En diciembre de 2018, Ciro Mansilla interpretó el rol de Solor en “La Bayadera”, junto a la primera bailarina del Sttutgart Ballet, Hyo-Jung Kang. Foto: Boris Pekaski. Gentileza: Ciro Mansilla.

En las vísperas de la Pascua, en Alemania, llegó a su camarín, se vistió con su traje negro, pensó en el amor, en la pasión y en esa mujer que estaba esperándolo para morir en sus brazos. De golpe, ese joven que nació en Paraná, Entre Ríos, en el litoral de la Argentina, se había convertido en Armand Duval, el protagonista de “La dama de las camelias”, ese clásico indiscutible de John Neumeier, y uno de los títulos emblemáticos del Sttutgart Ballet.

Con sus 25 años a cuestas, y con apenas pocos meses en la compañía dirigida por Tamas Dietrich, el bailarín hizo su debut como Armando, rol que volverá a bailar el 27 de abril en el Opera House de Sttutgart. Durante este periplo en el que tuvo que sumergirse en una historia profunda y dolorosa, Mansilla estuvo acompañado no sólo por el coreógrafo, sino también por su musa inspiradora, la inolvidable Marcia Haydee y por Edgon Madssen, protagonista del primer Armand de esta versión.
Casi como un sueño, Mansilla se entregó en cuerpo y alma a esta ardua tarea de interpretar un personaje complejo, contradictorio, apasionado. También casi como en un sueño fue su llegada a esta compañía considerada una de las más importantes de Europa.

Apenas acababa de firmar contrato, lo eligieron como Solor en “La Bayadera”, y en apenas 32 días, lo nombraron solista. Hasta entonces, había hecho un largo recorrido: a los 8 años empezó a estudiar danza, en Paraná; a los 15 ganó una beca de la Asociación Arte y Cultura para estudiar con Cecilia Kerche. De allí, pasó por el Ballet de Iñaki Urlezaga, por el Ballet Metropolitano de Buenos Aires, y luego se fue al SODRE de Montevideo. Fue Don José, en “Carmen”, Conrad en “El Corsario”, y Stan Kowalsky en “Un tranvía llamado deseo”.

Ciro Mansilla acompañado por Marcia Haydée, la primera Violeta de “La dama de las camelias” de John Neumeier, y por Edgon Madssen, el primer Armando de la puesta. Foto gentileza Ciro Mansilla.

Danzahoy: ¿Cómo fue el salto de Uruguay a Europa?
Ciro Mansilla: Siempre soñé con Europa, con el Royal Ballet de Londres, y en un momento me llegó un email de la Opera de Munich diciendo que fuera a una audición porque necesitaban gente. Era una sola audición, un solo día, y justo coincidía con nuestra semana de vacaciones en el SODRE. Pero no tenía el dinero. No sabía si ir o no y a medida que fueron pasando los días fue creciendo la sensación de que “tenía que ir”. Finalmente, Juan Lavanga, de la Asociación Arte y Cultura, me pagó el pasaje, y allá fui. Pero cuando llegué, todo era un caos. No sabían que había llegado, y estaban todos de vacaciones. Me habían pedido que llevara música, y nunca me tomaron esa variación porque la mujer de Igor Zelensky, el director del ballet, nunca apareció. Después me dijeron que no estaban interesados.

D: ¿Y qué hiciste en un lugar donde no sabías el idioma y no conocías a nadie?

CM: Me sentí muy triste. Me había fallado la audición, estaba del otro lado del mundo, endeudado, perdido, solo… Me sentí insultado. Fue una desorganización tremenda. Y encima, Juan (Lavanga) me había dicho, en broma, por supuesto: “si no volvés con un contrato te mato”. Al otro día dije: “me vuelvo, pero antes voy a Sttutgart”. Al menos quería tomar clases en la compañía y volver con esa experiencia. Al segundo día de clases, el actual director fue a observarme por sugerencia de Marcia Haydée, y me propuso ser parte de la compañía. ¡Me quedé helado! En ese momento sentí que por alguna razón algo adentro de mí me había dicho que tenía que venir…

D: ¿También fue por intuición tu llegada a Buenos Aires, o lo tenías planeado?

CM: Mi maestra, Susana Gómez, se enteró de una audición en el teatro 3 de Febrero de Paraná organizada por la Asociación Arte y Cultura, y nos presentamos. Sólo iban a elegir dos chicos para los cursos de verano de Kerche en Buenos Aires y me becaron por todo el año. Siempre digo que mi formación en Buenos Aires fue en Arte y Cultura y en el Ballet Metropolitano con la gira a Rusia. Así fue como a los 14 años me fui solo a Buenos Aires porque mi mamá, que fue la que siempre nos mantuvo, tenía que seguir trabajando. Viví en una suerte de pensión internacional, y mi mamá me mandaba dinero para mantenerme.

John Neumeier en un ensayo con Ciro Mansilla en el Sttutgart Ballet. Foto gentileza Ciro Mansilla.

D: ¿Y cómo surgió tu interés por la danza desde tan chiquito, siendo varón y con todos los prejuicios que aún existen?

CM: Mi mamá es profesora de danzas orientales, pero nunca me incentivó a ser bailarín, si bien mi hermano y yo siempre bailábamos con mi mamá. Pero ella me llevaba a hacer deportes y yo me aburría mucho. En el club ciclista fue donde peor la pasé, a pesar de haber ganado premios. A ese club iba gente de mucho dinero y fue duro para mí porque era el pobre del grupo y me lo hacían sentir. Y los chicos son muy crueles con esas cosas.

D: Tal vez por envidia o recelo…

CM: Nunca pensé en la envidia, siempre me concentré a disfrutar de lo que hago. Y el tema del ballet fue casualidad. Había dejado de hacer gimnasia artística porque me cargaban, y un amigo de mamá dijo que era muy inquieto y le propuso que me entretuviera con danza clásica. Mi mamá pensó que iba a dejar a los dos meses, pero hice mi primera clase y me enamoré perdidamente de la danza. Recuerdo que salí de allí y le dije a mi mamá: “quiero hacer esto”.

D: ¿Y ahora qué dice tu mamá?

CM: Llora. Dice que le tengo que comprar tres entradas, la primera porque cuando entra se pone a llorar y no ve nada porque llora; la segunda porque cuando me ve llora, y la tercera, porque recién ahí puede ver el ballet tranquila y puede verme bailar. Estoy tratando de ahorrar para que venga.

D: ¿Cómo vas haciendo tu inserción en Alemania?

CM: Nunca pensé que iba a estar ahí. El idioma es muy difícil, pero por suerte tengo un buen manejo del inglés porque todo el mundo habla inglés aquí. También hay mucha gente que habla español, muchos italianos que hablan español, y tengo una amiga argentina acá. Estamos en una época de cambios en la compañía y hay muchos bailarines nuevos y jóvenes. Me siento muy cómodo acá, y si bien soy muy tímido, me gusta relacionarme con la gente. Hice varios amigos con los que nos reunimos a charlar y vamos a pasear. Al fin y al cabo, si bien cambia la cultura, todos somos seres humanos. Nunca senté cabeza en ningún lugar, ni siquiera donde nací. Siento que donde pueda bailar y hacer lo que amo, ese es mi lugar.

“Adagietto”, de John Neumeier, presentado en el Teatro Coliseo por Florencia Chinellato y Matías Oberlin, solistas del Ballet de Hamburgo. Foto: Marc Haegeman. Gentileza Fundación Arte y Cultura.

Quizás porque la vida está hecha de cambios. Quizás porque es necesario partir para después volver. Quizás porque partir es crecer, y crecer no solo significa convertirse en un profesional exitoso, sino también, en un nuevo ser humano. Estos bailarines de la diáspora debieron pasar el dolor del exilio para convertirse en lo que son hoy. Exitosos, reconocidos, sólidos.

“Evolution”, que subió a escena en el Teatro Coliseo el 28 y 29 de julio, y que llega el 1 de agosto al Teatro Círculo de Rosario, es un espectáculo que congregó una diversidad de bailarines argentinos radicados en el exterior. Talentosos, brillantes, transitaron desde el clásico al neoclásico, y del neoclásico al contemporáneo. Una gala dividida por un intervalo y una sucesión de obras cortas y fragmentos de reconocidos ballets, abrió las puertas a estos jóvenes que han sabido encontrar un espacio distinguido en las compañías internacionales. Una realidad que llena de orgullo y que, de alguna manera, reafirma que vale la pena el esfuerzo y la pasión.

Si bien la campaña publicitaria anunciaba a la “etoile” de la Opera de París, Ludmila Pagliero, una lesión impidió que integrara esta gala, pero su ausencia no impidió la calidad. La primera parte comenzó con “Pulsos”, interpretado Los Ballets de Araiz, que se lanzaron con una pieza fresca, dinámica, que recupera elementos del folclore tradicional, los estiliza, los reedita, y explora sonidos, ritmos y formas. El mismo grupo abrió la segunda parte de esta gala con “Canto Jondo”, una coreografía de Oscar Araiz sobre una partitura de Carlos Surinach. Una estilización de diferentes palos del flamenco, reminiscencias ibéricas y moriscas, y un grupo de bailarines absolutamente involucrados con la propuesta artística.

Carolina Agüero, primera bailarina del Ballet de Hamburgo, junto a Thomas Bieszka, solista de la Ópera de Dresden, interpretó el Adagio del segundo acto de “Lago de los Cisnes”. Foto gentileza Fundación Arte y Cultura.

“Remanso”, interpretado por Compañía en Movimiento, pone a un trío de dos bailarines en una disputa de amores contrariados sobre una realización de Analía González. Siguieron luego, Carolina Agüero y Thomas Bieszka, con el Adagio del segundo acto de “Lago de los Cisnes”. Un pas de deux al que le faltó la emoción y la intensidad que requiere este clásico. Si bien ambos bailarines tuvieron un correcto desempeño técnico. Agüero, con bellos brazos, logró momentos interesantes y potentes. Pero fue en la propuesta neoclásica de la segunda parte, “Invisible Grace”, de Yaroslav Ivanenko, donde alcanzaron una mayor comunicación.

“Las Euménides”, otra de las obras que es una suerte de ballet contemporáneo con puntas, que roza el neoclásico, convocó a tres bailarinas argentinas de diferentes compañías: Paula Cassano del Ballet del Teatro Colón, Julieta Paul del Teatro Argentino de La Plata, y del Ballet del Sur, Carolina Basualdo. Un excelente trabajo de coordinación de este trío que se arriesgó a ritmos mediterráneos con frescura y solidez.

Pero dos de las grandes las estrellas de esta gala fueron Florencia Chinellato y Matías Oberlin, solistas del Ballet de Hamburgo, dirigido por John Neumeier. Intensos y profundos en “Adagietto”, esa bella y conmovedora partitura de Gustav Mahler realizada por Neumeier, y magníficosy apasionados en “La dama de las camelias”, también de Neumeier, con música de Chopin. Tanto en la primera como en la segunda obra, Chinellato hizo gala de su magnífica y delicada técnica. Una bailarina capaz de descubrir sutilezas y de encontrar el refinamiento justo como si tejiera una delicada filigrana, de sólidas piernas y asombrosos brazos. Una absoluta delicia.

Lucas Segovia deslumbró con dos solos, uno de Annabelle López-Ochoa y otro de Bob Fosse. Foto gentileza Fundación Arte y Cultura.

Con acierto, los dos arrolladores solos de Lucas Segovia quedaron para el final. Deslumbrante por su velocidad, su atletismo, su fuerza interpretativa, Segovia es de esos bailarines que puede cubrir con solvencia desde lo clásico a lo contemporáneo. Su enriquecimiento en el Joffrey Ballet mostraron un desborde de talento deslumbrante. El estreno de “Vendetta”, de una de las más renombradas coreógrafa contemporáneas, Annabelle López-Ochoa, trajo una mezcla de danza-jazz, teatro, algunos elementos estilizados del Hip-Hop y danza callejera. Impecable. Y para el cierre, “Percussion 4”, de Bob Fosse. Una obra de una potencia arrasadora, y un bailarín indiscutible, casi imposible de describir con palabras.

Fuera de los convencionales pas de deux tradicionales y obligados de todas las galas, ésta dejó el magnífico sabor de una mirada diferente, pero por sobre todo, marcó el regreso de los hijos pródigos.

Lucas Segovia interpretará dos solos en “Evolution”, una gala que convoca bailarines de diferentes compañías internacionales. Foto: Cheryl Mann. Gentileza: Fundación Arte y Cultura.

Inesperada. Sorpresiva. La invitación esperaba en la casilla de “emails”. Mientras, Lucas Segovia, en Nueva York, ensayaba para un gala que, tiempo después, se hizo en Florida en honor de Wendy Whelan, una de las reconocidas bailarinas del New York City Ballet. Al leer el mensaje, y casi sin confesarlo, su corazón dio un vuelco. Hacía 10 años que no bailaba en la Argentina y ahora, el director de Arte y Cultura, Juan Lavanga, le estaba proponiendo una vuelta impensada. Con ansiedad, revisó su agenda. Las fechas coincidían con lo que iban a ser sus únicas vacaciones. Pero no importaba.

La propuesta fue: hacer dos solos de ocho minutos aproximadamente como parte de “Evolution”, un espectáculo de danza y ballet en el que también participarán la Primera Bailarina del Ballet de Hamburgo, Carolina Agüero, Thomas Bieszka, Bailarín solista de la Opera de Dresden, Florencia Chinellato (solista) y Matias Oberlin, del Ballet de Hamburgo. Y junto a ellos, primeras figuras de Ballet del Teatro Colón, Paula Cassano; del Teatro Argentino de La Plata, Julieta Paul; del Ballet del Sur, Carolina Basualdo y de Los Ballet de Araiz. Todos bajo la coordinación artística de Mario Gallizzi.

Desde hace 10 años el argentino Lucas Segovia, es uno de los principales representantes hispanos en el mundo del ballet de los Estados Unidos. Foto gentileza: Fundación Arte y Cultura.

“Evolution” se presentará el 28 y 29 de julio, en el Teatro Coliseo, de Buenos Aires, y el primero de agosto en el Teatro El Círculo de la ciudad de Rosario, Santa Fe. Una propuesta a la que no podía decir que no.
Segovia, llegó por primera vez a los Estados Unidos con la compañía de Julio Bocca, y despertó admiración por su musicalidad y talento. Tiempo después apareció como bailarín principal del Washington Ballet, para luego terminar en el histórico Joffrey Ballet, donde durante muchos años formó parte de la compañía y actualmente es bailarín invitado.

Cuando tuvo que pensar en el repertorio para “Evolution”, Segovia optó por el estreno de “Vendetta”, una obra de la reconocida coreógrafa belga-colombiana, Annabelle López-Ochoa, y por “Percussion 4”, del inolvidable Bob Fosse.

Danzahoy: ¿Cuál fue el criterio para la selección de estos dos solos en tu primera gala en Buenos Aires?
Lucas Segovia: “Vendetta” es una pieza que Annabelle (López-Ochoa) creó para mí y lo hicimos en el Joffrey Ballet. Pero además, no quería llevar coreógrafos muy conocidos, quería algo nuevo. Viajé a Canadá a trabajar con ella en los dos días libres que tuve en las funciones del musical “Oklahoma”. Después, nos encontramos otros cuatro días en Nueva York para pulir detalles. Y el solo de Bob Fosse, que lo había bailado Julio Bocca, era una de las obras que siempre tuve en mente. Si bien fue bastante complicada la logística, porque el contrato es muy estricto y con cláusulas complicadas.

D: ¿Cómo es volver después de 10 años?
L.S.: Siempre lo soñé, pero no me había imaginado que se iba a dar de esta manera. Por un lado, poder presentar en la Argentina obras que realmente amo, como la de Annabelle, que hace un trabajo maravilloso. Y llevar a escena la obra de Bob Fosse, que siempre quise bailar, es increíble. Además, que mi familia, mis amigos, mis profesores puedan estar ahí, y puedan verme, algo que no siempre se da estando fuera del país, es muy emocionante. No siempre se puede coordinar todas estas cosas juntas. Es como si se hubiera dado una intervención divina.

D: ¿Cómo fue tu experiencia de ser el único argentino en una compañía como el Joffrey Ballet?
L.S.: Amo la compañía por toda su tradición, por lo que significa, por lo que hace, pero después de un tiempo, sentí que estaban pesando otros intereses. Y empecé a interesarme en el género del musical. El primero fue “West Side Story”, y luego de esa temporada con este primer musical, tenía que reintegrarme al Joffrey. Pero cuando empezó a picarme “el bicho” del teatro musical, sentí que tenía que tomar distancia y ser simplemente bailarín invitado. No quería estar piediendo permisos permanentemente. Pero la compañía es maravillosa y mi experiencia fue maravillosa. Podía hacer todo el repertorio que quería, pude exponerme a coreógrafos con los que quería trabajar, pude hacer todo lo que quería hacer y en una ciudad que me gusta, con gente que me gusta. Por otra parte, me hace muy feliz vivir en una ciudad como Chicago donde le dan importancia al arte. Sin ir más lejos, en el aeropuerto hay una gigantografía mía, y eso me llena de orgullo, no sólo porque soy yo, sino porque es una forma de representar a la ciudad.

Lucas Segovia y Cara Maria Gary del Joffrey Ballet en una obra de Anabelle Lopez-Ochoa. Foto: Cheryl Mann. Gentileza: Fundación Arte y Cultura.

D: ¿Y por qué esta incursión en el teatro musical?
L.S.: Es algo muy diferente. Estuve de gira durante un año con “An American in Paris” y la disciplina mental que uno necesita para hacer estos shows es muy distinta. Hacer ocho shows por semana durante un año es una experiencia especial. Llega un punto en el que no sabés en qué día estás y hay que reservar energía para poder seguir. Creo que esa experiencia tan intensa puso a prueba mi resistencia y fortaleza mental para poder hacerlo. Hay otros shows que me funcionan mejor porque son contratos más cortos.

D: ¿Cómo evaluarías tu crecimiento como profesional desde tu llegada a los Estados Unidos?
L.S.: Me fui de aquí siendo profesional. Me siento feliz de haber bailado en la Argentina, y tuve la suerte de haber estado en el momento y el lugar adecuado con un repertorio bastante amplio. Cuando me mudé a los Estados Unidos tenía sueños. Quería bailar los emblemáticos americanos y trabajar en una compañía que me inspirara. Y esa fue la de Christopher Wheeldon, después fue el Joffrey Ballet que me dio la posibilidad de trabajar con coreógrafos internacionales y de bailar la cantidad de funciones con las que soñaba bailar. Pude recorrer el mundo con el Joffrey, y también hacer otro tipo de proyectos: teatro, tv, cine… Y no puedo hacer un balance porque todavía estoy viviéndolo. Me llena de felicidad decir que éste era el sueño que tenía a los 19 cuando empecé y ahora que tengo 32 lo puedo ver. Estoy en una ciudad y en un país donde al decir que sos bailarín, la gente lo toma con respeto. Me parece fantástico que haya respeto por el trabajo artístico.

D: ¿Y la distancia, los afectos, la soledad?
L. S.: Como persona, uno crece en el deasarraigo, la tristeza de la soledad, y eso influyó en mi carrera artística por lo lejos que estoy de mi familia y de la gente que quiero. Y creo que esta ebullición profesional fue porque tenía siempre en claro lo que quería hacer. No es que en cada función tuve a alguien con quien quería estar, muchas veces he vuelto a casa solo. Me he sentido muy solo y muy triste, pero nunca pensé en dejar todo y volver. Porque soy consciente de la bendición y la suerte que tengo, y no es para tirarla por la ventana. Uno vive en esa tristeza de la soledad, pero aún así sigo eligiendo esto.

“Evolution” – Programa
Por Carolina Agüero y Thomas Bieszka
“Trois Gnossiennes”
Música: Erick Satie
Coreografía: Hans Van Manen
“In The Middle”
Música: Thom Willems
Coreografía: William Forsythe

Por Florencia Chinellato y Matias Oberlin
“Adagietto”
Música: G. Mahler
Coreografía: John Neumeier
“La Dama de las Camelia”
Música: F. Chopin
Coreografía: John Neumeier

Por Lucas Segovia
“Vendetta” (estreno mundial)
Música: Hauschka / Elizabeth Bay
Coreografía: Annabelle López-Ochoa
“Percussion 4” de Bob Fosse
Música: G. Harrell
Presentado con Permiso y Cortesía de The Verdon Fosse Legacy LLC.

Las tres primeras figuras argentinas realizaran la obra “Las Euménides”: Julieta Paul del Ballet del Teatro Argentino de La Plata, Paula Cassano del Ballet del Teatro Colón y Carolina Basualdo del Ballet del Sur.
Coreografía: Bernard Courtot de Bouteiller
Música: Dead Can Dance

Danza Contemporánea de Cuba presentó “Consagración” pocos días antes de la fecha de la primera audición de la pieza de Stravinski con coreografía de Vaslav Nijinski, hace 150 años. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza DCC.

Una nueva temporada de Danza Contemporánea de Cuba (DCC), la compañía alma mater del género en la isla, en la Sala García-Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso tuvo esta vez el gran incentivo de un “intrigante” estreno absoluto de “Consagración”: una coreografía con el soporte musical de la celebérrima partitura de Igor Stravinski, Rito de primavera. Se trata de una versión particular o idiosincrática de una dupla formada por los jóvenes creadores franceses Jonathan Pranlas-Descours y Christophe Béranger, fundadores de la agrupación Sine Qua Non Art.

En la génesis de la realización de este proyecto artístico entre Cuba y Francia, está el fuerte apoyo de varias instituciones culturales de ambas naciones, teniendo en cuenta los notorios aniversarios que confluyen durante este año, tales como la tercera edición del Mes de la Cultura Francesa (instituido por el entonces presidente galo Francois Hollande); el aniversario 180 del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso (donde se estrena la pieza); los 90 años del estreno del ballet “La Rebambaramba” (1928) del compositor Amadeo Roldán con textos del novelista Alejo Carpentier, así como las celebraciones  por los 50 años del debut en Cuba del Ballet del Siglo XX, con la presentación habanera del “Rito de primavera” de Maurice Béjart; y como dato curioso del reforzamiento de los nexos cubano-franceses, recordaré que el debut internacional de DCC (como se la conoce hoy) fue en el Festival de Teatro de las Naciones de París (1961), y una de las coreografías presentadas fue precisamente “La Rebambaramba” cuya creación, como señalara el propio Carpentier en su paradigmático libro “La música en Cuba”, tiene muchos nexos con la admiración del cubano –nacido en París- Roldán  por la música de Stravinski y su innegable influencia “en la vanguardia musical cubana de los años veinte y treinta” de la pasada centuria.

Danza Contemporánea de Cuba rescata en “Consagración” las peculiaridades estéticas del contexto cubano. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza DCC.

En los orígenes de “Consagración” está presente la obra de Alejo Carpentier, Premio Cervantes de las Letras, como autor de la elogiada novela “La consagración de la primavera”, con la que se consagra como “el más grande cronista de la cultura francesa en Cuba y de la cultura cubana en Francia” (después del 1960 hasta su deceso, se desempeñó como diplomático en la embajada cubana en París). El título de su novela, según ha confesado públicamente, fue un homenaje dedicado a la tan admirada partitura homónima de Stavinski.

Esta versión de Béranger y Pranlas-Descours tiene otros dos antecedentes que no llegaron a cuajar, por diferentes motivos, o fatalidades humanas. En 2004, junto al coreógrafo cubano Iván Tenorio (fallecido en años recientes), DCC quería crear una “Consagración de la primavera”, a partir de la visión carpenteriana, en el año del centenario del novelista (por “oscuras razones no fue posible”, según Brooks Gremps, en el programa de mano); y a inicios de 2005, la ex bailarina y ballet mistress  Menia Martínez (residente en Bruselas) llegó al DCC con el sueño de Béjart no realizado de montar su obra con el conjunto cubano, empero otra vez se frustró el empeño por el deceso del francés en 2007.

En vísperas del aniversario 60 de DCC, (primeramente Danza Moderna), en 2019, esta “Consagración” se estrenó pocos días antes del 29 de mayo, fecha de la primera audición de la pieza de Stravinski con coreografía de Vaslav Nijinski, hace 150 años, “Cuando fue aplaudida y abucheada, hasta la turbamulta, en el Teatro de los Campos Elíseos”, en la avenida Montaigne de París.

La escritura coreográfica que nos entregan ahora los creadores galos no está inspirada en la novela de Carpentier, según ellos han expresado ante los medios. Lo que han tratado es de apresar escénicamente las intenciones de la bailarina rusa Vera afincada en la isla, personaje protagonista de dicha novela, quien pretendía “llevar a la escena la fuerza, la armonía y el espíritu del cubano cuando danza”.

Gran reto afrontaron los coreógrafos de esta singular versión, al buscar -por supuesto- una distintiva autenticidad y originalidad en la concepción general de su proyecto, cuando existen más de una decena de versiones coreográficas sobre esta música, tales como las iniciáticas de Nijinski, Léonide Massine, Lester Horton, Miloss, las más recientes: de Richard Alston, Tetley, pasando por Kenneth MacMillan, John Neumeier, Hans Van Manen, así como las más representadas de Pina Bausch, Mats Ek o Angelin Preljocaj (sin olvidar la mencionada de Béjart). Este cronista ha podido, con fortuna, testimoniar algunas de ellas en vivo o en filmaciones o vídeos.

Mis consideraciones al respecto de esta “revisitación” de la partitura stravinskiana (ejecutada con acierto en vivo por la Orquesta sinfónica del GTH AA, dirigidas por su titular Giovanni Duarte y su asistente César E. Ramos), al conectarla con las peculiaridades etno-estéticas del contexto cubano, en sus raíces africanas, ofrece un resultado exento de folclorismos a ultranza, sin menoscabo de las intenciones primigenias. Sin duda, a ello ha sido fundamental la contribución humana, antes que todo, la excelente formación técnica y proyección física de los miembros del cuerpo de baile mixto elegido, con un ajustado atletismo ritualista, matizado con la sensualidad al linde del erotismo de la sección femenina. En la ejecución precisa de las evoluciones, observamos un austero uso del contact y elegantes pasos de saltos y poses provenientes del “clásico”.

Sin duda, en la construcción logran conectar los movimientos con las impresionantes sonoridades tímbricas, los ritmos complejos, los atonales acordes  de la partitura del autor ruso, con el evidente objetivo de “evocar los juegos primitivos de la Rusia pagana”.

“Consagración”, de los coreógrafos Jonathan Pranlas-Descours y Christophe Béranger, está presente la obra de Alejo Carpentier, Premio Cervantes de las Letras. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza DCC.

Esta puesta en escena minimalista se enriquece con los aportes creativos de los diseñadores de luces (protagonistas en cada instante dramático) y de los figurines (los propios coreógrafos con colaboración del cubano Vladimir Cuenca): todos en maillots negros con los rostros cubiertos con un largo velo grisáceo, que cumple su cometido al extender las gestualidades en algunos diseños circulares. Al final, una espléndida chica solista, como la elegida, se arranca el velo mostrándonos su verdadero rostro, acto seguido el resto de los miembros de este “ritual” repiten ese gesto: no más sacrificios solitarios de una fémina, es un signo final de rebeldía colectiva en pro de la equidad como metáfora poética lograda. En este punto, el “black out” total, luego el estallido de los aplausos cerrados como prueba de aceptación.

En esta temporada, siempre dirigidos por Miguel Iglesias, quien recibió el pasado mes de abril el Premio Nacional de Danza, se bailó otras obras del repertorio activo de DCC; como “El Cristal” y “Coil”, de Julio César Iglesias, que alternaron con la pieza coral de George Céspedes “Matria Etnocentra”.

La italiana Silvia Azzoni, como La Sirenita, en la versión de 2005 de John Neumeier del cuento de Hans Christian Andersen. Foto: Holder Badekow. Gentileza JFKC.

Casi como en una fotografía lejana, el poeta es quien escribe la historia, y a su vez, crea y recrea los personajes. Esos que se lanzan al amor y a la pérdida del amor. Humanos o irreales, pero entrañables al fin. Un barco, un príncipe, una princesa, un hechicero del mar, y una pequeña sirena entretejen una trama que transcurre entre el fondo del mar y la tierra.

El coreógrafo John Neumeier, director del Hamburg Ballet, se sumergió en las profundidades de esta dramática historia escrita por Hans Christian Andersen en 1837, y fue descubriendo otros perfiles desde una mirada contemporánea, sugerente, a veces diabólica, y de una belleza superlativa.

“La sirenita”, pieza creada por Neumeier para el Royal Danish Ballet con motivo del 200 aniversario del nacimiento del escritor en 2005, se presentó desde el 28 de marzo al 2 de abril en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC. Una interpretación moderna del clásico cuento “The Little Mermaid”, esa historia de un amor imposible entre un humano y una sirena que luego, con un final menos dramático, se convirtió en clásico para niños.

El coreógrafo John Neumeier, director del Hamburg Ballet, propuso un diseño escenográfico moderno paras esta versión de “La Sirenita”. Foto: Holder Badekow. Gentileza JFKC.

El Hamburg Ballet, estrenó en Alemania “La Sirenita” en 2007, con música de Lera Auerbach, joven compositora estadounidense que supo encontrar la melodía justa para expresar la profundidad misteriosa del mar a través de una composición con efectos atonales, atractiva y sobrecogedora. Mientras que para el mundo terrestre, optó por música tonal con estridencias y cierto predominio de los metales en algunas secuencias. Esta obra es su segunda colaboración con Neumeier.

La historia no varía notablemente del cuento original de Andersen, solo que Neumeier describe con agudeza los conflictos emocionales del personaje y su dependencia con su creador, el poeta. La figura central de la obra es la sirena que rescata al príncipe de un naufragio, se enamora de él, y mediante la ayuda del hechicero de los mares, se convierte en humano para ir en busca de su amor en la tierra. Un empeño infructuoso en el que termina siendo dama de la corte en la boda del príncipe con la princesa Henriette.

En esta versión para adultos, la protagonista, transformada en una mujer bella con piernas, pero sin voz, se ve presionada por el hechicero, quien la pone en la encrucijada de matar al príncipe a cambio de volver a ser una sirena. Por amor, ella se niega, y se convierte en un alma inmortal que navega el universo junto al poeta, su creador.

Los intérpretes de esta obra de danza-teatro transitan por sobrecogedores momentos. La italiana Silvia Azzoni, como La Sirenita, hace un asombroso trabajo corporal e interpretativo. Conmovedora, intensa, expresiva, la bailarina es capaz de transformarse en un misterioso y enigmático ser marino, y al mismo tiempo, en un desolador aprendiz de humano. Un trabajo memorable que queda en el corazón del espectador y llega hasta doler.

Lloyd Riggins, como el poeta, pone un toque sombrío a este drama en el que sus conflictos internos se dibujan a través de la trama. Carsten Jung, un bailarín sólido, con excelente técnica, en su rol de príncipe Edward muestra una imagen fresca y encantadora, y a su vez, es un excelente partenaire. La argentina Carolina Agüero, cuya formación se remonta a la Escuela de Ballet Teatro Rivera Indarte y al Ballet Argentino dirigido por Julio Bocca, hizo una magnífica interpretación de Henriette. Con un rol más clásico que contemporáneo, Agüero es una bailarina delicada, con cuidado estilo.

Silvia Azzoni protagonista de “La Sirenita”, hace un asombroso trabajo corporal e interpretativo. Foto: Kiran West. Gentileza JFKC.

Sin embargo, más allá de los impecables bailarines que integran esta compañía, esta versión de “La Sirenita” lleva, inevitablemente, el sello de Neumeier: una mezcla de neoclásico y contemporáneo, danza-teatro, y estructuras coreográficas diversificadas en escena. Un estupendo vestuario, también de Neumeier, en el que el color y el diseño moderno generan un clima especial desde lo visual, al igual que la escenografía, minimalista, bella. Con detalles de luces de neón y paneles ubicados en distintos planos generando diferentes espacios, Neumeier crea un entretejido narrativo que se transforma a través de climas y texturas. De esa forma Neumeier llega al desenlace en el que finalmente, la sirena y el poeta, ascienden hacia un universo único, eterno y sublime, tan sublime como esta otra.

Lauren Cuthbertson y Edward Watson, de The Royal Ballet, ofrecieron un fragmento de “Romeo y Julieta” de Kenneth MacMillan. Foto: Jack Devant. Gentileza Jack Devant.

El cuarto centenario del fallecimiento de William Shakespeare (1564-1616) fue el eje temático escogido por el Festival Internacional de Ballet Benois de la Danse, para la gala que reunió a galardonados en diferentes ediciones. Cómo han visto los ojos de diferentes coreógrafos a lo largo de la historia del ballet las obras de “El Bardo de Avon” es un buen punto de partida para un espectáculo más comedido en su duración que el día anterior. En apenas tres horas, desfilaron por el escenario del Teatro Bolshoi de Moscú, cuatro versiones coreográficas de “Romeo y Julieta”, dos de “La fierecilla domada”, “Otelo” y “Hamlet”, y una de “Macbeth”, “La tempestad” y “As you like it”.

Honrando la memoria de Leonid Lavrovsky (1905–1967), autor de la primera versión coreográfica de “Romeo y Julieta” sobre la partitura de Sergei Prokofiev (estrenada en Brno, en 1938 y en el Teatro Kirov de la entonces Leningrado, en 1940), Anastasia Soboleva y Victor Lebedev (Ballet del Teatro Mikhaikovsky) abrieron la gala con los enamorados de Verona. En contraposición, “La tempestad” de Mauricio Wainrot agitó la escena, gracias a Sol Rourich y Rubén Rodríguez (Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín, Argentina). La ambición y la traición de “Macbeth” vinieron de la mano de Yulia Stepanova y Denis Rodkin (Bolshoi Ballet), en una intensa interpretación de la creación de Vladimir Vasiliev. Para aligerar la densidad de tragedias, “La fierecilla domada”, en versión de Jean-Christophe Maillot (Les Ballets de Monte-Carlo), puso un punto de humor, gracias a la conjunción de Olga Smirnova y Semyon Chudin (Bolshoi Ballet).

Continuando con el intenso y extenso homenaje al septuagenario coreógrafo John Neumeier, que lleva cuatro décadas al frente del Ballet de Hamburgo, se presentó un dúo de “Otelo”, interpretado con vehemencia por los bailarines de su compañía Anna Laudere y Carsten Jung. El mayor contraste de la noche procedió de los dos extractos de piezas del fallecido Maurice Béjart. Su “Romeo y Julieta”, en la piel de Katerina Shalkina y Julien Favreau (Béjart Ballet de Lausanne), sonó con un swing diferente gracias a la música de Duke Ellington. La primera parte finalizó con los aclamados por el público Silvia Azzoni y Alexandre Riabko (Ballet de Hamburgo), con un extracto del “Hamlet” de Neumeier.

Otro “Romeo y Julieta” muy contemporáneo y diferente inició el segundo acto. En esta ocasión, en versión del francés de origen albanés Angelin Preljoçaj, cuyos bailarines Virginie Caussin y Redi Shtylla corporeizaron de nuevo a los desdichados enamorados. Y nuevamente sonó Duke Ellington, eta vez, para un dúo de “Hamlet”, salido de la imaginación de Béjart e interpretado por la pareja Shalkina-Favreau. El trabajo de John Neumeier recuperó presencia en escena con un dúo de “As you like it”, también interpretado por el tándem Azzoni-Riabko. El coreógrafo Lar Lubovitch firmó el segundo “Otelo” de la noche, ofrecido por Victoria Jaiani y Fabrice Calmels (The Joffrey Ballet, Chicago). Con esa actitud de revisar clásicos de forma poco ortodoxa, Mats Ek creó su propia lectura de “Juliet and Romeo”, de la que se ofreció un pequeño dúo por Mariko Kida y Anthony Lomuljo (Real Ballet de Suecia). El espectáculo finalizó con una pequeña suite o fragmento de una extensión superior a un paso a dos, de “La fierecilla domada” del creador galo Maillot, interpretada con solvencia por ocho bailarines del Bolshoi Ballet.

La gala de laureados con el Benois de la Danse resultó más amena que el espectáculo del día anterior, pese a que cuatro versiones de “Romeo y Julieta” pueden crear saturación de enamoramiento adolescente. Aún y todo, se echó de menos la aportación coreográfica de John Cranko, tanto en “Romeo y Julieta” como en “La fierecilla domada”. También contribuyó al éxito que la duración fue un poco inferior y que la combinación de piezas en el programa resultó más acertada, amén de un público más efusivo que la víspera en cuanto a aplauso. Con los Benois de la Danse –‘Óscar’ del ballet- en la vitrina de sus respectivos ganadores y con dos mega espectáculos en cuanto a su duración, el Teatro Bolshoi de Moscú piensa ya en los festejos de celebración del 90 cumpleaños del legendario Yuri Grigorovich. No obstante, no hay que perder de vista la próxima edición del Festival Internacional de Ballet Benois de la Danse, que celebrará sus bodas de plata, y, a buen seguro, que volverá a ofrecer espectáculo de ballet en su nivel más excelso y extenso. Ser una de las reconocidas cunas del ballet, a fuerza obliga.

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La premiada como Mejor Bailarina Alicia Amatriain y Jason Reilly, del Stuttgart Ballet, interpretaron un fragmento de “Un tranvía llamado deseo”, de John Neumeier. Fotografía gentileza de Jack Devant.

Finalizada la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse y con apenas una breve pausa, comenzó en el Teatro Bolshoi de Moscú la tradicional gala de nominados. De entrada, puede resultar extraño que los participantes intervengan en el espectáculo con los galardones ya entregados. De esta manera, habrá quien esté eufórico por contar con un Benois –considerado el ‘Óscar’ del ballet- en su camerino y quien se haya quedado con las manos vacías. Dividida en dos partes y con una duración de tres horas, la gala de nominados desplegó un amplio abanico de posibilidades interpretativas sobre el escenario del mítico Bolshoi.

Como si el ballet quisiera volver sus orígenes cortesanos, un sexteto de bailarines del Mariinsky Ballet presentó un fragmento de “Divertissement of the King”, coreografía del nominado Maxim Petrov, sobre la música del compositor barroco francés Jean-Philippe Rameau. El contrapunto a los modos y maneras versallescas, llegó de la mano del dúo de “Carmen”, obra creada para la Compañía Nacional de Danza, por Johan Inger, premiado como mejor coreógrafo. Acostumbrado a propuestas más clásicas, quizás el público se sorprendió por este fragmento interpretado con solvencia por Emilía Gisladöttir y Daan Vervoort (CND). La escena “Tears” de la obra “Emperor Yu Li”, con coreografía del nominado Zhang Yunfeng y bailado por Hu Yuting y Sun Ke (Beijing Dance Academy), se alargó en exceso, para dar pie al dúo de “Cinderella”, creado por el nominado Mauro Bigonzetti, e interpretado por Virna Toppi y Christian Fagetti (La Scala de Milán). Al volver el clásico a escena con un paso a dos de “Giselle”, protagonizado por la nominada Rebecca Bianchi y su partenaire Claudio Cocino (Ballet de la Ópera de Roma), los espectadores demostraron su preferencia por ese estilo, ratificada con el “Tchaikovsky. Pas de deux”, bailado por Emily Slawski y Dmitry Zagrebine (Real Ballet de Suecia).

Oxana Skorik y Philipp Stepin, del Mariinsky Ballet de San Petersburgo, bailaron el clásico “Sylvia”, con el que finalizó la gala de nominados en el Teatro Bolshoi, el 17 de mayo. Fotografía gentileza de Jack Devant.

La primera parte se clausuró de manera impactante por la flamante Benois de la Danse a la ‘Mejor Bailarina’, Alicia Amatriain (Stuttgart Ballet), quien junto a su partenaire Jason Reilly, pusieron el corazón en un puño al espectador por su soberbia interpretación de la durísima escena de la violación a Blanche DuBois, extraída de “Un tranvía llamado deseo”, coreografía del también galardonado John Neumeier. Dramatismo puro en el punto de inflexión de la obra que, sin embargo, tiene difícil acomodo en una gala, aunque la petición de la organización era interpretar la obra por la cual el candidato estaba nominado.

Si la primera parte había mostrado su apuesta por la danza más actual, el segundo acto se inclinó por dar preferencia al clásico. Así, Hannah O’Neill (Ballet de la Ópera de París) – ‘Mejor Bailarina’, ex aequo con Amatriain- inauguró esta parte con un paso a dos de la obra de repertorio “Esmeralda”, contando con Hugo Marchand como pareja. Continuó la pieza “L’Arlésienne” de Roland Petit, dúo de gran belleza de los nominados Bianchi y Alessandro Riga (CND), que dio paso a “What love tells me”, en claro homenaje a John Neumeier –reconocimiento a toda su trayectoria-, e interpretada por los aclamados bailarines Silvia Azzoni y Alexandre Riabko (Ballet de Hamburgo).

Con la ventaja de actuar en casa, Olga Marchenkova y Artemy Belyakov (Bolshoi Ballet) presentaron un fragmento de “Hero of our time”, de Yuri Possokhov , premiado como ‘Mejor Coreógrafo’, ex aequo con Inger. El tramo final de este acto volvió a recurrir a piezas de repertorio bien conocidas por los espectadores moscovitas como “Schéhérazade”, de Michel Fokine, obra gracias a la que Kimin Kim (Mariinsky Ballet) recibió el premio como ‘Mejor Bailarín’ y de la que bailó un extracto con Nadejda Batoeva; un paso a dos de “Romeo y Julieta”, de sir Kenneth MacMillan, interpretado con exquisitez por Lauren Cuthbertson y Edward Watson (The Royal Ballet); y “Sylvia”, en la versión de sir Frederick Ashton, bailada con una técnica impecable por la figura emergente Oxana Skorik y Philipp Stepin (Mariinsky Ballet).

Todos los participantes en la gala de nominados de los XXIV Premios Benois de la Danse, en el Teatro Bolshoi de Moscú, el 17 de mayo. Fotografía gentileza de Jack Devant.

En general, el público ruso tiene fama de conocedor del ballet. Por sus aplausos, la sensación que transmite es que aprecia y se deleita con el ballet clásico, pero no llega a conectar en exceso con las piezas contemporáneas. Además, al parecer, la tradición es que, en las galas, una voz en off anuncia los créditos de cada pieza, lo que resulta chocante para el espectador foráneo y, de alguna manera, interrumpe la fluidez de un espectáculo ya excesivo en su metraje. Si la velada se inició a las 19.00 hora local con la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse, finalizó cuando el reloj marcaba las 23.00 horas. En una gala tan extensa, quizás sería interesante un ojo externo a la hora de conformar la combinación de piezas del programa, que dicho sea de paso, podía haber tenido más ritmo. Probablemente sea una cuestión de diferente percepción del concepto de espectáculo. Consideraciones aparte, la gala de nominados fue una kilométrica y aplaudida muestra de tres horas y es que la fama del Bolshoi requiere de exhibiciones mastodónticas para mayor gloria de las leyendas que han bailado sobre sus tablas.

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Hannah O’Neill y Alicia Amatriain compartieron el Benois a la Mejor Bailarina, en la ceremonia que tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de Moscú, el 17 de mayo. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El Teatro Bolshoi de Moscú acogió el 17 de mayo, la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse. Instituidos en 1992 por la Unión Internacional de la Danza, estos galardones son considerados los ‘Óscar’ del ballet. “Realmente es muy gratificante cuando la gente considera que el Benois es la distinción más alta en el mundo del ballet”, asegura Nina Loory, cofundadora y directora artística del certamen.

Jason Reilly y Alicia Amatriain, ambos bailarines del Stuttgart Ballet, en la entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse, en el Teatro Bolshoi de Moscú. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El jurado estuvo presidido por el legendario Yuri Grigorovich, quien celebrará sus 90 calendarios, el próximo 2 de enero y en cuyo homenaje también se está organizando un festival. Además de Grigorovich, formaron parte del jurado José Carlos Martínez (director de la Compañía Nacional de Danza), Marie-Agnès Gillot (Étoile del Ballet de la Ópera de París), Johannes Öhman (director artístico del Real Ballet de Suecia), Xiao Suhua (coreógrafo y profesor del departamento de coreografía de la Beijing Dance Academy), Elisabetta Terabust (estrella italiana del ballet), Yury Fateyev (Mariinsky Ballet) y Linda Shelton (directora ejecutiva de la Fundación del Joyce Theater, en Nueva York).

La ceremonia de entrega quiso revestirse de toda la pompa y solemnidad predicables de uno de los mayores templos del ballet, el mítico Teatro Bolshoi. Como si fuera una mezcla de un acto versallesco con chambelán incluido y una moderna imitación de los galardones más cinematográficos con los videos presentación de cada uno de los candidatos, el acto se alargó en exceso –tanto como sesenta minutos de reloj- y más siendo el prólogo de la gala de nominados, con una duración de tres horas. De cualquiera de las maneras, lo realmente interesante fue el palmarés en el que se aplicó dos veces el juicio salomónico para conceder dos distinciones.

La categoría de mejor coreógrafo aupó a Yuri Possokhov por su creación “Hero of our time” para el Bolshoi Ballet, y a Johan Inger, por sus obras “Carmen” para la Compañía Nacional de Danza y “One on One” para Nederlands Dans Theater.  Como mejor bailarín despuntó el coreano Kim Kimin (Mariinsky Ballet) por sus interpretaciones de “La Bayadère” y “Schéhérazade”.

Octavo para España

Alicia Amatriain y José Carlos Martínez, director de la Compañía Nacional de Danza de España. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El jurado otorgó el Benois a la ‘Mejor Bailarina’ ex aequo a Alicia Amatriain (Stuttgart Ballet), por sus magistrales interpretaciones en “Un tranvía llamado deseo”, con coreografía de John Neumeier, y “The soldier’s tale”, creada por Demis Volpi; y a Hannah O’Neill (Ballet de la Ópera de París), por “Paquita”. “En el caso de ‘Un tranvía llamado deseo’, el reto fue entender a Blanche DuBois y cómo reacciona esa mujer. Es una persona muy compleja que ha sufrido durante toda su vida. Técnicamente, no tiene una coda de 32 fouettés, pero para conseguir que el público entienda su drama, la técnica debe pasar desapercibida”, confesó la intérprete donostiarra. Gracias a la creación del rol del demonio ‘The soldier’s tale’, Amatriain se convirtió en la primera artista española en recibir el der Faust, el pasado mes de noviembre. “Fue un papel muy difícil y físicamente muy duro, que me ha traído muchas alegrías. No puedes salirte del personaje en ningún momento, ya que se perdería la ilusión de la animalidad”.

La artista vasca pone así broche de oro a una temporada prolífica en premios que se inició en septiembre del año pasado con su nombramiento como ‘Kammertänzerin’ –Bailarina de Cámara- del estado de Baden-Württemberg. En su discurso, palabras de agradecimiento para el Stuttgart Ballet, “su casa”, y John Neumeier “por la oportunidad de interpretar este personaje tan complicado que es Blanche DuBois”. De esta manera, Amatriain se alza con el octavo ‘óscar’ del ballet español, tras los intérpretes Ángel Corella (2000), Joaquín de Luz (2009) y Fernando Romero (2011), las bailarinas Lucía Lacarra (2003) y Tamara Rojo (2008), y los coreógrafos Nacho Duato (2000) y José Carlos Martínez (2009).

El premio a la mejor escenografía recayó en Ren Dongsheng por “Emperor Yu Li” de la Beijing Dance Academy. Fuera de las categorías a concurso, John Neumeier recibió el Benois en homenaje a toda su carrera, de manos del mismísimo Yuri Grigorich, y glosó su relación con Rusia, en su discurso. De hecho, la presencia del repertorio de Neumeier fue amplia tanto en la gala de nominados (17 de mayo) como en la gala de laureados (18 de mayo), estando esta última orientada a recordar el 400 aniversario del fallecimiento de William Shakespeare, para lo que se programaron pasos a dos de ballets inspirados en sus obras.

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El director de la Ópera de París, Stéphane Lissner, junto a Aurélie Dupont y a Benjamín Millepie, en la conferencia de prensa del 4 de febrero en París. Foto: Christian Leiber. Gentileza de ONP:

A partir del 1 de agosto, una de las grandes “etoiles” del Ballet de L’Opera de París, Aurélie Dupont, será la nueva directora de la tradicional compañía francesa creada por el rey Luis XIV a mediados del siglo XVII. La decisión fue tomada por el director de la Ópera de París, Stéphane Lissner, tras la renuncia del actual director, Benjamin Millepied. Lissner aseguró estar convencido de que Dupont, de 43 años, “va a aportar muchas cosas” cuando asuma el cargo.

El 4 de febrero el director del Ballet de la Ópera de París, Benjamin Millepied, presentó su renuncia al cargo de director de la compañía. Según trascendidos, la decisión surgió a raíz de una serie de desavenencias con la institución. Millepied, formado en el Conservatoire National en Lyon, hizo su carrera en los Estados Unidos, en el New York City Ballet, donde fue bailarín principal durante largos años.

Luego de su éxito como coreógrafo en la taquillera película “Black Swan”, y de su casamiento con la protagonista del film, Natalie Porter, Millepied fue nombrado para este cargo en enero de 2013, y asumió en noviembre de 2014. La elección de Millepied, en su momento, no dejó de causar cierta inquietud en el medio, ya que la orientación neoclásica del coreógrafo, no coincidía plenamente con el estilo tradicional de una de las pocas instituciones que ha podido conservar la tradición original. Pero al mismo tiempo, fue recibido con buenos ojos por las jóvenes generaciones de bailarines de la institución.

Millepied, nacido en Bordeaux, Francia, asistirá este miércoles 10 a la presentación de la nueva temporada 2016/2017, cuyo diseño y programación lleva su firma. El coreógrafo confirmó que su renuncia se debió a “razones personales” y reafirmó su necesidad de dedicarse a la creación. Todo indica que pondrá su energía en continuar trabajando con L.A. Dance Project, compañía que fundó en 2011 en Los Ángeles, Estados Unidos.

Dupont, que se despidió de la escena el 18 de mayo de 2015 con una última función de “Manón”, de Kenneth MacMillan junto al italiano Roberto Bolle, fue una de las figuras clave de la compañía. Pasó 32 años en la institución, y cuando apenas tenía 9 años ingresó a la escuela de la Ópera de París. La bailarina prometió en conferencia de prensa, entregarse a fondo en la tarea, de la misma manera que lo hizo cuando era bailarina.

La nueva directora entró a la compañía en 1989. Fue “premiers danseurs” en diciembre de 1996, y ascendió a “etoile” en 1998, luego de interpretar el personaje de Kitri en la producción de Rudolf Nuréyev de “Don Quijote”. Recibió el Benois de la Danse en 2001 por su rol de Nikiya en “La Bayadere”, de Nuréyev, y por e Titania en “Sueño de una noche de verano, de John Neumeier.

Dylan Tedaldi y el elenco del NBC en “The Winter’s Tale”. Foto: Karolina Kuras. Gentileza NBC.

“The Winter’s Tale”, una de las últimas historias románticas escritas para teatro por William Shakespeare, llega al Kennedy Center de Washington, DC, en una producción del National Ballet of Canada (NBC). Con coreografía del inglés Christopher Wheeldon, la pieza se estrena por primera vez en los Estados Unidos en el Opera House del Kennedy Center desde el 19 al 24 de enero.

La versión para ballet de esta obra es una coproducción entre la compañía canadiense y el Royal Ballet of London. Después del éxito de la adaptación de “Alice’s Adventures in Wonderland”, obra que el NBC presentó en 2013 en el Kennedy Center, Wheeldon se lanzó con esta versión para seis bailarines de una pieza importante de la literatura inglesa.

Carcomido por los celos el rey Leontes acusa de infidelidad a su esposa, la reina Hermione. Ante la sospecha de que su mejor amigo, el rey Polixenes, tiene un affaire con Hermione, decreta que el hijo que espera la reina quede abandonado en el bosque. La niña crece alejada del reino, criada por pastores que desconocían su linaje. Con el paso de los años, Perdita, la hija de Hermione, convertida en una bella pastora, captura el corazón Florizel, hijo de Polixenes, disfrazado de pastor. Desconociendo sus orígenes los jóvenes enamorados continúan su romance. Y el tiempo revela que el amor reunirá las familias y reparará los rotos corazones.

Wheeldon confesó durante el proceso de creación de este ballet: “Siempre quise llevar una obra de William Shakespeare a la danza y busqué una que no había sido adaptada al movimiento”.

La producción reúne el equipo creativo de “Alicia”, integrado por Bob Crowley, en escenografía y vestuario, y Natasha Katz en la iluminación. La partitura es de Joby Talbot.

La obra tuvo su premier en Londres en la Royal Opera House en abril de 2014, y el NBC hizo su estreno mundial en noviembre de 2015 en el Four Seasons Center for the Performing Arts en Toronto, Canadá.

“Es una historia problemática y un reto para cualquier director –afirmó Wheeldon–. Pero en teatro la ventaja es que tiene seis papeles principales y el ballet deja incorporar nuevas ideas”.

Establecida como compañía clásica por su primera directora artística, Celia Franca, en 1951, el NBC tiene sede en Toronto. En el año de su creación, se realizaron audiciones en todo el país y lograron reunir 29 bailarines. En noviembre de ese mismo año presentaron el primer programa en el Auditorio Eaton, que incluía “Las Sílfides”y los “Bailes Polovtsianos” de “El Príncipe Ígor”.

Actualmente, la compañía incluye en su repertorio obras de los más celebrados coreógrafos del siglo XX y XXI, tales como Sir Frederick Ashton, George Balanchine, John Cranko, William Forsythe, James Kudelka, Jiří Kylián, John Neumeier, Rudolf Nureyev, Glen Tetley, Wheeldon, Wayne McGregor y Alexei Ratmansky. Además de piezas del repertorio clásico, el NBC también incorpora obras de danza contemporánea, promueve la creación de nuevos ballets y el desarrollo de jóvenes coreógrafos canadienses.

Información:
Kennedy Center
Tel:: (202) 467-4600
www.kennedy-center.org.