Gauthier Dance en “Le chant du cygne: Le lac”, de Marie Chouinard, un alegato feminista llevado a la danza. Foto gentileza de Gauthier Dance.

Una década después de su primera visita al Teatro Arriaga de Bilbao, la compañía alemana Gauthier Dance retornó al emblemático escenario de la capital vizcaína para ofrecer un triple programa que obtuvo el aplauso unánime del entusiasmado público. Fundada en 2007 por ex solista de Stuttgart Ballet, Eric Gauthier, la compañía residente del Theaterhaus de la ciudad germana se caracteriza por apostar por un repertorio versátil con trabajos de los coreógrafos contemporáneos más destacados de la actualidad. Y estas dos actuaciones en Bilbao dieron la oportunidad para disfrutar de piezas de los renombrados Marie Chouinard, Hofesh Shechter y Ohad Naharin.

En 2021, Eric Gauthier invitó a cuatro reputados coreógrafos para que crearan sendas piezas de veinte minutos de duración, partiendo del clásico inmortal de “El lago de los cisnes”. El resultado fue un cuadríptico con las poliédricas lecturas de Marie Chouinard, Marco Goecke, Hofesh Shechter y Cayetano Soto. Para la actuación en el Teatro Arriaga de Bilbao, el director canadiense se decantó por las obras de Chouinard y Shechter, con dos planteamientos muy diferenciados.

En “Le chant du cygne: Le lac”, la coreógrafa Marie Chouinard imagina a una bandada de cisnes oprimidos que se rebela contra el heteropatriarcado. Ante un ciclorama compuesto por un mar de llamas, un octeto de ánades se arrastra lastimosamente, probablemente subyugado por el poder del maléfico Rothbart. No faltan ni el tutú ni las zapatillas de punta, pero tampoco las rodilleras, los maillots en tono nude y las pelucas de color blanco en sustitución de los tradicionales tocados de plumas. Singular e imaginativo resulta el empleo de las puntas: una calza un pie de cada una de las intérpretes y la otra cubre la mano, que junto al antebrazo dibuja figuras que terminan recordando la cabeza y cuello del cisne, como si fuera un juego infantil de imitar una sombra chinesca. La coreografía se centra en subrayar la parte animal y la sumisión de la pléyade de ánades, hasta que éstas deciden enfrentarse y reclamar su voz con la letra de “Un violador en tu camino” (2019), una performance del colectivo chileno LASTESIS para denunciar los feminicidios y la violencia sexual contras las mujeres. Apaciguado el fuego de la protesta en un mar en calma en la proyección, las empoderadas intérpretes danzan en libertad en este aplaudido alegato feminista de la coreógrafa canadiense.

Hofesh Shechter es el coreógrafo de “Swan Cake”, obra de trepidante acción y estilo terrenal inspirada en “El lago de los cisnes”. Foto gentileza de Gauthier Dance.

Bajo el título de “Swan Cake”, el coreógrafo y compositor Hofesh Shechter construye una pieza que se asemeja a una fiesta rave y aparentemente con nulos puntos en común con el clásico de Petipa e Ivanov. Sin embargo, lo que se percibe con claridad es su característico estilo terrenal, rotundo y lleno de trepidante acción. Ataviado con ropa informal, el elenco sobresale en una especie de caótica celebración, inspirada quizás en los festejos del cumpleaños del príncipe Siegfried del original decimonónico. El israelí contrapone en su coreografía las calidades individualidades con el grupo, presentado como una masa en movimiento constante y enérgico, mientras que la banda sonora cita esporádicamente algún breve fragmento de la música de Tchaikovsky, como si fuera casi un jingle publicitario para recordar que la pieza parte del encargo basado en “El lago de los cisnes”.

La segunda parte estuvo protagonizada por “Minus 16”, emblemática obra de Ohad Naharin estrenada por Nederlands Dans Theater 2 en el Lucent Danstheater de La Haya, el 11 de noviembre de 1999. A punto de celebrar sus bodas de plata, esta obra se ha convertido en un referente obligado de la creación Naharin y su éxito le ha llevado a formar parte del repertorio de numerosas compañías internacionales. En el entreacto, un bailarín trajeado empieza a improvisar para desconcierto de los espectadores que han aprovechado el intermedio para salir del patio de butacas. En un momento determinado, comienzan a aparecer en escena los restantes intérpretes también trajeados y tocados con sombreros. A partir de ahí, el creador israelí engarza varias escenas musicalmente diferentes -“Echad Mi Yodea” en versión del grupo de rock The Tractor’s Revenge, “Stabat Mater” de Antonio Vivaldi, un solitario metrónomo y una versión tecno de “Over The Rainbow”-, pero coreográficamente bajo un estilo o lenguaje denominado Gaga.

A raíz de una lesión de espalda, Ohad Naharin se vio obligado a cambiar sus patrones de movimiento y así investigó cómo encontrar nuevas sensaciones. El resultado fue un lenguaje que potencia la ductilidad del cuerpo, con extremidades muy flexibles, y sorprende al espectador con enérgicas explosiones de movimiento alternadas con aparentes momentos de sosiego. El mejor ejemplo de ello fue la primera escena de la obra, ejecutada bajo la letra de la canción tradicional de la Pascua hebrea “Echad Mi Yodea” (¿Quién conoce a uno?). Sentados en un semicírculo conformado por sillas plegables, los dieciséis bailarines comienzan cabizbajos hasta que se produce ese estallido de energía, coreográficamente traducido en un canon y que finaliza con la caída al suelo de uno de ellos. Más convencional, un dúo sobre música de Vivaldi da paso a una divertida escena a ritmo de chachachá y con sorpresa final, para deleite del  público.

“Minus 16″ es una icónica obra de Ohad Naharin| Fotografía Jeanette Bak, cortesía de Gauthier Dance.

Durante los minutos que mediaron entre la primera y la segunda pieza, Eric Gauthier no dudó en dirigir unas palabras a los asistentes, explicando el programa que presentaba su compañía y lo emocionado que estaba por la segunda visita de Gauthier Dance al Teatro Arriaga de Bilbao, después presentar en aquella primera ocasión un catálogo de creaciones titulado “Future 6”: “Burning Bridges” de Jiří Bubeníček, “Cherry Pink and Apple Blossom White” de Itzik Galili, “Malasangre” de Cayetano Soto, “Takuto” de Eric Gauthier, “I Found A Fox” de Marco Goecke y “Bolero” de Stephan Thoss. Con una duración cercana a las dos horas, el díptico “Swan Lakes” con piezas de Chouinard y Shechter, unido a las buenas sensaciones que contagia “Minus 16” de Naharin, dejó nuevamente un fantástico sabor de boca en el numeroso público congregado en el Teatro Arriaga de Bilbao, que no dudó en gratificar el extraordinario trabajo de Gauthier Dance con una entregada salva de aplausos, deseando que no vuelva a pasar un decenio para disfrutar de nuevo de la compañía alemana en el escenario bilbaíno.

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La primera noche de “Lago de los cisnes” tuvo como protagonistas a Isabella Boylston y al brasileño Daniel Camargo. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

“Lago de los cisnes” es, sin duda, uno de los clásicos a los que siempre se vuelve. Un acabado de la vida y sus contradicciones. Un ballet conmovedor que despierta todos los sentidos y se inserta en el alma.

La versión de Kevin McKenzie -sobre la de Marius Petipa y Lev Ivanov de 1895, estrenada en San Petersburgo- de este clásico en dos actos y dos escenas, que el American Ballet Theatre (ABT) trajo al Opera House del Kennedy Center de Washington DC desde el 21 al 25 de febrero, reúne todos los elementos necesarios para ser una de esas piezas insoslayables de la compañía. Un cuerpo de baile sólido y entusiasta, solistas impecables y comprometidos con cada rol, y protagonistas de alto nivel y sensibilidad integran esta ecuación cuyo resultado es una obra de gran intensidad y belleza.

Si bien hay una diversidad de versiones de este clásico, la de McKenzie, cuyo estreno mundial fue en el Metropolitan Opera House en 2000 con Susan Jaffe y José Manuel Carreño, narra en su prólogo la forma en que Odette fue capturada por el malvado hechicero von Rothbart quien, en su intento por obtener el amor de la princesa, la embruja y la convierte en un cisne que queda atrapado en sus dominios. La función de apertura, protagonizada por Isabella Boylston como Odette/Odile, y por el brasileño Daniel Camargo como Sigfrido, tuvo momentos intensos, que indudablemente se refuerzan con una bella coreografía y la música incomparable de Piotr Illych Tchaikowsky.

Boylston y Camargo hicieron un muy buen trabajo, con momentos conmovedores y de alto nivel técnico. No obstante, la profunda emoción que genera el pas de deux del acto blanco estuvo ausente. También estuvo ausente ese refinamiento y perfección en el suave braceo del cisne de Boylston.

Camargo interpretó un tibio Sigfrido, ajustado a las exigencias técnicas de una coreografía compleja. Preciso, a tempo, cuidado, pero sin emoción. Aún en el final del Acto III, cuando descubre la trampa de von Rothbart con el propósito de proteger el hechizo y mantener cautiva a Odette. Allí estaba en juego romper el maleficio a través del amor verdadero. No parecía lo mismo para este Sigfrido encarnado por Camargo.

Un excelente trabajo del cuerpo de baile en el acto blanco donde los cisnes, en la penumbra del lago, salen durante la noche bajo la luz de la luna.

El tercer acto situado en el palacio, durante el gran baile destinado a que Sigfrido encuentre a la princesa para casarse, incluye danzas folclóricas tradicionales como zardas, mazurcas, danzas napolitanas y españolas. Allí aparece von Rothbart, desdoblado aquí en un atractivo y maquiavélico personaje y encarnado por Jose Sebastian, un bailarín con fuerte personalidad y atractiva presencia. Con aire dramático y amenazador llega al palacio para quebrar el pacto de amor entre Sigfrido y Odette. Sebastian realizó una excelente variación y mostró su calidad como bailarín de la compañía.

La clave de este acto es el famoso pas de deux del Cisne Negro, encarnado por Odile, esta suerte de Alter Ego de Odette. Una coreografía que pone a prueba a cualquier bailarina tanto en la destreza técnica como en la interpretación. Boylston cubrió esas expectativas, si bien faltó algo de trabajo actoral sobre un personaje que difiere enormemente de Odette.

El hechizo de Herman Cornejo

El sábado matiné en el Opera House del Kennedy Center los roles principales estuvieron cubiertos por Herman Cornejo y Skylar Brant. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

El sábado matiné, tuvo como protagonistas de este “Lago…” a Herman Cornejo y a Skylar Brant. Una función cargada de emoción en la que ambos bailarines lograron un ensamble perfecto: técnica excelente, comprensión particular del drama de los personajes, emoción, sensibilidad y talento. Algo poco frecuente de encontrar.

Cornejo parece dibujar la música en el aire. Sus giros, sus saltos, silenciosos y perfectos, hablan de un bailarín con cualidades especiales. Excelente como partenaire, junto a Brant lograron un pas de deux conmovedor en el acto blanco. Brant con un port de bras magnífico, sutiles movimientos de cabeza, no hizo otra cosa más que asemejarse a un cisne en busca de su libertad a través del amor verdadero.

Fue en el tercer acto donde se lanzó con fouettes dobles que hicieron bramar a la platea. Allí su Odile fue la encarnación del mal, dispuesta a engañar a ese Sigfrido casi inocente y consternado. Cornejo y Brant, volvieron a deslumbrar en un acto en el que sí se advirtieron las diferencias entre ambos cisnes que, de alguna forma, representan la lucha entre las fuerzas del bien y del mal. Una función memorable que permitió observar el talento de varios solistas y cuerpo de baile.

Jake Roxander, como Benno, el amigo del príncipe se destacó con su actuación, con su personalidad entusiasta y su ajustada técnica. Su personaje fue sencillamente brillante al igual que el von Rothbart que compuso Andrii Ishchuk, cuya precisión en los saltos y en su variación fue impecable, al tiempo que puso un toque de humor displicente y malvado.

Una trama sumamente atrapante, elementos mágicos poderosos, dilemas morales y psicológicos, un gran despliegue escenográfico, danza pura, y belleza absoluta componen este “Lago de los cisnes” del American Ballet Theater.

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El Ballet Nacional de Cuba celebró el Día Internacional de la Danza en Costa Rica. Foto gentileza BNC.

El Ballet Nacional de Cuba (BNC), buque insignia de la danza académica de la Mayor de las Antillas, con Viengsay Valdés al timón como directora general y prima ballerina, “zarpó” el 22 de abril hacia su primera escala. El destino: el principal coliseo de San José, capital de Costa Rica. El propósito: ofrecer dos únicas presentaciones. Luego tomaron su rumbo hacia la península Ibérica para una más larga estancia, donde realizarán múltiples funciones en 14 ciudades importantes. Esta vez sin incluir Madrid y Barcelona. El 29 de abril en Terassa, en significativa celebración por el Día Internacional de la Danza, a las funciones aderezaron una muestra de imágenes del repertorio seleccionado para la gira logradas por un binomio de maestros de la lente: el español Josep Guindo y la cubana Yailín Alfaro (autores de varios libros sobre ballet).

Los públicos costarricenses estaban ansiosos de ver al BNC con un elenco mayoritariamente juvenil, puesto que retornaron a este país centroamericano después de 2001. Además, su relación se remonta a 1949, cuando sus fundadores Fernando y Alicia Alonso lograron viajar al exterior al año de su debut en octubre de 1948. Ahora en 2023, por sugerencia de los empresarios, disfrutaron de dos programas combinados que incluyeron fragmentos de dos obras canónicas: “Lago de los cisnes” y “Don Quijote”, y varias piezas contemporáneas de reciente creación, debidas a coreógrafos cubanos y foráneos.

Estos títulos mencionados también viajaron a España, pero con ciertos ajustes en los elencos, según explicó Valdés a la prensa, que permitirá un fogueo y visibilidad internacional de los jóvenes talentos afirmados y de otros en franco desarrollo, “porque es en la escena, sobre los escenarios extranjeros donde se confrontarán con diversos públicos, y podrán lograr la madurez y confianza artística necesaria”.

Algunos primeros bailarines experimentados y reconocidos serán reincidentes en ambas plazas, como es el caso de Anette Delgado y Dani Hernández, y la propia Valdés. Empero, el nuevo primer bailarín Yankiel Vázquez demostrará ampliamente sus talentos en el único solo del programa: “La muerte de un cisne”, del francés Michel Descombey.

Según Valdés, en esta ocasión, y dadas las dificultades en las programaciones de los teatros europeos, cerrados por mucho tiempo debido a la pandemia y a sus esfuerzos por la recuperación, se planteó esta primera gira por varias regiones próximas a Madrid, para preparar con gran empeño, una segunda en 2024 que incluya la capital española y la catalana, Barcelona.

“Así podrán admirar a nuestros bailarines, formados con la metodología de la “escuela cubana de ballet. Y a su vez, comprobar cómo otras academias de ballet de Latinoamérica la están adoptando, para alejarse paulatinamente de la enseñanza europea o rusa. Algunas ya están adoptando la cubana. Están revisitando las características fijadas por los Alonso, como la empatía o interrelación en el baile de pareja; la sensualidad natural en las féminas y la fuerza viril de los chicos”, apunto la bailarina y directora general del BNC.

Ha trascendido que actualmente se estudia un proyecto para el reconocimiento oficial de este legado cultural nacional, para declararlo Patrimonio cultural intangible de la nación. Al respecto, Valdés acotó que el BNC otorga todo su apoyo en el tema, para el rescate y protección del legado del maestro Fernando Alonso y de la escuela cubana de ballet. “Reclamamos que la decisión final llegue pronto, para que no sea contaminada o deformada con otros estilos y técnicas foráneas”, afirmó.

Como cierre de este diálogo franco e informal con la afamada artista, y teniendo en cuenta su designación como miembro del prestigioso jurado internacional que concederá de forma presencial el próximo junio, el Premio Benois de la danza 2023, organizado por el Teatro Bolshoi de Moscú, se le solicitó su opinión respecto de las sanciones aplicadas a notables artistas por no pronunciarse con respecto al conflicto bélico entre Rusia y Ucrania.

Valdés fue rotunda en su respuesta: “Pienso que es insensato mezclar al arte con la política; lo que ocurre es una situación coyuntural y lamentable. No creo que estos notables artistas sean ‘castigados’ -al anular sus contratos- cuando han desarrollado una brillante carrera y han alcanzado un merecido reconocimiento mundial. Los valores que ellos defienden en buena lid en esta edición del Benois son los que el jurado internacional premiará”, concluyó.

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Cuerpo de baile y Eun Won Lee y Gian Carlo Pérez (Ctr.), en “Lago de los cisnes” estrenada en el Eisenhower Theater del Kennedy Center. Foto: xmb Photography. Gentileza TWB.

Recuperar la danza después del devastador impacto de la pandemia de COVID-19 es una empresa titánica. Más aún si se trata de subir a escena una obra tan monumental y con tanta demanda como “Lago de los cisnes”. Pero The Washington Ballet (TWB) arremetió con ese desafío y lanzó sus primeras funciones, después de dos años de silencio, con este clásico que requiere de una disciplina férrea, una sutileza artística que casi trasciende lo terrenal, y una preparación técnica impecable.

Bajo la dirección, puesta en escena y coreografía de su directora, Julie Kent y de Victor Barbee, director artístico asociado, esta producción se caracteriza por un minucioso cuidado y prolijidad. Basados en la coreografía tradicional de Marius Petipa y Lev Ivanov de esta obra que recuperó el Teatro Mariinsky en 1895, Kent y Barbee pusieron un toque propio que dio como resultado una puesta de calidad.

La potente y majestuosa música de Piotr I. Tchaikovsky construye el resto: la magia, donde la luna se funde con la noche y el malvado hechicero von Rothbart mantiene encantada a Odette y al resto de las princesas para que se conviertan en cisne blancos durante el día y se transformen durante la noche.

Kent ha logrado uniformidad en los actos blancos en los que la sincronización en las filas de cisnes se ajusta de manera deslumbrante, más allá de la estrecha dimensión del escenario. El despliegue de cisnes entrando a escena como una sucesión interminable es absolutamente conmovedor. Y la magnífica coordinación del pas de quatre interpretado por Victoria Arrea, Jessy Dick, Lucy Nevin y Alexa Tores mostró el acertado trabajo tanto de los bailarines como de los preparadores.

Eun Won Lee como Odile y Gian Carlo Pérez en el rol del príncipe Sigfrido en el tercer acto de “Lago de los cisnes” de TWB. Foto: xmb Photography. Gentileza TWB.

El Eisenhower Theatre del Kennedy Center, por momentos, quedó apretado para una coreografía que, generalmente, se presenta en espacios más amplios. Pero nada de esto afectó el nivel de la danza, el compromiso de los bailarines y la belleza de una puesta en la que la escenografía y el vestuario, préstamo de Ballet West, formaron parte de un todo compacto y sin fisuras.

Eun Won Lee como Odette/Odile y Gian Carlo Pérez como el príncipe Sigfrido compusieron una buena dupla. Ambos bailarines poseen un alto nivel técnico. Pérez, desbordante de pasión, intenso y conmovedor, dejó ver su sólida formación en la escuela cubana de ballet. Con magníficos saltos, una línea majestuosa y una gran musicalidad, Pérez delineó un Sigfrido para recordar. Lee, por su parte, se destacó por sus extensiones, sus equilibrios y sus magníficos fouettés cuando debió encarar a Odile, el cisne negro del tercer acto.

Pero esta producción no sólo tuvo dos protagonistas. El cuerpo de baile, en cada uno de los cuatro actos de esta poética y apasionada historia supo contarla a través de un relato íntimo y conmovedor. Ashley Murphy-Wilson mostró su musicalidad y precisión en el pas de trois del primer acto junto con Ayano Kimura y Ariel Martínez. Por otra parte, los intérpretes de las danzas de carácter del tercer acto no sólo pusieron un toque vital y fresco, sino que también mostraron precisión y buena técnica.

A esta puesta se sumó un detalle primordial: la Orquesta de TWB en vivo, dirigida de manera excelente por Charles Barker.

Es cierto que la pandemia dejó sus marcas. Pero no caben dudas de que se trata de un “volver a empezar”.

Bailarinas de TWB en “Lago de los cisnes”, ballet que se presenta hasta el domingo en el Kennedy Center. Foto: xmb Photography. Gentileza TWB.

Bailarines de The Washington Ballet, Adelaide Clauss y Gian Carlo Perez protagonizan “Lago de los cisnes”. Fotos: ©ProcopioPhotography. Gentileza TWB.

“Presentar ‘Lago de los cisnes’, el icónico ballet que posiblemente sea la columna vertebral de este arte es un momento muy emocionante para The Washington Ballet (TWB) -dijo Julie Kent, directora de la compañía-. Esta producción es el siguiente paso, lógico, en la construcción del repertorio. Todos los ballets románticos que hemos presentado en los últimos años como “Giselle”, “Les Sylphides”, “La Bella Durmiente”, han preparado a nuestros bailarines para este preciso momento”.

El Washington Ballet estrenará la esperada puesta de “Lago de los cisnes”, del 9 al 13 de febrero en el Eisenhower Theater del John F. Kennedy Center for the Performing Arts de Washington DC. Una producción cuyo estreno en 2020 se postergó por el comienzo de la pandemia del Covid-19, cuyas restricciones aun siguen afectando el mundo de las artes escénicas.

Con puesta en escena y coreografía de Kent y Victor Barbee, director artístico asociado, la producción marca el regreso triunfal de la compañía al escenario del Kennedy Center. Con la poderosa partitura de Piotr I. Tchaikovsky, la trágica historia de amor de la etérea princesa cisne Odette y el príncipe Sigfrido promete magia, intriga, melancolía y suspenso.

Con coreografía original de Marius Petipa y Lev Ivanov, Kent y Barbee adaptaron este clásico, basándose en sus años de experiencia y en las notaciones de Vladimir Stepanov. Así como también, en una meticulosa investigación que contó con la asistencia de la becaria en residencia de TWB, Natalie Rouland. Completan esta puesta un vestuario y un diseño escénico especial, que cuenta con orquesta en vivo dirigida por el director Charles Barker.

La compañía dirigida por Julie Kent incorpora a su repertorio una nueva versión de “Lago de los cisnes”. Fotos: ©ProcopioPhotography. Gentileza TWB.

“Cuando nos encerramos hace dos años, ninguno de nosotros podía predecir lo que seguiría: la incertidumbre existencial, la pérdida de oportunidades, la pérdida de la unión que es la esencia de la actuación en vivo. Pero TWB se comprometió a seguir adelante, juntos y, a menudo, de manera innovadora. Ahora estamos al borde de marcar un hito artístico importante: nuestro propio ‘Lago de los cisnes’”, reflexionó la directora artística.

George Balanchine y Francis Mason en “101 Stories of the Great Ballets” describieron la trama desde un punto de vista sutil y particular. “La heroína de ‘Lago de los cisnes’ es una princesa de la noche; ella es toda magia, una criatura de la imaginación. Es la reina de los cisnes, un hermoso pájaro, excepto entre la medianoche y el amanecer, cuando el misterioso hechicero Von Rothbart le permite convertirse en una bella mujer. En el mundo del cielo y del agua se siente como en casa, pero en el mundo real, donde el romance es posible, parece estar irremediablemente perdida. El gran amor que llega a tener por un príncipe mundano está condenado desde el principio; ella no tiene control sobre su destino”.

La temporada 2022 de TWB continuará en la primavera con “Giselle” (del 28 de abril al 3 de mayo en el Warner Theatre) y NEXTsteps (del 22 al 26 de junio en el Sidney Harman Hall) con nuevas obras de los coreógrafos Brett Ishida, Mthuthuzeli November y Jessica Lang. A su vez, y fuera de escena, la compañía presentará Dance for All (del 21 de marzo al 8 de abril), una serie de eventos y experiencias gratuitos que se reslizarán en los ocho distritos de la ciudad.

Funciones:

The Washington Ballet presenta “Lago de los cisnes” en el Eisenhower Theater del Kennedy Center
Coreografía sobre la original de Marius Petipa y Lev Ivanov de Julie Kent y Victor Barbee
Música de Pyotr Ilyich Tchaikovsky
The Washington Ballet Orchestra, Charles Barker
Vestuario cortesía de Ballet West
Escenografía y vestuario: Peter Cazalet
Iluminación: Brad Fields

 Miércoles 9 de febrero a las 20 h.

Jueves 10 de febrero a las 20 h.

Viernes 11 de febrero a las 20 h.

Sábado 12 de febrero a las 14 h.

Sábado 12 de febrero a las 20 h.

Domingo 13 de febrero a las 14 h.

www.washingtonballet.org

Salud y Seguridad
Para todas las actuaciones, TWB ha instituido varias políticas de salud y seguridad de COVID-19, incluida la prueba de vacunación para todos los espectadores mayores de 12 años, así como el requisito universal de usar de mascarillas.

Cisnes masculinos reeditan la trama de “Swan Lake” en esta versión de Matthew Bourne y su compañía New Adventures en Washington DC. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Sumido en un extraño sueño, el príncipe alcanza a ver un maravilloso cisne, un ser de imponente belleza masculina, fuerte, sensual, agresivo, salvaje. Una suerte de figura opuesta a ese ser timorato que no se anima a descorrer las barreras de los prejuicios. Al despertar, vuelve a su rutina sofocante, a una madre devoradora y a una sociedad superficial y arrogante.

Estrenado en Londres en 1995, este “Lago de los cisnes” del inglés Matthew Bourne, no sólo ha batido récords de representación en todos los escenarios del mundo, sino que es una de las obras que más premios recibió desde su estreno. Casi al final de su gira 2019-2020 la compañía New Adventures regresó al Kennedy Center de Washington DC con esta ya clásica versión de “Swan Lake”.

Con una fuerte impronta psicológica que no escapa a la crítica de una sociedad banal, el coreógrafo inglés se anima a mostrar un caleidoscopio de intrigas, tendencias sexuales y promiscuidades para retratar este mundo contemporáneo. Siempre, y con su estilo, aparecen el humor irónico y cierta cuota de cinismo y crueldad. El vestuario –bello y ocurrente– y la escenografía de Lez Brotherston, encuentran el toque justo para esta puesta que replantea desde otra óptica la historia de la princesa-cisne.

Si en algo se parece este “Swan Lake” al creado en 1877 por Marius Petipa, es que mantiene la música de Piotr I. Tchaikovsky y la dualidad del personaje central, con el doble rol de Cisne-Extranjero (Odette-Odile), asumido magníficamente en la noche del estreno en Washington por Max Wetswell. Aquí, el cisne masculino, seguido por un séquito de cisnes, también masculinos, aunque no se hace referencia a ningún tipo de hechizo como el de Rothbart.

Max Westwell, de New Adventuers, es el cisne y el extranjero en “Swan Lake” que se presentó del 21 al 26 de enero en el Kennedy Center. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

De esta forma, es el personaje del Extranjero, el que representa a Odile (el cisne negro) en el tercer acto. Casi un psicópata, voraz y ambiguo, que seduce a la madre del príncipe y al resto de los invitados a la fiesta del palacio, mientras el príncipe cae destrozado por su indiferencia y desprecio.

Wetswell, un bailarín que logra una particular violencia animal en su personaje, le impone un toque vibrante a ese cisne con el que sueña y en donde se refugia ese príncipe atormentado. Impecables equilibrios y saltos ajustados se contraponen en el tercer acto donde predomina lo contemporáneo y la danza-teatro. En ambos roles, Wetswell logra captar la esencia de cada personaje.

James Lovell, el príncipe, hace una excelente y conmovedora composición. Muestra sus fantásticas condiciones de bailarín especialmente durante el segundo, en un pas de deux intenso con Wetswell. Su actuación e interpretación son impecables.

En estas intrincadas relaciones también se mezcla la ambigüedad y el incesto entre el príncipe y su madre. El joven debe enfrentarse a una madre promiscua y distante, interpretada con absoluta solvencia por Nicole Kabera. Perfecta en su rol y con un alto nivel técnico como bailarina.

Bourne intercala el drama con la sátira de manera magistral. En medio de esta parodia a la monarquía contemporánea en la que la realidad supera la ficción, aparece la “novia/pretendiente/aspirante a”, una suerte de “prostituta” arribista, Katrina Lyndon, que intenta infructuosamente conquistar al joven casadero. Delicioso trabajo, con marcados estereotipos que lindan con una comicidad descollante.

Desorientado, en el segundo acto, el príncipe trata de calmar su desasosiego con un intento de suicidio y, contrariamente a la trama de Petipa, el salvador resulta ser salvado por el cisne, quien le renueva su deseo de amar y de vivir. Con bellas escenas, una compañía sólida e intérpretes excelentes, el lago se transforma en un espacio mágico, no sólo por la trama, sino desde el punto de vista visual. Cisnes sudorosos, salvajes, majestuosamente masculinos acorralan al príncipe y lo sumergen en su propio hechizo.

Sin embargo, esa ilusión desbordante provocada por el encuentro se quiebra abruptamente en el tercer acto en la escena de la fiesta del palacio con la llegada del extranjero. Lasciva, por momentos, la escena adquiere una fuerte dosis de cinismo y sarcasmo mientras el pas de deux entre el príncipe y el extranjero provoca el desenlace final.

Tendido en su enorme cama, desolado e insomne, el príncipe cae en su última y desesperada pesadilla en la que los cisnes invaden su habitación y lo destruyen. Un desgarrador final, violento y cruel.

Matthew Bourne hace referencia a las actuales monarquías en su versión de “Swan Lake” creada en 1995. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

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The Royal Ballet realizó seis funciones de su flamante recreación de “El lago de los cisnes”, en El Tearro Real de Madrid. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real.

Veinte años han transcurrido desde la última visita de The Royal Ballet de Londres al Teatro Real de Madrid y, para el retorno, la casa británica apostó por su último y reciente éxito: la nueva versión del coreógrafo Liam Scarlett sobre el original de la entente Marius Petipa-Lev Ivanov, “El lago de los cisnes” (1895). El coliseo madrileño acogió seis funciones del clásico convertido en todo un icono sinónimo de ballet, gracias a las que la formación presentó un amplio abanico de elencos protagonistas, destacando las representaciones inaugural y de clausura, a cargo de la argentina Marianela Núñez y del ruso Vadim Muntagirov.

The Royal Ballet consiguió agotar las entradas de todas las veladas y, sobre todo, convirtió su espléndida apuesta en todo un evento cultural imprescindible en el verano madrileño. Versiones sobre “El lago de los cisnes” del tándem Petipa-Ivanov ha habido, hay y habrá muchas a lo largo de la historia de la danza, pues es un reto para cualquier coreógrafo intentar ofrecer su punto de vista sobre una de las obras referenciales del gran repertorio clásico. El director del Royal Ballet, Kevin O’Hare deseaba contar con una producción del clásico para la actual generación de la casa británica con la cual renovar la versión de Anthony Dowell (1987), que llevaba treinta años en el repertorio del Royal Ballet. Por ello, encargó al coreógrafo en alza Liam Scarlett su propia lectura, estrenada con éxito el pasado mes de mayo. El creador inglés clarifica el perfil de algunos personajes de la trama e intenta humanizar al malvado Von Rothbart, y mantiene la estructura tradicional de la obra, con sus cuatro actos, siendo su especial aportación una reelaboración del último, menos gótico y más narrativo.

Marianela Núñez y Vadim Muntagirov, bailarines de The Royal Ballet, fueron los protagonistas de la primera y última noche de “El Lago de los cisnes”. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real

Otra de las innovaciones consiste en situar el primer y tercer acto, en la época victoriana, a finales del siglo XIX. Firmada por John Macfarlane, la impecable producción de vestuario y escenografía transporta al espectador a la corte inglesa decimonónica y, cómo no, al celebérrimo lago en que transcurren los bellísimos actos de ballet blanco. Además, la impronta británica se acentúa con el mantenimiento de la compleja danza napolitana de sir Frederick Ashton, en el tercer acto. Debido a ese especial acento británico, las actuaciones en Madrid suponían, también, una gran prueba de fuego para la obra, al tratarse de las primeras funciones en el extranjero que permitían comprobar la reacción del público foráneo ante esta propuesta, trufada con muchos guiños hacia la cultura británica.

Los papeles protagónicos fueron interpretados en la noche de estreno por la nueva pareja talismán de la compañía británica: Marianela Núñez y Vadim Muntagirov. La argentina está viviendo un momento dulce de su carrera, que se percibe en el aplomo con el que aborda el rol dual de Odette/Odile: profundidad de sentimiento con sus ondulantes aleteos de brazos como Cisne Blanco, frente a seguridad, magnetismo y fuerte técnica en el Cisne Negro. Apodado ‘Vadream’, “porque es un sueño bailar con él”, el ruso es la viva estampa del danseur noble: excelente partenaire, magníficas líneas y límpida técnica, gracias a la que flota en cada salto.

Siempre es de agradecer la música en directo, en este caso, con la inmortal partitura de Tchaikovsky de la mano de Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la batuta de Koen Kessels, gracias a lo que el espectáculo adquirió más empaque. Por encima de una producción impecable hasta el más mínimo detalle, para todo balletómano, disfrutar de un espectáculo de una de las compañías más relevantes del mundo es una ocasión única de puro deleite. En este caso, el completo compromiso por sacar adelante la versión óptima del espectáculo de cada miembro de la casa británica -desde el bailarín de Cuerpo de Baile hasta la estrella- explica el porqué del prestigio del Royal Ballet. Ocho minutos de aplausos con el público del Teatro Real de Madrid en pie sirvieron para certificar el éxito del afamada compañía con “El lago de los cisnes” más británico de los últimos tiempos.

The Royal Ballet subió a escena una renovada puesta de Liam Scarlett de “El lago de los cisnes”, la cual reemplaza la de 1987 de Anthony Dowell. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real

Gabriela Alberti e Iñaqui Urlezaga en “Lago de los cisnes”, obra que subirá a escena el Ballet Clásico Nacional en el Parque Centenario. Foto gentileza BCN.

Entrevista a Gabriela Alberti, primera bailarina del Ballet Clásico Nacional (BCN) dirigido por Iñaqui Urlezaga, maestra del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón (ISA), teatro en el que desarrolló su carrera como bailarina realizando los principales roles del repertorio clásico. Sus próximas funciones son del 2 al 6 de diciembre en Parque Centenario, donde la compañía presentará “Lago de los cisnes”, con entrada gratuita y libre para todo público.

A los 16 ingresó al cuerpo de baile del Teatro Colón por concurso. Desde entonces, durante la carrera de Alberti la municipalidad no volvió a abrir otro, para así hacer posible la movilidad del ballet. Los bailarines no pudieron legitimar lamentablemente entonces los roles que iban ocupando; tal es así que a la bailarina argentina la elegían para bailar en los papeles principales, pero figuraba como cuerpo de baile.

De esta manera, a punto de jubilarse, luego de 30 años como bailarina del ballet del Teatro Colón, se le presenta el problema que no lo puede hacer, conforme a la carrera que realizó. “Ahora tengo que jubilarme y quisiera hacerlo acorde a la carrera que realmente hice:tengo los programas, los videos, las críticas que acreditan que yo realicé una carrera como primera bailarina, entonces no corresponde que me jubile como cuerpo de baile”, expone.

El teatro ofrece a los bailarines también un recurso que se llama “retiro voluntario” pero en una de las cláusulas figura que quienes tomen este retiro no podrán ser contratados por este teatro por cinco años. Alberti desde hace también cinco, trabaja como maestra del ISA, puesto que califica de una “gran responsabilidad porque enseño a las próximas generaciones de bailarines”, dice. Una colega tomó ese retiro voluntario y como resultado trabajó gratis por casi dos años ―lamenta― hasta que le resolvieron la situación. “Si no son los bailarines del Teatro Colón que forman y trasmiten la tradición del ballet¿quién lo va a hacer?”, se pregunta conmovida.

Estilizada, de piernas kilométricas, con un cuerpo muy al estilo Vaganova, ni bien entró al ballet del Teatro Colón, coreógrafos nacionales e internacionales comenzaron a designarle los papeles principales. Su primer protagónico fue con Julio Bocca en “Bayadera”, quien luego la invitó para bailar en su ballet. EldarAliev, director del Ballet de Indianápolis cuando vino a reponer junto a Irina Kolpakova “La Sílfide”, la convocó a formar parte de su ballet en Estados Unidos. Asimismo el English National Ballet le ofreció una beca para estudiar en Inglaterra entre otras varias oportunidades que la bailarina tuvo gracias a su calidad artística.

A pesar de estas ofertas de partir al exterior, en el Teatro Colón estaba haciendo la carrera que ella tanto había soñado y trabajado. Le ofrecían protagonizar roles y hacer obras completas, lo que la motivaba para seguir, sentía que podía desplegarse allí como bailarina y artista. Así que esto, más los años de dedicación y formación en ese teatro, además del amor por el primer coliseo, hicieron que la bailarina decida quedarse. “La cuestión de bailar en el escenario de ese teatro es impagable; por el placer de bailar en el teatro Colón en el que estudié desde los 11 años y que tanta historia y tradición tiene quizás uno soporta injusticias (de tipo administrativas)”, reflexiona.

Cuando vio por primera vez bailar a Maya Plisetskaya “La muerte del Cisne” en televisión supo que era eso lo que quería hacer en la vida: ¡bailar! Enseguida, le dijo a su abuela que quería ser como esa bailarina que veía por la tele. Ante el deseo de la niña, su abuela le regaló unas alpargatitas para que diera sus primeros pasos. A los 11 entró a la escuela de ballet del Teatro Colón a donde durante la mañana estudiaba la carrera de danza y por la tarde, en el instituto privado de Gloria Kazda. “Yo aspiraba a bailar en el escenario del Teatro Colón y llegar a primera bailarina, era un disfrute diario, el deseo que me miren, elijan y poder bailar; cada vez la motivación era mayor y la entrega, más fuerte”.

Como bailarina del Teatro Colón pudo trabajar con maestros, repositores y coreógrafos de la escuela rusa de la que aprendió y siguió, “absorbí como esponja cada indicación de los maestros rusos porque me encantaba la manera de bailar rusa que siempre me pareció muy elegante y refinada. Los port de bras y las cabezas de la escuela rusa son distintivos”. Desde hace diez años conoce a Tatiana Fesenko, actual directora del ISA y ex bailarina del Kirov a donde estudió con Elena Shiripina. “Con ella profundicé muchos los roles blancos y admiro mucho sus brazos, sus manos, para mí son únicos”, se explaya.

Con el Ballet Clásico Nacional

La bailarina se siente agradecida de haber sido llamada para bailar en el Ballet Clásico Nacional (BCN) con el que presenta piezas como “La Traviata” (bailaron en octubre y noviembre con seis funciones en el Teatro Coliseo). “Yo creo que este ballet es una genialidad, Iñaqui es muy talentoso y le gusta crear; tuvo el coraje de tomar clásicos como el “Lago de los cisnes” o el “Cascanueces” y hacer sus propias versiones. No hay muchos que se dediquen a hacer ese tipo de trabajo”, dice entusiasmada.

En estos momentos mantiene su cuerpo con pilates además de su clase diaria de ballet, “doy gracias de poder seguir estando a mi edad en el escenario y que el cuerpo me responda”, dice. Desde hace cuatro años es primera bailarina del flamante BCN, creado en 2013 por el Ministerio de Desarrollo Social de la Nación y que a partir de este año pasó a formar parte del Ministerio de Cultura. “La interpretación arriba del escenario es un placer que me brota, yo lo vivo al personaje, es una metamorfosis que se produce y todo fluye”, señala. Prepara los roles con mucha profundidad y dedicación, “para este rol (el de Violeta, en “La Traviata”) me preparé reparando en la letra de la ópera de Verdi y leí el libro, luego fui buscando al personaje en mí y con el traje, la escenografía, los primeros compases ya estaba metida íntegramente en el personaje. Ese día soy Violeta y no Gabriela”.

En una gira por España con el BCN en 2015 le sucedió algo increíble: los medios dieron la triste noticia del fallecimiento de Plisetskaya (su faro y por quien comenzó a bailar) y como imagen pusieron a la bailarina argentina bailando “La muerte del Cisne”. “No te puedo explicar cuando me di cuenta de que era yo, las lágrimas que me salieron. Es fuertísimo y esa noche yo tenía que bailar ‘La muerte del Cisne’, fue algo muy especial bailar esa pieza cerca de la que fue mi inspiración”.

En “La Traviata”, con coreografía de Iñaqui Urlezaga, Gabriela Alberti encarna a Violeta, la heroína de esta obra. Foto gentileza BCN.

Con Urlezaga tienen mucha química y espera seguir teniendo la posibilidad de continuar interpretando las creaciones de este “genial coreógrafo y creativo, de bailar también otros estilos y expresar con el cuerpo nuevos desafíos artísticos”.

La bailarina desea poder seguir buceando en las profundidades de la danza, que muchas veces, como el bailarín convencionalmente tiene una vida útil de 40 años, muchos deciden cortar definitivamente con la profesión. ¿Qué pasaría si aprovechando la experiencia, la capacidad de movimiento, con la técnica ya inmersa en el cuerpo y la memoria y los conocimientos, se experimentara y desarrollara variedades de piezas artísticas a partir de esta edad?

El caso de Baryshnikov es ejemplificador, él ofrece al público historias y piezas de danza-teatro de calidad para y desde un cuerpo de más de 40.Se contarían otras historias más reales y más allá de las edades acostumbradas de niñas de 15 años o jóvenes casaderas; pero esto es ¡otra historia!

Y como afirma Alberti, a partir de cierta edad ya pesa ponerse una coronita o un tutú y contar una historia de una niña porque la vida pide y está dispuesta a contar otras realidades.“Espero poder seguir expresando la música e interpretando siempre (con y para la danza)”.

“Desde que estoy con Iñaqui es un disfrute tras otro. Lo admiro como coreógrafo”.  Interpretar el rol de Violeta fue todo un desafío ―comenta― porque en el Colón había tenido la posibilidad de realizar todos los roles blancos y menos los de carácter y con una exigencia interpretativa mayor como puede ser Manon por ejemplo. Pero el ballet también presenta los clásicos con coreografía de Urlezaga, este caso el ballet se presentará en diciembre con el Lago de los Cisnes en el Parque Centenario de Buenos Aires. Esta obra encuentra a una Alberti íntegra, con un cuerpo esbelto, una técnica perfecta y una madurez que permite a su arte fluir y brindarse profundamente al personaje.

Ballet con Humor, grupo integrado por bailarines del Ballet Estable del Teatro Colón y del Argentino de La Plata. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza Ballet con Humor.

Este ballet tiene la particularidad de estar compuesto íntegramente por hombres que bailan los roles de mujer y hacen del humor y el disparate, su insignia. “El objetivo es poder transformarle el panorama al espectador, crearle un mundo diferente”, expresó Armando Schettini, bailarín y co-fundador de Ballet con Humor.

Dentro del mundo del ballet, y sobre todo entre varones, en los ensayos con el coreógrafo o maestro de baile presente, entre miradas cómplices, y ante la rigurosidad y exigencias propias del ballet, los bailarines se refugian en el humor.

Cada año, para el día de la primavera, los bailarines y directores se reunían para celebrar. En esas reuniones satirizaban los gags o situaciones comunes del ballet; tal era el éxito de estas representaciones, que se realizaban en el ámbito íntimo entre los miembros del ballet, que la gran ex bailarina del Teatro Colón y en ese entonces subdirectora del Ballet Argentino de La Plata, Esmeralda Agoglia les dijo: “¿Y por qué no llevarlo ante el gran público?”

Fue así como años más tarde, con el impulso de Agoglia, en 1994, nació Ballet con Humor. La compañía está integrada por bailarines del Ballet del Teatro Colón y del Argentino de La Plata.

Además del ballet clásico como “Las cuatro al paso” en la que se parodia a una directora de ballet (el público escuchará en una voz en off una grabación que se le hiciera a la propia Agoglia), se podrá disfrutar de nuevas piezas: Tarantella con coreografía de Jorge Tirigall y una danza española de Carlos Villamayor, entre otras. “Con el cambio de época queríamos presentar un espectáculo más ecléctico para todos los gustos agregando una variedad de danzas”, comentó Schettini.

Cada uno de los integrantes tiene su seudónimo dentro de la compañía, por ejemplo, el del entrevistado que es Uta Gusta Leverbust: “Los bailarines del grupo, al interpretar roles femeninos nos pusimos seudónimos de acuerdo a la personalidad y a las características de cada uno, que las exacerbamos. Yo soy la única ‘bailarina’ alemana del ballet”.

¿Y por qué el nuevo espectáculo se llama Pas Partú? “Porque como un paspartú –afirmó–, el sustantivo de origen francés españolizado simboliza los diferentes estilos que presentan y que se encuentran contenidos dentro de un marco. Al mismo tiempo, la palabra en su forma original: ‘passepartout’, muestra que los diferentes estilos tienen llegada a todos, como una posibilidad de que todo el mundo pueda participar del espectáculo”.

“Se juega mucho con los errores técnicos y actorales: el famoso ‘Pas de quatre’ de ‘Lago de los cisnes’ es ideal para el humor. Este ballet, conocido por su rigurosidad técnica en la cual las cuatro bailarinas deben ejecutar los pasos con exactitud y al mismo tiempo”, dijo. Esta coreografía debe ser realizada sin exageraciones, con riesgo de caer en el ridículo y faltar a lo propuesto por Marius Petipa en su coreografía original. O también se incluye “La muerte del Cisne” dentro del “Lago de los Cisne”, lo cual es algo inusual. Mezclarlo todo: coreografías, historias, compositores… Algo que ya resulta, por cierto, muy cómico.

“Me acuerdo de algo muy gracioso con ‘Giselle’ –comentó–, cuando ella se vuelve loca en lugar de morir como sería en el original, le cambiamos el final y termina matando a la madre, todo tipo de humor existe, en este caso una comedia bien trágica”. Por lo general, ante un posible error en las tablas, en este caso coreográfico, es pertinente que los bailarines disimulen y sigan bailando. La situación de error es perfecta para Ballet con Humor porque lo resaltarán y lo harán más visible, y de forma divertida.

Bailarines

Los bailarines de Ballet con Humor, bailan los clásicos a su manera y rescatan desde “Giselle” has “Lago de los cisnes”. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza Ballet con Humor.

Ángel Gomez: Bella Gamba Di Garza

Leandro Ferreira Morais: Pirincha Escalante / Felecindo Ferreira

Marcelo Torus: Consuelo del Badajo de los Andes Alpinos

Emanuel Estrada: Clarita la Grande / Niki Delabrocha

José Rodríguez: Nucha Del Pompis / Josecito Deloscantos

Armando Schettini: Uta Gusta Leverbust

César Díaz: Perla Nasoforte

Adrián Dellabora: NicoletaDell’Orto

Jorge Alberto: Rosita de los Cerros Norteños / Florindo Flores

Daniel Longo: Perika Longo

Adrián Seijas: NachaAnorex

Martín Quintana: TinGrangenio

Miguel Moyano: Torcacita Herrera  

Ficha técnica

Asistencia de Dirección y Coreográfica: Ángel Gomez – Marcelo Torus

Maestro de Baile: Jorge Tirigall Vestuario: Vanina Borda – Mara Ombrao – Andres Barrios – Jorge Tirigall

Fotografía: Carlos Villamayor – Arte

Musicalización: Jorge Tirigall – Gustavo Cusnier

Producción Ejecutiva: Gustavo Cusnier – Cecilia Bulotta

Dirección General: Adrián Dellabora

Marcelo Gomes interpretará a Julian Craster en la producción de “The Red Shoes” de Matthew Bourne en el Kennedy Center. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Un conde, un príncipe, un villano, un hechicero, un joven enamorado capaz de morir de amor y por amor… Marcelo Gomes hace historia en el mundo del ballet. El bailarín que formó parte de la transición entre dos siglos en los que la danza fue cambiando sus perfiles. Aún siendo un niño, allá en Manaos, la capital del estado de Amazonas, en el Norte de Brasil, donde nació, la danza comenzó a formar parte de su vida. Su destino: Río de Janeiro. Luego, el mundo. A los 18 años, en 1997, después de ganar el Prix de Lausanne, ingresó al American Ballet Theatre (ABT) como miembro del cuerpo de baile, y en cinco años pasó de solista a principal. En la compañía, fue uno de los grandes partenaires de Paloma Herrera y de Julie Kent. Se llevó el Benois de la Danse en 2008, y desde hace un par de años se lanzó al desafío de ser coreógrafo.

Actor indiscutible, Gomes llega a DC, esta vez, con New Adventures para protagonizar “The Red Shoes” en el Opera House del Kennedy Center de DC desde el 10 al 15 de octubre. Esta producción del británico Matthew Bourne fue estrenada en 2016, y se basa en el célebre film del mismo nombre creado por Michael Powell y Emeric Pressburger de 1948, sobre el cuento de Hans Christian Andersen. Los protagonistas de aquella película memorable fueron Moira Shearer, Anton Walbrook, Marius Gorin, Robert Helpman, Leónide Massine y Lurdmila Tchérina, entre otros.
Sin embargo, esta no es la primera vez que Gomes es bailarín invitado de la compañía dirigida y fundada por Bourne. Antes, pasó por “Carmen” y “Lago de los cisnes”. Ahora, luego de cinco shows con “The Red Shoes” en Los Ángeles, se prepara para una larga gira con esta obra.

Marcelo Gomes y Julie Kent en “Manon”, producción del ABT. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT. Archivo Danzahoy.

Danzahoy: ¿Cómo surgió esta posibilidad de trabajar con Bourne en este ballet?
Marcelo Gomes: Trabajé con Matthew (Bourne) en dos producciones anteriores, y esta vez me llamó para hacer “The Red Shoes”. Es un maravilloso director y un coreógrafo talentoso. Me siento feliz de formar parte de esta obra y de cubrir un rol que es diferente a los que hago habitualmente. Trabajar con él me permite explorar aun más en mi trabajo de actuación, y eso es un desafío importante porque lo que él pide de los artistas es contar una historia, no hacer piruetas. Aquí hago cosas que nunca hice antes, como por ejemplo, tocar el piano.

D: ¿Cuáles son los puntos de esta historia que le llaman más la atención?
MG: Es una pieza intrigante que habla sobre la historia de una bailarina que trata de encontrar un camino para su vida, que intenta descubrir hacia dónde va su carrera. Y es necesario que uno se haga esa pregunta porque ese dilema constante forma parte de la vida de un artista. Todos nos cuestionamos y nos planteamos lo mismo en todo momento de nuestra carrera.

D: ¿Dónde se establecen las diferencias entre el film protagonizado por Moira Shearer y esta creación de Bourne de 2016?
MG: Matthew es increíble, su imaginación y su creatividad hacen que sea un “master” del teatro. Esta producción se parece bastante al film, con algunos cambios y otra perspectiva. No solo es hermosa sino que es muy desafiante tanto para el artista como para la audiencia porque hace un juego de ida y vuelta entre la realidad y la ficción. Al espectador le permite pensar y comparar entre el mundo real y lo que cada uno haría en circunstancias similares. Y de alguna manera, esta producción deja a cada uno con interrogantes por resolver.

D: Como artista y como persona, ¿qué es lo que más rescata de ambas producciones?
MG: Prefiero verla en vivo. Vi el video, pero no pude percibir las emociones. En la producción de Matthew se hace mucho énfasis en la actuación. Cuando vi la obra por primera vez me movilizó mucho. Es trágica, y la protagonista no puede resolver su conflicto. Está inspirada en la película, pero Matthew hizo mucha investigación sobre el ballet y la creación de un ballet, y explora mucho sobre ese tema. Si bien se asemeja bastante a la línea argumental de la película, hay algunas diferencias. Por ejemplo, el ballet master es casi un gigoló.

D: ¿Cómo compatibiliza entre el ABT y esta gira con New Adventures?
MG: Después de estar 20 años con ABT y de trabajar con distintos coreógrafos, esta oportunidad es una bendición para mí. Esta será la primera temporada de otoño en la que no bailaré con la compañía porque estaré en tour con New Adventures. Esta experiencia, sin duda, me hace mirar mis roles tradicionales de otra forma, desde otra perspectiva, y me permite crecer como artista. Kevin McKenzie, el director del ABT, me da permiso para hacer esto porque forma parte de la formación del bailarín.

D: ¿Y cuáles son sus perspectivas como coreógrafo?
MG: Estoy haciendo un nuevo ballet para el Sarazotta Ballet y para el próximo año, estrenaré con el Washington Ballet. Desde luego, crear nuevas coreografías me entusiasma. Me gusta estar del otro lado y ser quien inspira a otros bailarines.