Yansiel Pujadas y solistas del BNC interpretaron “Poema del Fuego”, de Alberto Méndez, estrenado en 1983 por Jorge Esquivel. Fotos cortesía BNC.

El baluarte cubano de la danza académica, el Ballet Nacional de Cuba, nos entrega la primera temporada post-Alicia Alonso –la sempiterna prima ballerina assoluta y cofundadora–, ahora con la primera bailarina Viegnsay Valdés con la responsabilidad plena como directora artística (no obstante, en los programas de mano aparece aún con el prefijo “sub”), en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana que lleva el nombre de la eximia Alonso, recientemente despedida físicamente con todos los honores populares y oficiales.

En dos atractivos y optimistas programas, el BNC nos permitió valorar una acertada elección de títulos, ora por su variedad de estilos ora por sus novedades creativas. En sucesivos fines de semana, presentaron dos estrenos y tres reposiciones, debidos a destacados coreógrafos con evidentes valores ideo-estéticos, pero de generaciones y culturas disímiles. Algo que considero de suma importancia para el enriquecimiento formativo profesional de un cuerpo de baile -en el presente- mayoritariamente integrado por jóvenes que apenas superan la veintena.

Entre las reposiciones pudimos disfrutar la exhumación de una admirada pieza del coreógrafo cubano Alberto Méndez, actual asistente de la dirección artística-, como es el caso de “Poema del Fuego” inspirada por la música homónima de Alexander Scriabin. Este ballet en un acto fue estrenado en 1983, y en el rol principal figuraba el estelar bailarín Jorge Esquivel. Después de su defección de la compañía, nunca más se repuso esta obra. Actualmente, la obra se reciente por la carencia de un bailarín que supere tal referencia, con la alternancia de dos bailarines del cuerpo de baile con biotipos distintos asumieron con fuste y sólida técnica al dios mitológico del fuego, empero sin la madurez interpretativa requerida. Ciertamente, algunos ballets centrados e inspirados por un bailarín o bailarina “fuera de serie”, es mejor dejarlos dormir hasta que aparezca ese ser irrepetible (recordemos aquellos creados para Nijinsky, y los guiños al “Apolo” de George Balanchine)

Luego, retornó “Celeste” (2014), de la coreógrafa colombo-belga Annabelle López-Ochoa, ballet neoclásico coral inspirado por el Concierto para violín y orquesta en Re mayor de P. I. Tchaikovsky, para tres parejas solistas y reducido cuerpo de baile, donde el vestuario y el diseño de luces nos transporta a un mundo azul celeste. Esta creación para la compañía fue posible gracias al apoyo del British Friends of BNC.

Del coreógrafo brasileño Ricardo Amarante se presentó “Love, Fear, Loss”, ballet de estilo neoclásico ejecutado al piano por Marcos Madrigal. Fotos cortesía BNC.

Para la semana siguiente, acometieron la valiente tarea de reponer uno de los emblemáticos títulos de danza académica en el repertorio activo, con el rigor estilístico que requiere esta joya del ballet del siglo XX, precursor de la modernidad, “Las sílfides” (1907) –también conocido como “Chopiniana”- en un montaje de Alicia Alonso según la versión original de Mikhail Fokine (como ella misma ha revelado, trabajó en el ABT con el autor en 1942, poco antes de su muerte). El propio Fokine emprendió cambios para una reposición de 1908 (entonces fue rebautizado en francés como “Réverie Romantique”, siempre con música de Chopin), para convertirlo en un ballet sin argumento, pero cargado de símbolos y “con un estilo de profundo lirismo, alejado de todo amaneramiento…”.

La orquesta sinfónica del GTHAA estuvo en el foso bajo la dirección del maestro Giovanni Duarte con un soporte musical ajustado a las circunstancias. El poeta fue encarnado con sobriedad y justeza por el primer bailarín Rafael Quenedit, con una Anette Delgado estilísticamente modélica, arropados por una sobrevalorada ejecución del cuerpo de baile femenino. En no pocos momentos provocó el aplauso merecido de la audiencia.

Dos coreografías por autores foráneos recibieron sendos estrenos por el BNC, y fueron bailados en dos fines de semanas por elencos alternantes. Estas piezas, de disímiles culturas y escuelas de ballet, contribuyeron a elevar la temperatura en el entusiasmo del numeroso público que colmó a tope el hermoso coliseo de la capital (en su medio milenio de fundación). En lo fundamental se debió a la entrega artística de los elencos debutantes: ambas eran demandantes de talentos interpretativos que fueran más allá de las demostraciones del virtuosismo técnico. Estas novedades los obligaba a salir de su zona de confort.

Para abrir la segunda parte del programa, vino Love, Fear, Loss (2012), del coreógrafo brasileño Ricardo Amarante (responsable igualmente del vestuario y las luces). Es un ballet para tres parejas, de estilo neoclásico e inspirado en la vida de la gran cantante francesa Edith Piaf (1915-1963), así como en sus “antológicas interpretaciones de tres obras que, de alguna manera, son fiel reflejo de su trágica vida amorosa”. Esta pieza (deudora de otros referentes creados por Jerome Robbins), tuvo su premier en 2012 por el Ballet Real de Flandes, en Amberes, y por cuya creación recibió el premio de la Asociación Francesa de la Danza. Su estreno cubano tuvo un IVA en el soporte musical, pues contó con la privilegiada ejecución al piano en escena de Marcos Madrigal considerado uno de los más talentosos músicos cubanos de su generación del siglo XXI, residente en Italia actualmente. Ejecutó con pasión y rigor las transcripciones para piano realizadas por Natalia Chepurenko, que incluye temas de Jacques Brel, Charles Dumont y de la propia Piaf. Hubo distinguidas interpetaciones, como las de Chanell Cabrera y Sadaise Arencibia, pero la más descollante interpretativa y técnicamente fue la pareja formada por Claudia García y Adrián Sánchez (el auditorio los gratificó en pie).

Para el cierre, llegó el plato fuerte de la noche: el celebrado ballet “Concerto DSCH”, del coreógrafo ruso-norteamericano Alexei Ratmanski, que fuera creado originalmente para el New York City Ballet en 2008, inspirado en el Concierto para piano, No.2 en F mayor, Opus 102, del afamado compositor ruso Dimitri Shostakovich. Dado el éxito conseguido por esta obra, ya ha ingresado en los repertorios de otras grandes compañías: Ballet del Teatro alla Scala de Milán, en 2012, y el Ballet del Teatro Mariinski de San Petersburgo, en 2013.

La entrada de esta obra, en 2019, en el vasto repertorio del BNC resulta un acontecimiento significativo, entre otras cosas, porque es el primero bajo la dirección artística de Viengsay Valdés (que baila en él, como solista), así como primero después de la desaparición física de Alicia Alonso.

En segundo lugar, porque constituye un reto para los noveles bailarines de la compañía, ya que se enfrentan al estilo muy particular de Ratmaski; por sus atrevidas audacias dentro del neoclasicismo balanchiniano, donde lo abstracto se funde con “sutilezas y sugerencias” narrativas, donde transpira el optimismo y la euforia al bailar.

Si la construcción de sus bailes son totalmente diferentes, los aficionados al ballet podrían hallar claras referencias con “Concerto” (1966) del inglés Kenneth MacMillan (particularmente en el movimiento lento), así como derivaciones de otro maestro predecesor, George Balanchine, en su canónico “Ballet Imperial”, de 1941, actualmente conocido como “Tchaikovsky Piano Concerto No.2”, al utilizar a dos primeras bailarinas y tres solistas masculinos, quienes bailan todos en sucesivos episodios del primer movimiento. Ratmanski aprehende recursos de sus precursores, empero en tanto que un maestro, los recrea con libertad y frescura.

Es evidente que domina las formas puras del ballet académico, mas también nos muestra fuertes elementos de lo que popularmente calificamos como danza de carácter o démi carácter. Además, no abandona importantes aspectos de la caracterización en las interpretaciones dramáticas.

El final de “Concerto DSCH” se convierte en un despliegue abrumador de círculos por separado y de giros como un tornado por parte de la bailarina principal, a la vez mezclados con espectaculares saltos. No obstante, es necesario señalar que los bailarines del cuerpo de baile no son grupos de mero apoyo o reflejos multiplicados de los solistas: ellos se manifiestan como sus “partners”. Fue una participación esencial como ensayador del destacado bailarín español Joaquín de Luz, que formó parte del elenco original de esta obra como miembro del NYCBallet, y en el presente es director artístico de la Compañía Nacional de Danza de España.

El desempeño del elenco cubano estuvo a gran altura, por su brillantez y el poderío técnico, particularmente las primeras bailarinas Anette Delgado, Gretel Morejón y Viengsay Valdés, el primer bailarín Dani Hernández, así como los solistas: Diego Tápanes, Narciso Medina o Chanell Cabrera, con apoyo eficiente del cuerpo de baile mixto.

Para esta producción el BNC obtuvo el generoso patrocinio de la Cuban Artists Fund y de la American Girls for Cuban Dance, con sede en los estados Unidos.

“Concerto DSCH”, del coreógrafo Alexei Ratmanski, tuvo como solistas femeninas a Anette Delgado, Gretel Morejón y Viengsay Valdés. Fotos cortesía BNC.

Después de 15 años con el NYCB Joaquín De Luz deja la troupe fundada por George Balanchine. Foto: Erin Baiano. Gentileza NYCB.

Domingo. Tres en punto de la tarde. Se levanta el telón de un día memorable para la danza. El 14 de octubre, justo cuando el New York City Ballet (NYCB) cerraba su temporada de otoño en el Teatro David H. Koch en la plaza del Lincoln Center en Nueva York, Joaquín de Luz se despedía de la compañía. El bailarín español, formado por el célebre Víctor Ullate, pertenece a esta generación de bailarines en vías de extinción, esos que han hecho un culto de su profesión y del trabajo diario. Talentoso, intenso, vibrante, De Luz se instaló en la escena del ballet de los Estados Unidos con esa fuerza indescriptible que solo trasmiten los verdaderos artistas.

Después de 15 años con la compañía fundada por George Balanchine y Lincoln Kirstein, y luego de pasar por el Pennsylvania Ballet y el American Ballet Theatre, de Luz, a sus 42 años, decidió retirarse con una función que llevó como título: “Joaquín De Luz Farewell Performance”. Allí celebró a tres de los coreógrafos que de alguna manera definieron su carrera.

Una bandera española, su madre y bailarines del NYCB, acompañaron a Joaquín De Luz en el saludo final. Foto: Erin Baiano. Gentileza NYCB.

Comenzó con uno de sus ballets preferidos, “Theme and Variations”, de Balanchine. Junto a él, magnífica, Tiler Peck, con giros veloces, bello port de bras y posiciones impecables. Un ballet que requiere de sólidos bailarines en los roles principales. De Luz, quien ha bailado esta obra infinidad de veces, hizo, una vez más, un despliegue de virtuosismo pocas veces visto. Giros una con una precisión incomparable, bravura en sus solos, y una especial excelencia como partenaire. Ambos bailarines hicieron una versión inolvidable de este clásico.

La segunda obra fue “Concerto Barocco” (1941), otra de las históricas creaciones de Balanchine para el American Ballet Caravan, la primera troupe comandada por Mr. B. en los Estados Unidos. La compañía, al igual que los solistas, mostró una vez más el alto nivel de danza, a pesar de las convulsiones ajenas al arte por las que ha transitado durante este año. Una obra de una belleza incomparable, con limpias simetrías y un estilo de alto refinamiento.

De Luz volvió con “A suite of dances”, solo que Jerome Robbins, creó para Mikhail Baryshnikov y el White Oak Project en 1994. Una violonchelista, Ann Kim,en el escenario interpreta diferentes movimientos de “Seis suites para cello” de Johan Sebastian Bach, mientras el bailarín, con chispeante humor parece jugar con el instrumento y con la música a medida que baila. Delicioso, fresco y desenfadado, De Luz hace un despliegue de esa fibra artística tan particular y especial que lo caracteriza. Con esta obra rindió tributo a Robbins, un coreógrafo clave en la historia de la compañía.

“A Suite of Dances” de Jerome Robbins, solo interpretado por Joaquín De Luz. Foto: Paul Kolnik. Gentileza NYCB.

El final llegó con “Todo Buenos Aires”, de Peter Martins, el último director del NYCB. Con músicos en vivo interpretando diferentes temas de Astor Piazzolla, entre ellos, el argentino Rodolfo Zanetti en bandoneón, instrumento clave para este género. Una recreación particular y minimalista de esta danza rioplatense interpretada en puntas por las bailarinas solistas Maria Kowroski y Sara Mearns. Giros, saltos, ganchos y cruces tangueros estilizados, y parejas entrecruzándose con velados aires de malevaje. Mientras se alternaban los dúos, tríos y solos, De Luz siguió reafirmando su versatilidad y su talento para interpretar todos los estilos posibles.

Un bailarín capaz de profundizar en August Bournonville, Justin Peck, Alexei Ratmansky y Christopher Wheeldon, al tiempo que se adentró con soltura en los clásicos, en Balanchine, Robbins y una diversidad de coreógrafos.

Para el final, las flores, los abrazos, las lágrimas, bailarines, coreógrafos y vestidores en el escenario, y el público de pie que no terminaba de aplaudir y de gritar su nombre. Antes de los confetis, el español Gonzalo García, compañero de ruta en el NYCB, salió con una bandera española y ambos bailarines jugaron, en escena, como dos niños, al toro y el torero. Un encuentro emocionante con esa identidad que quedó atrás en miras de cumplir los sueños. Y para el final de los saludos, su madre, con quien De Luz bailó unas sevillanas y se fundieron en un enorme abrazo. ¡Gracias!

Joaquín De Luz en “Theme and Variations”, de George Balanchine, primera obra de “Joaquín De Luz Farewell Performance”. Foto: Paul Kolnik. Gentileza NYCB.

El New York City Ballet presentó en el Kennedy Center “Odessa”, de Alexei Ratmansky, basada en “Sketches to Sunset”, del músico ucraniano Leonid Desyatnikov. Fotos: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Con clásicos indiscutibles de George Balanchine, el New York City Ballet marcó otra temporada más en el Kennedy Center de Washington DC que comenzó el 6 de junio y terminó el 11. Al sello insoslayable de Mr. B, se sumaron obras de Justin Peck, coreógrafo y bailarín de la troupe que dirige Peter Martins; un reciente estreno de Alexei Ratmansky y una atractiva pieza de Christopher Wheeldom. No obstante, quizás este año más que en otras oportunidades, la gran protagonista fue la compañía. Un grupo de bailarines excelentes, con una energía especial y contagiosa, hicieron de los dos programas una explosión de danza y entusiasmo. Un verdadero lujo.

En “Tarantela”, de George Balanchine, Erika Pereira logró combinar técnica y encanto. Fotos: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

En la impecable versión de “Square Dances”, tanto los primeros bailarines y solistas como el cuerpo de baile, mostraron una especial cohesión, tal como si una especie de mágico gurú les hubiera dado todos los dones. Las líneas perfectas de Balanchine, su indiscutible claridad y limpieza coreográfica que no en vano lo consagraron como el gran coreógrafo del siglo XX, hicieron que el grupo de bailarines desplegara lo mejor de sí mismos para abrir un programa de esos que pueden considerarse como inolvidables

En “Tarantela”, de Balanchine, Spartak Hoxha hizo una magnífica dupla con Erica Pereira. Ambos bailarines lograron combinar técnica y encanto, para hacer de esta pieza breve, un bello divertimento. No obstante, quizás no fue la mejor transición para llegar a “Odessa” de Alexei Ratmansky, una obra basada en “Sketches to Sunset”, del músico ucraniano Leonid Desyatnikov. La partitura, y en parte la línea argumental de esta obra, se sostienen en la pieza de teatro de Isaak Babel, el escritor ruso fusilado durante las purgas de Stalin en la antigua Unión Soviética.

Ratmansky describe, con sutileza, un clima opresivo, donde lo social queda subyacente y cargado de simbolismos, mientras tres parejas protagónicas rememoran elementos de la obra de Babel en la cual la vida de esas tres mujeres depende de esos tres hombres, marginales y corruptos. Entre luces y sombras, Ratmansky permite imaginar situaciones de conflicto disimuladas o encubiertas por una fachada semi festiva, detrás de la cual, está expuesta la violencia.

Sara Mearns, Ashley Bouder y Sterling Hyltin van delineando personajes de una trama casi abstracta, mientras Tyler Angle, Joaquín De Luz y Taylor Stanley logran climas de tensión a través de una interesante interpretación. De Luz, como siempre ocurre, despliega un especial magnetismo en escena. Un bailarín de técnica limpia, absoluto dominio de su cuerpo y capaz de internalizar profundamente sus roles.

Para el final de este primer programa, el NYCB subió a escena “Rodeo: Four Dance Episodes”, obra de Justin Peck con música que Aaron Copland compuso para “Rodeo”, estrenada por Agnes de Mille en 1942. Peck hizo su propia creación sobre el tema musical, dejando de lado la veta folclórica y costumbrista de de Mille.

En esta propuesta de 2015 el coreógrafo y bailarín dividió la obra en cuatro movimientos en los que fue alternando secuencias y dinámicas para conformar una pieza sin un argumento determinado, llena de humor y energía, integrada por 15 varones y una sola mujer, Tiler Peck. Ambos, Tiler y Justin Peck, protagonizaron un pas de deux pleno de lirismo en el tercer movimiento, para luego, en el cuarto movimiento, incorporar al resto de los bailarines en un final explosivo.

“Rodeo: Four Dance Episodes”, obra de Justin Peck con música que Aaron Copland, compuesta por 15 bailarines y una única protagonista femenina, Tiler Peck. Fotos: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

El Festival internacional de ballet de La Habana, considerado el más antiguo de su tipo en el mundo –el primero se celebró en 1961. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

El maestro ruso de ballet Azari Plisétski estuvo entre las personalidades invitadas por Alicia Alonso, con la cual bailó como su partenaire varios años de los diez en los que fue miembro invitado del BNC, desde su llegada a Cuba en 1963. Plisétski (descendiente de la famosa familia Messerer), reconoció en un encuentro con la prensa esta etapa de su vida como muy enriquecedora, principalmente por todo lo aprendido con el maestro Fernando Alonso en cuanto a conciliar la carrera de bailarín con la de maestro.

El ballet cubano es un fenómeno, expresó, que todavía le causa asombro y orgullo, porque se siente parte de él. Sin embargo, después de elogiar a los bailarines egresados de la Escuela nacional de ballet, los alertó a cuidar aspectos como la musicalidad, pues observó durante las funciones del festival, a no pocos de ellos “fuera de música” y sin interés en apegarse a ella, “para priorizar el alargamiento de un paso técnico y  ganarse  el aplauso del público”, y agregó: educar al público es también una responsabilidad del artista.

Por su parte, otra de las notables personalidades del mundo de la danza presentes en esta edición 2016 fue la estrella francesa Aurélie Dupont (ahora con 42 años), actual directora del Ballet de L´Opéra de Paris, quien no pudo bailar en La Habana, debido a una lesión sufrida por su partenaire Hervé Moreau. Prometió Dupont que retornaría, con la intención de bailar ante el público cubano. Ella tomó clases, presenció funciones y visitó la Escuela nacional de ballet Fernando Alonso, y sugirió a su directora la ex bailarina Ramona de Sáa la posibilidad de un futuro intercambio con su homóloga de París.

Dupont, en rueda de prensa, confesó una duda: ¿acaso los profesores en esta isla caribeña son muy buenos o es que los cubanos han nacido para bailar? La técnica de la escuela cubana está muy bien considerada en el mundo, apuntó, pero sobre todo en el sector masculino: “en las clases que tomé aquí vi bailarines muy talentosos y dotados”. La temporada del 2017-2018 será su debut como directora artística de la principal compañía de ballet francesa, tras la abrupta renuncia de Benjamin Millepied, con poco más de un año en el cargo.

El ballet de Michel Fokine, “Les Sylphides”, fue otro triunfo para el cuerpo de baile femenino del Ballet Nacional de Cuba en el XXV Festival internacional de ballet de La Habana. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

Los mayores momentos climáticos lo proporcionaron los estrenos mundiales creados por coreógrafos extranjeros, entre ellos “Oscurio” de la colombo-belga Annabelle López-Ochoa, para cuerpo de baile femenino y una primera bailarina, por supuesto la poderosa y versátil Viengsay Valdés, en un contrapunteo neoclásico, con pinceladas contemporáneas, marcado por el vestuario de las chicas: unas en negro y otras en blanco. El diseño de luces desempeñó un papel fundamental en el éxito de esta pieza. López-Ochoa presentó igualmente un fragmento de “Línea recta”, realizado para el Ballet Hispánico de New York, quien lo estrenará este mes en su forma integral. Destacaremos el solo “Cygne”, del bailarín y coreógrafo argentino Daniel Proietto (residente en Alemania) quien tuvo el buen tino de elegir del cuerpo de baile a Daniela Gómez , y ello nos permitió descubrir su talento y dominio escénico, una verdadera revelación, apoyada por una audaz producción, vestuario, luces y maquillaje. En otro programa, Proietto bailó un solo de su autoría, como tributo a David Bowie con su música como soporte, muy efectista pero con una inconsistente escritura coreográfica.

Entre las reposiciones relevantes debo destacar, antes que todo, ¨Jardín de Lilas” de Antony Tudor por su elegante y sobria producción y la elección de Sadaise Arencibia como protagonista (quien nos había entregado una espléndida muestra del estilo el el pas de deux Raymonda la víspera), aquí demuestra su versatilidad histriónica en este difícil personaje tudoresco; rodeada de un elenco juvenil técnicamente ajustado empero sin la madurez necesario para expresar los entresijos de este magistral drama psicológico. Destacaremos la presencia y aplomo de Ginett Moncho, que ha sido la bailarina más recurrente y eficiente en los múltiples desempeños asignados por su compañía en este festival. Cual un factótum, bailó la misma tarde y noche tres roles en dos teatros diferentes.

Igualmente, el infaltable ballet de Michel Fokine, “Les Sylphides”, resultó otro momento de triunfo para el cuerpo de baile femenino del Ballet Nacional de Cuba, logrando interpretar brillantemente la versión más auténtica de esta obra sobre la música de Chopin que puede verse actualmente. Aplausos gratificantes cosecharon, con mucha razón, las vengativas willis del emblemático segundo acto de la “Giselle” versionada por Alicia Alonso. Al éxito de esta reposición contribuyó grandemente la pareja titular encarnada por los primeros bailarines  Anette Goncález y Dani Hernández (habiendo probado sus altos quilates en otros títulos presentados en este evento).

Las puestas en escena del “Lago de los cisnes” y del “Don Quijote” se vieron lastradas por diversas irregularidades, por altas y bajas de los elencos alternantes, tanto por sus intérpretes principales, los solistas y el cuerpo de baile; en particular la falta de rigor técnico y estilístico en la ejecución de las danzas de carácter, una mayor atención debía ponerse sobre la nueva promoción de egresados al BNC. Debemos mencionar las notables entregas de los bailarines que asumieron roles de démi-character, siguiendo una sólida tradición establecida por sus predecesores (Adolfo Roval, Ernesto Díaz o Félix Rodríguez), particularmente Francois Llorente (el bufón) o Darion Darias ( en Sancho Panza).

Dos orquestas sinfónicas aseguraron, en vivo, el importante soporte musical: la Nacional y la del Gran Teatro Alicia Alonso, siempre bajo la titánica dirección musical del experimentado maestro Giovanni Duarte. Ambas ocuparon los fosos de las Salas García Lorca y Avellaneda, pero se hicieron evidentes algunas imprecisiones, o cacofonías desde algunas secciones instrumentales, tal vez achacables a una errática ecualización de la amplificación. Problemas  que, confío, pueden ser resueltos  ocasiones ulteriores. Como también, por otra parte, se requiere de una renovación del vestuario y la escenografía ya fatigada, en las producciones de los grandes clásicos del repertorio. Las modernas iluminaciones hicieron más evidente el desgaste por la lógica usura de estos recursos.

Las dos únicas presentaciones de Martha Graham Dance Company constituyeron una revelación en el XXV Festival internacional de ballet de La Haban. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

El Festival internacional de ballet de La Habana, considerado el más antiguo de su tipo en el mundo –el primero se celebró en 1961-, confirmó en esta vigesimoquinta edición su calificativo de “mega” festival. Especialmente si tenemos en cuenta algunas cifras acontecidas en solo diez días: 25 funciones, 67 obras por unas 21 compañías representadas, 4 salas teatrales de tres coliseos capitalinos, tres estrenos mundiales (uno de ellos por el Ballet Nacional de Cuba) y poco más de una docena de estrenos en Cuba; sin soslayar las reposiciones de la producciones integrales de tres de los conocidos grandes clásicos del repertorio del BNC: Giselle, Don Quijote y Lago de los cisnes.

Paralelamente, pudimos ver los programas importados por compañías foráneas, tales como “Danza Americana” de Justin Peck; Martha Graham Dance Company (con la rigurosa Janet Eilber al frente; el Buenos Aires Ballet (con miembros de los teatros Colón y La Plata); Les Grands Ballets Canadiens, de Montreal o el Ballet West (Utah, EE UU).

La víspera de la clausura, las cuatro salas ofrecían un programa interesante, sin contar los eventos colaterales diversos: aperturas de exposiciones de artes visuales, muestras de filmes o conferencias de prensa. Debo entonces recurrir al concepto acuñado por la icónica crítica de danza neoyorkina Arlene Croce: priorizar lo que denomina “afterimages”. Es decir, enfocarme en aquellos fenómenos artísticos que más impresionaron, y algunos quedarán ignorados involuntariamente.

Los visitantes
Para las nuevas generaciones de amantes de la danza, tanto los miembros del gremio danzante como del público –algunos de ellos mis vecinos en el palco de butacas-, las dos únicas presentaciones aquí de la Martha Graham Dance Company constituyeron una revelación, al constatar la real vigencia de la inmensa obra creativa de la fundadora de la llamada “danza moderna”.

Todas las piezas sabiamente elegidas fueron entregadas con brillantez e intensidad interpretativa. Ciertos grupos juveniles “snob”, felizmente una minoría, menospreciaban lo visto por las fechas de creación consignadas en el programa de mano. El desmentido apareció publicado en el diario de mayor circulación de la isla, en unas esclarecedoras declaraciones del nonagenario maestro Ramiro Guerra –bailarín y coreógrafo, fundador de la danza moderna cubana y premio nacional de danza-, quien fuera discípulo de la Graham en su estudio neoyorkino: este deslumbramiento acontece 75 años después de su debut en La Habana, con “Lamentations” (1930); “Diversion of Angels” (1948), entre otras.

El joven bailarín del NYCB, Justin Peck, se destacó en sus recientes piezas: “In Creases” y “Furiant”. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

Igualmente, proveniente de la “gran manzana”, pudimos apreciar los talentos del joven bailarín del NYCity Ballet Justin Peck, especialmente en sus recientes piezas: “In Creases” y “Furiant”, con los desempeños estelares de Sarah Mearns con Amar Ramasar, y los soberbios Ashley Bouder y Joaquín de Luz, respectivamente.

Menos impresionantes pero triunfadores con el público cubano, llegaron de la Argentina los representantes de lo mejor del tango. Una agrupación ad hoc con bailarines del Ballet Estable del Teatro Colón y el Ballet de La Plata dirigidos por el primer bailarín Federico Fernández, que nos mostraron sus escrituras apoyadas sobre las melancólicas músicas del emblemático Astor Piazzolla. Luego, vinieron los canadienses de la gran compañía de ballet de Québec con un intrigante ritual masculino ejecutado intensamente por cinco atléticos y expresivos bailarines, en la pieza “Black Milk” del afamado coreógrafo Ohad Naharin, la carta de triunfo para Vladimir Pankov, director artístico de Les Grands Ballets de Montréal.

Finalmente, antes de la función de cierre el 6 de noviembre, proveniente del vecino país norteño, llegó una representación reducida del Ballet West, con “Presto”, una banal coreografía del ítalo-norteamericano Nicolo Fonte, dignamente bailada por tres parejas hetero. En el mismo caso, podemos situar al cuarteto proveniente de lejanos parajes del orbe, el Universal Ballet de Corea del Sur, exquisitos danzantes de su milenaria cultura asiática, ejecutada con particular “fisicalidad” y gran musicalidad, especialmente en el dúo “Shim Chung”.

Artistas invitados y locales
La poliédrica programación propuso una constelación de estrellas de la danza mundial, otros que ya se han convertido en excelentes prospectos y otros con potenciales talentos –tanto en el caso de los foráneos como de los locales–, los cuales se desempeñaban en sus roles con arrojo, desafiantes ante todos los retos coreográficos –algunos de ellos impensables-, confrontándolos a un público exigente en cada una de las salas teatrales del evento.

Hubo exceso de efectos pirotécnicos, casi al borde de la acrobacia atlética, en la mayoría de las veces en detrimento de la corrección en los tempos y fraseos musicales, con el objetico primario de demostrar su bien ganada etiqueta de virtuosos. Entre la élite de estos últimos, aplaudimos las entregas el español Joaquín de Luz (merecedor del premio nacional de danza 2016), así como su pareja estadounidense Ashley Bouder, particularmente con la deslumbrante interpretación de “Tarantella”, de George Balanchine; el cubano Javier Torres (principal del Northern Ballet) en el intenso solo de Michel Descombey “Muerte de un cisne”; Mary Carmen Catoya (del Arts Ballet Teatro de la Florida) de aceradas puntas y línea perfecta, en “Suite Generis” del indestructible Alberto Méndez, secundada estupendamente por dos hermosos bailarines de Acosta Danza.

La espléndida estilista rusa Maria Kochetkova (primera figura del San Francisco Ballet) con el soporte preciso y elegante del cubano Joel Carreño (estrella indiscutible del Ballet de Noruega); el bólido afroamericano Brooklyn Mack (del Washington Ballet) junto a la poderosa y brillante Viengsay Valdés, provocadores de la más tumultuosa respuesta al pas de deux “Diana y Acteón”.

Otra histérica reacción de los balletómanos la provocó otro cubano triunfador en los escenarios europeos, Osiel Gouneo, con sus inigualables saltos y vertiginosos giros en los “manéges”, junto también a Valdés, esta vez en el pas de deux del tercer acto del “Don Quijote”. El retorno a bailar en su país de origen y con su “alma mater”, es decir, la compañía de sus inicios profesionales, es una buena señal indicativa de un cambio positivo en la política artística en el seno de la dirección general del BNC, al invitarlos a exhibir su desarrollo técnico e interpretativo conseguido, ante sus aficionados naturales.

Estrenos y reposiciones
Elogios y sugerencias

Las primeras figuras (Viensay Valdés) y el cuerpo de baile del Ballet Nacional de Cuba, protagonizarán algunos de los espectáculos del Festival Internacional de Ballet de la Habana. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

Uno de los eventos más antiguos y prestigiosos del mundo de la danza, con más de 50 años de historia, el Festival Internacional de Ballet de La Habana llega a su edición número 25, del 28 de octubre al 6 de noviembre. Por acuerdo del Comité Organizador, a partir de ahora el nombre de este evento incluirá el de su presidenta y principal inspiradora: Alicia Alonso.

Las primeras figuras y el cuerpo de baile del  Ballet Nacional de Cuba, protagonizarán los espectáculos presentados en este encuentro, junto a estrellas y conjuntos invitados procedentes de otros países. También se estrenan piezas coreográficas de autores nacionales y extranjeros.

Este Festival, de carácter bienal, tendrá entre sus sedes principales el Gran Teatro de La Habana «Alicia Alonso», el Teatro Nacional, salas Avellaneda y Covarrubias, y el Teatro Mella. Y en él estarán representados los siguientes países: Argentina, Bélgica, Brasil, Canadá, Colombia, Corea del Sur, Cuba, Francia, Gran Bretaña, España, Estados Unidos, México, Mongolia, Puerto Rico, República Bolivariana de Venezuela, Federación Rusa y Uruguay.

Diversas actividades se realizarán paralelas al Festival, que ofrecerá como opción especial un curso de técnica de ballet para profesionales, maestros y estudiantes de nivel avanzado. También habrá exposiciones en galerías de la capital, y se brindarán conferencias, presentaciones de libros y ciclos de cine y video.

El XXV Festival Internacional de Ballet de La Habana «Alicia Alonso» constituye un momento único para el intercambio artístico entre primeras figuras del mundo de la danza, personalidades, críticos, especialistas y empresarios, así como una oportunidad  excepcional para los amantes de esta manifestación. Una vez más, esta fiesta del arte coreográfico hace suyo  el pensamiento de Alejo Carpentier, que expresa: “El espíritu de la danza es inseparable de la condición humana”.

 Invitados

Entre las compañías invitadas desde los Estados Unidos, participa Martha Graham Dance Company.Foto: John Deane ©. Archivo Danzahoy

Compañías
Martha Graham Dance Company (Estados Unidos)
Dance Americana (Estados Unidos)
—Justin Peck, Coreógrafo y director
—Sara Mearns
—Amar Ramasar
—Craig Hall
—Taylor Stanley
—Daniel Applebaum
—Indiana Woodward
—Andrew Scordato
—Brittany Pollack
—Emilie Gerrity

Les Grands Ballets Canadiens (Canadá)
—Gradimir Pankov, Director Artístico
—Marcin Kaczorowski
—Jeremy Raia
—Andrew Wright
—Jerimy Rivera
—Hervé Courtain

Buenos Aires Ballet (Argentina)
—Federico Fernández
—Marianela Bidondo
—Karina Basttilana
—Melisa Heredia
—Nina Zaera
—Aldana Percivati
—Julieta Paul
—Juan Parada
—Miguel Angel Klug
—David Alejandro Gómez

Ballet West (Estados Unidos)
—Katherine Lawrence
—Alexander MacFarlan
—Jacqueline Straughan
—Adrian Rfy
—Beckanne Sisk
—Christopher Ruud

Bailarines
• Opera de Paris (Francia)
—Aurélie Dupont
—Hervé Moreau

•Washington Ballet (Estados Unidos)
—Brooklyn Mack

•New York City Ballet (Estados Unidos)
—Ashley Bouder
—Joaquín de Luz

•Northern Ballet (Gran Bretaña)
—Lucia Solari
—Javier Torres

•Ballet Nacional de Mongolia
—Dugaraa Altankhuyag

•Arts Ballet Theatre of Florida (Estados Unidos)
—Mary Carmen Catoya

•Ballet Nacional de Uruguay (SODRE)
—María Ricetto
—Gustavo Carvalho

•Dutch National Ballet (Holanda)
—Michaela De Prince

•Ballet Hispánico de Nueva York (Estados Unidos)
—Melissa Fernández
—Mario Espinoza
—Lyvan Verdecia

•Universal Ballet (Corea del Sur)
—Hwang Hye Min
—Lee Dongtak
—Mi Sun Kang
—Konstantin Novoselov

María Kochetkova (San Francisco Ballet) y Joaquín de Luz (New York City Ballet) bailarán el pas de eux de “Giselle”. Foto: Erik Tomasson. Archivo Danzahoy.

•American Ballet Theatre y Ballet de San Francisco (Estados Unidos)
—María Kochetkova

•Ballet Nacional de Noruega
—Joel Carreño
—Daniel Proietto

•Balleteatro Nacional de Puerto Rico
—Laura Valentín

• Ballet de Munich
—Osiel Gouneo

•Ballet del Teatro San Carlo de Nápoles
—Claudia D’Antonio
—Salvatore Manzo

•Compañía Nacional de Danza de España
—Moisés Martín Cintas

Coreógrafos
—Alicia Alonso
—Daniel Proietto (Argentina)
—Annabelle López Ochoa (Colombia-Bélgica)
—Ely Regina (Cuba)
—Alberto Méndez (Cuba)

Personalidades
—Julio Bocca
—Eduardo Vilaro, director Ballet Hispánico de Nueva York
—Julia Moon, Directora Universal Ballet
—Vladimir Issaev (Arts Ballet Theatre of Florida)
—Andrew Hurst
—David Briskin
—Gradimir Pankor (Les Grands Ballets Canadiens)
—Ben Rodríguez-Cubeñas

Hannah O’Neill y Alicia Amatriain compartieron el Benois a la Mejor Bailarina, en la ceremonia que tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de Moscú, el 17 de mayo. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El Teatro Bolshoi de Moscú acogió el 17 de mayo, la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse. Instituidos en 1992 por la Unión Internacional de la Danza, estos galardones son considerados los ‘Óscar’ del ballet. “Realmente es muy gratificante cuando la gente considera que el Benois es la distinción más alta en el mundo del ballet”, asegura Nina Loory, cofundadora y directora artística del certamen.

Jason Reilly y Alicia Amatriain, ambos bailarines del Stuttgart Ballet, en la entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse, en el Teatro Bolshoi de Moscú. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El jurado estuvo presidido por el legendario Yuri Grigorovich, quien celebrará sus 90 calendarios, el próximo 2 de enero y en cuyo homenaje también se está organizando un festival. Además de Grigorovich, formaron parte del jurado José Carlos Martínez (director de la Compañía Nacional de Danza), Marie-Agnès Gillot (Étoile del Ballet de la Ópera de París), Johannes Öhman (director artístico del Real Ballet de Suecia), Xiao Suhua (coreógrafo y profesor del departamento de coreografía de la Beijing Dance Academy), Elisabetta Terabust (estrella italiana del ballet), Yury Fateyev (Mariinsky Ballet) y Linda Shelton (directora ejecutiva de la Fundación del Joyce Theater, en Nueva York).

La ceremonia de entrega quiso revestirse de toda la pompa y solemnidad predicables de uno de los mayores templos del ballet, el mítico Teatro Bolshoi. Como si fuera una mezcla de un acto versallesco con chambelán incluido y una moderna imitación de los galardones más cinematográficos con los videos presentación de cada uno de los candidatos, el acto se alargó en exceso –tanto como sesenta minutos de reloj- y más siendo el prólogo de la gala de nominados, con una duración de tres horas. De cualquiera de las maneras, lo realmente interesante fue el palmarés en el que se aplicó dos veces el juicio salomónico para conceder dos distinciones.

La categoría de mejor coreógrafo aupó a Yuri Possokhov por su creación “Hero of our time” para el Bolshoi Ballet, y a Johan Inger, por sus obras “Carmen” para la Compañía Nacional de Danza y “One on One” para Nederlands Dans Theater.  Como mejor bailarín despuntó el coreano Kim Kimin (Mariinsky Ballet) por sus interpretaciones de “La Bayadère” y “Schéhérazade”.

Octavo para España

Alicia Amatriain y José Carlos Martínez, director de la Compañía Nacional de Danza de España. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El jurado otorgó el Benois a la ‘Mejor Bailarina’ ex aequo a Alicia Amatriain (Stuttgart Ballet), por sus magistrales interpretaciones en “Un tranvía llamado deseo”, con coreografía de John Neumeier, y “The soldier’s tale”, creada por Demis Volpi; y a Hannah O’Neill (Ballet de la Ópera de París), por “Paquita”. “En el caso de ‘Un tranvía llamado deseo’, el reto fue entender a Blanche DuBois y cómo reacciona esa mujer. Es una persona muy compleja que ha sufrido durante toda su vida. Técnicamente, no tiene una coda de 32 fouettés, pero para conseguir que el público entienda su drama, la técnica debe pasar desapercibida”, confesó la intérprete donostiarra. Gracias a la creación del rol del demonio ‘The soldier’s tale’, Amatriain se convirtió en la primera artista española en recibir el der Faust, el pasado mes de noviembre. “Fue un papel muy difícil y físicamente muy duro, que me ha traído muchas alegrías. No puedes salirte del personaje en ningún momento, ya que se perdería la ilusión de la animalidad”.

La artista vasca pone así broche de oro a una temporada prolífica en premios que se inició en septiembre del año pasado con su nombramiento como ‘Kammertänzerin’ –Bailarina de Cámara- del estado de Baden-Württemberg. En su discurso, palabras de agradecimiento para el Stuttgart Ballet, “su casa”, y John Neumeier “por la oportunidad de interpretar este personaje tan complicado que es Blanche DuBois”. De esta manera, Amatriain se alza con el octavo ‘óscar’ del ballet español, tras los intérpretes Ángel Corella (2000), Joaquín de Luz (2009) y Fernando Romero (2011), las bailarinas Lucía Lacarra (2003) y Tamara Rojo (2008), y los coreógrafos Nacho Duato (2000) y José Carlos Martínez (2009).

El premio a la mejor escenografía recayó en Ren Dongsheng por “Emperor Yu Li” de la Beijing Dance Academy. Fuera de las categorías a concurso, John Neumeier recibió el Benois en homenaje a toda su carrera, de manos del mismísimo Yuri Grigorich, y glosó su relación con Rusia, en su discurso. De hecho, la presencia del repertorio de Neumeier fue amplia tanto en la gala de nominados (17 de mayo) como en la gala de laureados (18 de mayo), estando esta última orientada a recordar el 400 aniversario del fallecimiento de William Shakespeare, para lo que se programaron pasos a dos de ballets inspirados en sus obras.

Ver artículos relacionados

Los mejores de la escena
El teatro también baila

Cristina Casa (Solista del Real Ballet de Flandes) y Anthony Pina encarnaron a los protagonistas de “Don Quijote”, en la última función de 2015 de la CND. Foto gentileza de Daniel Guinda.

En un lugar del Teatro de la Zarzuela, no ha mucho tiempo que vivía una ex estrella de la Ópera de París, seco de carnes, enjuto de rostro, gran luchador por la danza. Parafraseando muy libremente el comienzo de “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha”, éste podría ser el inicio de una crónica acerca de la epopeya que ha supuesto para José Carlos Martínez poner en pie el espectáculo “Don Quijote”, primer ballet clásico de noche completa interpretado por la Compañía Nacional de Danza (CND) en dos décadas.

Cuando Martínez fue seleccionado para dirigir la formación nacional española, una línea básica de su plan era llegar al añorado ‘full length ballet’, en terminología anglosajona, lo que sería un ballet de noche completa. Cual Quijote luchando contra constantes molinos de viento, el otrora bailarín ha realizado una progresión hacia el clásico a través de la introducción de la icónica zapatilla de punta. Finalmente, y en la que es su quinta y última temporada por contrato –pendiente de posible renovación en fechas próximas-, el director ha puesto todas las cartas sobre la mesa con su versión de “Don Quijote”. Subyace la sensación de metáfora constante en la elección de este clásico, ya que son muchos los obstáculos que ha tenido que vencer el cartagenero para llevar a cabo dignamente su empeño.

Muchas circunstancias confluían a la hora de decantarse por esta obra: desde el cuarto centenario de la publicación de su segunda parte –donde se insertan los capítulos XX y XXI, dedicados a las bodas de Camacho-, hasta el carácter español por antonomasia del personaje protagonista: qué mejor para simbolizar la nueva etapa de la CND que una aventura quijotesca.

La versión de Martínez funde en un mismo crisol elementos de la escuela francesa con esa búsqueda de lo verdaderamente español, partiendo del original de Marius Petipa (1869) y de la versión ampliamente remozada de Alexander Gorsky (1900). Si algo había claro en la intención del coreógrafo era recuperar el acento español de la obra. Por eso, tanto el bolero como el fandango de las partes características de la obra recobran parte de su sabor genuino de la mano de Mayte Chico, bailarina y coreógrafa de dicho estilo. Junto a la potenciación de la autenticidad española, confluye en la versión de Martínez un gran poso de sus décadas en el Ballet de la Ópera de París. Su gusto por el refinamiento de la escuela gala se percibe en el dibujo del acto segundo, también llamado el sueño de Don Quijote.

Pas de deux de “Don Quijote” a cargo de Cristina Casa y Anthony Pina. Foto gentileza de Daniel Guinda.

Gozando de una importancia capital la puesta en escena de este primer ballet de noche completa de la CND en veinte años, Martínez no quiso dejar nada al azar y apostó por invitar a alguna de las grandes estrellas españolas que triunfan en el extranjero. En el debut y primeras funciones contó como protagonista con Joaquín de Luz, bailarín Principal del New York City Ballet, quien tuvo a Maria Kochetkova, Principal del San Francisco Ballet, para darle la réplica en un par de espectáculos. También acudieron a la llamada de Martínez otras figuras como Cristina Casa, Solista del Real Ballet de Flandes, quien encarnó a Quiteria en tres funciones, y en las últimas veladas, Elisa Badenes, Principal del Stuttgart Ballet.

Decía Ninette de Valois que lo importante era crear el cuerpo de baile porque las estrellas ya vendrían luego y, en todo caso, se podían contratar. Y el director de la CND aplicó con inteligencia este planteamiento. No obstante y ante la carencia de una escuela asociada a la compañía, cosa frecuente en otras formaciones de prestigio y calado internacional, el trabajo de generar y homogeneizar el cuerpo de baile se antoja una labor de largo recorrido. Paciencia: Roma no se construyó en un día.

La última función de 2015 fue protagonizada por Cristina Casa en la piel de Quiteria y Anthony Pina, en el rol de enamorado Basilio. Exultantemente feliz por bailar en su ciudad natal, Casa se mostró muy segura, poderosa y con un amplio dominio técnico. Añorando los aplausos del hogar, la bailarina madrileña desplegó un abanico de virtudes y destrezas técnicas en una Quiteria que combinó el descaro como actitud vital con el aplomo en su danza. En contraposición, el Basilio de Pina quedó empequeñecido por el empuje de Casa. El artista americano despuntó más en sus solos que en sus labores de partenaire. Apabullante resultó también la interpretación de Esteban Berlanga como Espada, quien mostró rotundidad en sus intervenciones.

Todos ellos discurrieron por el escenario del Teatro de la Zarzuela de Madrid durante los tres actos, con una duración de dos horas y media, en los que transcurrió la lectura de José Carlos Martínez del clásico de “Don Quijote”, en la que, por cierto, los singulares papeles de Quijote y Sancho Panza fueron encarnados respectivamente por Isaac Montllor y Jesús Florencio. Mientras que el padre de Quiteria fue corporeizado por José Antonio Beguiristain y el sacerdote por Carlos Faxas. Todas ellas, colaboraciones especiales.

Y para que un clásico adquiera carta de naturaleza como corresponde, qué menos que la música en directo y qué difícil resulta en ocasiones. La partitura de Ludwig Minkus fue interpretada por la Orquesta de la Comunidad Autónoma de Madrid, bajo la batuta de José María Moreno.

El arrollador éxito de este espectáculo. Se mide por el respaldo unánime del público, ya que todas sus funciones agotaron sus localidades –precisamente, la última velada contó en el patio de butacas con los reyes don Felipe y doña Letizia, sus hijas y la reina doña Sofía–, como por las largas ovaciones, computando ocho minutos con los que se saldó la última actuación de 2015.

“La danza del ritual del fuego” es uno de los instantes destacados de “El amor brujo”, de Victor Ullate. Fotografía: Javier del Real/ Teatro Real de Madrid

Conmemorar el centenario del estreno de la primera versión de “El amor brujo” –Teatro Lara de Madrid, 15 de abril de 1915–  fue la iniciativa que el Teatro Real de la capital española llevó a cabo, a medio camino entre los últimos días del año recién expirado y los primeros de este reluciente calendario. Víctor Ullate fue el elegido para semejante tarea, para la que realizó una nueva versión de la primigenia coreografía estrenada por su compañía en la Maestranza de Sevilla, el 28 de mayo de 1994. Gran reto para el zaragozano revisitar un trabajo suyo con dos décadas de existencia y, a la par, ofrecer una producción de gran factura en lo técnico para un magno escenario como es el Teatro Real de Madrid.

“El amor brujo” narra la historia de amor entre Carmelo y la gitana Candelas, perseguida por el espíritu de José, su antiguo novio. Para librarse del espectro y sabedor de su gusto por el coqueteo, Carmelo trama una argucia: anima a Lucía a seducir al difunto, momento en que los amantes sellan su amor con un beso que desarma el sortilegio.

Los orígenes de esta obra tienen algo de azaroso, ya que, al parecer, fue Rosario ‘La Mejorana’, madre de la cantante, bailaora y coreógrafa Pastora Imperio (1887-1979) –la primera Candelas–, quien le pidió al compositor Manuel de Falla (1876-1946) “un cante y un baile”. El libreto de Gregorio Martínez Sierra (1881-1947) –cuya autoría se discute y atribuye a su esposa, María de la O Lejárraga (1874-1974)– también parece provenir de una antigua leyenda popular narrada por la madre de la artista al dramaturgo. Sin embargo, su estreno se saldó con un fracaso, no tornándose en un éxito hasta 1925 cuando Antonia Mercé, ‘La Argentina’, interpretó “El amor brujo” en el parisino Trianon-Lyrique, con la segunda versión remozada de la partitura de Falla. De París a Londres, donde Antonio Ruiz Soler, ‘El Bailarín’, presentó su lectura en el Saville Theatre en 1955.

En su época de bailarín, Víctor Ullate realizó sus primeras incursiones profesionales de la mano de Antonio ‘El Bailarín’, siendo el Ballet del Siglo XX de Maurice Béjart donde despuntó profesionalmente. Ya convertido en director y en coreógrafo, esas dos raíces –lo español y lo bejartino- han ido floreciendo en sus diferentes creaciones. Dice el tango que “veinte años no es nada”, pero lo cierto es que la propia compañía de Ullate en dos décadas no tiene mucho que ver: de provenir todos sus componentes de la escuela – donde se formaron e hicieron sus pinitos ilustres estrellas mundiales como Ángel Corella, Tamara Rojo, Lucía Lacarra, Igor Yebra, Joaquín de Luz y un largo etcétera–  a ser una compañía internacional.

La nueva versión de Víctor Ullate ha querido primar el fuego fatuo. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real

Ello ha supuesto que el ADN de la formación ha mutado, por lo que, en esencia y salvo en algunos cuadros escénicos, parece que se trata de dos compañías y de dos obras diferentes. Además, esta nueva producción también incluye una novedad poco afortunada, a saber, la intercalación de fragmentos del grupo dark ambience In Slaughter Natives, sobre el original de Falla, al que ya se había incluido arreglos de Luis Delgado para la lectura de 1994. Eso sí, la partitura de Falla está bien interpretada por la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la batuta del maestro Josep Vicent. También se han renovado vestuario e iluminación.

Una aportación interesante de esta producción de “El amor brujo” es la participación de la cantante Estrella Morente, poniendo voz, jondura y arte al espectáculo. La presencia de Morente en escena es poderosa y rotunda, eclipsando su fuerte personalidad, en ocasiones, al componente danzado. Ullate sabe del temperamento de la cantante granadina y exprime sus posibilidades en escena, haciéndola partícipe de parte de la acción. Frente a ella, un cuerpo de baile bien temperado que desgrana la personal coreografía de Ullate, cuya principal raigambre es la danza contemporánea y con algunos toques flamencos, en los que luce Rubén Olmo, como bailaor invitado. En las escenas corales se percibe la influencia bejartina, por la manera de concebir geométricamente el grupo y la forma de moverlo sobre las tablas.

Quizás los momentos-cumbre esperables por el espectador sean “La danza del ritual del fuego” y “El círculo de fuego”. Sin embargo, son la negritud y oscuridad de los espectros las que se adueñan de la obra, desdibujando en parte la línea argumental y construyendo una suerte de infierno de vampiros de Halloween. Víctor Ullate quería primar el fuego fatuo y, sin embargo, parece que su lectura de “El amor brujo” está situada en pleno Hades. Pese a todo, una estrella ilumina la oscuridad del Averno, en esta personal lectura de Víctor Ullate sobre la obra ya centenaria.