trágica desaparición.

En el universo del ballet, acudir a un espectáculo en la Royal Opera House supone acceder a un recinto cuasi-sagrado, testigo de numerosas noches de gloria de la legendaria pareja formada por Margot Fonteyn y Rudolf Nureyev. La majestuosidad del edificio, de sus telones -aún bordados con las iniciales de la difunta reina Isabel II-, y del patio de butaca, predisponen al espectador para disfrutar de una vivencia cercana a lo místico en términos balletísticos. Si a todo ello se le añade un título icónico como “El lago de los cisnes”, bailado por una de las cinco mejores compañías del mundo, The Royal Ballet, y con la partitura de Tchaikovsky interpretada por la orquesta Royal Ballet Sinfonia –bajo la batuta de Martin Georgiev-, la experiencia se  convierte en inolvidable. Mejor plan para un viernes a la noche, imposible.

Título de referencia del ballet y tentación para cualquier creador, el abanico de versiones de “El lago de los cisnes” es de lo más variopinto: desde las más respetuosas con la lectura canónica hasta los más planteamientos más irreverentes. En su momento, la intención de Liam Scarlett consistió en sacudir un poco el polvo a la obra, teniendo entre sus hallazgos la humanización del personaje de Rothbart, transformado en un consejero real en lugar de una caricatura del mal, la reelaboración del cuarto acto, en el que primó la parte narrativa, y, sobre todo, una impronta británica con la que marcó los actos I y III, un impresionante diseño de John Macfarlane situado en la era victoriana, época de gran esplendor para el Imperio británico.

Mariko Sasaki y Joseph Sissens. Foto: © Asya Verzhbinsky.

La función en cuestión fue protagonizada por Mariko Sasaki, en sustitución de la principal Akane Takada. La técnica de la solista nipona quedó subrayada en el rol de la malvada Odile, gracias al cual el público disfrutó de la coda y los famosos 32 fouettés, en los que alternó dobles y sencillos. Sin embargo, su Odette hubiera lucido más con una dosis adicional de lirismo. El papel del príncipe Siegfried fue desempeñado por el primer solista Joseph Sissens, sobresaliente y arriesgado en sus variaciones, además de atento partenaire para la princesa cisne. Si la maldad puede ser atractiva y refinada a un mismo tiempo, la versión de Liam Scarlett consiguió la cuadratura del círculo con el pérfido Rothbart, interpretado en esta ocasión por Lukas B. Brændsrød.

El cisne representaba la belleza inmaculada para el Romanticismo, por lo tanto, 24 cisnes simbolizarían un plus adicional de esta cualidad. Creados por Lev Ivanov, los actos II y IV son un derroche de belleza superlativa y si además, la bandada de ánades demuestra una impecable pulcritud en la ejecución de sus pasos, como en el caso de la pléyade de cisnes del Royal Ballet, la imagen queda grabada en la memoria. Decía Ninette de Valois que la clave de toda compañía radicaba en una sólida escuela. Fundado en 1931, The Royal Ballet debe al espíritu de Valois su existencia y filosofía vital. Aunque “La Bella Durmiente” es considerado el título-fetiche de la prestigiosa compañía, la fundadora podría estar bien orgullosa del riguroso trabajo del Cuerpo de Baile, así como de los pequeños cisnes –Madison Bailey, Yu Hang, Bomin Kin y Charlotte Tonkinson- y de los grandes cisnes –Olivia Cowley y Chisato Katsura-.

Tradicionalmente existen variantes en cómo terminar “El lago de los cisnes”. En su día, Liam Scarlett escogió un final trágico para su lectura: traicionada por Siegfried, Odette muere ahogada, dejando al príncipe sumido en la pena más absoluta. Podría parecer que la elección de Scarlett tuviera un carácter premonitorio, ya que tras superar una investigación por conducta inapropiada y su despido, el coreógrafo inglés falleció a los 35 años por autolisis, según apuntaron las informaciones publicadas en su obituario. Once calendarios antes, el joven Scarlett había despuntado con “Asphodel Meadows” (2010) y casualmente, la última producción que bailó el Royal Ballet antes de la pandemia fue su versión de “El lago de los cisnes” (2018). Mientras Siegfried llora desconsoladamente la pérdida de Odette, The Royal Ballet pone en valor la corta pero intensa carrera de Scarlett al recuperar su majestuosa producción del clásico inmortal. Hoy día, los grandes ballets de la historia sólo se convierten en experiencias únicas en teatros como la Royal Opera House, con la inigualable atmósfera que crea la música en directo y, sobre todo, con una compañía tan extraordinaria como The Royal Ballet, cuyo trabajo recibió una larguísima ovación de un público feliz por disfrutar de la excelencia del arte del ballet.

The Royal Ballet realizó seis funciones de su flamante recreación de “El lago de los cisnes”, en El Tearro Real de Madrid. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Veinte años han transcurrido desde la última visita de The Royal Ballet de Londres al Teatro Real de Madrid y, para el retorno, la casa británica apostó por su último y reciente éxito: la nueva versión del coreógrafo Liam Scarlett sobre el original de la entente Marius Petipa-Lev Ivanov, “El lago de los cisnes” (1895). El coliseo madrileño acogió seis funciones del clásico convertido en todo un icono sinónimo de ballet, gracias a las que la formación presentó un amplio abanico de elencos protagonistas, destacando las representaciones inaugural y de clausura, a cargo de la argentina Marianela Núñez y del ruso Vadim Muntagirov.

The Royal Ballet consiguió agotar las entradas de todas las veladas y, sobre todo, convirtió su espléndida apuesta en todo un evento cultural imprescindible en el verano madrileño. Versiones sobre “El lago de los cisnes” del tándem Petipa-Ivanov ha habido, hay y habrá muchas a lo largo de la historia de la danza, pues es un reto para cualquier coreógrafo intentar ofrecer su punto de vista sobre una de las obras referenciales del gran repertorio clásico. El director del Royal Ballet, Kevin O’Hare deseaba contar con una producción del clásico para la actual generación de la casa británica con la cual renovar la versión de Anthony Dowell (1987), que llevaba treinta años en el repertorio del Royal Ballet. Por ello, encargó al coreógrafo en alza Liam Scarlett su propia lectura, estrenada con éxito el pasado mes de mayo. El creador inglés clarifica el perfil de algunos personajes de la trama e intenta humanizar al malvado Von Rothbart, y mantiene la estructura tradicional de la obra, con sus cuatro actos, siendo su especial aportación una reelaboración del último, menos gótico y más narrativo.

Marianela Núñez y Vadim Muntagirov, bailarines de The Royal Ballet, fueron los protagonistas de la primera y última noche de “El Lago de los cisnes”. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real

Otra de las innovaciones consiste en situar el primer y tercer acto, en la época victoriana, a finales del siglo XIX. Firmada por John Macfarlane, la impecable producción de vestuario y escenografía transporta al espectador a la corte inglesa decimonónica y, cómo no, al celebérrimo lago en que transcurren los bellísimos actos de ballet blanco. Además, la impronta británica se acentúa con el mantenimiento de la compleja danza napolitana de sir Frederick Ashton, en el tercer acto. Debido a ese especial acento británico, las actuaciones en Madrid suponían, también, una gran prueba de fuego para la obra, al tratarse de las primeras funciones en el extranjero que permitían comprobar la reacción del público foráneo ante esta propuesta, trufada con muchos guiños hacia la cultura británica.

Los papeles protagónicos fueron interpretados en la noche de estreno por la nueva pareja talismán de la compañía británica: Marianela Núñez y Vadim Muntagirov. La argentina está viviendo un momento dulce de su carrera, que se percibe en el aplomo con el que aborda el rol dual de Odette/Odile: profundidad de sentimiento con sus ondulantes aleteos de brazos como Cisne Blanco, frente a seguridad, magnetismo y fuerte técnica en el Cisne Negro. Apodado ‘Vadream’, “porque es un sueño bailar con él”, el ruso es la viva estampa del danseur noble: excelente partenaire, magníficas líneas y límpida técnica, gracias a la que flota en cada salto.

Siempre es de agradecer la música en directo, en este caso, con la inmortal partitura de Tchaikovsky de la mano de Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la batuta de Koen Kessels, gracias a lo que el espectáculo adquirió más empaque. Por encima de una producción impecable hasta el más mínimo detalle, para todo balletómano, disfrutar de un espectáculo de una de las compañías más relevantes del mundo es una ocasión única de puro deleite. En este caso, el completo compromiso por sacar adelante la versión óptima del espectáculo de cada miembro de la casa británica -desde el bailarín de Cuerpo de Baile hasta la estrella- explica el porqué del prestigio del Royal Ballet. Ocho minutos de aplausos con el público del Teatro Real de Madrid en pie sirvieron para certificar el éxito del afamada compañía con “El lago de los cisnes” más británico de los últimos tiempos.

The Royal Ballet subió a escena una renovada puesta de Liam Scarlett de “El lago de los cisnes”, la cual reemplaza la de 1987 de Anthony Dowell. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real

“Frankenstein”, Federico Bonelli, Steven McRae y la española Laura Morera, transmitido en directo desde el escenario de Covent Garden. Foto: Michelle Turriani/ AKA. Gentileza Royal Ballet.

“Frankenstein” de Mary Shelley llega al Royal Ballet este mes de mayo. El clásico gótico es la inspiración del artista residente Liam Scarlett, uno de los actuales jóvenes talentos coreográficos en el mundo del ballet. Inquietante y dramática, la producción se proyectará en directo en cines de todo el país el miércoles 18 de mayo a las 20:15h.

Esta adaptación respeta los temas originales de la novela gótica de Shelley. Lejos de los estereotipos de terror asociados con el título, Scarlett se sumerge hasta el alma del drama y presenta una historia de amor. Impulsado por el dolor ante la muerte de su madre, Victor Frankenstein hace lo imposible y da vida a la materia no viviente. Aterrorizado por lo que ha creado, Victor abandona la criatura, condenando a una vida de soledad, lo que le cuesta su prometida, Elizabeth, y en última instancia su propia vida.

Protagonizada por los bailarines principales del Royal Ballet, Federico Bonelli, Steven McRae y la española Laura Morera, quien ya formó parte del elenco de la versión del clásico ‘Carmen’ de Carlos Acosta dentro de la Temporada de la Royal Opera House en directo en cines 2015/2016, la narrativa explora nuestro deseo de compañía y comprensión así como las responsabilidades de los descubrimientos científicos y la necesidad de encontrar aceptación y un lugar en el mundo.

Esta producción de estreno mundial incluye una nueva partitura compuesta por Lowell Liebermann y grandes escenarios góticos creados por el diseñador de Scarlett, John Macfarlane.

“Frankenstein”, así como toda la Temporada de la Royal Opera House en directo en cines 2015/2016, está distribuido en España por Versión Digital.

Ficha De ‘Frankenstein’

Coreografía Liam Scarlett

Música Lowell Liebermann

Diseño John Macfarlane

Iluminación David Finn

Orquesta de la Royal Opera House

Ballet en tres actos

En cines españoles
Miércoles 18 de mayo a las 20:15h

Tatiana y Oberon dos de los personajes centrales de “The Dream”, producción que el Royal Ballet llevó a Nueva York. Foto: Bill Cooper. Gentileza ROH/ArenaPAL.

Por una corta temporada en el Teatro Koch de Nueva York, el Royal Ballet of London, presentado por Joyce Theater Foundation, regresó al Lincoln Center después de varios años de ausencia. La compañía dirigida por Kevin O’Hare, llevó a Nueva York dos programas mixtos integrados por clásicos de su repertorio.

Desde el 23 al 28 de junio, la compañía fue alternando elencos y obras. Y así desfilaron “The Dream”, de  Frederick Ashton, con  música de Felix Mendelssohn; “Song of the Earth”, de Kenneth MacMillan y música de  Gustav Mahler; “Infra”,  Wayne McGregor con música de Max Richter; “The Age of Anxiety”, de Liam Scarlett con música de Leonard Bernstein; “Voices of Spring”, también de Ashton; “Borrowed Light”, de Alastair Marriott; “The Dying Swan”,  con coreografía  de Calvin Richardson; “Le Train Bleu‘Le beau gosse’”, de  Bronislava Nijinska; “Aeternum” pas de deux, de Christopher Wheeldon, y “Carousel” pas de deux, de MacMillan.

“Song of the Earth” , de Kenneth Mac Millan, tuvo como protagonistas a Carlos Acosta y Marianela Núñez. Foto: Tristram Kenton. Gentileza ROH.

Entre los primeros ballets presentados, había una dupla muy interesante por la diferencia de estéticas y en la personalidad de los que subieron a la escena.  El jueves 24 se presentó “The Dream”, la obra de Ashton basada en “Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare, y “Song of the Earth”, de MacMillan.
Ashton escogio la encantadora música de Felix Mendelssohn para idear una coreografía con infinidad de situaciones graciosas, enredos, magia, supersticiones, hadas, dioses y mortales, que logran un particular encantamiento.

Sarah Lamb, la Titania de esa noche, puede decirse que bordó los pasos. Asimiló el rol como si le perteneciera. Por lo demás, su técnica es de la mejor calidad e hizo una pareja estupenda con Steven McRae en el rol de Oberon,  rey de la foresta. Sumamente atractivo y de limpios entrechats. Una pareja que delineó los personajes a la perfección y supo provocar ese encantamiento que propone esta bella obra.

El travieso Puck, James Hay, le hizo honor al personaje con saltos increíbles y vueltas que lo hacían parecer un trompo. Por su parte, Bottom, Bennet Gartside, hizo lo suyo como el personaje lo exigía.

“Song of the Earth” llegó para el final de este primer programa. Una realización de MacMillan de 1965, estrenada por el Stuttgart Ballet, que indica cuáles son los principales problemas que sufren los mortales. El rol de Mensajero de la muerte -que aparece en escena desde que la cortina se abre-, fue desempeñado por el bailarín cubano Carlos Acosta, miembro invitado desde hace tiempo de la compañía.

La mascarilla que Acosta llevaba  sobre la cara  escondía las expresiones indicativas de la personalidad y propósitos abrigados por el personaje. pero no, Acosta no parecía sentir nada. Su parte bailable tampoco emociono, como sucedía tiempo atrás.

Seis canciones de Gustav Mahler, con texto de Hans Bethge, acompañan la coreografía que danzan solistas y cuerpo de baile. Marianela Núñez, en el rol principal, se destaca desde un principio. Es bella y se mueve con una delicadeza digna de admiración. Ya sea sola o en trío con Acosta y Nehemiah Kish, su amado que ya había pasado a mejor vida sin ella. El movimiento de los brazos de Núñez semejan la

“La Fille mal gardée”, un clásico del Royal Ballet con Marianela Núñez y Carlos Acosta. Foto archivo Danzahoy.

El martes 9 de junio subió al escenario del Kennedy Center de DC después de casi seis años de ausencia, y el público estalló en aplausos. Junto a ella, uno de sus más entrañables compañeros de trabajo, y amigo: Carlos Acosta. El ballet: “Don Quijote”. Clave en su vida y quizás, en la de muchas bailarinas.

Marianela Núñez volvió a ser protagonista de este romance caballeresco entre Kitri y Basilio, tal como lo fue en el estreno mundial de esta versión de Acosta, en 2013, estrenada por el Royal Ballet of London (RB), compañía en la que la bailarina argentina se formó desde que tenía 15 años. Por entonces, pasó una audición en Los Ángeles, bajo la mirada de Anthony Dowell (ex director artístico de la compañía), y entró a la escuela del RB. Sola, en Londres, y sin hablar una palabra de inglés, al año pasó a formar parte del cuerpo de baile de la compañía que actualmente dirige Kevin O’Hare.

Es la menor de tres hermanos varones, y fue la “niña mimada de la casa”. Se enamoró del ballet desde que tenía 3 años, y desde entonces la danza fue su meta y objetivo. Se formó en la escuela del Teatro Colón en Buenos Aires, donde vivía con su familia, y también integró el Ballet Estable del Teatro Colón. Bailó como partenaire de Maximiliano Guerra cuando tenía 13 años, y una vez en el Royal, a los 20 años, llegó a ser principal. Luego llegaron los premios, entre ellos, el María Ruanova, entregado por el Consejo Argentino de la Danza en la Argentina; el Best Female Dancer del Critics’ Circle Dance Awards en 2006 y 2013, y el Olivier Award (2013) por sus destacados logros en danza.

En ésta, una de sus primeras apariciones en los Estados Unidos, la bailarina realizará un tour por Chicago y Nueva York con el RB, y luego hará su debut con el American Ballet Theatre (ABT) el 2 de julio en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Bailará “Cenicienta”, de Frederik Ashton, una obra que forma parte del repertorio del ensamble londinense.

Marianela Núñez y Carlos Acosta en “Song of the Earth”, de Kenneth MacMillan, obra que el Royal Ballet presenta en Nueva York. Foto: Tristram Kenton. Gentileza RB.

DANZAHOY: ¿Qué significa volver a hacer Quijote con Acosta?

Marianela Núñez: Es un ballet que siempre estuvo en mi carrera, lo bailé por primera vez en Uruguay con Maxi (Maximiliano Guerra), cuando tenía 13 años. Y después, ya como principal, hice con el Royal la versión de Rudolph Nureyev. Así que cuando Carlitos (Acosta) me propuso que hiciera el estreno de esta nueva producción que le encargó el Royal, para mí fue un súper regalo. Y cuando me dijo que él también lo iba a bailar, dije: ‘jaque mate’.

D: ¿Hay alguna diferencia entre este Quijote y los otros que has bailado?

MN: Si bien la base es la tradicional, le hizo muchos toques que identifican a la compañía. Uno mira esta puesta y se da cuenta que es la del Royal Ballet. Con Quijote es muy fácil irse para el circo, pero él quería calidad técnica y la actuación. Y los tres actos son completamente diferentes. Ahora Carlos está por hacer un “Carmen”, que lo va a hacer para mí y él también va a bailar. Y con eso se retira. Hace poco hicimos “Fille mal gardée”, que es un ballet en el que nos han visto mucho juntos y la gente nos identifica. Fue la primera vez que lo vi tan emocionado, su hija le entregó unas flores en el escenario, recuerdo. Estoy compartiendo estos momentos tan especiales para él, que también lo son para mí.

D: ¿Qué es lo que más te atrae de las puestas de la compañía?

MN: Una de las cosas que más amo de nuestra compañía es que todas las puestas son muy teatrales. En lugar de estar viendo bailarines parece que ves actores sobre el escenario, y el desarrollo es muy natural.

D: ¿Qué se siente al estar tanto tiempo en una compañía como esa?

MN: Les debo todo. Me siento feliz. Me adoptaron, tanto como la compañía como la audiencia en Londres. Me siento muy mimada. Me dieron todo, y me lo dieron de una manera que me ayudó a crecer artísticamente de la forma correcta. Tengo 33 años y miro para atrás, y veo que fui pasando todos los escaloncitos en el momento indicado, y los roles también me fueron llegando en el momento justo. Tuve mucha contención todo el tiempo. Esta compañía es mi familia. Es un sueño hecho realidad.

La versión de “Don Quijote” de Carlos Acosta, con el RB y Marianela Núñez como protagonista, se estrenó en el Kennedy Center y se presenta en Chicago. Foto: Johan Persson. Gentileza ROH/ArenaPAL.

D: ¿De qué manera se sobrevive a la competencia en una compañía tan importante?

MN: La competencia es saludable porque eso te empuja a seguir mejorando y perfeccionándote. Es bueno tener gente que te inspira y te incita a buscar respuestas nuevas o a ver lo que uno no quiere llegar a ser. Es muy importante poder absorber todo eso. De todas maneras, el lugar que me dieron, no me obliga a estar presionada. Porque me lo gané trabajando. Y la confianza y el respeto que me tienen es maravilloso. La compañía me vio crecer como bailarina y como persona. Y tanto los bailarines como los maestros, los directores y los técnicos se preocupan de todo con cada uno de nosotros. Se vive una atmósfera muy saludable. La única preocupación son las cosas personales de uno, pero ellos están acompañando y pendientes de lo que te pasa. Nuestro director está siempre ahí, en todos los ensayos, intercambiando ideas. Me siento muy cuidada. Ellos me dan todas las llaves para ir mejorando. Además, todo es hermoso. Mi camarín en el Coven Garden es como mi casita. Y cuando me voy de vacaciones los extraño.

D: ¿Cómo fue surgió tu debut con el ABT?

MN: Estuvimos desde hace varios años tratando de combinar fechas que nunca coincidieron, pero ahora, justo que estamos en Nueva York y que terminamos la gira con el Royal, coincide todo como para poder terminar la temporada del ABT con “Cenicienta”, la nuestra, la que hacemos nosotros. Esta gira con el Royal también es importantísima. En Nueva York tenemos un repertorio increíble, y creo que terminar con “Cenicienta” de Ashton, es fantástico. Ésta es prácticamente la primera vez que vengo de gira a los Estados Unidos con la compañía, y que venimos con un repertorio tan amplio. La última vez que estuvimos en Nueva York fue en 2004.

D: ¿Cuándo eras niña, imaginaste que llegarías a ser una bailarina tan reconocida?

MN: Siempre tuve claro que quería ser bailarina y que no quería quedarme en el cuerpo de baile sino ser la mejor. Pero nunca me imaginé que iba ocupar un lugar así en el RB. Es más, a veces me tengo que sacudir para no creer que estoy soñando. El martes, cuando abrimos con “DQ”, dije: “noche de apertura en el Kennedy Center, gente parada, y gente esperándome a la salida. Fue increíble. Creo, también que las proyecciones cinematográficas de los ballets del Royal abrieron el mercado de una manera increíble.

D: Si tuvieras que recordar algo de tus primeros tiempos, ¿qué es lo primero que aparece?

MN: Ríe a carcajadas. Cuando entré al RB como cuerpo de baile, no estaba acostumbrada a ser parte de una compañía porque desde los 14, en la Argentina tenía roles de solista. No tenía ni idea de cómo era eso. Y recuerdo que en un “Lago de los cisnes”, creo que el primero, como siempre tenía una chica rubia adelante mío, me dije: pase lo que pase, vos seguí a la rubia. Y de repente tomé conciencia de que había como 10 rubias, y no sabía a quién seguir…Me agarró un ataque de pánico. Recuerdo que alguien me agarró y me puso en la fila. Y me dije: esto no puede pasar más… Pero pasar por esa etapa me vino muy bien porque fue un gran aprendizaje. Esos papeles secundarios y el cuerpo de baile te dan la avena para fortificarte.

Próximas funciones con el Royal Ballet of London

Auditorium Theatre, Chicago

Del 18 al 21 de junio

“Don Quijote”
Producción y Coreografía de Carlos Acosta, sobre Marius Petipa
Música de Ludwig Minkus, con arreglos  de Martin Yates.

 Koch Theatre, New York

Junio 23

“The Dream”
Coreografía: Frederick Ashton
Música: Felix Mendelssohn
Gala Anual del Joyce

Junio 24, 25 y 26 

“The Dream”
Coreografía: Frederick Ashton
Música: Felix Mendelssohn
“Song of the Earth”
Coreografía: Kenneth MacMillan
Música: Gustav Mahler

Junio 27 y 28

“Infra”
Coreografía: Wayne McGregor
Música: Max Richter
“The Age of Anxiety”
Coreografía: Liam Scarlett
Música: Leonard Bernstein
“Voices of Spring”
Coreografía: Frederick Ashton
“Borrowed Light”
Coreografía: Alastair Marriott
“The Dying Swan”
Coreografía :Calvin Richardson
“Le Train Bleu
‘Le beau gosse’”
Coreografía: Bronislava Nijinska
“Aeternum” pas de deux
Coreografía: Christopher Wheeldon
“Carousel” pas de deux
Coreografía: Kenneth MacMillan

El San Francisco Ballet presentó en el Opera House de San Francisco “Hummingbird” de Liam Scarlett. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

El Programa 7 del San Francisco Ballet entregó un repertorio amplio y bien bailado coronado por un estreno mundial innovador del coreógrafo británico Liam Scarlett. Una pieza de ballet cambiante y una gama de colores para el arte de una compañía cuyas virtudes y virtuosismo parecen no conocer límites.

Con decorados diseñado por John MacFarlane, “Hummingbird” de Scarlett se abre a un enorme telón de fondo blanco enrollado con rastros de color gris. Se ilumina (iluminación por David Finn) desde la parte inferior. Frances Chung aparece en un traje simple gris. Gennadi Nedvigin se arrastra. Después de una caminata a paso ligero hacia el lado , repiten el movimiento lateral en un dueto de lado a lado tachonado con cargadas energéticas. A medida que el desplazamiento aumenta, otros bailarines entran desde abajo y detrás de él. Hay un uso dinámico de la escena.

Los bailarines, sobre “Glass Pieces”, de Philip Glass, se mueven de una manera sorprendentemente innovadora. Un bienvenido desafío, ante la ortodoxia de la pieza que le precedió, “Suite en Blanc”, de Serge Lifar.

Yuan Yuan Tan baila una meditación lenta y luego con Lucas Ingham, un pas de deux, con los pasos que en espiral alrededor de la columna vertebral y luego fijan un punto con los dos cuerpos que sirve de punto para el movimiento. Ingham llega hasta la línea central de su cuerpo para levantarla.

Siguen más pas de deux a un dúo masculino con Hansuke Yamamoto y James Sofranko. Chung y Nedvigin regresan. Una luz verde impregna la escena. Nedvigin balancea a Chung alrededor de la cintura en un desgarbado jugueteo musical. Al igual que la canción del colibrí, existe el compromiso constante entre la pareja. La siguiente pareja: Dores André y Joan Boada, con “Cast Your Fate to the Wind”, segmento que de alguna manera termina siendo orquestado a los efectos de un ritmo boogie- woogie. André ha entrado en el centro de atención en las últimas dos temporadas como uno de los más versátiles motores naturales de SFB, y en este breve dúo, Boada, parece estar disfrutando el baile más que nunca. El cuerpo de baile, en una combinación sensual que recuerda a Balanchine en “Los Cuatro Temperamentos “.

Koto Ishihara, del San Francisco Ballet, en “Suite en Blanc”, de Serge Lifar. Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

“Suite en Blanc”, puesta en escena por Maina Gielgud, conserva su elegancia, pero prevalece un tono más festivo. Cada uno de los bailarines en el segmento sieste poseen una identidad clara con su papel y han encontrado el camino para el dominio de los pasos. Jaime García Castilla y Vitor Luiz se emparejan en una demostración de virtuosismo de la batterie en su pas de trois con Sasha de Sola. Dores André vuelve una línea diagonal en una plataforma para el embrujo. Mathilde Froustey se convierte en otra herramienta de Snap -On.

Davit Karapetyan hizo una mazurca magistral. Tiit Helimets y Sarah Van Patten participan en un dúo en el que se van envolviendo unos a otros como picos de nata montada en una mouse ligera. El sello del trabajo lo da Sofiane Sylve que ha encontrado la llave para una solo de flauta seductoramente malvado, a través de sus giros en plié como si bailara en los intersticios de las notas.

“Fifth Season” de Helgi Tomasson es una adición modernista en su obra. Con el apoyo de impresionantes decorados y un vestuario de vanguardia. El telón de fondo de inspiración del artista Gerhard Richter es blanco y tiene manchas de carbón de tamaño natural. Los bailarines, el cuerpo de baile y la escenografía presentan un horizonte diferente en una temporada en la que habita la musa de la danza.

Frances Chung y Davit Karapetyan irrumpieron luminosamente en un pas de deux llamado Waltz, se iluminaron aún más por un resplandor de luz amarilla. El cuerpo de Karapetyan, esculpido no sólo por la danza , sino por el gimnasio, se mostró perfectamente en esta obra que se basa tanto en un virtuosismo sin pretensiones.

Frances Chung y Davit Karapetyan en la obra de Helgi Tomasson, “The Fifth Season”.
Foto: Erik Tomasson. Gentileza SFB.

Sarah Van Patten alternativamente chisporrotea y ronronea, y se relaciona con las tres parejas masculinas : Karapetyan , Damian Smith y Carlos Quenedit, una pareja cuyo magnetismo es un campo de fuerza de gran alcance.

El pas de deux de Damian Smith y Yuan Yuan Tan , posiblemente, será su último antes de retirarse al final de la temporada. Todo lo que él ha significado para ella durante estos años de trabajo juntos se hace evidente en su pas de deux. Ella tiene ojos sólo para él. Parece que mirar más allá del momento en la bruma del futuro.

Este programa perfectamente elegido lleva adelante los mejores activos de la compañía que posee algunos de los mejores bailarines del mundo. Tampoco hay temor en la introducción de nuevos trabajos de coreógrafos emergentes impulsados por la creatividad y la imaginación.