Aran Bell y Devon Teuscher del American Ballet Theatre en la escena del balcón de “Romeo y Julieta” de Sir Kenneth MacMillan. Fotos: Rosalie O’Connor.

Sir Kenneth MacMillan, un minucioso narrador de historias y un mago para delinear personajes complejos, creó “Romeo y Julieta”, con música de Sergei Prokofiev, para una de las parejas memorables en la historia del ballet. En 1965 la pieza, basada en la obra de William Shakespeare, subió a escena en Londres interpretada por el Royal Ballet con Margot Fonteyn y Rudolf Nureyev en los papeles principales. Veinte años más tarde, el American Ballet Theatre (ABT) incorporó esta obra en su repertorio.

Hoy, en el año de las celebraciones del cincuentenario del Kennedy Center de Washington D.C., la compañía volvió con este clásico del siglo XX. Del 15 al 19 de febrero, con dirección de Susan Jaffe, presentó elencos diferentes en cada una de las siete funciones. Un vestuario suntuoso y una escenografía deslumbrante, ambas de Nicholas Georgiadis, envuelven una historia de amor adolescente, apasionada y trágica. Sin dudas, este ballet lleva el sello indiscutible del coreógrafo: una trama bien narrada y resoluciones coreográficas de una enorme intensidad en las que, a través del movimiento, devela los conflictos internos de los personajes.

Si bien la compañía y el cuerpo de baile cubrió maravillosamente las escenas de esta obra compleja, cada función tuvo su impronta personal. En la noche del estreno, el 15 de febrero, los protagonistas de los roles principales fueron Aran Bell y Devon Teuscher, dos bailarines que lograron captar la esencia de los personajes y mostraron una buena formación. A medida que avanzaba la trama y los conducía al dramático final, ambos fueron dejando aparecer a sus personajes. Teuscher, una bailarina delicada, con gran musicalidad, compuso una Julieta atractiva y fresca en su amor juvenil, con largas extensiones y delicados brazos.

Mercucio (Carlos González) y Benvolio (Joseph Gorak), los amigos de Romeo, lograron cautivar con sus actuaciones desinhibidas, graciosas, y especialmente dramáticas en el momento de la muerte de Mercucio, el nudo crucial de este drama.

Herman Cornejo y su Romeo

Herman Cornejo interpretó a Romeo en la función del viernes 17 de febrero en el Kennedy Center. Fotos: Rosalie O’Connor.

El viernes 17, el argentino Herman Cornejo fue Romeo. Un bailarín cuyo magnetismo en escena adquiere dimensiones impredecibles. Temperamental y a su vez impecable en su técnica, Cornejo es de esos bailarines que cuando salta parece que una mano invisible lo sostiene y lo deja caer como si acariciara el suelo. Frasea como su propia respiración, a tempo, mientras se lanza por los aires, gira y se desliza, intrépido y avasallante. Su Romeo es encantador y tierno y, al mismo tiempo, logra tocar el dramatismo necesario para las escenas que van desencadenando el final. Su musicalidad capta el ritmo de una compleja partitura y es allí donde surgen el artista y la magia.

Un excelente partenaire, capaz de contener a su bailarina y sacar lo mejor de ella. Al igual que en las escenas callejeras, especialmente con Luciana Paris, la más dinámica de las tres rameras, Cornejo logra desplegar una energía que se percibe desde la platea.

Un maravilloso y vibrante trío compone con sus amigos Mercucio (Tyler Maloney) y Benvolio (Luis Ribagorda). Los tres, subyugan en todas las escenas por su gracia, su atletismo y su perfección técnica.

Julieta, Cassandra Trenary, una bailarina interesante que va desarrollando su personaje con acierto, es infantil, cristalina y chispeante, hasta que luego su semblante se va transformando.

En ambas funciones, la inefable Susan Jones como la nodriza. Adorable desde el primer momento que aparece en escena, en un rol que compone con su maestría habitual y se queda pegada en el corazón del espectador. Mientras, las imágenes de “Romeo y Julieta” quedan pegadas en la retina y los compases de la música reiteran ese drama de amor que se repite a lo largo de los siglos.

American Ballet Theatre en el Kennedy Center de Washington D.C presentó “Romeo y Julieta”. Fotos: Rosalie O’Connor.

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Yansiel Pujadas y solistas del BNC interpretaron “Poema del Fuego”, de Alberto Méndez, estrenado en 1983 por Jorge Esquivel. Fotos cortesía BNC.

El baluarte cubano de la danza académica, el Ballet Nacional de Cuba, nos entrega la primera temporada post-Alicia Alonso –la sempiterna prima ballerina assoluta y cofundadora–, ahora con la primera bailarina Viegnsay Valdés con la responsabilidad plena como directora artística (no obstante, en los programas de mano aparece aún con el prefijo “sub”), en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana que lleva el nombre de la eximia Alonso, recientemente despedida físicamente con todos los honores populares y oficiales.

En dos atractivos y optimistas programas, el BNC nos permitió valorar una acertada elección de títulos, ora por su variedad de estilos ora por sus novedades creativas. En sucesivos fines de semana, presentaron dos estrenos y tres reposiciones, debidos a destacados coreógrafos con evidentes valores ideo-estéticos, pero de generaciones y culturas disímiles. Algo que considero de suma importancia para el enriquecimiento formativo profesional de un cuerpo de baile -en el presente- mayoritariamente integrado por jóvenes que apenas superan la veintena.

Entre las reposiciones pudimos disfrutar la exhumación de una admirada pieza del coreógrafo cubano Alberto Méndez, actual asistente de la dirección artística-, como es el caso de “Poema del Fuego” inspirada por la música homónima de Alexander Scriabin. Este ballet en un acto fue estrenado en 1983, y en el rol principal figuraba el estelar bailarín Jorge Esquivel. Después de su defección de la compañía, nunca más se repuso esta obra. Actualmente, la obra se reciente por la carencia de un bailarín que supere tal referencia, con la alternancia de dos bailarines del cuerpo de baile con biotipos distintos asumieron con fuste y sólida técnica al dios mitológico del fuego, empero sin la madurez interpretativa requerida. Ciertamente, algunos ballets centrados e inspirados por un bailarín o bailarina “fuera de serie”, es mejor dejarlos dormir hasta que aparezca ese ser irrepetible (recordemos aquellos creados para Nijinsky, y los guiños al “Apolo” de George Balanchine)

Luego, retornó “Celeste” (2014), de la coreógrafa colombo-belga Annabelle López-Ochoa, ballet neoclásico coral inspirado por el Concierto para violín y orquesta en Re mayor de P. I. Tchaikovsky, para tres parejas solistas y reducido cuerpo de baile, donde el vestuario y el diseño de luces nos transporta a un mundo azul celeste. Esta creación para la compañía fue posible gracias al apoyo del British Friends of BNC.

Del coreógrafo brasileño Ricardo Amarante se presentó “Love, Fear, Loss”, ballet de estilo neoclásico ejecutado al piano por Marcos Madrigal. Fotos cortesía BNC.

Para la semana siguiente, acometieron la valiente tarea de reponer uno de los emblemáticos títulos de danza académica en el repertorio activo, con el rigor estilístico que requiere esta joya del ballet del siglo XX, precursor de la modernidad, “Las sílfides” (1907) –también conocido como “Chopiniana”- en un montaje de Alicia Alonso según la versión original de Mikhail Fokine (como ella misma ha revelado, trabajó en el ABT con el autor en 1942, poco antes de su muerte). El propio Fokine emprendió cambios para una reposición de 1908 (entonces fue rebautizado en francés como “Réverie Romantique”, siempre con música de Chopin), para convertirlo en un ballet sin argumento, pero cargado de símbolos y “con un estilo de profundo lirismo, alejado de todo amaneramiento…”.

La orquesta sinfónica del GTHAA estuvo en el foso bajo la dirección del maestro Giovanni Duarte con un soporte musical ajustado a las circunstancias. El poeta fue encarnado con sobriedad y justeza por el primer bailarín Rafael Quenedit, con una Anette Delgado estilísticamente modélica, arropados por una sobrevalorada ejecución del cuerpo de baile femenino. En no pocos momentos provocó el aplauso merecido de la audiencia.

Dos coreografías por autores foráneos recibieron sendos estrenos por el BNC, y fueron bailados en dos fines de semanas por elencos alternantes. Estas piezas, de disímiles culturas y escuelas de ballet, contribuyeron a elevar la temperatura en el entusiasmo del numeroso público que colmó a tope el hermoso coliseo de la capital (en su medio milenio de fundación). En lo fundamental se debió a la entrega artística de los elencos debutantes: ambas eran demandantes de talentos interpretativos que fueran más allá de las demostraciones del virtuosismo técnico. Estas novedades los obligaba a salir de su zona de confort.

Para abrir la segunda parte del programa, vino Love, Fear, Loss (2012), del coreógrafo brasileño Ricardo Amarante (responsable igualmente del vestuario y las luces). Es un ballet para tres parejas, de estilo neoclásico e inspirado en la vida de la gran cantante francesa Edith Piaf (1915-1963), así como en sus “antológicas interpretaciones de tres obras que, de alguna manera, son fiel reflejo de su trágica vida amorosa”. Esta pieza (deudora de otros referentes creados por Jerome Robbins), tuvo su premier en 2012 por el Ballet Real de Flandes, en Amberes, y por cuya creación recibió el premio de la Asociación Francesa de la Danza. Su estreno cubano tuvo un IVA en el soporte musical, pues contó con la privilegiada ejecución al piano en escena de Marcos Madrigal considerado uno de los más talentosos músicos cubanos de su generación del siglo XXI, residente en Italia actualmente. Ejecutó con pasión y rigor las transcripciones para piano realizadas por Natalia Chepurenko, que incluye temas de Jacques Brel, Charles Dumont y de la propia Piaf. Hubo distinguidas interpetaciones, como las de Chanell Cabrera y Sadaise Arencibia, pero la más descollante interpretativa y técnicamente fue la pareja formada por Claudia García y Adrián Sánchez (el auditorio los gratificó en pie).

Para el cierre, llegó el plato fuerte de la noche: el celebrado ballet “Concerto DSCH”, del coreógrafo ruso-norteamericano Alexei Ratmanski, que fuera creado originalmente para el New York City Ballet en 2008, inspirado en el Concierto para piano, No.2 en F mayor, Opus 102, del afamado compositor ruso Dimitri Shostakovich. Dado el éxito conseguido por esta obra, ya ha ingresado en los repertorios de otras grandes compañías: Ballet del Teatro alla Scala de Milán, en 2012, y el Ballet del Teatro Mariinski de San Petersburgo, en 2013.

La entrada de esta obra, en 2019, en el vasto repertorio del BNC resulta un acontecimiento significativo, entre otras cosas, porque es el primero bajo la dirección artística de Viengsay Valdés (que baila en él, como solista), así como primero después de la desaparición física de Alicia Alonso.

En segundo lugar, porque constituye un reto para los noveles bailarines de la compañía, ya que se enfrentan al estilo muy particular de Ratmaski; por sus atrevidas audacias dentro del neoclasicismo balanchiniano, donde lo abstracto se funde con “sutilezas y sugerencias” narrativas, donde transpira el optimismo y la euforia al bailar.

Si la construcción de sus bailes son totalmente diferentes, los aficionados al ballet podrían hallar claras referencias con “Concerto” (1966) del inglés Kenneth MacMillan (particularmente en el movimiento lento), así como derivaciones de otro maestro predecesor, George Balanchine, en su canónico “Ballet Imperial”, de 1941, actualmente conocido como “Tchaikovsky Piano Concerto No.2”, al utilizar a dos primeras bailarinas y tres solistas masculinos, quienes bailan todos en sucesivos episodios del primer movimiento. Ratmanski aprehende recursos de sus precursores, empero en tanto que un maestro, los recrea con libertad y frescura.

Es evidente que domina las formas puras del ballet académico, mas también nos muestra fuertes elementos de lo que popularmente calificamos como danza de carácter o démi carácter. Además, no abandona importantes aspectos de la caracterización en las interpretaciones dramáticas.

El final de “Concerto DSCH” se convierte en un despliegue abrumador de círculos por separado y de giros como un tornado por parte de la bailarina principal, a la vez mezclados con espectaculares saltos. No obstante, es necesario señalar que los bailarines del cuerpo de baile no son grupos de mero apoyo o reflejos multiplicados de los solistas: ellos se manifiestan como sus “partners”. Fue una participación esencial como ensayador del destacado bailarín español Joaquín de Luz, que formó parte del elenco original de esta obra como miembro del NYCBallet, y en el presente es director artístico de la Compañía Nacional de Danza de España.

El desempeño del elenco cubano estuvo a gran altura, por su brillantez y el poderío técnico, particularmente las primeras bailarinas Anette Delgado, Gretel Morejón y Viengsay Valdés, el primer bailarín Dani Hernández, así como los solistas: Diego Tápanes, Narciso Medina o Chanell Cabrera, con apoyo eficiente del cuerpo de baile mixto.

Para esta producción el BNC obtuvo el generoso patrocinio de la Cuban Artists Fund y de la American Girls for Cuban Dance, con sede en los estados Unidos.

“Concerto DSCH”, del coreógrafo Alexei Ratmanski, tuvo como solistas femeninas a Anette Delgado, Gretel Morejón y Viengsay Valdés. Fotos cortesía BNC.

El domingo 23 Iñaki Urlezaga junto a la bailarina del Royal Ballet de Londres Lauren Cuthbertson, luego de la función de “Romeo y Julieta”, en la versión de Kenneth MacMillan. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza TC.

El domingo 23, en la penúltima función de “Romeo y Julieta”, Iñaki Urlezaga deslumbró por última vez al público del primer coliseo, luego de haber estado en escenarios internacionales durante más de 25 años.

Al finalizar la función, en medio del cariño interminable de todos sus compañeros y ante una sala llena que aplaudió y ovacionó de pie hasta el final, Urlezaga se despidió bajo una lluvia de pétalos que dio paso a la entrega de seis ramos de flores. El primero de ellos, llegó a través de la Directora General del Teatro Colón, María Victoria Alcaraz; el Segundo, por parte del Director General Artístico y de Producción, Enrique Arturo Diemecke y el tercero, fue el de Paloma Herrera, actual Directora del Ballet Estable. Luego siguieron sus sobrinas Antonia y Esmeralda, y tras ellas, Mariano Toffi, vestuarista durante todo el transcurso de la carrera del bailarían, y el sexto y último, se lo entregó su maestra Lilian Giovine.

Urlezaga comenzó su carrera profesional en 1991 como Primer Bailarín del Teatro Argentino de La Plata, y en 1993 ingresó por concurso al Teatro Colón en roles protagónicos. En 1995 invitado por Anthony Dowell formó parte del Royal Ballet de Londres como Primer Bailarín de la compañía. En 2005, invitado por Ted Brandsen, se unió como Principal Guest Dancer al Het National Ballet. Debutó en abril de 2006 con “El lago de los cisnes” y se presentó en las temporadas de la compañía en el Het Muziektheater Opera House.

“Romeo y Julieta”, ballet en tres actos con música de Sergei Prokofiev se presentó desde el 18 hasta el 25 de septiembre con diferentes elencos (Iñaki Urlezaga y Lauren Cuthbertson). Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

Su trabajo como coreógrafo comenzó en 2003 con versiones de clásicos como “Sylvia”, “El Cascanueces”, “El lago de los cisnes”, “Raymonda”, “Romeo y Julieta”, y también, de “Cuentos de Chopin” o “La Traviata”. Bailó como Primer Bailarín en el Teatro Mariinski, Teatro Bolshoi, Metropolitan de New York, NK Hall de Tokio, y Alla Scalla de Milán entre otros.

La función despedida se trasmitió en vivo a través de www.teatrocolon.org.ar. La clásica pieza romántica basada en la obra de William Shakespeare tuvo la reposición coreográfica de Susan Jones y Clinton Luckett, con dirección musical del maestro Enrique Arturo Diemecke al frente de la Orquesta Estable del Teatro Colón.

Con música de Serguei Prokofiev, “Romeo y Julieta” se estrenó en 1938 en Brno, Checoslovaquia, donde fue muy bien recibido. Le siguieron el estreno ruso en 1940 en el Kírov, y en 1946 en el Bolshói. Este ballet en tres actos con coreografía de Kenneth MacMillan se presentó desde el 18 hasta el 25 de septiembre con diferentes elencos integrados por Macarena Giménez, Lauren Cuthbertson, Emilia Peredo Aguirre y Camila Bocca en el rol de Julieta, y Juan Pablo Ledo, Urlezaga y Maximiliano Iglesias encarnaron a Romeo.

Iñaki Urlezaga comenzó su carrera como Primer Bailarín del Teatro Argentino de La Plata, y en 1993 ingresó al Ballet Estable del Teatro Colón. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

La premiada como Mejor Bailarina Alicia Amatriain y Jason Reilly, del Stuttgart Ballet, interpretaron un fragmento de “Un tranvía llamado deseo”, de John Neumeier. Fotografía gentileza de Jack Devant.

Finalizada la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse y con apenas una breve pausa, comenzó en el Teatro Bolshoi de Moscú la tradicional gala de nominados. De entrada, puede resultar extraño que los participantes intervengan en el espectáculo con los galardones ya entregados. De esta manera, habrá quien esté eufórico por contar con un Benois –considerado el ‘Óscar’ del ballet- en su camerino y quien se haya quedado con las manos vacías. Dividida en dos partes y con una duración de tres horas, la gala de nominados desplegó un amplio abanico de posibilidades interpretativas sobre el escenario del mítico Bolshoi.

Como si el ballet quisiera volver sus orígenes cortesanos, un sexteto de bailarines del Mariinsky Ballet presentó un fragmento de “Divertissement of the King”, coreografía del nominado Maxim Petrov, sobre la música del compositor barroco francés Jean-Philippe Rameau. El contrapunto a los modos y maneras versallescas, llegó de la mano del dúo de “Carmen”, obra creada para la Compañía Nacional de Danza, por Johan Inger, premiado como mejor coreógrafo. Acostumbrado a propuestas más clásicas, quizás el público se sorprendió por este fragmento interpretado con solvencia por Emilía Gisladöttir y Daan Vervoort (CND). La escena “Tears” de la obra “Emperor Yu Li”, con coreografía del nominado Zhang Yunfeng y bailado por Hu Yuting y Sun Ke (Beijing Dance Academy), se alargó en exceso, para dar pie al dúo de “Cinderella”, creado por el nominado Mauro Bigonzetti, e interpretado por Virna Toppi y Christian Fagetti (La Scala de Milán). Al volver el clásico a escena con un paso a dos de “Giselle”, protagonizado por la nominada Rebecca Bianchi y su partenaire Claudio Cocino (Ballet de la Ópera de Roma), los espectadores demostraron su preferencia por ese estilo, ratificada con el “Tchaikovsky. Pas de deux”, bailado por Emily Slawski y Dmitry Zagrebine (Real Ballet de Suecia).

Oxana Skorik y Philipp Stepin, del Mariinsky Ballet de San Petersburgo, bailaron el clásico “Sylvia”, con el que finalizó la gala de nominados en el Teatro Bolshoi, el 17 de mayo. Fotografía gentileza de Jack Devant.

La primera parte se clausuró de manera impactante por la flamante Benois de la Danse a la ‘Mejor Bailarina’, Alicia Amatriain (Stuttgart Ballet), quien junto a su partenaire Jason Reilly, pusieron el corazón en un puño al espectador por su soberbia interpretación de la durísima escena de la violación a Blanche DuBois, extraída de “Un tranvía llamado deseo”, coreografía del también galardonado John Neumeier. Dramatismo puro en el punto de inflexión de la obra que, sin embargo, tiene difícil acomodo en una gala, aunque la petición de la organización era interpretar la obra por la cual el candidato estaba nominado.

Si la primera parte había mostrado su apuesta por la danza más actual, el segundo acto se inclinó por dar preferencia al clásico. Así, Hannah O’Neill (Ballet de la Ópera de París) – ‘Mejor Bailarina’, ex aequo con Amatriain- inauguró esta parte con un paso a dos de la obra de repertorio “Esmeralda”, contando con Hugo Marchand como pareja. Continuó la pieza “L’Arlésienne” de Roland Petit, dúo de gran belleza de los nominados Bianchi y Alessandro Riga (CND), que dio paso a “What love tells me”, en claro homenaje a John Neumeier –reconocimiento a toda su trayectoria-, e interpretada por los aclamados bailarines Silvia Azzoni y Alexandre Riabko (Ballet de Hamburgo).

Con la ventaja de actuar en casa, Olga Marchenkova y Artemy Belyakov (Bolshoi Ballet) presentaron un fragmento de “Hero of our time”, de Yuri Possokhov , premiado como ‘Mejor Coreógrafo’, ex aequo con Inger. El tramo final de este acto volvió a recurrir a piezas de repertorio bien conocidas por los espectadores moscovitas como “Schéhérazade”, de Michel Fokine, obra gracias a la que Kimin Kim (Mariinsky Ballet) recibió el premio como ‘Mejor Bailarín’ y de la que bailó un extracto con Nadejda Batoeva; un paso a dos de “Romeo y Julieta”, de sir Kenneth MacMillan, interpretado con exquisitez por Lauren Cuthbertson y Edward Watson (The Royal Ballet); y “Sylvia”, en la versión de sir Frederick Ashton, bailada con una técnica impecable por la figura emergente Oxana Skorik y Philipp Stepin (Mariinsky Ballet).

Todos los participantes en la gala de nominados de los XXIV Premios Benois de la Danse, en el Teatro Bolshoi de Moscú, el 17 de mayo. Fotografía gentileza de Jack Devant.

En general, el público ruso tiene fama de conocedor del ballet. Por sus aplausos, la sensación que transmite es que aprecia y se deleita con el ballet clásico, pero no llega a conectar en exceso con las piezas contemporáneas. Además, al parecer, la tradición es que, en las galas, una voz en off anuncia los créditos de cada pieza, lo que resulta chocante para el espectador foráneo y, de alguna manera, interrumpe la fluidez de un espectáculo ya excesivo en su metraje. Si la velada se inició a las 19.00 hora local con la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse, finalizó cuando el reloj marcaba las 23.00 horas. En una gala tan extensa, quizás sería interesante un ojo externo a la hora de conformar la combinación de piezas del programa, que dicho sea de paso, podía haber tenido más ritmo. Probablemente sea una cuestión de diferente percepción del concepto de espectáculo. Consideraciones aparte, la gala de nominados fue una kilométrica y aplaudida muestra de tres horas y es que la fama del Bolshoi requiere de exhibiciones mastodónticas para mayor gloria de las leyendas que han bailado sobre sus tablas.

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El teatro también baila

Carlos Acosta y la joven bailarina Laura Rodríguez, en “Diana y Acteón”, marcaron un hito en esta primera presentación de Acosta Danza. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

El propio Carlos Acosta, en tanto que director artístico (apoyado por los diseñadores de luces Chris Darvey y Pedro Benítez, así como por las maitresses de ballet y de danza Clotilde Peón y Yaday Ponce, la regisseur Ocilia Pedrera, así como los vestuaristas de la Royal Opera House), nos previene en el programa de mano con algunos datos importantes sobre su concepción de este segundo programa de la temporada premier de Acosta Danza, que ha denominado genéricamente “clásico” si bien, como veremos más adelante, ciertas piezas clasifican más apropiadamente como “neoclásicas”.

Nos dice la nota introductoria que “fue concebido por Carlos Acosta como un espectáculo íntegro, que recoge ballets de diferentes épocas y estilos”. Como muchos conocen, se presentó bajo el título de “A Classical Selection” en el London Coliseum en diciembre de 2015. Igual que la gala precedente “Carlos Acosta and Guests”, ahora fue llevada de gira como “Acosta and Friends” al Empire Palace de Abu Dhabi para dos funciones en abril y luego retornar a Londres.
Por gentileza del Servicio de Prensa, pude asistir a las dos únicas representaciones ofrecidas de este espectáculo, y recibir un precioso “booklet”, por los textos y fotos allí contenido, como memento de esta excepcional ocasión. Al mismo tiempo, me permitió apreciar la entrega –casi podría decir en cuerpo y alma–, de los elencos que alternaban ciertas obras incluidas aquí.

“El Lago de los cisnes” y su pas de deux del segundo acto sobre la versión de Lev Ivanov, interpretado por Gabriela Lugo y Enrique Corrales. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Después de un “opening” , con el “Angelus” (suite 4, segundo movimiento) de Massenet, como fondo musical a telón abierto, los bailarines participantes entran en escena con su vestuario en mano, prestos para vestirse a la vista del público. Inmediatamente, dio inicio la sucesión de títulos seleccionados, en su mayoría dúos y solos, archiconocidos por los aficionados a la danza, y un solo estreno mundial, aunque para el final cupo el honor a una coreografía nunca olvidada, realizada para el Ballet Nacional de Cuba en los años 60 de la pasada centuria. La Orquesta Sinfónica del Gran Teatro, bajo la batuta de Giovanni Duarte sirvió de soporte musical en vivo a este último.

“El Lago de los cisnes” y su pas de deux del segundo acto en versión sobre la de Ivanov, paradigmático de lo clásico en el ballet, se apoderaron del escenario de la Sala García Lorca en una interpretación técnicamente convincente y encomiable de los noveles Gabriela Lugo y Enrique Corrales, aunque es evidente que los pulidos para los mejores resultados vendrán después de ulterior trabajo en el estudio. Algo parecido sucedió con el pas de deux de “La Sylphide”, de Bournonville, ya que aquí deben asimilar e incorporar detalles estilísticos de la escuela danesa, algo que requiere de más tiempo de ensayos y perfeccionamiento. Las dos parejas alternantes exhibieron brío y voluntad encomiables. Sin embargo, en mi opinión, el temible y magistral breve solo de Michel Fokine, “La muerte del cisne”, no estaba lo suficientemente listo para ser mostrado en esta ocasión. La joven Gabriela Lugo puede lograrlo, aunque los iconos referenciales todavía en anales escénicos cubanos lo hacen más difícil.

Antes de cerrar la primera parte, el director artístico decidió colocar el excelente dúo “Winter Dreams”, de Kenneth MacMillan / Tchaikovski, donde sus intérpretes, Ely Regina y Luis Valle, tuvieron oportunidad de exhibir sus talentos técnicos y calidades de movimientos en las arduas articulaciones de su estructura coreográfica. Seguidamente, vino el desbordamiento del entusiasmo en la audiencia, con uno de los caballos de batalla en este tipo de galas, con un valor añadido: la presencia ejecutoria de Carlos Acosta, en “Diana y Acteón”, acompañado por una “afiatada” joven bailarina, Laura Rodríguez. Acosta se desempeñó con su consabido virtuosismo y su ejemplar “savoir faire” como partenaire, para lograr el buen “diálogo” danzante con su  pareja.

A telón de boca cerrado, comenzó la segunda parte con una hermosa y afinada interpretación del intermezzo de “Manon Lescaut” de Puccini, por parte de la Orquesta sinfónica del GTH Alicia Alonso, siempre conducida con afán por su titular el maestro Duarte. Acto seguido, comenzó el desfile de breves piezas creadas, para solistas y dúos –más aproximadas a la clasificación de “neoclásicas”-, tales el dúo “End of Time” de Ben Stevenson/Rachmaninoff´; “A Buenos Aires”, tributo de Gustavo Mollajoli a los tangos de Astor Piazzolla (con destacadas prestaciones de Verónica Corveas y Alejandro Silva); igualmente emotiva la encarnación de Piaff por Ely Regina en el solo de Ben Van Cauwenbergh “Je ne regrette rien”(Vaucaire/Dumont); así su otro solo, Les Bourgeois, interpretado por Acosta con su espléndida musicalidad e histrionismo sobre la canción cantada por el propio Jacques Brel. Tuvimos como regalo la repetición del dúo de Carmen y Escamillo (versión de Acosta) en una apasionada entrega por Laura Treto y Luis Valle; y el estreno mundial, un solo con el intrigante título de “Anadromous” del bailarín y bisoño coreógrafo Raúl Reinoso, nos permitió ver otras facetas del talento de Gabriela Lugo, con soporte musical de Ezio Bosso y Yann Tiersen (el programa de mano nos ilumina al respecto: se trata de una excusa para reflexionar sobre la sobrevivencia; un pez o un ser que va en contra de la corriente en pos de su destino final).

Acosta Danza presentó en su programa clásico el pas de deux de “La Sylphide”, de August Bournonville. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Para concluir en un climax de sabor franco-español, vino “Majísimo”, de Jorge García sobre El Cid de Jules Massenet, obra realizada para cuatro parejas de primeros bailarines del Ballet Nacional de Cuba en los años 60 del pasado siglo que se convirtió en una favorita, y a pesar de sus años nunca fue olvidada. Ahora es una reposición, que agradecemos a Clotilde Peón, con el valor añadido de la presencia luminosa e interpretativa de Carlos Acosta.

Los varios minutos de aplausos y ovaciones de pie fue una evidente respuesta gratificante a la audacia y el tesón de esta promisoria naciente compañía cubana de danza. Larga vida a Acosta Danza.

El director de la Ópera de París, Stéphane Lissner, junto a Aurélie Dupont y a Benjamín Millepie, en la conferencia de prensa del 4 de febrero en París. Foto: Christian Leiber. Gentileza de ONP:

A partir del 1 de agosto, una de las grandes “etoiles” del Ballet de L’Opera de París, Aurélie Dupont, será la nueva directora de la tradicional compañía francesa creada por el rey Luis XIV a mediados del siglo XVII. La decisión fue tomada por el director de la Ópera de París, Stéphane Lissner, tras la renuncia del actual director, Benjamin Millepied. Lissner aseguró estar convencido de que Dupont, de 43 años, “va a aportar muchas cosas” cuando asuma el cargo.

El 4 de febrero el director del Ballet de la Ópera de París, Benjamin Millepied, presentó su renuncia al cargo de director de la compañía. Según trascendidos, la decisión surgió a raíz de una serie de desavenencias con la institución. Millepied, formado en el Conservatoire National en Lyon, hizo su carrera en los Estados Unidos, en el New York City Ballet, donde fue bailarín principal durante largos años.

Luego de su éxito como coreógrafo en la taquillera película “Black Swan”, y de su casamiento con la protagonista del film, Natalie Porter, Millepied fue nombrado para este cargo en enero de 2013, y asumió en noviembre de 2014. La elección de Millepied, en su momento, no dejó de causar cierta inquietud en el medio, ya que la orientación neoclásica del coreógrafo, no coincidía plenamente con el estilo tradicional de una de las pocas instituciones que ha podido conservar la tradición original. Pero al mismo tiempo, fue recibido con buenos ojos por las jóvenes generaciones de bailarines de la institución.

Millepied, nacido en Bordeaux, Francia, asistirá este miércoles 10 a la presentación de la nueva temporada 2016/2017, cuyo diseño y programación lleva su firma. El coreógrafo confirmó que su renuncia se debió a “razones personales” y reafirmó su necesidad de dedicarse a la creación. Todo indica que pondrá su energía en continuar trabajando con L.A. Dance Project, compañía que fundó en 2011 en Los Ángeles, Estados Unidos.

Dupont, que se despidió de la escena el 18 de mayo de 2015 con una última función de “Manón”, de Kenneth MacMillan junto al italiano Roberto Bolle, fue una de las figuras clave de la compañía. Pasó 32 años en la institución, y cuando apenas tenía 9 años ingresó a la escuela de la Ópera de París. La bailarina prometió en conferencia de prensa, entregarse a fondo en la tarea, de la misma manera que lo hizo cuando era bailarina.

La nueva directora entró a la compañía en 1989. Fue “premiers danseurs” en diciembre de 1996, y ascendió a “etoile” en 1998, luego de interpretar el personaje de Kitri en la producción de Rudolf Nuréyev de “Don Quijote”. Recibió el Benois de la Danse en 2001 por su rol de Nikiya en “La Bayadere”, de Nuréyev, y por e Titania en “Sueño de una noche de verano, de John Neumeier.

Paloma Herrera y Gonzalo García en la escena del balcón de “Romeo y Julieta”, con coreografía de Maximiliano Guerra en el Teatro Colón. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza TC.

Resulta difícil desprenderse de las innumerables Julietas que la argentina Paloma Herrera encarnó a lo largo de sus 25 años de carrera. También es difícil olvidar la pasión y la intensidad que Herrera siempre puso en este personaje delineado a la perfección por uno de los grandes popes del ballet del siglo XX, el incomparable Kenneth MacMillan. La misma pasión e intensidad que puso en esta Julieta creada por Maximiliano Guerra, actual director del Ballet Estable del Teatro Colón, y que marcó su despedida del Teatro Colón.

Esta versión de “Romeo y Julieta”, llegó para sustituir a “Onegin”, de John Cranko, obra con la que estaba prevista la despedida de Herrera. Pero cuestiones de contratos y derechos provocaron un cambio en la programación. No obstante, las funciones que comenzaron el 13 de octubre y cerraron el sábado 17, mantuvieron la sala llena de ávidos espectadores. Algo poco habitual en las funciones de ballet del Teatro Colón de estos últimos años.

Estrenada por Guerra en 2009 con el Ballet del Teatro Argentino de La Plata, la pieza basada en la obra de William Shakespeare sobre los amantes de Verona, pone una mirada liviana sobre la profundidad y la fuerza de una trama en la que el odio y el amor libran una batalla descarnada.

Dramático final de “Romeo y Julieta”, con Paloma Herrera y Gonzalo García en los protagónicos, en el Teatro Colón. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

Por otra parte, en la coreografía de Guerra, cada uno de los personajes clave de esta obra, como Mercuccio, Benvolio y Teobaldo, al igual que Romeo y Julieta, no encuentran la teatralidad necesaria para narrar cada una de las secuencias de esta obra.

No obstante, en el caso de los protagonistas principales, tanto Herrera como Gonzalo García, su partenaire, lograron, con experiencia y profesionalismo, rescatar la esencia de los jóvenes amantes y pusieron el alma para salvar una coreografía poco clara en cuanto a la intencionalidad y al mensaje. Especialmente en la escena del balcón.

La composición que Herrera hizo de su Julieta fue sencillamente conmovedora. Encontró a esa adolescente ingenua, candorosa, fresca y apasionada que se encamina a ese trágico final. Con sutilezas, y su solidez de gran bailarina logró encontrar los matices para dibujar a la Julieta imaginada.

García, primer bailarín del New York City Ballet, y uno de los más talentosos y brillantes de la compañía que dirige Peter Martins, se adentró en su Romeo con una naturalidad asombrosa y creíble. Gracía, convocado una semana antes del estreno debido a una lesión del bailarín principal Juan Pablo Ledo -quien debía cumplir el rol de Romeo-, mostró, una vez más su calidad y su sólida formación. Una línea perfecta, velocidad, y una magnífica sensibilidad como intérprete.

García y Herrera, que ya habían compartido escenarios juntos, hacen una bella dupla en la que se ensamblan a la perfección y, en este caso, logran describir la pasión y el amor de los jóvenes amantes.

Las escenas colectivas, por momentos carentes de carácter e intensidad, se hicieron evidentes en los encuentros entre Montescos y Capuletos en la plaza del mercado de Verona y en la escena del baile. La secuencia narrativa se debilita por momentos, pierde fuerza y hasta claridad.

Despedida de Paloma Herrera junto a Gonzalo García (der.), en el Teatro Colón de Buenos Aires el sábado 17 de octubre. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza TC.

Mercuccio, interpretado por Nahuel Prozzi, no logró encontrar el toque justo que define al personaje. Sin duda denotó una falta importante de un preparador que supiera guiarlo y entrenarlo en los rasgos desenfadados del personaje. Norma Molina, como la nodriza, hizo un buen trabajo, al igual que Vagram Ambartsoumian como Teobaldo

El cuerpo de baile, también denota la falta de un preparador minucioso, y algunos de ellos mostraron unos cuantos quilos demás, más apropiados para un Sancho Panza que para una escena con danzas de carácter. Algo que el director de la compañía debería observar y tener en cuenta a la hora de seleccionar los bailarines.

Para el final, cuando la tragedia llega y Julieta encuentra a Romeo muerto en su tumba, Herrera logra uno de los momentos más intensos de esta puesta con la que selló su adiós al público de Buenos Aires. Por más de veinte minutos, aplausos, lágrimas, flores volando hacia el escenario. Cada uno de esos espectadores se llevó en el alma los últimos pasos de una de las grandes bailarinas de este siglo. Y se resistía a decir adiós.

Tatiana y Oberon dos de los personajes centrales de “The Dream”, producción que el Royal Ballet llevó a Nueva York. Foto: Bill Cooper. Gentileza ROH/ArenaPAL.

Por una corta temporada en el Teatro Koch de Nueva York, el Royal Ballet of London, presentado por Joyce Theater Foundation, regresó al Lincoln Center después de varios años de ausencia. La compañía dirigida por Kevin O’Hare, llevó a Nueva York dos programas mixtos integrados por clásicos de su repertorio.

Desde el 23 al 28 de junio, la compañía fue alternando elencos y obras. Y así desfilaron “The Dream”, de  Frederick Ashton, con  música de Felix Mendelssohn; “Song of the Earth”, de Kenneth MacMillan y música de  Gustav Mahler; “Infra”,  Wayne McGregor con música de Max Richter; “The Age of Anxiety”, de Liam Scarlett con música de Leonard Bernstein; “Voices of Spring”, también de Ashton; “Borrowed Light”, de Alastair Marriott; “The Dying Swan”,  con coreografía  de Calvin Richardson; “Le Train Bleu‘Le beau gosse’”, de  Bronislava Nijinska; “Aeternum” pas de deux, de Christopher Wheeldon, y “Carousel” pas de deux, de MacMillan.

“Song of the Earth” , de Kenneth Mac Millan, tuvo como protagonistas a Carlos Acosta y Marianela Núñez. Foto: Tristram Kenton. Gentileza ROH.

Entre los primeros ballets presentados, había una dupla muy interesante por la diferencia de estéticas y en la personalidad de los que subieron a la escena.  El jueves 24 se presentó “The Dream”, la obra de Ashton basada en “Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare, y “Song of the Earth”, de MacMillan.
Ashton escogio la encantadora música de Felix Mendelssohn para idear una coreografía con infinidad de situaciones graciosas, enredos, magia, supersticiones, hadas, dioses y mortales, que logran un particular encantamiento.

Sarah Lamb, la Titania de esa noche, puede decirse que bordó los pasos. Asimiló el rol como si le perteneciera. Por lo demás, su técnica es de la mejor calidad e hizo una pareja estupenda con Steven McRae en el rol de Oberon,  rey de la foresta. Sumamente atractivo y de limpios entrechats. Una pareja que delineó los personajes a la perfección y supo provocar ese encantamiento que propone esta bella obra.

El travieso Puck, James Hay, le hizo honor al personaje con saltos increíbles y vueltas que lo hacían parecer un trompo. Por su parte, Bottom, Bennet Gartside, hizo lo suyo como el personaje lo exigía.

“Song of the Earth” llegó para el final de este primer programa. Una realización de MacMillan de 1965, estrenada por el Stuttgart Ballet, que indica cuáles son los principales problemas que sufren los mortales. El rol de Mensajero de la muerte -que aparece en escena desde que la cortina se abre-, fue desempeñado por el bailarín cubano Carlos Acosta, miembro invitado desde hace tiempo de la compañía.

La mascarilla que Acosta llevaba  sobre la cara  escondía las expresiones indicativas de la personalidad y propósitos abrigados por el personaje. pero no, Acosta no parecía sentir nada. Su parte bailable tampoco emociono, como sucedía tiempo atrás.

Seis canciones de Gustav Mahler, con texto de Hans Bethge, acompañan la coreografía que danzan solistas y cuerpo de baile. Marianela Núñez, en el rol principal, se destaca desde un principio. Es bella y se mueve con una delicadeza digna de admiración. Ya sea sola o en trío con Acosta y Nehemiah Kish, su amado que ya había pasado a mejor vida sin ella. El movimiento de los brazos de Núñez semejan la

El último saludo de Julie Kent en el Met, el sábado 20 de junio durante su despedida del ABT. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

Julie Kent, una de las tres heroínas de las últimas dos décadas del American Ballet Theatre (ABT), el sábado 20 de junio dijo “adiós” a la compañía con la que bailó durante 29 años. Y también, al escenario del Metropolitan Opera House de Nueva York, sede de la temporada de primavera del ensamble dirigido por Kevin McKenzie.

Para su despedida Kent escogió una de las obras clave de su repertorio, “Romeo y Julieta”, de Kenneth MacMillan, estrenada por el Royal Ballet of London en 1965 y por el ABT en 1985. La bailarina, que fue la primera estadounidense en recibir el Benois de la Dance, eligió al italiano Roberto Bolle como su Romeo.

Semanas atrás, Bolle fue también partenaire de Paloma Herrera, otra de las grandes heroínas que se despidió este año del ABT, y de Aurelie Dupont, cuando se retiró del Ballet de la Opera de París. Un bailarín excepcional que logra combinar una técnica impecable con una asombrosa, contagiosa y conmovedora intensidad actoral, y cualidades superlativas como partenaire.

A teatro lleno, se alcanzaba a escuchar en la platea: “mi Julie”, “mi pequeña Julie”, “ella es maravillosa”, “la vamos a extrañar”… Y una emoción incontenible explotó en el primer acto -en su primera aparición en escena-, con un aplauso prolongado que no dejaba escuchar la música, y al final, durante más de 20 minutos.

Kent comenzó su preparación con Hortensia Fonseca en la Academy of the Maryland Youth Ballet. Asistió a la segunda temporada de verano del ABT y a la School of American Ballet antes de unirse al ABT como aprendiz en 1985. En 1987, estelarizó la película “Dancers” con Mikhail Baryshnikov. En 1990 fue promovida al rango de solista de la compañía y a principal en 1993. Toda una vida con el ABT.

Kent y Bolle supieron narrar esta maravillosa historia de amor y odio, pintada con la maestría de Shakespeare, y por la increíble sensibilidad de MacMillan. Encarnar a estos personajes simbólicos que han quedado en la memoria colectiva como ideales del amor es un reto permanente para cualquier bailarín, dado que implica un desafío técnico y al mismo tiempo, interpretativo.

MacMillan hace transitar al cuerpo de baile con elocuencia y propone escenas intensas marcadas por la melodía incomparable de Sergei Prokofiev. Pero es en los bellos los pas de deux donde los bailarines principales juegan entre la danza y el dilema de esos dos jóvenes, víctimas del odio y el resentimiento de las familias. Kent y Bolle, se internaron en estos entrañables y trágicos personajes con absoluta y delicada sutileza e intensidad.

El primer acto, en la plaza de Verona: el enfrentamiento de Montescos y Capuletos. Un conflicto que se plantea a través de las figuras de Romeo, Mercutio (un magnífico Herman Cornejo), Benvolio (Blaine Hoven) y Tibaldo (Patrick Ogle), sobrino de los Capuletos.

Mientras que Julieta -en la segunda escena del primer acto-, con la Nodriza (Susan Jones), muestra a Kent encantadora y fresca. La adolescente juega con una muñeca semejante a la que, al final de la función, llegó de manos de un espectador y la bailarina se la entregó a su pequeña hija Josephine.

El Romeo de Bolle, cuyos saltos y giros precisos y seguros muestran su solidez como bailarín, adquiere un especial magnetismo y compone un personaje del que cualquier Julieta se enamoraría.

Pero más allá del trabajo de la pareja principal, en esta despedida de Kent, el Mercutio de Cornejo adquirió un protagonismo especial que despertó ovaciones en cada una de sus variaciones. Sus impecables saltos, su musicalidad, su técnica y su interpretación se convirtieron en algo memorable dentro de esta noche inolvidable.

El cuerpo de baile lució preciso en las danzas de palacio, con un vestuario bello, sobrio y atractivo creado por Nicholas Georgiadis, también responsable de la escenografía.

Luciana Paris, una bailarina con de amplio rango, se destacó especialmente en el trío de las prostitutas con un trabajo seductor y encantador, y con una descollante de energía que la distinguía de sus compañeras.

Kent y Bolle, en la crucial escena de El balcón lucieron impecables. Bolle, partenaire sólido e intérprete encantador, supo ensamblarse a Kent con apasionamiento y candor. Un encuentro en el que ambos mantuvieron perfección técnica y tocaron el corazón.

Roberto Bolle y Julie Kent del ABT en “Romeo y Julieta” de Kenneth MacMillan, en el Met de Nueva York. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

Con mayor dramatismo e igual desafío técnico, MacMillan recrea su pas de deux del dormitorio, en la última y primera noche que los jóvenes pasan juntos antes de que Romeo sea condenado al destierro, y antes también, de la tragedia final. Kent y Bolle, nuevamente, marcaron la intensidad de este momento. Al igual que en el pas de deux en la cripta de los Capuletos, donde Romeo, en su desesperación, baila con Julieta inerte.

Cuando cayó el telón, una ovación tronó en la sala y una lluvia de flores llego desde la platea y desde el escenario. Por allí comenzaron a desfilar uno a uno sus compañeros de ruta, mientras Kent dejaba aflorar su incontenible emoción.

Alessandra Ferri, Paloma Herrera, Irina Kolpakova, Natalia Makarova, Xiomara Reyes, y bailarinas solistas y del cuerpo de baile de la compañía subieron a escena para el último adiós. También lo hicieron sus antiguos partenaires, José Manuel Carreño, Ángel Corella, Marcelo Gomes, David Hallberg y Robert Hill, y su director, Kevin McKenzie. Casi al final, Victor Barbee, su esposo y director asistente de la compañía, y sus dos hijos, William y Josephine, a abrazaron a Julie Kent, contagiados por sus lágrimas. Antes de que se cerrara definitivamente el telón, Kent corrió hacia la platea y lanzó tres enormes besos como tratando de alcanzar a cada uno de los espectadores que esa noche la acompañaron en su despedida.

“La Fille mal gardée”, un clásico del Royal Ballet con Marianela Núñez y Carlos Acosta. Foto archivo Danzahoy.

El martes 9 de junio subió al escenario del Kennedy Center de DC después de casi seis años de ausencia, y el público estalló en aplausos. Junto a ella, uno de sus más entrañables compañeros de trabajo, y amigo: Carlos Acosta. El ballet: “Don Quijote”. Clave en su vida y quizás, en la de muchas bailarinas.

Marianela Núñez volvió a ser protagonista de este romance caballeresco entre Kitri y Basilio, tal como lo fue en el estreno mundial de esta versión de Acosta, en 2013, estrenada por el Royal Ballet of London (RB), compañía en la que la bailarina argentina se formó desde que tenía 15 años. Por entonces, pasó una audición en Los Ángeles, bajo la mirada de Anthony Dowell (ex director artístico de la compañía), y entró a la escuela del RB. Sola, en Londres, y sin hablar una palabra de inglés, al año pasó a formar parte del cuerpo de baile de la compañía que actualmente dirige Kevin O’Hare.

Es la menor de tres hermanos varones, y fue la “niña mimada de la casa”. Se enamoró del ballet desde que tenía 3 años, y desde entonces la danza fue su meta y objetivo. Se formó en la escuela del Teatro Colón en Buenos Aires, donde vivía con su familia, y también integró el Ballet Estable del Teatro Colón. Bailó como partenaire de Maximiliano Guerra cuando tenía 13 años, y una vez en el Royal, a los 20 años, llegó a ser principal. Luego llegaron los premios, entre ellos, el María Ruanova, entregado por el Consejo Argentino de la Danza en la Argentina; el Best Female Dancer del Critics’ Circle Dance Awards en 2006 y 2013, y el Olivier Award (2013) por sus destacados logros en danza.

En ésta, una de sus primeras apariciones en los Estados Unidos, la bailarina realizará un tour por Chicago y Nueva York con el RB, y luego hará su debut con el American Ballet Theatre (ABT) el 2 de julio en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Bailará “Cenicienta”, de Frederik Ashton, una obra que forma parte del repertorio del ensamble londinense.

Marianela Núñez y Carlos Acosta en “Song of the Earth”, de Kenneth MacMillan, obra que el Royal Ballet presenta en Nueva York. Foto: Tristram Kenton. Gentileza RB.

DANZAHOY: ¿Qué significa volver a hacer Quijote con Acosta?

Marianela Núñez: Es un ballet que siempre estuvo en mi carrera, lo bailé por primera vez en Uruguay con Maxi (Maximiliano Guerra), cuando tenía 13 años. Y después, ya como principal, hice con el Royal la versión de Rudolph Nureyev. Así que cuando Carlitos (Acosta) me propuso que hiciera el estreno de esta nueva producción que le encargó el Royal, para mí fue un súper regalo. Y cuando me dijo que él también lo iba a bailar, dije: ‘jaque mate’.

D: ¿Hay alguna diferencia entre este Quijote y los otros que has bailado?

MN: Si bien la base es la tradicional, le hizo muchos toques que identifican a la compañía. Uno mira esta puesta y se da cuenta que es la del Royal Ballet. Con Quijote es muy fácil irse para el circo, pero él quería calidad técnica y la actuación. Y los tres actos son completamente diferentes. Ahora Carlos está por hacer un “Carmen”, que lo va a hacer para mí y él también va a bailar. Y con eso se retira. Hace poco hicimos “Fille mal gardée”, que es un ballet en el que nos han visto mucho juntos y la gente nos identifica. Fue la primera vez que lo vi tan emocionado, su hija le entregó unas flores en el escenario, recuerdo. Estoy compartiendo estos momentos tan especiales para él, que también lo son para mí.

D: ¿Qué es lo que más te atrae de las puestas de la compañía?

MN: Una de las cosas que más amo de nuestra compañía es que todas las puestas son muy teatrales. En lugar de estar viendo bailarines parece que ves actores sobre el escenario, y el desarrollo es muy natural.

D: ¿Qué se siente al estar tanto tiempo en una compañía como esa?

MN: Les debo todo. Me siento feliz. Me adoptaron, tanto como la compañía como la audiencia en Londres. Me siento muy mimada. Me dieron todo, y me lo dieron de una manera que me ayudó a crecer artísticamente de la forma correcta. Tengo 33 años y miro para atrás, y veo que fui pasando todos los escaloncitos en el momento indicado, y los roles también me fueron llegando en el momento justo. Tuve mucha contención todo el tiempo. Esta compañía es mi familia. Es un sueño hecho realidad.

La versión de “Don Quijote” de Carlos Acosta, con el RB y Marianela Núñez como protagonista, se estrenó en el Kennedy Center y se presenta en Chicago. Foto: Johan Persson. Gentileza ROH/ArenaPAL.

D: ¿De qué manera se sobrevive a la competencia en una compañía tan importante?

MN: La competencia es saludable porque eso te empuja a seguir mejorando y perfeccionándote. Es bueno tener gente que te inspira y te incita a buscar respuestas nuevas o a ver lo que uno no quiere llegar a ser. Es muy importante poder absorber todo eso. De todas maneras, el lugar que me dieron, no me obliga a estar presionada. Porque me lo gané trabajando. Y la confianza y el respeto que me tienen es maravilloso. La compañía me vio crecer como bailarina y como persona. Y tanto los bailarines como los maestros, los directores y los técnicos se preocupan de todo con cada uno de nosotros. Se vive una atmósfera muy saludable. La única preocupación son las cosas personales de uno, pero ellos están acompañando y pendientes de lo que te pasa. Nuestro director está siempre ahí, en todos los ensayos, intercambiando ideas. Me siento muy cuidada. Ellos me dan todas las llaves para ir mejorando. Además, todo es hermoso. Mi camarín en el Coven Garden es como mi casita. Y cuando me voy de vacaciones los extraño.

D: ¿Cómo fue surgió tu debut con el ABT?

MN: Estuvimos desde hace varios años tratando de combinar fechas que nunca coincidieron, pero ahora, justo que estamos en Nueva York y que terminamos la gira con el Royal, coincide todo como para poder terminar la temporada del ABT con “Cenicienta”, la nuestra, la que hacemos nosotros. Esta gira con el Royal también es importantísima. En Nueva York tenemos un repertorio increíble, y creo que terminar con “Cenicienta” de Ashton, es fantástico. Ésta es prácticamente la primera vez que vengo de gira a los Estados Unidos con la compañía, y que venimos con un repertorio tan amplio. La última vez que estuvimos en Nueva York fue en 2004.

D: ¿Cuándo eras niña, imaginaste que llegarías a ser una bailarina tan reconocida?

MN: Siempre tuve claro que quería ser bailarina y que no quería quedarme en el cuerpo de baile sino ser la mejor. Pero nunca me imaginé que iba ocupar un lugar así en el RB. Es más, a veces me tengo que sacudir para no creer que estoy soñando. El martes, cuando abrimos con “DQ”, dije: “noche de apertura en el Kennedy Center, gente parada, y gente esperándome a la salida. Fue increíble. Creo, también que las proyecciones cinematográficas de los ballets del Royal abrieron el mercado de una manera increíble.

D: Si tuvieras que recordar algo de tus primeros tiempos, ¿qué es lo primero que aparece?

MN: Ríe a carcajadas. Cuando entré al RB como cuerpo de baile, no estaba acostumbrada a ser parte de una compañía porque desde los 14, en la Argentina tenía roles de solista. No tenía ni idea de cómo era eso. Y recuerdo que en un “Lago de los cisnes”, creo que el primero, como siempre tenía una chica rubia adelante mío, me dije: pase lo que pase, vos seguí a la rubia. Y de repente tomé conciencia de que había como 10 rubias, y no sabía a quién seguir…Me agarró un ataque de pánico. Recuerdo que alguien me agarró y me puso en la fila. Y me dije: esto no puede pasar más… Pero pasar por esa etapa me vino muy bien porque fue un gran aprendizaje. Esos papeles secundarios y el cuerpo de baile te dan la avena para fortificarte.

Próximas funciones con el Royal Ballet of London

Auditorium Theatre, Chicago

Del 18 al 21 de junio

“Don Quijote”
Producción y Coreografía de Carlos Acosta, sobre Marius Petipa
Música de Ludwig Minkus, con arreglos  de Martin Yates.

 Koch Theatre, New York

Junio 23

“The Dream”
Coreografía: Frederick Ashton
Música: Felix Mendelssohn
Gala Anual del Joyce

Junio 24, 25 y 26 

“The Dream”
Coreografía: Frederick Ashton
Música: Felix Mendelssohn
“Song of the Earth”
Coreografía: Kenneth MacMillan
Música: Gustav Mahler

Junio 27 y 28

“Infra”
Coreografía: Wayne McGregor
Música: Max Richter
“The Age of Anxiety”
Coreografía: Liam Scarlett
Música: Leonard Bernstein
“Voices of Spring”
Coreografía: Frederick Ashton
“Borrowed Light”
Coreografía: Alastair Marriott
“The Dying Swan”
Coreografía :Calvin Richardson
“Le Train Bleu
‘Le beau gosse’”
Coreografía: Bronislava Nijinska
“Aeternum” pas de deux
Coreografía: Christopher Wheeldon
“Carousel” pas de deux
Coreografía: Kenneth MacMillan