La compañía de Martha Graham en ‘Diversion of Angels’. Foto: Melissa Sherwood.

La reputada Martha Graham Dance Company recaló en el Teatro Arriaga de Bilbao dentro de la extensa gira de tres años para conmemorar los cien años de su fundación por la icónica Martha Graham, siendo la compañía de danza más antigua de los Estados Unidos. Sobre la base de poner a dialogar piezas históricas de la pionera de la ‘modern dance’ y obras de coreógrafos contemporáneos, la compañía neoyorquina ofreció un programa de dos horas de duración, precedido de una breve alocución de la directora artística, Janet Eilber, para ayudar a contextualizar correctamente cada una de las propuestas.

Arrancó la velada con “Diversion of Angels” (1948), obra en la que Martha Graham abordaba el amor en tres facetas o momentos de la vida de una mujer: el amor juvenil, ataviado de amarillo, el amor apasionado, de rojo, y el amor sereno y espiritual, de blanco, Además de la precisa elección de la paleta de colores, la geometría espacial es determinante en la pieza. El dibujo coreográfico es milimétrico a la hora de imaginar diagonales del coro de ángeles que arropan a esas tres parejas. Mientras que la pareja de amarillo, interpretada por Meagan King y Zachary Jeppsen-Toy, es impetuosa en sus movimientos, la de rojo, corporeizada por Xin Ying y Lloyd Knight, se mueve de manera más sensual, aunque el pilar que sustenta la obra es la pareja de blanco, en la piel de Leslie Andrea Williams y Ethan Palma, con una mayor presencia escénica y cuyos movimientos están más suspendidos, como si indicaran el asentamiento de la madurez.

Martha Graham creó el solo ‘”Immediate Tragedy”, impactada por la Guerra Civil española. Foto: Melissa Sherwood.

Más curiosa es la historia de la segunda obra de la noche, “Immediate Tragedy” (1937), un solo sobre la determinación y resiliencia creado por Martha Graham bajo el impacto de la Guerra Civil española y dedicado a las mujeres de España. Nunca se filmó y se consideraba perdido hasta que hace unos pocos años un hombre llevó a la compañía una serie de treinta fotos tomados por su padre desde la primera fila de una actuación de Graham. Uniendo el material de archivo y las fotografías, Janet Eilber reinterpretó cómo podía haber sido originariamente la pieza. El resultado es un solo de gran intensidad emocional.

Si hubiera existido el concepto de empoderamiento femenino en la época que Martha Graham creó la pieza, esa mujer solitaria, interpretada por Anne Souder, que cae y se levanta continuamente y subraya su determinación a través del gesto rotundo, sería un buen ejemplo de ello. Y, cómo no, el elemento cromático también subraya el dramatismo por la elección de los colores expresionistas por antonomasia: rojo, blanco y negro. En cierta manera, “Immediate Tragedy” y la mítica “Deep Song”, ambas del mismo año y temática, podrían funcionar como un díptico.  Mientras que la primera trataba sobre la perseverancia, la segunda era un lamento. Al parecer, inicialmente, se interpretaban como una suite con un interludio musical entre ambas.

En el programa ofrecido en Bilbao, la conjunción de “Diversion of Angels” e “Immediate Tragedy” mostró dos caras diferentes de Graham como creadora. La pieza inicial es abstracta y formal, en contraposición con la segunda obra, más visceral y vehemente.

Jamar Roberts es el coreógrafo de “We the People”. Foto: Isabella Pagano.

En cuanto a la parte del programa de coreógrafos actuales, “We the People” (2024), del estadounidense Jamar Roberts, es una obra de encargo para un programa en el que Eilber buscaba homenajear el legado americano. Por eso, la música con aire country, firmada por Rhiannon Giddens, crea la atmósfera adecuada en la que el coreógrafo de Miami construye una pieza sobre la creencia de que la unión del pueblo puede conseguir cambios. Estructurada a través de cuatro secciones prologadas por breves fragmentos en silencio, el todo que construyen esas piezas de puzzle busca ofrecer el sabor de lo genuinamente americano, con guiños a la obra “Rodeo” (1942), de Agnes de Mille, gran amiga de Graham.

Tras un descanso, el segundo acto estuvo protagonizado por “CAVE” (2022), del coreógrafo israelí Hofesh Shechter. A través de él, posiblemente se quiera resaltar la importancia que tuvo Martha Graham en la introducción de la danza moderna en Israel, ya que, en 1964, fue fundadora de la Batsheva Dance Company -junto a la baronesa Batsheva de Rothschild- y primera directora de la formación. Ohad Naharin, Itzik Galili o el propio Hofesh Shechter son buenos ejemplos del fenómeno Batsheva. Deudor de todo lo que supone la Batsheva y, en especial, la conocida técnica Gaga de Naharin, Shechter se caracteriza por un estilo terrenal, rotundo y plagado de trepidante acción. Y “CAVE” respondió a todas las claves de su línea creativa. Una gran y enérgica fiesta sobre música tecno para provocar la catarsis colectiva.

La compañía que creó Martha Graham, definida como la ‘Picasso de la danza’, alcanza su centenario con la mirada puesta en el futuro, representado a través de la nueva hornada de creadores como Jamar Roberts y Hofesh Shechter, y, sobre todo, sin olvidar la importancia del legado que gestiona. El espectador tiene la sensación de iniciar el recorrido en un museo viviente que desemboca en plena actualidad. En cierta manera, se percibe que los bailarines adoptan una actitud de distante respeto frente a las obras de Graham, mientras que sienten como un lenguaje más natural las piezas de los coreógrafos coetáneos. El interesante ejercicio de contraponer historia y actualidad gustó al numeroso público del Teatro Arriaga de Bilbao, como así lo manifestó en una cálida salva de aplausos.

“CAVE” de Hofesh Shechter es un enérgico fin de fiesta con música tecno. Foto: Chris Jones.

Gauthier Dance en “Le chant du cygne: Le lac”, de Marie Chouinard, un alegato feminista llevado a la danza. Foto gentileza de Gauthier Dance.

Una década después de su primera visita al Teatro Arriaga de Bilbao, la compañía alemana Gauthier Dance retornó al emblemático escenario de la capital vizcaína para ofrecer un triple programa que obtuvo el aplauso unánime del entusiasmado público. Fundada en 2007 por ex solista de Stuttgart Ballet, Eric Gauthier, la compañía residente del Theaterhaus de la ciudad germana se caracteriza por apostar por un repertorio versátil con trabajos de los coreógrafos contemporáneos más destacados de la actualidad. Y estas dos actuaciones en Bilbao dieron la oportunidad para disfrutar de piezas de los renombrados Marie Chouinard, Hofesh Shechter y Ohad Naharin.

En 2021, Eric Gauthier invitó a cuatro reputados coreógrafos para que crearan sendas piezas de veinte minutos de duración, partiendo del clásico inmortal de “El lago de los cisnes”. El resultado fue un cuadríptico con las poliédricas lecturas de Marie Chouinard, Marco Goecke, Hofesh Shechter y Cayetano Soto. Para la actuación en el Teatro Arriaga de Bilbao, el director canadiense se decantó por las obras de Chouinard y Shechter, con dos planteamientos muy diferenciados.

En “Le chant du cygne: Le lac”, la coreógrafa Marie Chouinard imagina a una bandada de cisnes oprimidos que se rebela contra el heteropatriarcado. Ante un ciclorama compuesto por un mar de llamas, un octeto de ánades se arrastra lastimosamente, probablemente subyugado por el poder del maléfico Rothbart. No faltan ni el tutú ni las zapatillas de punta, pero tampoco las rodilleras, los maillots en tono nude y las pelucas de color blanco en sustitución de los tradicionales tocados de plumas. Singular e imaginativo resulta el empleo de las puntas: una calza un pie de cada una de las intérpretes y la otra cubre la mano, que junto al antebrazo dibuja figuras que terminan recordando la cabeza y cuello del cisne, como si fuera un juego infantil de imitar una sombra chinesca. La coreografía se centra en subrayar la parte animal y la sumisión de la pléyade de ánades, hasta que éstas deciden enfrentarse y reclamar su voz con la letra de “Un violador en tu camino” (2019), una performance del colectivo chileno LASTESIS para denunciar los feminicidios y la violencia sexual contras las mujeres. Apaciguado el fuego de la protesta en un mar en calma en la proyección, las empoderadas intérpretes danzan en libertad en este aplaudido alegato feminista de la coreógrafa canadiense.

Hofesh Shechter es el coreógrafo de “Swan Cake”, obra de trepidante acción y estilo terrenal inspirada en “El lago de los cisnes”. Foto gentileza de Gauthier Dance.

Bajo el título de “Swan Cake”, el coreógrafo y compositor Hofesh Shechter construye una pieza que se asemeja a una fiesta rave y aparentemente con nulos puntos en común con el clásico de Petipa e Ivanov. Sin embargo, lo que se percibe con claridad es su característico estilo terrenal, rotundo y lleno de trepidante acción. Ataviado con ropa informal, el elenco sobresale en una especie de caótica celebración, inspirada quizás en los festejos del cumpleaños del príncipe Siegfried del original decimonónico. El israelí contrapone en su coreografía las calidades individualidades con el grupo, presentado como una masa en movimiento constante y enérgico, mientras que la banda sonora cita esporádicamente algún breve fragmento de la música de Tchaikovsky, como si fuera casi un jingle publicitario para recordar que la pieza parte del encargo basado en “El lago de los cisnes”.

La segunda parte estuvo protagonizada por “Minus 16”, emblemática obra de Ohad Naharin estrenada por Nederlands Dans Theater 2 en el Lucent Danstheater de La Haya, el 11 de noviembre de 1999. A punto de celebrar sus bodas de plata, esta obra se ha convertido en un referente obligado de la creación Naharin y su éxito le ha llevado a formar parte del repertorio de numerosas compañías internacionales. En el entreacto, un bailarín trajeado empieza a improvisar para desconcierto de los espectadores que han aprovechado el intermedio para salir del patio de butacas. En un momento determinado, comienzan a aparecer en escena los restantes intérpretes también trajeados y tocados con sombreros. A partir de ahí, el creador israelí engarza varias escenas musicalmente diferentes -“Echad Mi Yodea” en versión del grupo de rock The Tractor’s Revenge, “Stabat Mater” de Antonio Vivaldi, un solitario metrónomo y una versión tecno de “Over The Rainbow”-, pero coreográficamente bajo un estilo o lenguaje denominado Gaga.

A raíz de una lesión de espalda, Ohad Naharin se vio obligado a cambiar sus patrones de movimiento y así investigó cómo encontrar nuevas sensaciones. El resultado fue un lenguaje que potencia la ductilidad del cuerpo, con extremidades muy flexibles, y sorprende al espectador con enérgicas explosiones de movimiento alternadas con aparentes momentos de sosiego. El mejor ejemplo de ello fue la primera escena de la obra, ejecutada bajo la letra de la canción tradicional de la Pascua hebrea “Echad Mi Yodea” (¿Quién conoce a uno?). Sentados en un semicírculo conformado por sillas plegables, los dieciséis bailarines comienzan cabizbajos hasta que se produce ese estallido de energía, coreográficamente traducido en un canon y que finaliza con la caída al suelo de uno de ellos. Más convencional, un dúo sobre música de Vivaldi da paso a una divertida escena a ritmo de chachachá y con sorpresa final, para deleite del  público.

“Minus 16″ es una icónica obra de Ohad Naharin| Fotografía Jeanette Bak, cortesía de Gauthier Dance.

Durante los minutos que mediaron entre la primera y la segunda pieza, Eric Gauthier no dudó en dirigir unas palabras a los asistentes, explicando el programa que presentaba su compañía y lo emocionado que estaba por la segunda visita de Gauthier Dance al Teatro Arriaga de Bilbao, después presentar en aquella primera ocasión un catálogo de creaciones titulado “Future 6”: “Burning Bridges” de Jiří Bubeníček, “Cherry Pink and Apple Blossom White” de Itzik Galili, “Malasangre” de Cayetano Soto, “Takuto” de Eric Gauthier, “I Found A Fox” de Marco Goecke y “Bolero” de Stephan Thoss. Con una duración cercana a las dos horas, el díptico “Swan Lakes” con piezas de Chouinard y Shechter, unido a las buenas sensaciones que contagia “Minus 16” de Naharin, dejó nuevamente un fantástico sabor de boca en el numeroso público congregado en el Teatro Arriaga de Bilbao, que no dudó en gratificar el extraordinario trabajo de Gauthier Dance con una entregada salva de aplausos, deseando que no vuelva a pasar un decenio para disfrutar de nuevo de la compañía alemana en el escenario bilbaíno.

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Los componentes de la compañía Hofesh Shechter interpretan “tHE bAD”, parte del tríptico “Barbarians”, presentado en la Gare du Midi de Biarritz. Foto: Gabriele Zucca. Gentileza Hofesh Shechte-Festival Le Temps d’Aimer la Danse.

El Festival Le Temps d’Aimer la Danse de Biarritz inauguró su vigésimo sexta edición con una firma apuesta por vanguardia extrema. La aclamada compañía de Hofesh Shechter, considerada uno de los mejores exponentes de la modernidad, presentó su tríptico “Barbarians”, ante una Gare du Midi cercana al lleno. Con una duración aproximada de dos horas, el espectáculo no deja indiferente al espectador, ya que su puesta en escena, collage de músicas, bailarines y discursos de diván de psiquiatra del coreógrafo israelí afincado en Gran Bretaña, producen desde el máximo entusiasmo hasta todo lo contrario.

Comenzó la velada con “The barbarians in love” (2014), un sexteto sobre la música barroca de François Couperin (1668-1733) y de la orquesta Le Concert Des Nations creada por el violagambista y director de orquesta catalán Jordi Savall, entremezclada con música electrónica. Si la banda sonora es constantemente interrumpida de forma abrupta, esa línea es potenciada aún más con el diseño de iluminación de Lawrie MCLennan, con focos cenitales impenitentes que interrumpen, parpadean constantemente e incordian, más que ayudar, a los bailarines en medio de un espeso humo blanquecino. En escena, seis bailarines ataviados de blanco empiezan a recibir las lecciones que la voz en off del propio Shechter va dictando, cuya moraleja se condensa en el lema “We are not alone” (no estamos solos), que gritan con bastante frecuencia. La danza, en ocasiones, es trepidante, enérgica y agotadora; mientras en otras, parece carente de fuste, apática y flácida.

Quizás lo más exasperante de esta primera parte son las intervenciones del creador en las que va descargando las cuestiones que le carcomen en su interior. Puede que sea un cliché muy manido, pero podría decirse que Shechter apunta maneras para convertirse en el Woody Allen de la danza si continúa por esa senda creativa. Y cuando el discurso es tan disperso, incoherente y poco consistente, la mejor manera de conseguir dejar al público boquiabierto es con el desnudo integral del sexteto de intérpretes. Fin del primer acto.

Descanso mediante, la segunda parte se inició con “tHE bAD” (2015), cuyo título busca ser un pueril juego de palabras que conforma el término Head (cabeza). En esta ocasión, aparecen en escena un quinteto de bailarines imbuidos en unos ceñidos monos dorados. Después del absoluto despropósito de la primera pieza, esta obra se desarrolla de una forma más convencional, con una danza mejor hilada entre sus intérpretes y algunos recursos al humor. Eso sí, el creador israelí no renuncia a la ‘mélange’ de estilos musicales de épocas muy diversas, pero el espectador que no quiera escuchar puede hacer uso de unos útiles tapones para los oídos suministrados al principio de la función.

Un instante de “The barbarians in love”, ofrecido por la compañía del israelí Hofesh Shechter en la inauguración del veterano festival de danza de Biarritz. Fotografía de Gabriele Zucca, cortesía de Hofesh Shechter-Festival Le Temps de Aimer la Danse.

“Two completely different angles of the same fucking thing” (2015) es la tercera pieza que completa el puzle de “Barbarians”. Una pareja de enamorados -él, vestido del tirolés con pantalón corto y sombrero ad hoc, y ella, ataviada de calle- protagoniza la última obra del tríptico cuyo tono general es más tierno que sus piezas predecesoras. Sin embargo, su apariencia resulta ridícula e incluso grotesca, como si de alguna manera Shechter se quisiera reír de todo lo positivo que emana del amor como sentimiento. Al finalizar esta escena, se van incorporando los personajes blancos y dorados de las anteriores piezas, a modo de coro que amplifica lo que realizan los protagonistas de este instante.

“Barbarians” busca ser un tríptico sobre la intimidad, la pasión y la banalidad del amor. Sin embargo, la suma de todos los elementos genera sentimientos muy encontrados entre el público. El patio de butacas se dividió entre quienes aplaudieron de forma entusiasta la arriesgada provocación de Hofesh Shechter y quienes no sucumbieron ante su sórdida, mordaz y cáustica visión de las relaciones humanas. Desde luego, el gran mérito de la propuesta del coreógrafo israelí es que no deja indiferente al espectador. Guste o no guste su apuesta por Hofesh Shechter, lo que es innegable es que Le Temps d’Aimer la Danse de Biarritz ha rebasado sus bodas de plata con la firme intención de seguir siendo un festival por donde desfilan los muy diversos estilos que componen la danza como lenguaje universal.