Viengsay Valdés y Marcelo Gomes, en una escena de la reposición de “Carmen”, de Alberto Alonso. Foto: PanchitoGL.

Intensos negros nubarrones no apocaron las voluntades de los organizadores, ni siquiera intensificaron la incertidumbre general de una “quasi” imposible celebración o aplazamiento de la edición 28 del Festival Internacional de Ballet de La Habana Alicia Alonso, como estaba previsto para el 28 de octubre, (coincidente perpetuo con la fecha de fundación del BNC en 1948), que duraría hasta el 10 de noviembre.

Sin embargo, la tenacidad contribuyó a vigorizar los empeños de los ejecutantes de este ambicioso, diverso, inclusivo e inmersivo programa de eventos, que utilizó tres salas teatrales y otras instalaciones de la capital del país, en horarios dobles algunos días. Tampoco opacó la realización de eventos colaterales: conferencias, exposiciones o presentaciones de libros.

Observemos, sin entrar en detalles, las incidencias naturales como antesala al evento anual cultural: dos huracanes azotaron, en breves intervalos, los extremos de la mayor de las Antillas. Primero las provincias orientales y luego las provincias del extremo occidental. El país se recuperaba apenas de las afectaciones sufridas por un fallo crítico en el Sistema Electroenergético Nacional, que dejó a casi toda la isla en un “black out” general durante varios días. Mas la resiliencia acometida por las máximas autoridades, junto con la pasión por la danza demostrada por sus hacedores y los fieles balletómanos superaron los avatares climatológicos. Por tanto, el Festival llegó a buen puerto, con inusitada brillantez y a teatro lleno en la mayoría de las funciones ofrecidas.

Veamos, con ayuda de los datos aportados por la Oficina del Historiador del BNC y el Servicio de prensa, cómo se comportó esta edición en curso. La variada oferta coreográfica incluyó 76 títulos de la mayor diversidad estilística. Entre ellos seis estrenos absolutos y 34 estrenos en Cuba, creados por 61 coreutas provenientes de 15 países. Se ofreció un total de 20 funciones: en el Teatro Nacional de Cuba, nueve en la Sala Avellaneda con capacidad para no menos de tres mil espectadores; cinco en la sala menor Covarrubias con aforo de 800 localidades y en decimonónico coliseo Martí seis, con butacas para poco menos del millar.

Esta vez las compañías visitantes fueron dos latinoamericanas: la Anajun Veatem ensamble de danzas judías mexicanas y el Incolballet de Colombia.

Además, disfrutamos las entregas destacadas de 35 estrellas solistas de prestigiosas compañías -dos vibrantes “Muerte del cisne”, de Fokine; dos duetos de “Espartaco”; varias versiones del conocido pas de deux, adagio del Segundo acto de “Lago de los cisnes”, de “Paquita”, de “Don Quijote”; de ballets de Balanchine; de Grigorovich, entre otros-, aplaudimos tres rusas y tres de Alemania; así como representantes de primer rango de Les Grands Ballets Canadiens; de Francia el Ballet de Bordeaux y la Compañía Angeljn Preljocaj; de Venzuela del Ballet del Teatro Teresa Carreño y el mexicano Ballet de Monterrey; el Joven Ballet de Puerto Rico; también del Birmingham Royal Ballet o del Queensland Ballet de Australia, entre otras.

Por supuesto, se incluyó la participación de los principales grupos cubanos invitados por el BNC como anfitrión: Danza Contemporánea de Cuba, el Ballet de Camaguey, el Conjunto Folklórico Nacional, el Ballet de Laura Alonso, Acosta Danza, Lizt Alfonso Dance Cuba, Ortolado, Malpaso y Micompañía.

La música, en esta ocasión, alcanzó niveles notorios con las ejecuciones de los instrumentistas en escena como soporte medular, con partituras de grandes exigencias técnicas.

Como ejemplos destacados mencionaría el pianismo de excelencia por los maestros Marcos Madrigal y Aldo López Gavilán, el talento evidente de la joven Daniela Rivero y las magistrales interpretaciones de la flautista Niuka González Núñez junto a la bailarina Kaenia Ovsyanick. Y sería imperdonable no destacar las participaciones de Nicolay Schugaev tanto con su vibrante ejecución del cello como en su desempeño en el foso como director de la Orquesta Sinfónica del Gran Teatro Alicia Alonso para acompañar las cinco representaciones por el BNC de su conocida versión Alonso de “Lago de los cisnes”, con una responsabilidad agravada por las alternancias de elencos en cada función. Bravo, Maestro.

Además, considero mención aparte, el mérito de Norge Cedeño al elegir la música del joven Pepe Gavilondo para su “Ritual Garden”. Como dato curioso señalaría el hecho de invitar al venezolano Daniel Gil, otro joven ascendente en la dirección orquestal, para acometer por primera vez la tímbrica partitura de Rodión Schedrin, según Bizet, para la reposición del ya icónico ballet “Carmen” de Alberto Alonso, interpretado en la gala de clausura por Viengsay Valdés y el invitado brasileño Marcelo Gomes en los roles protagonistas junto a solistas y cuerpo de baile del BNC.

Momentos trascendentes

La bailarina mexicana Elisa Carrillo, presentó “Tué”, de Marco Goecke; “Kazimir´s colors”, de Mauro Bigonzetti y “Multiplicidad”, de Nacho Duato. Foto: PanchitoGL.

Con el riesgo de pasar por alto algunas presencias de altos quilates creativos, estéticos y con entregas de notable virtuosismo técnico, tanto en lo académico como en lo contemporáneo, señalaré lo de mayor impacto, a mi sano juicio. Es necesario considerar los desniveles en la maduración de sus estatus de estrellas, tanto los foráneos como los locales, así como aquellos jóvenes bailarines cubanos que desarrollan sus carreras en el exterior y que mostraron su deseo de volver a brindar su arte en los escenarios donde debutaron.

Hemos apreciado, evidentemente, las interpretaciones de los artistas de la danza consagrados por su quehacer riguroso, con una hoja de ruta pletórica de lauros. Las menciones podrían encabezarlas Marcelo Gomes, Joaquín de Luz, Elisa Carrillo, Semyon Chudin, Daniil Simkin, y una constelación de bailarines del archipiélago cubano, tales como la propia Valdés, Dani Hernández, Grettel Morejón, Anette Delgado, Ernesto Díaz, Yankiel Vázquez, y los talentos ascendentes como Anyelo Montero, Gabriela Druyet, Alianed Moreno o Luis Fernández. (Los cinco “Lagos…” bailados y gratificados con aplausos en pie, sirvieron de vitrina para desvelar los talentos formados por la escuela cubana de ballet que han decidido probarse en su país, ante el éxodo de otros egresados). La presencia y entrega del bailarín portugués Antonio Casalinho, laureado en cuanto concurso ha podido participar, mostró que es un fruto de la “escuela cubana de ballet”, egresado de una Academia de su natal Lérida que imparte la metodología del maestro cubano Fernando Alonso. Dos bailarines con firme desarrollo artístico, en los primeros rangos de las agrupaciones foráneas donde fijaron su futuro, fueron Patricio Revé y Esnel Ramos.

Con positiva sorpresa, este observador regular por décadas de las producciones en la isla, ha apreciado la respuesta favorable del público muy aficionado a la danza académica con respecto a las entregas de obras contemporáneas, algunas con discursos provocadores en sus dramaturgias como es el caso de títulos por Susana Pous, Osnel Delgado, Norge Cedeño o los foráneos de Uwe Scholz, Peter Quanz, Juliano Nunes, José Carlos Martínez, Cathy Marston, Elisa Carrillo, Patricia Donn, Kaenia Ovsyanick o el propio de Luz.

Elena Vostrotina y Brandon Lawrence (Ballet de Zúrich) en Festival Internacional de Ballet de La Habana 2024. Foto: PanchitoGL.

Estrenos y Reposiciones

Como momentos cimeros entre las obras clasificadas como estrenos se me ocurre situar la pieza “Faun(E)” del inglés David Dawson, “Mondo” de Susana Pous de origen española; “Multiplicidad” del ibérico Nacho Duato; “Ara” de Osnel Delgado; “Ritual Garden” del tándem Norge Cedeño-Gavilondo. Memorable resultó el homenaje al gran bailarín argentino Julio Bocca como preámbulo a la serie de “Lagos…” y la reposición del balle “Carmen” de Alberto Alonso, con Viengsay Valdés y Marcelo Gomes. A su vez, el estreno de “Gitanerías”, para la gala de clausura, con su coreógrafo e intérprete Joaquín de Luz y Valdés, sobre música cubana ejecutada en vivo por dos pianistas notables: Marcos Madrigal y Aldo López Gavilán.

La ejecutoría, en la realización de esta edición 28 del FIBH AA, de la bailarina y directora general del BNC, Viengsay Valdés, puede ser calificada de titánica -difícil llegar a la plenitud con las condiciones actuales difíciles del país-, y con un equipo de colaboradores dirigido por Heriberto Cabezas, veterano en estas lides. Y no olvido las participaciones -con notables prestaciones-, de Valdés, en cuatro títulos exigentes, con diversos estilos y temáticas. No por dejar los agradecimientos al final, menos merecidos al trabajo ingente y concienzudo de los maestros de danza y profesores, y los “coaches”, bajo la coordinación de la maestra Svetlana Ballester, y los valiosos aportes artísticos por parte de afamadas personalidades tales como Maina Gielgud, Azari Plisétski, José Manuel Careño, Johan Kobborg o Victor Gilí.

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Les Grans Ballets Canadiens interpretaron “Sinfonía nº7″ en el Teatro Arriaga de Bilbao | Foto: Sasha-Onyshchenko.

La dualidad entre lo apolíneo y lo dionisíaco se condensa a la perfección en el doble programa ofrecido por Les Grands Ballets Canadiens en el Teatro Arriaga de Bilbao, actuación con la que la compañía cerró su pequeña gira española que también le llevó al Auditorio de Tenerife y al Museo Universidad de Navarra. La belleza, la perfección de las formas, la serenidad y el equilibrio serían atributos predicables de Apolo, deidad protectora de la poesía y las artes en la mitología griega. Por su parte, su hermano Dioniso era el dios de la vendimia y representaba lo terrenal, la sensualidad desatada, el desenfreno de los sentidos, el éxtasis. De esta manera, la formación liderada por Ivan Cavallari mostró su versatilidad al moverse con solidez dentro de esta dicotomía filosófica: desde la belleza apolínea de la “Sinfonía nº 7” coreografiada por Uwe Scholz hasta la vibrante mediterraneidad de “Cantata”, firmada por Mauro Bigonzetti.

En el vigésimo aniversario del temprano fallecimiento de Uwe Scholz (1958-2004), la obra del coreógrafo alemán continúa ganando espacio en los repertorios de las grandes compañías internacionales. En su corta y prolífica vida, el talento de Scholz despuntó en los denominados ballets sinfónicos, representando esta “Sinfonía nº 7” (1991) una de sus magnas creaciones. La partitura que Ludwig van Beethoven compuso en honor al conde Moritz von Fries entre 1811 y 1812 y que le llevaría a su colega Richard Wagner a tildarla de “la apoteosis de la danza”, sirvió a Scholz para crear una obra monumental para el Stuttgart Ballet, compañía en la que desarrolló su corta carrera como bailarín y en la que realizó su ópera prima en la faceta de coreógrafo.

Los cuatro movimientos de la sinfonía estructuran la pieza, cuya escritura coreográfica emplea con soltura un refinado lenguaje neoclásico, el gusto por las líneas y el empleo de las frases en canon. En cierta manera, la coreografía de Scholz se asemejaría a una especie de polifonía del movimiento, ya que el trabajo del elenco de bailarines podría identificarse con cada nota o matiz musical. Majestuosidad y monumentalidad son el resultado de una correcta ejecución de los treinta intérpretes en escena, siendo los momentos corales en los que la coreografía de Scholz mejor ejemplifica ambas cualidades, aunque también los solos y los dúos destilan gran calidad. Pese a la complejidad de mover en un escenario a un grupo de tales dimensiones, la buena labor de los bailarines de Les Grands Ballets Canadiens sublimó la belleza apolínea de la obra de Scholz.

Mauro Bigonzetti firma “Cantata”, segunda pieza ofrecida por Les Grands Ballets Canadiens | Foto Robert Etcheverry.

Después de descalzarse las zapatillas de punta, el contrapunto de la velada vino de la mano de “Cantata” (2001), creación de Mauro Bigonzetti para el extinto Ballet Gulbenkian de Portugal. Si “Sinfonía nº 7” había sido un canto a la armonía, la pieza del coreógrafo italiano puso el acento en la vitalidad, el colorido y la visceralidad de la cultura mediterránea. Inspirada en la tradicional musical italiana dieciochesca y decimonónica, la obra de lenguaje contemporáneo aborda diversas facetas de las relaciones entre hombres y mujeres -desde la pasión, a la seducción, los celos y las peleas-, en un ambiente festivo de cualquier plaza de un pueblo del sur de Italia. La interpretación de la música en directo –voz, acordeón y pandero- contribuye a dotar de mayor autenticidad al conjunto de escenas populares interpretadas por una decena de parejas. La coreografía de Bigonzetti toma su impulso y energía de los pies desnudos y enraizados en el suelo para fluir de forma intensa, pasional y un tanto abrupta en ocasiones. Considerada una obra de referencia dentro de la creación del coreógrafo romano, cercana a cumplir un cuarto de siglo, “Cantata” sigue manteniendo su autenticidad y ese espíritu festivo contagioso que anima al espectador del cualquier punto del planeta.

Buena elección de programa de Ivan Cavallari, gracias a la cual la compañía demostró la complementariedad de los polos opuestos coreográficos –neoclásico de Scholz frente a contemporáneo de  Bigonzetti- y satisfizo al numeroso público que llenó el Teatro Arriaga de Bilbao en las dos funciones ofrecidas por Les Grands Ballets Canadiens.

Annabelle López Ochoa creó obras para más de 72 compañías de danza y fue aclamada como la “estrella emergente de la escena de la danza holandesa”. Fotos gentileza BH y JFKC.

“No es un personaje de cuento, no es un personaje literario. Es una mujer real”, dijo Annabelle López Ochoa sobre su nueva heroína, Eva Perón. Sin embargo, esta afirmación podría aplicarse también para ella misma. Una mujer nacida en Colombia, hija de padre colombiano y madre belga, que creció en Bruselas y que a los 11 años hizo su primera coreografía. Desde ese entonces supo cuál era su objetivo. Su historia podría convertirse en la de un personaje literario, con sus contradicciones, sus ideales y esa la fortaleza que le permitió ser en una de las coreógrafas más reconocidas en el mundo de la danza actual.

Esta vez, Annabelle López Ochoa llega al Kennedy Center de Washington DC con “Doña Perón”. La obra, que se presenta del 30 de noviembre al 3 de diciembre, forma parte de las celebraciones de los 50 años del Ballet Hispánico, dirigido desde 2009 por el cubano Eduardo Vilaro. Producto de una larga investigación, “Doña Perón”, es una suerte de retrato biográfico de la vida de Eva Perón: su labor como activista y como defensora de las mujeres y de la clase trabajadora de la Argentina.

López Ochoa creó obras para más de 72 compañías de danza del mundo, en incursionó en el teatro, la ópera y el teatro musical, así como en piezas conceptuales cortas, largometrajes narrativos y películas de danza. Formada en la Royal Ballet School de Amberes, en 2003 fue aclamada como la “estrella emergente de la escena de la danza holandesa”. Durante la pandemia de 2020, López Ochoa fue pionera en la coreografía a distancia y en las creaciones de películas de danza estrenadas en línea.

Hasta hoy, es una de las pocas coreógrafas que se ha destacado en el ballet narrativo con obras como “Botero” (2021- Ballet Metropolitano de Medellín, Colombia), “Frida” (2020 – Ballet Nacional de Holanda), “El Principito” (2019 – BalletX), “Caperucita Roja” (2017- Ballet Black) y “Un tranvía llamado deseo” (2012 – Scottish Ballet), entre otras. Esta vez, López Ochoa, hace su primera presentación con el Ballet Hispánico con esta obra que cuenta con música en vivo de Peter Salem.

Danzahoy: ¿Qué aspectos de Eva Perón fueron los que llamaron más su atención? 

Annabelle López Ochoa: Me atraen los personajes complejos. Acababa de hacer “Frida” y me interesaba hablar de una mujer real, de sus luchas y de aquello que no entendemos en relación con sus elecciones. Indagué en su vida como una investigadora en busca de las fuentes. Y encontré que hay muy poco sobre su pasado porque ella nunca estuvo orgullosa de él. Por el contrario, estaba avergonzada porque la gente en la Argentina la juzgaba por venir de clase baja. Por eso pensé que era un tema interesante. Por otra parte, “Evita” fue el primer musical que vi cuando tenía 20 años.

“Doña Perón”, una pieza sobre Eva Perón con coreografía de Annabelle López Ochoa y música de Peter Salem. Fotos gentileza BH y JFKC.

D: ¿Y después de esa investigación, desde qué perspectiva puede observar el musical?

ALO: Volví a ver el musical y, por supuesto, está lleno de inexactitudes, porque ella nunca se reunió con el Che Guevara, por ejemplo. Fue solo un recurso teatral. Pero lo que me interesó es que es una mujer, una latina en el mundo de las latinas, y quiero retratar y arrojar luz sobre estas personas. Ella fue la primera mujer que le dio voz a la gente que nunca tuvo voz en la política y por eso se hizo realmente famosa. Por otra parte, un sector de la población la rechazaba, aun siendo la primera dama, debido a su pasado oscuro. Y luego, la historia de amor: conoció al hombre de su vida y lo disfrutó durante siete años.

D: La historia de Eva Perón es apasionante y propone varias ópticas desde donde abordarla. ¿Cuál es la suya?

ALO: Tenemos tres o cuatro hilos en los que tratamos de construir un retrato de esta mujer para tratar de entender cómo su vida cambió desde el momento en que llegó al poder. Ella quería romper con esta brecha entre ricos y pobres que genera la política. Por eso intentamos buscar la poesía desde lo visual y el movimiento y utilizamos imágenes para simbolizar diferentes aspectos de su vida. Pero lo que no quisimos es hacer un documental.

D: ¿Cómo es el proceso de contar a través de la danza la vida real de estos personajes con los que ha estado trabajando a lo largo de estos años?

ALO: Siempre trato de encontrar la poesía para contar una historia o una situación sin que sea demasiado anecdótico. Busco descubrir la energía de esa sección de vida que vamos a contar. Y creo que el poder de las artes visuales es que no necesitas palabras. Es encontrar imágenes, situaciones y contarlas coreográficamente. Para mí, tomar estas mujeres es también saber que he crecido, porque para todos nosotros el mundo de la danza ha estado signado por las heroínas del “Lago de los cisnes” donde por excelencia muestran mujeres frágiles. Yo quería mostrar a las mujeres fuertes que lucharon y ganaron una posición en el mundo, por lo que creían y por cómo eran. La próxima obra que estoy trabajando es la vida de Coco Chanel que, si bien no es trágica, es una mujer muy fuerte que también tuvo que luchar para llegar. Y la próxima, que se estrenará en Chile es María Callas. Y me gustaría poder darles la perspectiva de una mujer sobre otra mujer. Porque no hay muchas coreógrafas que hagan ballets completos.

D: Siendo mitad colombiana y mitad belga, ¿cómo pesan en usted ambas culturas cuando tiene que crear estos personajes?

ALO: Lo interesante de esta fusión de dos culturas es que vi a mis padres chocar y discutir por esa diferencia cultural. Y cuando voy a otros países puedo reconocer y comprender las diferencias. Cuando era niña mis padres vivían en Colombia y luego, por trabajo, mi padre volvió a Bélgica. Mi hermano nació en Bogotá, y cuando mi madre estaba embarazada -que en esa época no se podía saber el sexo hasta que el bebé nacía-, y ella le dijo a mi padre que si era una niña nos quedábamos en Bélgica y si era un niño volvíamos a Colombia. Eso realmente definió lo que mi madre sentía sobre América Latina. Conocía exactamente la posición de las mujeres allí y lo que quería para su hija. Yo crecí sabiendo que ser una mujer en esos países significa que tienes que luchar contra un cierto machismo y eso hace que las mujeres sean muy fuertes. En mi caso, como crecí en Bélgica, no tuve que luchar así porque se me dieron oportunidades y no he tenido que estar peleando permanentemente para demostrar que lo que valgo y lo que me merezco.

D: ¿Y en el mundo de la danza se evidencian también esos prejuicios?

ALO: Si bien ahora las cosas están cambiando, también existen. Cuando en el mundo de la danza aparece un joven coreógrafo, ven el potencial y le dan la oportunidad de crecimiento. En cambio, para las coreógrafas, cuando empecé, la opción era: o fallabas o eras buena. Y las críticas, cuando eran negativas, eran siempre muy negativas. De alguna manera es eso lo que me hace experimentar lo que era para las mujeres en América Latina luchar por sus creencias y por lo que quieren dar al mundo.

D: ¿Por qué el encuentro con Eduardo Vilaro en 2009 marcó un antes y un después en su identidad como coreógrafa?

ALO: Estoy muy agradecida a Eduardo porque no solo me ayudó como coreógrafa sino también como ser humano. Me ayudó a aceptar quien soy. Es un punto de vista muy interesante. Creo que pasa con mucha gente que, después de un tiempo, cuando pueden reconocer alguna parte “negada” de su familia, como fue mi caso con mis raíces latinas, después se convierte en una especie de herramienta para ser más fuerte. Y siento que con esa aceptación he ganado. Y estoy muy orgullosa de mi lado latino. En los años ’70, en Bruselas, donde crecí, no había muchos niños mestizos, y cuando caminaba por la calle con mi madre, pensaban que era adoptada. En cambio, ahora, todos estamos mezclados, y esa es la belleza. Así es como la humanidad avanza y nos hacemos más fuertes. La naturaleza es muy inteligente.

Para el Ballet Hispánico, la incorporación de “Doña Perón” de Annabelle López Ochoa en su repertorio marca un nuevo desafío: se atreve a retratar a una de las mujeres más reconocidas y controvertidas de la historia argentina en un ballet de larga duración que a su vez marca el debut de la coreógrafa con esta compañía.

La coreógrafa Annabelle López Ochoa en un ensayo de “Doña Perón” con el Ballet Hispánico. Fotos gentileza BH y JFKC.

El Festival internacional de ballet de La Habana, considerado el más antiguo de su tipo en el mundo –el primero se celebró en 1961. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

El maestro ruso de ballet Azari Plisétski estuvo entre las personalidades invitadas por Alicia Alonso, con la cual bailó como su partenaire varios años de los diez en los que fue miembro invitado del BNC, desde su llegada a Cuba en 1963. Plisétski (descendiente de la famosa familia Messerer), reconoció en un encuentro con la prensa esta etapa de su vida como muy enriquecedora, principalmente por todo lo aprendido con el maestro Fernando Alonso en cuanto a conciliar la carrera de bailarín con la de maestro.

El ballet cubano es un fenómeno, expresó, que todavía le causa asombro y orgullo, porque se siente parte de él. Sin embargo, después de elogiar a los bailarines egresados de la Escuela nacional de ballet, los alertó a cuidar aspectos como la musicalidad, pues observó durante las funciones del festival, a no pocos de ellos “fuera de música” y sin interés en apegarse a ella, “para priorizar el alargamiento de un paso técnico y  ganarse  el aplauso del público”, y agregó: educar al público es también una responsabilidad del artista.

Por su parte, otra de las notables personalidades del mundo de la danza presentes en esta edición 2016 fue la estrella francesa Aurélie Dupont (ahora con 42 años), actual directora del Ballet de L´Opéra de Paris, quien no pudo bailar en La Habana, debido a una lesión sufrida por su partenaire Hervé Moreau. Prometió Dupont que retornaría, con la intención de bailar ante el público cubano. Ella tomó clases, presenció funciones y visitó la Escuela nacional de ballet Fernando Alonso, y sugirió a su directora la ex bailarina Ramona de Sáa la posibilidad de un futuro intercambio con su homóloga de París.

Dupont, en rueda de prensa, confesó una duda: ¿acaso los profesores en esta isla caribeña son muy buenos o es que los cubanos han nacido para bailar? La técnica de la escuela cubana está muy bien considerada en el mundo, apuntó, pero sobre todo en el sector masculino: “en las clases que tomé aquí vi bailarines muy talentosos y dotados”. La temporada del 2017-2018 será su debut como directora artística de la principal compañía de ballet francesa, tras la abrupta renuncia de Benjamin Millepied, con poco más de un año en el cargo.

El ballet de Michel Fokine, “Les Sylphides”, fue otro triunfo para el cuerpo de baile femenino del Ballet Nacional de Cuba en el XXV Festival internacional de ballet de La Habana. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

Los mayores momentos climáticos lo proporcionaron los estrenos mundiales creados por coreógrafos extranjeros, entre ellos “Oscurio” de la colombo-belga Annabelle López-Ochoa, para cuerpo de baile femenino y una primera bailarina, por supuesto la poderosa y versátil Viengsay Valdés, en un contrapunteo neoclásico, con pinceladas contemporáneas, marcado por el vestuario de las chicas: unas en negro y otras en blanco. El diseño de luces desempeñó un papel fundamental en el éxito de esta pieza. López-Ochoa presentó igualmente un fragmento de “Línea recta”, realizado para el Ballet Hispánico de New York, quien lo estrenará este mes en su forma integral. Destacaremos el solo “Cygne”, del bailarín y coreógrafo argentino Daniel Proietto (residente en Alemania) quien tuvo el buen tino de elegir del cuerpo de baile a Daniela Gómez , y ello nos permitió descubrir su talento y dominio escénico, una verdadera revelación, apoyada por una audaz producción, vestuario, luces y maquillaje. En otro programa, Proietto bailó un solo de su autoría, como tributo a David Bowie con su música como soporte, muy efectista pero con una inconsistente escritura coreográfica.

Entre las reposiciones relevantes debo destacar, antes que todo, ¨Jardín de Lilas” de Antony Tudor por su elegante y sobria producción y la elección de Sadaise Arencibia como protagonista (quien nos había entregado una espléndida muestra del estilo el el pas de deux Raymonda la víspera), aquí demuestra su versatilidad histriónica en este difícil personaje tudoresco; rodeada de un elenco juvenil técnicamente ajustado empero sin la madurez necesario para expresar los entresijos de este magistral drama psicológico. Destacaremos la presencia y aplomo de Ginett Moncho, que ha sido la bailarina más recurrente y eficiente en los múltiples desempeños asignados por su compañía en este festival. Cual un factótum, bailó la misma tarde y noche tres roles en dos teatros diferentes.

Igualmente, el infaltable ballet de Michel Fokine, “Les Sylphides”, resultó otro momento de triunfo para el cuerpo de baile femenino del Ballet Nacional de Cuba, logrando interpretar brillantemente la versión más auténtica de esta obra sobre la música de Chopin que puede verse actualmente. Aplausos gratificantes cosecharon, con mucha razón, las vengativas willis del emblemático segundo acto de la “Giselle” versionada por Alicia Alonso. Al éxito de esta reposición contribuyó grandemente la pareja titular encarnada por los primeros bailarines  Anette Goncález y Dani Hernández (habiendo probado sus altos quilates en otros títulos presentados en este evento).

Las puestas en escena del “Lago de los cisnes” y del “Don Quijote” se vieron lastradas por diversas irregularidades, por altas y bajas de los elencos alternantes, tanto por sus intérpretes principales, los solistas y el cuerpo de baile; en particular la falta de rigor técnico y estilístico en la ejecución de las danzas de carácter, una mayor atención debía ponerse sobre la nueva promoción de egresados al BNC. Debemos mencionar las notables entregas de los bailarines que asumieron roles de démi-character, siguiendo una sólida tradición establecida por sus predecesores (Adolfo Roval, Ernesto Díaz o Félix Rodríguez), particularmente Francois Llorente (el bufón) o Darion Darias ( en Sancho Panza).

Dos orquestas sinfónicas aseguraron, en vivo, el importante soporte musical: la Nacional y la del Gran Teatro Alicia Alonso, siempre bajo la titánica dirección musical del experimentado maestro Giovanni Duarte. Ambas ocuparon los fosos de las Salas García Lorca y Avellaneda, pero se hicieron evidentes algunas imprecisiones, o cacofonías desde algunas secciones instrumentales, tal vez achacables a una errática ecualización de la amplificación. Problemas  que, confío, pueden ser resueltos  ocasiones ulteriores. Como también, por otra parte, se requiere de una renovación del vestuario y la escenografía ya fatigada, en las producciones de los grandes clásicos del repertorio. Las modernas iluminaciones hicieron más evidente el desgaste por la lógica usura de estos recursos.

Las dos únicas presentaciones de Martha Graham Dance Company constituyeron una revelación en el XXV Festival internacional de ballet de La Haban. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

El Festival internacional de ballet de La Habana, considerado el más antiguo de su tipo en el mundo –el primero se celebró en 1961-, confirmó en esta vigesimoquinta edición su calificativo de “mega” festival. Especialmente si tenemos en cuenta algunas cifras acontecidas en solo diez días: 25 funciones, 67 obras por unas 21 compañías representadas, 4 salas teatrales de tres coliseos capitalinos, tres estrenos mundiales (uno de ellos por el Ballet Nacional de Cuba) y poco más de una docena de estrenos en Cuba; sin soslayar las reposiciones de la producciones integrales de tres de los conocidos grandes clásicos del repertorio del BNC: Giselle, Don Quijote y Lago de los cisnes.

Paralelamente, pudimos ver los programas importados por compañías foráneas, tales como “Danza Americana” de Justin Peck; Martha Graham Dance Company (con la rigurosa Janet Eilber al frente; el Buenos Aires Ballet (con miembros de los teatros Colón y La Plata); Les Grands Ballets Canadiens, de Montreal o el Ballet West (Utah, EE UU).

La víspera de la clausura, las cuatro salas ofrecían un programa interesante, sin contar los eventos colaterales diversos: aperturas de exposiciones de artes visuales, muestras de filmes o conferencias de prensa. Debo entonces recurrir al concepto acuñado por la icónica crítica de danza neoyorkina Arlene Croce: priorizar lo que denomina “afterimages”. Es decir, enfocarme en aquellos fenómenos artísticos que más impresionaron, y algunos quedarán ignorados involuntariamente.

Los visitantes
Para las nuevas generaciones de amantes de la danza, tanto los miembros del gremio danzante como del público –algunos de ellos mis vecinos en el palco de butacas-, las dos únicas presentaciones aquí de la Martha Graham Dance Company constituyeron una revelación, al constatar la real vigencia de la inmensa obra creativa de la fundadora de la llamada “danza moderna”.

Todas las piezas sabiamente elegidas fueron entregadas con brillantez e intensidad interpretativa. Ciertos grupos juveniles “snob”, felizmente una minoría, menospreciaban lo visto por las fechas de creación consignadas en el programa de mano. El desmentido apareció publicado en el diario de mayor circulación de la isla, en unas esclarecedoras declaraciones del nonagenario maestro Ramiro Guerra –bailarín y coreógrafo, fundador de la danza moderna cubana y premio nacional de danza-, quien fuera discípulo de la Graham en su estudio neoyorkino: este deslumbramiento acontece 75 años después de su debut en La Habana, con “Lamentations” (1930); “Diversion of Angels” (1948), entre otras.

El joven bailarín del NYCB, Justin Peck, se destacó en sus recientes piezas: “In Creases” y “Furiant”. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

Igualmente, proveniente de la “gran manzana”, pudimos apreciar los talentos del joven bailarín del NYCity Ballet Justin Peck, especialmente en sus recientes piezas: “In Creases” y “Furiant”, con los desempeños estelares de Sarah Mearns con Amar Ramasar, y los soberbios Ashley Bouder y Joaquín de Luz, respectivamente.

Menos impresionantes pero triunfadores con el público cubano, llegaron de la Argentina los representantes de lo mejor del tango. Una agrupación ad hoc con bailarines del Ballet Estable del Teatro Colón y el Ballet de La Plata dirigidos por el primer bailarín Federico Fernández, que nos mostraron sus escrituras apoyadas sobre las melancólicas músicas del emblemático Astor Piazzolla. Luego, vinieron los canadienses de la gran compañía de ballet de Québec con un intrigante ritual masculino ejecutado intensamente por cinco atléticos y expresivos bailarines, en la pieza “Black Milk” del afamado coreógrafo Ohad Naharin, la carta de triunfo para Vladimir Pankov, director artístico de Les Grands Ballets de Montréal.

Finalmente, antes de la función de cierre el 6 de noviembre, proveniente del vecino país norteño, llegó una representación reducida del Ballet West, con “Presto”, una banal coreografía del ítalo-norteamericano Nicolo Fonte, dignamente bailada por tres parejas hetero. En el mismo caso, podemos situar al cuarteto proveniente de lejanos parajes del orbe, el Universal Ballet de Corea del Sur, exquisitos danzantes de su milenaria cultura asiática, ejecutada con particular “fisicalidad” y gran musicalidad, especialmente en el dúo “Shim Chung”.

Artistas invitados y locales
La poliédrica programación propuso una constelación de estrellas de la danza mundial, otros que ya se han convertido en excelentes prospectos y otros con potenciales talentos –tanto en el caso de los foráneos como de los locales–, los cuales se desempeñaban en sus roles con arrojo, desafiantes ante todos los retos coreográficos –algunos de ellos impensables-, confrontándolos a un público exigente en cada una de las salas teatrales del evento.

Hubo exceso de efectos pirotécnicos, casi al borde de la acrobacia atlética, en la mayoría de las veces en detrimento de la corrección en los tempos y fraseos musicales, con el objetico primario de demostrar su bien ganada etiqueta de virtuosos. Entre la élite de estos últimos, aplaudimos las entregas el español Joaquín de Luz (merecedor del premio nacional de danza 2016), así como su pareja estadounidense Ashley Bouder, particularmente con la deslumbrante interpretación de “Tarantella”, de George Balanchine; el cubano Javier Torres (principal del Northern Ballet) en el intenso solo de Michel Descombey “Muerte de un cisne”; Mary Carmen Catoya (del Arts Ballet Teatro de la Florida) de aceradas puntas y línea perfecta, en “Suite Generis” del indestructible Alberto Méndez, secundada estupendamente por dos hermosos bailarines de Acosta Danza.

La espléndida estilista rusa Maria Kochetkova (primera figura del San Francisco Ballet) con el soporte preciso y elegante del cubano Joel Carreño (estrella indiscutible del Ballet de Noruega); el bólido afroamericano Brooklyn Mack (del Washington Ballet) junto a la poderosa y brillante Viengsay Valdés, provocadores de la más tumultuosa respuesta al pas de deux “Diana y Acteón”.

Otra histérica reacción de los balletómanos la provocó otro cubano triunfador en los escenarios europeos, Osiel Gouneo, con sus inigualables saltos y vertiginosos giros en los “manéges”, junto también a Valdés, esta vez en el pas de deux del tercer acto del “Don Quijote”. El retorno a bailar en su país de origen y con su “alma mater”, es decir, la compañía de sus inicios profesionales, es una buena señal indicativa de un cambio positivo en la política artística en el seno de la dirección general del BNC, al invitarlos a exhibir su desarrollo técnico e interpretativo conseguido, ante sus aficionados naturales.

Estrenos y reposiciones
Elogios y sugerencias

Las primeras figuras (Viensay Valdés) y el cuerpo de baile del Ballet Nacional de Cuba, protagonizarán algunos de los espectáculos del Festival Internacional de Ballet de la Habana. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

Uno de los eventos más antiguos y prestigiosos del mundo de la danza, con más de 50 años de historia, el Festival Internacional de Ballet de La Habana llega a su edición número 25, del 28 de octubre al 6 de noviembre. Por acuerdo del Comité Organizador, a partir de ahora el nombre de este evento incluirá el de su presidenta y principal inspiradora: Alicia Alonso.

Las primeras figuras y el cuerpo de baile del  Ballet Nacional de Cuba, protagonizarán los espectáculos presentados en este encuentro, junto a estrellas y conjuntos invitados procedentes de otros países. También se estrenan piezas coreográficas de autores nacionales y extranjeros.

Este Festival, de carácter bienal, tendrá entre sus sedes principales el Gran Teatro de La Habana «Alicia Alonso», el Teatro Nacional, salas Avellaneda y Covarrubias, y el Teatro Mella. Y en él estarán representados los siguientes países: Argentina, Bélgica, Brasil, Canadá, Colombia, Corea del Sur, Cuba, Francia, Gran Bretaña, España, Estados Unidos, México, Mongolia, Puerto Rico, República Bolivariana de Venezuela, Federación Rusa y Uruguay.

Diversas actividades se realizarán paralelas al Festival, que ofrecerá como opción especial un curso de técnica de ballet para profesionales, maestros y estudiantes de nivel avanzado. También habrá exposiciones en galerías de la capital, y se brindarán conferencias, presentaciones de libros y ciclos de cine y video.

El XXV Festival Internacional de Ballet de La Habana «Alicia Alonso» constituye un momento único para el intercambio artístico entre primeras figuras del mundo de la danza, personalidades, críticos, especialistas y empresarios, así como una oportunidad  excepcional para los amantes de esta manifestación. Una vez más, esta fiesta del arte coreográfico hace suyo  el pensamiento de Alejo Carpentier, que expresa: “El espíritu de la danza es inseparable de la condición humana”.

 Invitados

Entre las compañías invitadas desde los Estados Unidos, participa Martha Graham Dance Company.Foto: John Deane ©. Archivo Danzahoy

Compañías
Martha Graham Dance Company (Estados Unidos)
Dance Americana (Estados Unidos)
—Justin Peck, Coreógrafo y director
—Sara Mearns
—Amar Ramasar
—Craig Hall
—Taylor Stanley
—Daniel Applebaum
—Indiana Woodward
—Andrew Scordato
—Brittany Pollack
—Emilie Gerrity

Les Grands Ballets Canadiens (Canadá)
—Gradimir Pankov, Director Artístico
—Marcin Kaczorowski
—Jeremy Raia
—Andrew Wright
—Jerimy Rivera
—Hervé Courtain

Buenos Aires Ballet (Argentina)
—Federico Fernández
—Marianela Bidondo
—Karina Basttilana
—Melisa Heredia
—Nina Zaera
—Aldana Percivati
—Julieta Paul
—Juan Parada
—Miguel Angel Klug
—David Alejandro Gómez

Ballet West (Estados Unidos)
—Katherine Lawrence
—Alexander MacFarlan
—Jacqueline Straughan
—Adrian Rfy
—Beckanne Sisk
—Christopher Ruud

Bailarines
• Opera de Paris (Francia)
—Aurélie Dupont
—Hervé Moreau

•Washington Ballet (Estados Unidos)
—Brooklyn Mack

•New York City Ballet (Estados Unidos)
—Ashley Bouder
—Joaquín de Luz

•Northern Ballet (Gran Bretaña)
—Lucia Solari
—Javier Torres

•Ballet Nacional de Mongolia
—Dugaraa Altankhuyag

•Arts Ballet Theatre of Florida (Estados Unidos)
—Mary Carmen Catoya

•Ballet Nacional de Uruguay (SODRE)
—María Ricetto
—Gustavo Carvalho

•Dutch National Ballet (Holanda)
—Michaela De Prince

•Ballet Hispánico de Nueva York (Estados Unidos)
—Melissa Fernández
—Mario Espinoza
—Lyvan Verdecia

•Universal Ballet (Corea del Sur)
—Hwang Hye Min
—Lee Dongtak
—Mi Sun Kang
—Konstantin Novoselov

María Kochetkova (San Francisco Ballet) y Joaquín de Luz (New York City Ballet) bailarán el pas de eux de “Giselle”. Foto: Erik Tomasson. Archivo Danzahoy.

•American Ballet Theatre y Ballet de San Francisco (Estados Unidos)
—María Kochetkova

•Ballet Nacional de Noruega
—Joel Carreño
—Daniel Proietto

•Balleteatro Nacional de Puerto Rico
—Laura Valentín

• Ballet de Munich
—Osiel Gouneo

•Ballet del Teatro San Carlo de Nápoles
—Claudia D’Antonio
—Salvatore Manzo

•Compañía Nacional de Danza de España
—Moisés Martín Cintas

Coreógrafos
—Alicia Alonso
—Daniel Proietto (Argentina)
—Annabelle López Ochoa (Colombia-Bélgica)
—Ely Regina (Cuba)
—Alberto Méndez (Cuba)

Personalidades
—Julio Bocca
—Eduardo Vilaro, director Ballet Hispánico de Nueva York
—Julia Moon, Directora Universal Ballet
—Vladimir Issaev (Arts Ballet Theatre of Florida)
—Andrew Hurst
—David Briskin
—Gradimir Pankor (Les Grands Ballets Canadiens)
—Ben Rodríguez-Cubeñas