Megan Fairchild con Robert La Fosse en la producción del NYCB con coreografía de George Balanchine y Alexandra Danilova. Foto: Erin Baiano. Gentileza JFKC.

El New York City Ballet (NYCB), como todos los años, volvió al escenario del Opera House del Kennedy Center, y esta vez, con un ballet del repertorio clásico, “Coppélia”. La función comenzó con una presentación del director artístico, Jonathan Stafford, y de la directora artística asociada, Wendy Whelan, quienes recordaron la llegada a los Estados Unidos de los coreógrafos George Balanchine y Alexandra Danilova en busca de “libertad artística” fuera de Rusia. Y luego, ambos directores agradecieron al público por apoyar a la compañía.

Del 25 al 30 de marzo, “Coppélia” trajo un toque de frescura que, sin duda, apuntó a un público más amplio y diverso. Balanchine y Danilova, son los responsables de esta versión de 1974 basada en la puesta en escena de Marius Petipa de 1884, que contó con música del compositor francés Léo Delibes.

Este ballet, en algunas ocasiones conocido como “La Fille aux Yeux d’Émai” (La joven de los ojos de esmalte), se presentó por primera vez en 1870 en el Théâtre Impérial de l’Opéra. La protagonista fue la joven Giuseppina Bozzacchi que cubrió el papel principal de Swanilda, y la bailarina Eugénie Fiocre interpretó a Frantz, su enamorado. Coreografiado originalmente por Arthur Saint-Léon con música de Delibes y libreto de Charles-Louis-Étienne Nuitter, la trama tuvo como referente el cuento corto “Der Sandmann” (El hombre de arena) de E. T. A. Hoffmann.

En esta versión del NYCB, la puesta en escena tiene un toque naive, casi impresionista. Los bailarines del cuerpo de baile ponen todo su entusiasmo para dar vida a esta historia que hace referencia a la irrupción de los muñecos mecánicos del siglo XIX. Las escenas del primer acto, en el que los aldeanos se congregan en la plaza del pueblo en torno a la casa del Doctor Coppelius, incluyen una batería de danzas de estilo, con pasajes solistas y escenas grupales.

Megan Fairchild, como Swanilda, aportó todas las facetas que demanda el rol. Con estilo delicado y una enorme jovialidad, la bailarina transita por el personaje con naturalidad y energía. Sus juegos con Frantz, su enamorado, alcanzan un muy buen nivel de comicidad y le dan a la trama esa frescura necesaria.

Megan Fairchild, como Swanilda, y sus amigas, en el laboratorio del doctor Coppelius. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

KJ Takahashi, como Frantz, quizás necesita crecer y reafirmarse en su rol, en especial en su trabajo como partenaire. Por momentos ambos parecían desconectados uno del otro. Sus saltos y sus giros son precisos y sólidos, y su musicalidad es un elemento que enriquece su trabajo.

El segundo acto que transcurre en el taller del doctor Coppelius -escenificado y coreografiado por Danilova-, es una joya que recupera las características del ballet de acción, y pone al límite a la protagonista. Interpretación y calidad actoral, se funden con la técnica más exigente y refinada, al igual que el compromiso emocional de los personajes. Swanilda y sus amigas entran al laboratorio del doctor Coppelius y se encuentran con una colección de muñecos mecánicos que cobran vida. También descubren la naturaleza de esa muñeca que lee en la ventana y que parece real.

Danilova resuelve este acto con una delicada sutileza, y deja translucir el espíritu de la época. Una escena conmovedora, por momentos patética, intensa y resuelta con una magnífica genialidad. En el tercer acto, en cambio, se advierte el toque indiscutible de Balanchine, y el contraste de estilo queda al descubierto. Con un alto nivel técnico el cuerpo de baile, al igual que el grupo de niños de escuelas locales, y las bailarinas solistas, hacen que esta escena final se convierta en un encantador encuentro con la danza cuya culminación llega con el pas de deux final.

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El Ballet Metropolitano de Buenos Aires llevará a escena “Coppelia y Swanilda”, un ballet basado en el clásico del siglo XIX, “Coppelia”, de Leo Delibes. Foto: Alicia Sanguinetti. Gentileza Fundación Konex.

Desde el domingo 12 de mayo la Fundación Konex presenta un nuevo espectáculo de ballet especialmente pensado para el público infantil y la familia, a fin de que disfruten una de las comedias más famosas de la historia del ballet.

“Coppelia”, la reconocida obra de Léo Delibes que fue estrenada en París en 1870, está adaptada por Juan Lavanga, quien presenta una particular versión, “Coppelia y Swanilda”. El Ballet Metropolitano de Buenos Aires llevará adelante la obra con coreografía de Leonardo Reale.

De esta forma, el público de todas las edades podrá internarse en un universo de muñecos, travesuras y alegría, de la mano de Coppelia, una muñeca mecánica creada por el extraño Dr. Coppelius; de Swanilda, la encantadora jovencita del pueblo; de Franz, el enamorado de Swanilda, y del estrafalario Dr. Coppelius, inventor de novedosos juguetes a cuerda. Junto a ellos, todos los personajes que integran la versión original del ballet estrenado por primera vez en el Teatro de la Ópera Imperial en Francia, basado en una historia macabra de E.T.A. Hoffmann titulada “Der Sandmann” (El hombre de arena), publicada en 1815. Aquella versión tuvo como protagonista a Giuseppina Bozzachiy suéxito fue interrumpido por la Guerra franco-prusiana y el cerco de París. No obstante, se convirtió en uno de los ballets más interpretados en la Ópera Garnier.

La puesta que presenta la Fundación Konex combina una escenografía íntegramente creada con “mapping” y efectos sonoros en vivo. Y su argumento, que no difiere demasiado del original, se desarrolla en una pequeña aldea donde viven Swanilda, su prometido Franz y el creativo Dr. Coppelius, dueño de la fábrica de muñecos más importante de la región.

Mientras todo el pueblo se prepara para una fiesta que se realizará para colocar una nueva campana en la torre principal, el misterioso Dr. Coppelius trabaja en su máxima creación: una muñeca de tamaño humano que será igual a Swanilda y a la que llamará Coppe“Coppelia y Swanilda” tendrá funciones los domingos a las 11 hs., en el marco de la 29° temporada del ciclo “Vamos al Ballet”, creado por la Fundación Konex con el propósito de promover y difundir en el público infantil el conocimiento y el gusto por los géneros clásicos.

Informes:
www.cckonex.org
Tel.: 4864-3200
vamosalamusica.fundacionkonex.org
FACEBOOK: /CicloVamosalaMusica

El Ballet Estable del Teatro Colón, dirigido por Paloma Herrera, hará siete presentaciones de “Coppelia”, el clásico con música del compositor francés Léo Delibes. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

Bajo la dirección artística de Paloma Herrera, el Ballet Estable del Teatro Colón presentará el viernes 15 de junio, “Coppelia”, con música del compositor francés Léo Delibes. Esta puesta cuenta con coreografía de Enrique Martínez, reposición coreográfica de Dalal Achcar, diseño de escenografía y vestuario de José Varona y contará con la participación de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires bajo la batuta del director musical Martin West.

El Ballet Estable del Teatro Colón presentará esta producción en siete funciones: viernes 15, sábado 16, martes 19, jueves 21, viernes 22 y sábado 23 de junio a las 20:00 horas; y la última función se realizará el domingo 24 de junio a las 17:00 horas.

Basado en una historia de E.T.A. Hoffmann, “Der Sandmann” (El hombre de arena) publicada en 1815, el ballet se estrenó el en mayo de 1870 en la Ópera de París con Giuseppina Bozzani en el rol principal. No obstante, el éxito de esta puesta se vio interrumpido por la Guerra franco-prusiana y el cerco de París, aunque con el tiempo se convirtió en el ballet más interpretado en la Ópera Garnier.

La historia trata sobre un inventor misterioso, el Doctor Coppélius, realizador de muñecos mecánicos, quien ha creado una muñeca especial, casi humana. Y parece tan real, que Franz, un aldeano comprometido con Swanilda, se enamora de esa enigmática joven que todos los días está sentada en la ventana de la casa de Coppelius leyendo un libro. Entre enredos, celos y peleas amorosas, Swanila decide descubrir quién es esa joven que le roba el amor de Franz.

La pieza, que de alguna manera toca un tema candente en la época en la que se debatía desde la filosofía el valor y alcance de la ciencia, muestra el costado menos macabro de este cuestionamiento sobre esta disciplina como “dadora de vida” o como “manipuladora de la voluntad”.

“Coppélia”, también conocido como “La muchacha con los ojos de esmalte” es una comedia que en su primera presentación fue protagonizada por Giuseppina Bozzacchi, una joven estudiante de ballet que acababa de cumplir 16 años, y si bien se esperaba que tuviese una gran carrera, se enfermó de cólera durante el cerco de París y murió al cumplir 17. Tiempo después del primer estreno, Marius Petipa recreó la puesta original de Saint-Leon, y diez años más tarde hizo su propia versión de este clásico.

Camila Bocca y Federico Fernández, del Ballet Estable del Teatro Colón, en los ensayos de “Coppelia”. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

La realizada en 1968 por el cubano Enrique Martínez para el American Ballet Theatre (ABT) se ha estrenado en diferentes compañías, incluido el Ballet Nacional del SODRE. El coreógrafo, formado en la escuela cubana y en Nueva York con Igor Schwesoff, comenzó bailar con el ABT en 1947 y desde 1960 hasta 1981, fue director y asistente de maître de ballet, y empezó a desarrollar su faceta como coreógrafo.

En el Teatro Colón, Swanilda, será interpretada por la bailarina Macarena Giménez en las funciones del 15, 22 y 24 de junio, asimismo lo hará Emilia Peredo Aguirre en las funciones del 16, 21 y 23 de junio y Camila Bocca en la función del 19 de junio.

En el rol de Franz, Juan Pablo Ledo realizará las funciones del 15, 22 y 24 de junio, Maximiliano Iglesias en las funciones del 16, 21 y 23 de junio y Federico Fernández en la función del 19 de junio.

Esta propuesta artística también integra el ciclo “Colón para chicos” que se presentará el sábado 23 de junio a las 11:00 horas bajo la interpretación de los bailarines Camila Bocca y Federico Fernández.

Programa 

Música: Léo Delibes
Coreografía: Enrique Martínez
Reposición coreográfica: Dalal Achcar
Asistentes coreográficos: María Luisa Noronha Krahl, María
Celeste Lima y Tindaro Silvano
Diseño de Escenografía y Vestuario: José Varona
Iluminación: Rubén Conde

Reparto

Herman Cornejo, primer bailarín del ABT, se presenta con “El Corsario” en el Teatro Colón junto al Ballet Estable. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza HC.

Estaba en su casa, en Nueva York, cuando recibió el llamado de Paloma Herrera, su antigua compañera del American Ballet Theatre (ABT) con quien compartió escenarios durante casi 15 años. En ese preciso momento se mezclaron sentimientos, recuerdos, deseos, ilusiones, sueños… Era volver a Buenos Aires, al Teatro Colón, donde se había formado desde niño. Era hacer “El Corsario”, una obra que había hecho infinidad de veces con el ABT y que, sin dudarlo, se convertía en una ventana para mostrar lo que mejor puede hacer: bailar.

Herman Cornejo, ese niño que se deslumbró con la danza desde que tenía 8 años cuando vio por primera vez a Maximiliano Guerra haciendo “Espartaco”, regresa por segunda vez al Teatro Colón, para interpretar el protagónico en este clásico ballet inspirado en el poema de Lord Bayron que narra una historia de amor, de aventuras, de piratas…

Esta producción, con música de Adolphe Adam, Riccardo Drigo y Leo Delibes, realizada en 2013 en el Teatro Colón con coreografía de Anne-Marie Holmes, y reposición de Julio Bocca, estrena el domingo 8 de abril con Cornejo, María Kochetkova, principal del San Francisco Ballet, y Daniil Simkin, también del ABT.

Herman Cornejo, en “El espectro de la rosa”, con el ABT, la compañía de sus sueños. Foto: Marty Sohl. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Considerado el Nijinsky del siglo XXI por la crítica de los Estados Unidos y del mundo, Cornejo, fue primer bailarín de la compañía de Julio Bocca cuando tenía 14 años, y fue el mismo Bocca quien pidió una excepción en la VIII Competencia Internacional de Danza de Moscú, para que este adolescente, que no cumplía con la edad mínima requerida, probara su suerte ante un riguroso tribunal. Y se llevó la medalla de oro, la misma que había ganado Bocca a los 19 años. En 2014 recibió el premio Benois de la Danza, el Oscar de los bailarines, y hoy, es el único primer bailarín hispano que queda en el ABT luego del gran boom de la década anterior, cuando comenzaba el nuevo siglo. Y en 2019, celebrará sus 20 años con la compañía en la que forjó su carrera de bailarín internacional.

Danzahoy: ¿Qué significa volver al Colón?

Herman Cornejo: Haber hecho el ISA (Instituto Superior de Arte del Teatro Colón) hace sentir que el teatro es tu casa, y realmente, es como volver a casa. Me gustaría estar más seguido en la Argentina y trabajar más en el Colón en estos próximos cinco años, que son los más importantes de mi carrera. El llamado de Paloma (Herrera) fue una gran emoción. Imagino que su idea, desde que ella asumió la dirección, es seguir trayendo a los argentinos que estamos en el exterior; hacer que vuelvan a casa. Es decir, lo que ella hizo como bailarina, lo está haciendo ahora con nosotros. Y sin duda, bailar en el teatro es muy especial.

D: ¿Cómo es mirar hacia atrás después de todos estos años, de tantos viajes, de tanta experiencia acumulada?

HC: Es emocionante. Especialmente cuando se empieza tan joven, como fue mi caso, porque en esa etapa uno es una máquina que mira solo hacia adelante. Y después de un tiempo, cuando uno vuelve la mirada hacia atrás, recién toma conciencia de lo que hizo. Cuando Julio (Bocca) fundó el Ballet Argentino -esa compañía para jóvenes de la que formé parte-, se abrieron muchas puertas para los bailarines. Desde entonces hasta hoy, a veces me pregunto: ¿me está pasando a mí?

D: Nueva York-Argentina, ¿cómo son los sentimientos de pertenecer a dos lugares?

HC: Cuando vine a Nueva York no fue con la intención era hacer carrera en Nueva York, sino porque era el ABT. Y cuando regreso a casa, en la Argentina, me siento como un turista. Es una sensación linda, porque es volver con más libertad.

HC: La idea surgió en cierta forma, por Julio. Conocí el ABT porque Julio bailaba allí, y después fue Paloma. De alguna manera fue como seguir los pasos de Julio. Él fue un ejemplo para todos los argentinos. Lo cual no significó, ni significa, copiar lo que él hizo, sino que él fue un modelo por el respeto al trabajo, a lo que representa y es esta carrera. Tanto Julio como Maximiliano Guerra, impusieron su nombre en el mundo de la danza a nivel internacional y nos representaron a través del arte casi a un mismo plano que nos reconocen por el deporte. Ellos dos lograron romper esa barrera, y también hicieron que la danza no fuera algo perteneciente a una elite en la Argentina.

Los hermanos Erica y Herman Cornejo en “Diana y Acteón”. Hace 20 años viajaron a Nueva York y se integraron al ABT Foto: Arnaldo Colombaroli. Archivo Danzahoy. Gentileza TC.

D: ¿De qué manera te insertaste en Nueva York?HC: La suerte fue estar con mi hermana Erica -ex bailarina del ABT y del Boston Ballet-, y a los dos nos pasó este “sueño americano”. Y el apoyo familiar fue fundamental. Mi madre viajó con nosotros los primeros tres meses y se encargó de que estuviéramos bien ubicados, y además, quiso comprobar que realmente estábamos seguros de que era eso lo que queríamos. Mi padre se ocupó de que pudiéramos hacerlo. Y si bien es cierto que el talento te lleva a estos niveles tan altos, también es cierto que además de talento hay que tener dos dedos de frente y mantener el respeto por la profesión. Todos los días de mi vida tomo clases como si fuera un principiante, es mi trabajo. Además, no me dejé tentar por lo que ofrece una ciudad como Nueva York, tengo ese arrastre de la vida campesina. Nací en San Luis y me crié en Buenos Aires, y esa vida familiar con mis padres ayudó. Soy más casero, me gusta ir al cine, no me gusta ir de fiesta…

D: ¿Y cómo empezaste a relacionarte con la ciudad y su gente?

HC: Era muy tímido con todo y con todos. Y mi timidez me llevó a no hablar inglés por dos años. Por otra parte, en aquella época en el ABT había como veinte hispanos en la compañía, por lo tanto, no necesitaba hablar mucho inglés. Ahora, me empiezo a olvidar palabras en castellano. En realidad, he pasado 20 años en los Estados Unidos y 16 en la Argentina, y me hice ciudadano estadounidense porque sentí que tenía que honrar al país que me había dado todo en mi carrera.

D: ¿Cómo habría sido tu carrera si hubieras vivido en la Argentina?

HC: Volver a lo de los padres es cómodo, al menos por un tiempo. Cuando vuelvo al Colon, me miman, y luego regreso a mi casa de todos los días en Nueva York, al lugar que construí con mi carrera, desde que entré como aprendiz. Ahora, con Paloma, subió un poco más el número de espectáculos. Con el ABT hacemos cerca de 100 funciones al año, mientras en el Colon hacen entre 20 y 40. Eso me impulsó a irme. En mi época era casi imposible pensar en una carrera como bailarín en la Argentina, especialmente por problemas de contratación. Partir fue casi obligatorio, y era muy común en nuestra generación. No te podías quedar a depender de un contrato.

D: ¿Alguna vez pensaste dejar el ABT por otra compañía o para convertirte en bailarín independiente?

HC: Mi sueño fue llegar al ABT y cuando lo conseguí fue decir: “este es mi sueño”. Trabajar como bailarín invitado es bueno, pero me gusta sentirme parte de una compañía estable. Creo que Kevin McKenzie -director artístico del ABT- maneja el grupo de una manera en la que la gente se siente como en una familia. Si bien puede haber cosas complejas, todo se maneja desde un lugar muy humano. Poder trabajar y hablar con el director en un mismo nivel es importante porque se asemeja a la relación que uno tiene con su propia familia.

Arraigado a las costumbres, Herman Cornejo no se despega de su mate en ningún lugar del mundo. Foto: Lucas Chilczuk. Gentileza HC.

D: Después de los rusos y de los hispanos que fueron estrellas en las últimas décadas en los Estados Unidos, ¿quiénes son los que predominan ahora?

HC: Creo que son olas de generaciones diferentes. Ahora la compañía está llena de asiáticos, algo que también se puede ver en las competiciones. La danza rusa es la cuna de la danza y siempre que veas a un ruso de alto nivel vas a ver un buen show. El hispano no es tan estudiado como el ruso y en cierta forma la explosión de un hispano tapa un poco el espectáculo de los rusos porque se mezcla lo humano y lo técnico. No sé si es culpa de los concursos, pero ahora es todo muy técnico y la expresividad queda de lado. El hispano, en cambio, reúne la técnica y el conocimiento de varias escuelas. Por ejemplo, en el ISA se estudian casi todas las escuelas, lo cual nos hace más abiertos para interpretar la danza desde otro nivel. Y tal vez porque en Sudamérica no hay muchas facilidades para estudiar seriamente, los hispanos valoramos más las oportunidades que se nos brindan. En Nueva York hay estudios impresionantes de primer nivel, en cambio en nuestros países, hacer danza es una pasión. No vamos a clase por que sí, sino porque tenemos ganas de ir y de ensayar. Por eso, el permanecer como estable, me hace sentir que sigo manteniendo esa antorcha encendida. Esa antorcha que también en cierta forma me pasó Julio cuando hizo su último “Don Quijote” en su despedida Japón. Al día siguiente hice mi primer protagónico en “Don Quijote” porque un bailarín se había lesionado. Entonces sentí que Julio me estaba asando la antorcha. Así que, hasta que no venga otro argentino, no me retiro…

“El Corsario” en escena

Programa

Coreografía: Anne-Marie Holmes

Reposición Coreográfica: Julio Bocca

Asistente Reposición Coreográfica: Lorena Fernández

Música: Adolph Adam, Riccardo Drigo, Leo Delibes

Diseño de escenografía: Christian Prego

Diseño de vestuario: Aníbal Lápiz

Diseño de Iluminación: Rubén Conde

Ballet Estable del Teatro Colón

Directora: Paloma Herrera

Orquesta Filarmónica de Buenos Aires

Directora: Tara Simoncic

Parejas protagónicas

Función del 8 y 10 de abril:

María Kochetkova – Herman Cornejo

Función del 13 y 15 de abril:

Nadia Muzyca – Federico Fernández

Función del 12 y 14 de abril:

Macarena Giménez – Juan Pablo Ledo

El 12 de abril por la mañana se realizó la primera función didáctica del año para escuelas públicas de la Ciudad de Buenos Aires en el teatro Colón. Foto. Juan José Bruzza. Gentileza TC.

En el marco del ciclo “Vamos al Colón”, un proyecto en conjunto entre el Teatro Colón y el Ministerio de Educación de la Ciudad de Buenos Aires, el 12 de abril por la mañana se realizó la primera función didáctica del año para escuelas públicas de la Ciudad. Los 1780 alumnos presentes disfrutaron del ballet “Sylvia”, interpretado por el Ballet Estable del Teatro Colón, que desde febrero de este año está bajo la dirección de Paloma Herrera.

La compañía inició su temporada 2017, desde el 5 al 12 de abril, con siete funciones de este clásico del ballet con coreografía de Sir Frederick Ashton y música de Leo Delibes. La última función de la noche se transmitió en vivo por internet a través de la página web del Teatro Colón (www.teatrocolon.org.ar). Esta versión de “Sylvia” contó con la reposición coreográfica de Susan Jones y dirección musical del maestro Emmanuel Siffert al frente de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires.

“Vamos al Colón”, propone dos ejes relacionados con el acercamiento de niños y jóvenes a actividades que fueron especialmente delineadas para su participación a lo largo de la temporada 2016. La propuesta consiste en espectáculos didácticos para escuelas primarias que incluyen los ciclos “Mi Primer Ballet”, “Mi Primer Concierto” y “Mi primera Ópera”. Un segundo eje que refuerza la intención de acercar nuevas audiencias a las diferentes ofertas culturales del teatro es el Abono Familia, que incorpora espectáculos de ópera, ballet y conciertos para la familia a precios reducidos.

Niños de 5to. grado asistieron a las funciones de “Sylvia”, y se llevaron material didáctico para seguir trabajando con sus maestros. Foto: Juan José Bruzza. Gentileza TC.

El abono implica la compra de localidades para el ciclo completo de seis funciones y se adquiere con un mínimo de un espectador menor de edad. Los menores de 3 años no abonan entrada, siempre y cuando no ocupen una butaca. Los niños de 3 a 12 años tienen el 50 por ciento de descuento, y los que tienen entre 13 y 17 años reciben un 25 por ciento de descuento y pueden asistir sin adulto acompañante a partir de los 16 años. En este ciclo se contempla hasta un máximo de 10 menores por cada adulto.

En el área de educación, todos los alumnos de 5° grado de las escuelas públicas de la Ciudad de Buenos Aires asistirán a una función especialmente producida para ellos, y llevarán material didáctico para continuar el trabajo en clase.

El Ballet Estable del Teatro Colón, repone la versión de “Sylvia”, de Sir Frederick Ashton. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza Teatro Colón.

Bajo la dirección de Paloma Herrera, el Ballet Estable del Teatro Colón, comienza la temporada 2017 con su primer título: ”Sylvia”, el ballet de Sir Frederick Ashton, con música de Leo Delibes, reposición coreográfica de Susan Jones, y dirección musical del maestro Emmanuel Siffert al frente de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires.

Las siete funciones programadas se realizarán el miércoles 5, jueves 6, viernes 7, sábado 8, martes 11 y miércoles 12 de abril a las 20:00 horas, y el domingo 9, a las 17:00 horas en la sala mayor del primer coliseo de Buenos Aires. Dos de estas presentaciones cuentan con la participación especial de la primera bailarina del American Ballet Theatre (ABT) Isabella Boylston, quien asumirá el protagónico femenino el viernes 7 y el domingo 9 de abril.

Los roles principales serán interpretados por Nadia Muzyca y Maximiliano Iglesias en las funciones del 5 y 8 de abril; Nadia Muzyca y Federico Fernández lo harán en la función del 11 de abril; mientras que Fernández y Boylston serán la pareja principal el 7 y 9 de abril, y Nahuel Prozzi y Karina Olmedo bailarán en las noches del 6 y el 12 de abril. El rol de Orión estará a cargo de Dalmiro Astesiano, Emanuel Abruzzo y Alejandro Parente en diferentes funciones.

Este ballet, con partitura romántica del siglo XIX, narra la historia de amor entre el pastor Amintas y Sylvia, una de las ninfas de la diosa Diana. Secuestrada por el cazador Orión, Sylvia, gracias a su ingenio, embriaga a su captor, y con la ayuda de Diana logra escapar, para unirse con su amado Aminta bajo la buena voluntad de Eros y Diana. En este relato desfilan también personajes mitológicos de la tradición grecorromana como: Eros (dios del amor), Diana (diosa de la caza y de la castidad), náyades (ninfas de los ríos y las fuentes), dríades (ninfas que cuidan de los árboles y los bosques), faunos (o sátiros) y también, Endimión, pastor de Caria que había obtenido de Júpiter el privilegio de no envejecer, y del que Diana quedó prendada.

Este ballet en tres actos, se estrenó por primera vez en París en el Palais Garnier en junio de 1876 con coreografía de Louis Mérante y música de Delibes. Sus orígenes se remontan al poema “Aminta” (1573) de Torquato Tasso, y posteriormente Jules Barbier y el Barón de Reinach la adaptaron para la Ópera de París. En su primera presentación la obra fue ignorada, y recién en 1952, a través de la coreografía de Sir Frederick Ashton se popularizó y ganó un espacio importante en el repertorio de la mayoría de las compañías clásicas.

En la temporada del NYCB ocupan un lugar preferencial las obras de George Balanchine (“Esmeraldas”, foto) y de Jerome Robbins. Foto: Paul Kolnik. Gentileza NYCB.

Las temperaturas de la capital del mundo de la danza (como llaman a la ciudad de Nuev York) no pueden ser más frígidas. No obstante, la temporada de danza del New York City Ballet (NYCB) en el teatro David H. Koch, situado en el bello complejo del Lincoln Center, ha dado comienzo. Y en sus seis semanas de duración que culminan el 2 de marzo, subirá a la amplia escena del teatro un extenso repertorio de obras de distintos coreógrafos.

Entre ellos ocuparán el sitio preferencial, los trabajos del maestro de maestros, George Balanchine, junto a otros de gran importancia como Jerome Robbins, quien fue director artístico asociado de la compañía hasta su muerte, en 1998.

Los programas propuestos por el NYCB, servirán para calentar la atmósfera de la Gran Manzana. El incontenible invierno este año le está jugando una mala pasada no solo a Manhattan, sino a los barrios adyacentes.

Habrá también estrenos de Angelin Prejolcaj, Peter Martins, director artístico de la compañía, y de otros nuevos coreógrafos que están ganando adeptos; entre estos se destaca el coreógrafo inglés Liam Scarlett, muy aplaudido en el Reino Unido.

Volverá a subir a escena “Coppelia”, sobre la deliciosa música de Leo Delibes. Obras de Christopher Wheeldom harán su presencia, asimismo “Las Cuatro Estaciones”, de Mijail Baryshnikov (la única que lleva su firma) y muchas otras más.

Habrá matinées dedicadas a los niños, en sábados consecutivos, cuyo propósito mayor es situarlos en contacto con la música clásica y con el divino arte de la musa Terpsícore.

Jóvenes bailarines del Ballet Nacional de Panamá ensayan “Coppelia” en la sede de la compañía. Foto gentileza BNP.

Por primera vez en Panamá y Centroamérica, el reconocido coreógrafo ruso y director artístico del Festival Internacional de Danza de San Petersburgo, Vasily Medvedev, hará el montaje completo del ballet “Coppélia”. El Ballet Nacional de Panamá, con la participación de las mejores escuelas de danzas privadas, realizará la presentación de esta obra clásica del siglo XIX del 17 al 22 de septiembre en el Teatro Nacional.

Este recinto decorado con frescos de estilo europeo y ubicado en el casco antiguo de Panamá ha sido el escenario donde se han presentado obras de Anna Pavlova y el ballet ruso; en esta ocasión será el escenario para la puesta en escena que marcará un momento histórico en el país.

Medvedev, asistido por el ballet master Stansilav Feco, y han tenido la oportunidad de contar con el impecable diseño de producción del diseñador Pavol Juráš y la colaboración en los ensayos del profesor Jelko Yuresha, estrella del Ballet Nacional Ingles.

“Para el Instituto Nacional de Cultura es un honor que uno de los coreógrafos más reconocidos del momento, realice este montaje en Panamá de la mano de nuestro joven y talentoso Ballet –comentó la directora del Instituto Nacional de Cultura (INAC), Maria Eugenia Herrera de Victoría–. Un privilegio que eleva la participación de nuestro Ballet Nacional al plano internacional y les brinda la experiencia única de trabajar de la mano de grandes maestros”.

El montaje de “Coppélia” tendrá su toque local. Para ello, Medvedev ha creado dos coreografías exclusivas para Panamá, con el objetivo de incorporar a la obra el talento de las jóvenes intérpretes.

Más de 65 bailarines participarán de la puesta en escena, y actualmente ensayan diariamente de la mano del maestro Yuresha para el estreno que marcará un hito en el desarrollo artístico y cultural del país.

Para este montaje las artesanas panameñas que confeccionan el vestuario, así como los encargados de la escenografía recibieron la asesoría de Juráš para que la puesta en escena lleve los mismos niveles de excelencia de los montajes internacionales anteriores y que los aspectos técnicos y de actuación estén al mismo nivel.

“Coppélia” es un ballet sentimental y cómico con coreografía original de Arthur Saint-Léon sobre libreto de Saint-Léon y Charles Nuitter, y música de Léo Delibes. Está basado en una historia macabra de E.T.A. Hoffmann titulada “Der Sandmann” (“El hombre de arena”), publicada en 1815.

El ballet se estrenó el 25 de mayo de 1870 en la Ópera de París, con Giuseppina Bozzachi en el rol principal. De allí, se presentó en San Petersburgo donde la coreografía estuvo a cargo de Marius Petipa. Esta es la primera vez que se estrenará la obra completa en Panamá. La historia trata acerca de un inventor misterioso y pálido, el Doctor Coppélius que tiene una muñeca mecánica de tamaño real, y que pretende darle vida a través de extraños procesos que podrían relacionarse con la alquimia y los descubrimientos en boga de la época en la que se escribió la historia.

El miércoles 26 de junio, Paloma Herrera asumió el protagónico de “Sylvia” de Sir Frederick Ashton con solistas de ABT. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Herman Cornejo y Xiomara Reyes en “Sylvia”. Para ver la crítica hacer clic aquí.

Originalmente se llamó “Sylvia ou La Nymphe de Diane”, y su estreno fue en 1876 con el Ballet de la Ópera de París. La coreografía de entonces fue de Louis Mérante y la música, de Leo Delibes. Pero “Sylvia” encontró su verdadero lenguaje en 1952, con Sir. Frederick Ashton, quien recuperó esta obra para el Royal Ballet de Londres, también con partitura de Delibes. Margot Fontaine y Michael Somes cubrieron los roles principales de Sylvia y Aminta, el pastor enamorado de la casta ninfa de Diana cazadora.

Ashton puso un toque personal y atractivo a esta historia que retoma elementos y personajes de la mitología griega. Construyó una coreografía compleja, en la que la protagonista debe sobrellevar combinaciones de pasos donde se mezclan la precisión y la destreza, y al mismo tiempo, debe internarse profundamente en el mundo de este personaje.

La reposición de esta en 2004 con el Royal Ballet de Londres estuvo a cargo de Christopher Newton. Esta última version es la que presentó el American Ballet Theatre (ABT) en la penúltima semana de la temporada en el Metropolitan Opera House de Nueva York.

El miércoles 26 de junio, Paloma Herrera asumió el protagónico de la “Sylvia” de Ashton. Con absoluta maestría se convirtió en una Sylvia aguerrida, astuta, y también, capaz de permitirse la ternura del amor. Sin embargo, tuvo como partenaire a Jared Matthews, un correcto solista que todavía no está lo suficientemente consolidado como para enamorar o contener a una Sylvia con semejante personalidad escénica.

Herrera no tuvo junto ella ningún bailarín principal en los protagónicos. Orion fue el solista Sascha Radetsky, y Eros, Arron Scott, del cuerpo de baile. Ambos quedaron eclipsados por Herrera, si bien hicieron un muy buen trabajo. Especialmente Radetsky, que logró componer un Orion medianamente convincente con buen nivel de danza. Scott fue un simpático Eros, correcto en la variación final.

Quizás el director del ABT, Kevin McKenzie, aprovechó de la experiencia de Herrera para probar a aquellos que están en la fila para los ascensos. Resultado: Herrera llevó adelante el ballet completo. Perfecta en sus equilibrios, en sus saltos, y segura en la intrincada coreografía, logró darle encanto a ese particular personaje.

Los orígenes de este ballet se remontan al poema Aminta (1573) de Torquato Tasso, y se desarrolla en un marco mítico. La actual producción del ABT se estrenó en el Met en 2005, con Gillian Murphy como Sylvia, Maxim Beloserkovsky en el papel de Aminta, Marcelo Gomes fue Orion, y Herman Cornejo llevó el rol de Eros. Curiosamente, la última producción de aquel año tuvo también a Herrera, a Ángel Corella (Aminta), a Jesús Pastor (Orión), a Craig Salstein (Eros) y a Carmen Corella (Diana).

Una bella producción desde el punto de vista estético, con imágenes interesantes en la escenografía y en los diseños originales de Robin y Christopher Ironside.

Impecable, atento y entusiasta, el cuerpo de baile tuvo un papel clave en esta puesta. Excelente trabajo. Asimismo, Luciana Paris y Joseph Phillips se lucieron en la variación como Persephone y Pluto, así como Zhong-Jin Fang y Eric Tamm como Ceres y Jaseion.

La orquesta, dirigida por David Lamarche, sonó impeccable.

Escena final de “Sylvia”, en la producción del ABT en el Met de Nueva York, con Xiomara Reyes y Herman Cornejo. Foto: Rosalie O´Connor. Gentileza ABT.

Paloma Herrera interpreta “Sylvia”. Para ver la crítica haga clic aquí

Todo llega a su fin, y así sucede cada año con la temporada primavera-verano del American Ballet Theatre (ABT) en el Lincoln Center de Nueva York, dirigido por Kevin McKenzie.

Las semanas finales de este año fueron dedicadas a dos personajes femeninos en el mundo de los mitos, las leyendas o los cuentos de hadas: “Sylvia”, sobre la deliciosa música de Leo Delibes, y “La Bella Durmiente”, con la exquisita y monumental partitura de Tchaikowsky. Hay poca similitud entre ambas. Una, procede de la mitología griega, y la otra, la princesa Aurora, surgió de la fértil imaginación de Charles Perrault. Las coreografías sirvieron para que el elenco de principales del ABT pudiera brillar a plenitud.

“Sylvia” está basada libremente en la leyenda pastoral de Ariosto (Aminta). La coreografía se remonta a 1876, creada para el Ballet de la Ópera de París. Su autor, Louis Merante, también aparecería en el rol titular, junto a la bailarina italiana Rita Sangalli. Posteriormente, otros coreógrafos hicieron sus propios trabajos sobre la misma historia y la música original. No obstante, la obra actual, que data de 1952,  fue estrenada en Londres por el Royal Ballet, con la bella coreografía de  Sir Frederick Ashton. El ABT, por su parte, estrenó esa versión en el Metropolitan del Lincoln Center de Nueva York, en 2005, con un solo intermedio entre los tres actos.

La historia narra como la casta ninfa Sylvia, miembro de las filas de Diana, la cazadora, viene de cazar, y ante la imagen de Eros, dios del amor, baila a plenitud con sus compañeras. Allí está escondido Aminta, quien la ama profundamente, pero Sylvia lo rechaza. Pronto Eros interviene, hiriendo a la ninfa con una flecha. Desde entonces, Sylvia comienza a sentir amor por Aminta, pero no todo continúa feliz y plácidamente: Orion, el cazador negro, está también enamorado de Sylvia, y la secuestra, llevándola a su isla.

La ninfa logra emborrachar al cazador y a su corte, y escapa con la ayuda de Eros, que la reúne con Aminta, cuando éste baila en el festival de Baco. Entre dioses y la alegría, surge Orion nuevamente, quien viene al templo de Diana en busca de Sylvia. La vengativa Diana, prohíbe a la desleal Sylvia (por haber roto su promesa de castidad) contraer matrimonio con el joven pastor, pero Eros interviene nuevamente en favor de los novios, y todo se soluciona favorablemente para la pareja.

El difícil y demandante rol de Sylvia, esa noche recayó en Xiomara Reyes. La personalidad dominante de la ninfa cazadora, cuyo carácter no concuerda con la suavidad que Reyes siempre muestra en escena. No obstante, su labor fue excelente, y se anotó otro bien ganado triunfo.

No podía haber mejor intérprete de Aminta que el aplaudido Herman Cornejo. Las actuaciones  de Cornejo esta temporada, han sido simplemente maravillosas. Ya el público lo ha situado entre sus favoritos. Como Aminta, Cornejo volvió a resplandecer, especialmente en el último acto, donde la límpida coreografía de Ashton, fue simplemente “bordada”, de acuerdo con la interpretación de Cornejo. La maravilla de los pasos,  y las encantadoras melodías de Delibes, fueron como disfrutar de un delicioso néctar.

El rol de Orion, aunque de poca monta, le tocó a Ivan Vasiliev, quien aprovechó cada minuto de los que apareció en la escena, para hacer alguna de sus incontables travesuras (saltos extraordinarios y giros a la velocidad de un trompo). Como Eros, Daniil Simkin completó el aplaudido elenco de roles principales de la noche.

Delibes, con su melodiosa composición, y Ashton, con su límpida y hermosa coreografía, resultan un binomio como pocos. La orquesta del ABT parecía estar inspirada esa noche por la belleza de la composición, bajo la experta dirección de Charles Barker.