Oksana Bóndareva e Igor Kolb en un clásico de Mikhail Fokine, “Shehérezade”, sobre la partitura de Rimski-Kórsakov. Fotos: Buby Bode. Gentileza BB.

Provenientes de distintas compañías de ballet de Rusia llegaron a La Habana una decena de sus más destacadas estrellas de la danza académica de ese país, mundialmente una primera potencia indiscutible en esta manifestación artística.

Su primordial objetivo era ofrecer una extraordinaria función de gala con lo más representativo del repertorio, como regalo a la capital cubana en las celebraciones por su medio milenio de fundación.

Fuimos testigos, esa única noche, dentro de lo que se llamó Días de San Petersburgo en la República de Cuba, en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso, de una memorable gala de lujo, donde lo único reprochable, justificable por su elevado costo, la ausencia de su magnífica orquesta en vivo, sin embargo, el soporte sonoro era de alta fidelidad. Los decorados fueron remplazados por eficaces proyecciones que nos situaban en contexto sin la ocurrencia de posibles “baches”: la duración en dos partes con pausa no consumió las dos horas. El espectáculo, desde su apertura, auguraba su ulterior esplendor con la interpretación de una joya coreográfica debida al genio de Mikhail Fokine, “La muerte del cisne”, un solo siempre gratificante y de ejecución riesgosa, esta vez brindado por Oksana Skórik, con una demostración de una ajustada concepción del postrer momento de esta hermosa pero potente ave, con las ligadas amplias ondulaciones de sus port de bras y poderosas puntas en los pas de bourrée en sus musicales desplazamientos.

Le siguió una radiante pareja formada por Irina Perrén y Marat Shemiúnov, en la ejecución del infaltable célebre dueto acrobático de Asaf Messerer (miembro de una poderosa dinastía en la danza), “Aguas Primaverales”, la cual puso en pie al auditorio por sus dificultades técnicas y el brillante atletismo de sus desafiantes cargadas, apoyadas por la espléndida música de Sergei Rajmaninoff.

La fluidez de los encadenamientos neoclásicos ejecutados en pareja durante el Adagio del concierto para contrabajo, del compositor italiano Giovanni Bottesini por el dueto Victoria Livínova y Yuri Smekálov (también autor de la coreografía y director artístico de la gala) fueron largamente premiados por su excelente entrega.

“Giselle Roja”, de Boris Eifman, interpretado por Lilia Lishchuk y Denis Klímuk. Fotos: Buby Bode. Gentileza BB.

Igualmente apreciamos a otros destacados especialistas de la escuela rusa Vagánova, por las impecables muestras de estilo y musicalidad, tales como Oksana Bóndareva junto al laureado artista Igor Kolb, en el adagio del ballet “Romeo y Julieta” según la versión coreográfica de Leonid Lavroski; así como un fragmento en adagio del ballet para toda una noche “Giselle Roja” del controvertido creador Boris Eifman, el cual fue defendido con valentía y convicción por Lilia Lishchuk y Denis Klímuk.

El artista emérito de Ucrania Denis Matvienko abordó con espectacularidad e impresionante fisicalidad, dentro de una línea más contemporánea, un solo del ballet “SSSSS”, con música de Fréderick Chopin y coreografía de Edward Klug. (Matvienkio impartió una ejemplar clase magistral a los alumnos de niveles avanzados de la Escuela Nacional de Ballet, muy apreciada por profesores, estudiantes e invitados). Posteriormente el propio Matvienko subió al escenario para ofrecernos una exquisita interpretación de un solo debido al genial inglés Fréderick Ashton, con el inquietante título Danza de los espíritus benditos, originalmente concebido para el afamado bailarín Antony Dowell, con el primordial objetivo de destacar la elegancia en el baile masculino de uno de los grandes “danseur noble” del siglo XX.

En la segunda parte, algunas de las parejas mencionadas retornaron abordando otros estilos y personajes. Así fue el caso con Lishchuk y Klímuk proponiéndonos una elegante y apasionada escena del ballet “Anna Karénina”, de Eifman, así como Bóndareva y Kolb en una brillante y sensual entrega del conocido título orientalista de Fokine, “Shehérezade”, según uno de los cuentos de “Las mil y una noche” sobre la espléndida partitura de Rimski-Kórsakov. Por su parte, el dueto Perrén y Shemiúnov se llevaron esta vez las palmas con un adagio del ballet “Espartaco” con coreografía de Gueorgui Kovtun y el soporte musical debido a Aram Khachaturian. A continuación hicieron entrada Litvínova y Smekálov, con el dueto La despedida, una breve mas conmovedora pieza contemporánea debida al propio bailarín.

Como colofón, la pareja Skórik-Matvienko triunfalmente desplegó todo su magisterio en el pas de deux del tercer acto del ballet Don Quijote, en la versión de Alexander Gorski, sazonado con el consabido virtuosismo climático al extremo –siempre gratificado por los aficionados al ballet con ovaciones en pie (los excesos en las españoladas gestuales quedaron perdonados).

Irina Perrén y Marat Shemiúnov en un adagio del ballet “Espartaco” con coreografía de Gueorgui Kovtun y música de Aram Khachaturian. Fotos: Buby Bode. Gentileza BB.

Un encuentro con la prensa

Estos notables artistas integran en Rusia las conocidas compañías de los teatros Académico Estatal Mariinski, Bolshói, Mijailovski, Novosibirsk o el Ballet de San Petersburgo Leonid Yacobsón
En nombre de la delegación artística, en total 23 miembros, el director general Víctor Minkov, declaró a la prensa que esta era una oportunidad para fortalecer los nexos culturales y contribuir a la cooperación e intercambio entre las dos ciudades. En tanto que el destacado bailarín y coreógrafo Smékalov hizo énfasis en la fusión cultural entre ambas naciones y la necesidad de alcanzar una colaboración integral entre coreógrafos y bailarines rusos y cubanos.

Durante el intercambio con la prensa, la directora de la ENB, Ramona de Sáa, recordó que en 1962 bailarines y pedagogos soviéticos viajaron a la isla, y brindaron un importante apoyo en la concepción de los planes de estudio de la entonces naciente Escuela Nacional de Ballet (ENB), entonces dirigida por su fundador el maestro de maestros Fernando Alonso.
Aquella ayuda, añadió de Sáa, fue de un valor incalculable, porque “no teníamos experiencia para a creación de una academia de tal magnitud. La actual directora consideró esta presencia del ballet ruso como histórica y aprovechó la ocasión para renovar su solicitud de apoyo por parte de profesores de Rusia, para mejorar, dijo, la enseñanza –en algunas materias como la danza de carácter– en la escuela. Es significativo el asombro expresado por Matvienko y Smekálov, ante la demostración del virtuosismo en los giros realizado por estudiantes cubanos de dicha escuela.

Para el final llegó el infaltable “Don Quijote”, versión de Alexander Gorski, por Oksana Skórik y Denis Matvienko. Fotos: Buby Bode. Gentileza BB.

“Romeo y Julieta”, con versión, dirección artística y general de Laura Alonso, se estrenó en La Habana con la compañía del Centro Pro-danza de Cuba. Fotos: Bubby. Gentileza. Ballet Laura Alonso.

Nos enfrentamos a un desafío teatral, es decir una nueva versión del ballet “Romeo y Julieta” con la música que compuso el ruso Sergei Prokofiev para le primera producción de un ballet sobre la tragedia homónima de William Shakespeare, que fuera estrenada en 1938, en el teatro de Brno -ciudad de la antigua Checoslovaquia-, con libreto de Leonid Lavrovski, S. Radlov y el propio Prokofiev y coreografía de Ivo Psota, quien bailó como Romeo junto a Zora Semberová como Julieta.Se trata aquí de la concebida por el joven coreógrafo cubano Iván Monreal, esta vez estructurada en un prólogo, dos actos y un brevísimo epílogo, por lo cual logra una reducción de las tres horas de duración de la original en unos digeribles 70 minutos.

En consecuencia, la banda magnetofónica con la música orquestal de Prokofiev tuvo que ser editada al efecto y en función del montaje ejecutado por la maestra y directora artística Laura Alonso, quien se aplicó “tijera en mano” a recomponer la dramaturgia de esta canónica historia shakespereana.

Este evento teatral aventurado y riesgoso no siempre resultó, visual y narrativamente, de la mayor claridad y solvencia dramática, si tenemos en cuenta que todo concluye con la muerte de los jóvenes apasionados y rebeldes protagonistas. Una de las más excelsas escenas trágicas del repertorio teatral de la era isabelina, y de las sucesivas centurias, de la cual existen modélicas representaciones referenciales (ya sea entre las más conservadoras versiones de ballet como en las más vanguardistas o contemporáneas).

La propia directora general de Pro-danza, Laura Alonso, confesó en rueda de prensa que estaba consciente de alguna observación malsana podría surgir, a la cual no daría importancia, en cuanto a cierto nepotismo presente en esta ocasión: la coreografía original es de su hijo Iván Monreal Alonso, el guión y la dirección artística es de ella, además la presentadora y la Nana de Julieta estuvieron desempeñadas por su nieta, Camila Monreal, actriz e instructora teatral. Los apoyaron profesores y ensayadores, tales como Lourdes Álvarez, Héctor Figueredo, Moraima Martínez, Marta Bercy o Ernesto Fariña, entre otros, así como un entrenador profesional laureado de esgrima del equipo olímpico cubano (las escenas bélicas resultaron convincentes), quienes contribuyeron loablemente a que esta “nave” llegara a buen puerto, aunque no sin que algunos molestos avatares surgieran en su “parcours”.

La compañía de ballet Laura Alonso está conformada, en un 70 por ciento, por estudiantes locales y foráneos (becados por la institución cubana de cultura en el Centro Pro-danza) y por una pléyade de jóvenes talentos como solistas, formados previamente en las escuelas de ballet del país, los cuales defendieron valientemente las exigencias de los papeles protagonistas, alternando los roles en las tres únicas representaciones ofrecidas en febrero sobre la intimidante escena de la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso.

En cambio, las escenas corales, que se desarrollaron en las plazas de Verona no siempre consiguieron el calificativo de logradas, si bien el intento de magnificencia escénica estaba allí en todo momento, ya sea por el vestuario, los atrezos o los decorados, mas con una tendencia minimalista, si bien emplea algunos detalles ingeniosos para suplir las carencias de ciertos recursos escénicos efectistas.

Breves datos historiográficos.

El Ballet Laura Alonso está conformado por un 70 por ciento de estudiantes locales y foráneos, muchos de ellos becados por Pro-danza de Cuba. Fotos: Bubby. Gentileza. Ballet Laura Alonso.

Al revisar, grosso modo, la historiografía existente de este icónico ballet del siglo XX, se nos ocurre que montarlo por Laura Alonso (hija de la eximia leyenda viva, Alicia Alonso) merecía calificarlo como un reto nacional, cuando ninguna otra agrupación de la mayor de las Antillas se había decidido a hacerlo en los albores del siglo XXI.

También, como excepción, el Ballet Nacional de Cuba produjo el estimulante espectáculo “Shakespeare y sus máscaras”, empero con la música de la ópera homónima del francés Charles Gounod, con adaptaciones orquestales del compositor cubano Juan Piñera, en una versión de ballet-teatro-pantomima concebida por Alicia Alonso hace más de dos décadas aproximadamente. En los anales del ballet en el archipiélago cubano está registrada la producción en cuatro actos creada en 1956 por Alberto Alonso, con el soporte musical de Prokofiev, y sus protagonistas fueron Alicia Alonso e Igor Youskévitch en el antiguo Teatro Auditorium de El Vedado. El mismo coreógrafo acometió otro espectáculo con la misma tragedia, en 1965, sobre la música de Héctor Berlioz, denominándolo “Un retablo para Romeo y Julieta”.

“Romeo y Julieta”, ballet con prólogo, tres actos, 13 escenas y un epílogo tenía tres horas de duración y seguía muy de cerca la tragedia shakesperiana, con especial énfasis en el conflicto social que enfrentaba a las dos poderosas familias feudales de la ciudad italiana de Verona, que finalmente se reconcilian ante la tumba de los amantes.

La música había sido solicitada para la producción soviética, con coreografía de Lavrosvski y escenografía de Peter Williams, estrenada en enero de 1940 en el Teatro Kirov de la entonces Leningrado (San Petersburgo) con Galina Ulanova y Konstantin Sergeyev. Luego, en 1946, tuvo una reposición en Moscú por el Ballet Bolshoi. Posteriormente, varias compañías del llamado “bloque soviético” la retomaron en sus respectivos teatros. La mencionada producción del Bolshoi fue filmada en 1954, y nuevamente grabada en 1976 para la televisión.

La primera producción de este ballet que llegó a Occidente fue de la rusa Margarita Froman para el Ballet de Zagreb, mostrada en Londres en 1955. Posteriormente, aparecieron las versiones de Frederick Ashton, John Cranko, Kenneth MacMillan (la del Royal Ballet llevada al cine en 1966), John Neumeier o Rudi Van Dantzig, entre otros.

Zenaida Yanowsky y Federico Bonelli en la producción del Royal Ballet of London de “Marguerite y Armand” con coreografía de Sir. Frederick Ashton. Foto: Tristram Kenton. Gentileza Royal Opera House / ArenaPAL.

El miércoles 7 de junio el Royal Ballet of London mostrará la gran visión creativa de Frederick Ashton, coreógrafo fundador de de la compañía que actualmente dirige Kevin O’Hare. Con  un magnífico programa mixto de tres ballets cortos en directo en cines de España, la cita es a las 20:15 horas. Las tres obras, “The Dream”, “Symphonic Variations” y “Marguerite y Armand” forman, por tradición, parte del legado más querido del Royal Ballet.

“The Dream” es la adaptación de Frederick Ashton del desenfrenado “Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare. Esta breve obra de ballet captura las confusiones que sufren los desaventurados amantes. La ingeniosa y famosa partitura de Felix Mendelssohn se convierte en la compañera perfecta para esta encantadora coreografía interpretada por los bailarines principales Sarah Lamb y Steven McRae. Ambos se pondrán a las órdenes de Emmanuel Plasson, quien dirigirá este programa mixto, para interpretar los roles principales de Titania y Oberón, reyes de las hadas. Tanto Lamb como McRae han compartido escenario más de una vez. Ambos bailarines fueron protagonistas de “Jewels” en la anterior producción de la temporada de la Royal Opera House que se transmitió en directo en cines españoles.

“Symphonic Variations”, primer trabajo de Ashton para la compañía, tendrá entre sus intérpretes a Marianela Núñez y a Vadim Muntagirov. Foto: Tristram Kenton. Gentileza Royal Opera House / ArenaPAL.

“Symphonic Variations”, por su parte, es una pieza fundamental del repertorio de Ashton. Una obra maestra que se centra en la belleza del movimiento. La obra fue el primer trabajo de Ashton creado para la compañía cuando ésta se mudó a su nuevo escenario en el Covent Garden luego de la Segunda Guerra Mundial. Creado únicamente para seis bailarines la coreografía se acelera y ralentiza, manteniendo una sensación de serenidad y amplitud. Entre los intérpretes, se destacan la argentina Marianela Núñez, quien ha sido merecedora de las mejores críticas con la comprensión única del estilo de Frederick Ashton. Núñez, junto al bailarín ruso Vadim Muntagirov, protagonizarán este trabajo abstracto, inspirado por las cuatro estaciones.

La tercera obra de este programa es “Marguerite y Armand”, una hermosa y emotiva versión de Ashton de una historia conocida tanto desde la literatura y el cine como desde la ópera. Famosa a través de la creación de Giuseppe Verdi, “La Traviata” es una de las piezas indiscutibles en el mundo de la ópera.

Ashton creó esta obra para Margot Fonteyn y Rudolf Nureyev en 1963, un apasionado ballet que cuenta la historia de Marguerite, una cortesana parisina que, desde su lecho de muerte, recapitula su trágico romance con Armand en una serie de recuerdos febriles. El poderoso pas des deux y la famosa “Sonata para piano en B Menor” de Franz Liszt, aseguran un final emotivo para este programa mixto.

Ésta será una de las últimas ocasiones en las que se presentará la bailarina española Zenaida Yanowsky en la Royal Opera House, de la que forma parte desde 1994, ya que ha anunciado su retiro. Yanowsky seguirá las indicaciones del repositos Emmanuel Plasson para interpretar por última vez el papel de Marguerite.

Mientras, el italiano Roberto Bolle regresará como artista invitado para interpretar a Armand. Bolle ha bailado en los mejores escenarios italianos y con las más prestigiosas compañías del mundo, y a pesar de haber actuado como artista invitado numerosas veces con The Royal Ballet, este será el único papel del bailarín italiano en la actual temporada.

“The Dream”, la adaptación de Ashton de “Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare tendrá como protagonistas a Sarah Lamb y Steven McRae. Foto: Bill Cooper. Gentileza Royal Opera House / ArenaPAL.

Cines españoles
En directo el 7 de junio a las 20:15 hs.
Las entradas ya están a la venta en cines de toda España y en www.rohencines.es. La Temporada de la Royal Opera House en directo en cines 2016/2017 está distribuida en España por Versión Digital.

Cartel de promoción del Royal Ballet of London para el programa que se transmitirá desde el Coven Garden.

Andalucía
Bormujos (Sevilla): Al Andalus Bormujos
Cádiz: Al Andalus Cádiz
Coín (Málaga): Cine Píxel, Cinesur Bahia de Cadiz
Córdoba: Cinesur El Tablero
Fuengirola (Málaga): Multicines Alfil, Cinesur Miramar
Jaén: Multicines La Loma UCC
Mairena de Aljarafe (Sevilla): Metromar Cinemas UCC
Málaga: Yelmo Vialia Málaga, Cinesur Malaga
Marbella: Cine Teatro Goya, Cinesa La Cañada
Puerto de Santa María (Cádiz): Multicines Bahia Mar UCC
Rincón de la Victoria (Málaga): Yelmo Rincón de la Victoria
Roquetas de Mar (Almería): Yelmo Roquetas
Sevilla: Cinesa Plaza de Armas, Cine Cervantes UCC, Cinesur Nervion Plaza
Vélez Málaga (Málaga): Cinesur El Ingenio

Aragón
Zaragoza: Cine Cervantes Zusa, Cinesa Grancasa

Asturias
Oviedo: Yelmo Los Prados, Cinesa Intu Asturias
Gijón: Yelmo Ocimax

Cantabria
Santander: Cinesa Bahía de Santander
Reinosa: Teatro Principal Reinosa

Castilla La Mancha
Albacete: Yelmo Vialia Albacete
Valdepeñas (Ciudad Real): Multicines Valdepeñas
Toledo: Cinesur Luz del Tajo

Castilla y León
Segovia: Artesiete Segovia
Valladolid: Cines Broadway
Zamora: Multicines Zamora

Catalunya
Arenys de Mar (Barcelona): Teatre Principal de Arenys de Mar
Barcelona: Arenas Multicines, Boliche Cinemes, Bosque Multicines, Cinesa Diagonal, Cinesa Diagonal Mar, Cinesa Heron City, Gran Sarrià Multicines, Yelmo Icaria
Castelldefels (Barcelona): Yelmo Castelldefels
Cornellá (Barcelona): Acec Full HD
El Masnou (Barcelona): Cinema La Calandria
Igualada (Barcelona): Ateneu Igualadí
La Seu d”Urgell (Lleida): Cinemes Guiu
Manresa (Barcelona): Acec Bagés Centre
Mataró (Barcelona): Cinesa Mataró Parc, Foment Mataroní
Palamós (Guirona): Cinema Arinco
Premià de Mar (Barcelona): Cine Teatre L”Amistat
Sabadell (Barcelona): Acec Cines Imperial
San Cugat del Vallés (Barcelona): Cinesa San Cugat
San Pere de Ribes (Barcelona): Ribes Cinema
Sitges (Barcelona): Cinema Prado
Terrasa (Barcelona): Cinesa Parc Valles, Yelmo Parc Central
Valls (Tarragona): JCA Valls
Vic (Barcelona): Multicines Sucre
Vilanova i la Geltrú (Barcelona): Teatre Círcol Catòlic
Vilallonga del Camp (Tarragona): Cinema Centre Recreatiu de Vilallonga

Comunidad Valenciana
Alicante: Yelmo Puerta de Alicante, Cines Panoramis
Alzira (Valencia): Acec Cines el Punt de la Ribera
Calpe (Alicante): Auditorio Calpe
L”Alfàs del Pi (Alicante): Cinema Roma
Oliva (Valencia): Teatre Olimpia
Ontinyent (Valencia): Cineapolis El Teler
Valencia: Yelmo Campanar

Euskadi
Bilbao: Cinesa Zubiarte
Leioa (Vizcaya): Cinesa Artea
Oridizia (Guipuzkoa): Herri Antzokia
Tolosa (Guipuzkoa): Cine Leidor
Vitoria: Yelmo Boulevard

Extremadura
Badajoz: Cinesur Conquistadores

Galicia
A Coruña: Cine Cantones
Santiago de Compostela: Cinesa As Cancelas, Cine Compostela
Vigo: Yelmo Vigo, Multicines Norte

Islas Baleares
Palma de Mallorca: Cinesa Festival Park

Madrid
La Moraleja: Cinesa La Moraleja
Las Rozas: 7º Oficio, Heron City Las Rozas
Madrid: Cinesa Manoteras, Cinesa Príncipe Pío, Cinesa Proyecciones, Cinesa Méndez Álvaro, Cines Dreams Palacio de Hielo, Cine Palacio de la Prensa, Yelmo Ideal, Yelmo Plaza Norte

Murcia
Cartagena: Neocine Mandarache
Churra: Cinesa Nueva Condomina
Lorca: Acec Almenara
Murcia: Cine Rex

El Ballet Estable del Teatro Colón, repone la versión de “Sylvia”, de Sir Frederick Ashton. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza Teatro Colón.

Bajo la dirección de Paloma Herrera, el Ballet Estable del Teatro Colón, comienza la temporada 2017 con su primer título: ”Sylvia”, el ballet de Sir Frederick Ashton, con música de Leo Delibes, reposición coreográfica de Susan Jones, y dirección musical del maestro Emmanuel Siffert al frente de la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires.

Las siete funciones programadas se realizarán el miércoles 5, jueves 6, viernes 7, sábado 8, martes 11 y miércoles 12 de abril a las 20:00 horas, y el domingo 9, a las 17:00 horas en la sala mayor del primer coliseo de Buenos Aires. Dos de estas presentaciones cuentan con la participación especial de la primera bailarina del American Ballet Theatre (ABT) Isabella Boylston, quien asumirá el protagónico femenino el viernes 7 y el domingo 9 de abril.

Los roles principales serán interpretados por Nadia Muzyca y Maximiliano Iglesias en las funciones del 5 y 8 de abril; Nadia Muzyca y Federico Fernández lo harán en la función del 11 de abril; mientras que Fernández y Boylston serán la pareja principal el 7 y 9 de abril, y Nahuel Prozzi y Karina Olmedo bailarán en las noches del 6 y el 12 de abril. El rol de Orión estará a cargo de Dalmiro Astesiano, Emanuel Abruzzo y Alejandro Parente en diferentes funciones.

Este ballet, con partitura romántica del siglo XIX, narra la historia de amor entre el pastor Amintas y Sylvia, una de las ninfas de la diosa Diana. Secuestrada por el cazador Orión, Sylvia, gracias a su ingenio, embriaga a su captor, y con la ayuda de Diana logra escapar, para unirse con su amado Aminta bajo la buena voluntad de Eros y Diana. En este relato desfilan también personajes mitológicos de la tradición grecorromana como: Eros (dios del amor), Diana (diosa de la caza y de la castidad), náyades (ninfas de los ríos y las fuentes), dríades (ninfas que cuidan de los árboles y los bosques), faunos (o sátiros) y también, Endimión, pastor de Caria que había obtenido de Júpiter el privilegio de no envejecer, y del que Diana quedó prendada.

Este ballet en tres actos, se estrenó por primera vez en París en el Palais Garnier en junio de 1876 con coreografía de Louis Mérante y música de Delibes. Sus orígenes se remontan al poema “Aminta” (1573) de Torquato Tasso, y posteriormente Jules Barbier y el Barón de Reinach la adaptaron para la Ópera de París. En su primera presentación la obra fue ignorada, y recién en 1952, a través de la coreografía de Sir Frederick Ashton se popularizó y ganó un espacio importante en el repertorio de la mayoría de las compañías clásicas.

Tamás-Krizs y Sona-Kharatian de The Washington Ballet en “Fives”, en el Kennedy Center. Foto: Dean Alexander. Gentileza TWB.

Celebrar 40 años de trabajo es una cifra para tener en cuenta, pero es más significativo aun si se trata de una compañía de ballet en una ciudad como Washington DC, donde la política es el centro de la escena. En este 2016, The Washington Ballet (TWB) celebró estas cuatro décadas en las que los sueños de Mary Day, su fundadora, se fueron cumpliendo paso a paso. El viernes 30 de septiembre, en el Eisenhower Theater del Kennedy Center de DC, el pasado, el presente y el futuro subieron a escena, delineando una gala para recordar.

Guiada por la nueva directora artística, Julie Kent, ataviada en tres deslumbrantes vestidos, la gala se sumergió en el pasado, y convocó imágenes de Mary Day en las clases de los primeros tiempos, testimonios de sus asistentes, y también, un fiel y cálido recuerdo de Kevin McKenzie, actual director del American Ballet Theatre (ABT), y ex alumno de The Washington Ballet School. Cuando el telón subió, la compañía en pleno, vestida de rojo furioso y bajo los compases de la música de Ernest Bloch comenzó “Fives”, de Choo San Goh, coreógrafo de Singapur quien marcó estilo y rumbo durante la década del 70.

Y este despliegue en el que la memoria fluye abrió las puertas a Septime Webre, quien durante 17 años le dio a la compañía un toque particular y realizó un intenso trabajo de difusión y captación de público. Con él, llegó a la escena la que fue su primera obra, un homenaje a su familia, inspirado en reminiscencias de la vida en Cuba. “Juanita y Alicia”, una realización llena de nostalgias, muestra un desborde de ritmo y desenfado a través de bailarines totalmente compenetrados con la coreografía, la trama y la música.

Festejo, globos y un aniversario para celebrar los 40 años de The Washington Ballet en DC. Foto: Danzahoy.

El tercer bloque, mira hacia el futuro a través de los ojos de la nueva directora quien, luego de estar 30 años fuera de Washington y de haber sido una de las grandes estrellas del ABT, su objetivo es darle una impronta clásica a la compañía. Una serie de pas de deux como “Cisne negro” de “El lago de los cisnes”; de Marius Petipa, “Cascanueces” y “Don Quijote”, precedieron un clásico de George Balanchine, “Theme and Variations”.

Sin embargo, en esta serie clásica de pas de deux, al igual que en “Theme…”, queda mucho camino por recorrer, a pesar de tener bailarines de sólida formación como Rolando Sarabia, una nueva adquisición que viene de la escuela cubana, y que genera expectativas para las futuras producciones. El virtuosismo de Brooklyn Mack apareció en “Don Quijote” junto a Maki Onuki. Y si bien Kent tuvo pocas semanas para trabajar con los bailarines, ya que se hizo cargo de la compañía a principios de septiembre, habrá que esperar al primer estreno de la temporada, con “Giselle”, en marzo del próximo año, para ir observando la evolución de la troupe que, en esta temporada, tiene una fuerte presencia hispana.

En vista a los años por venir, Kent mencionó su intención de dar una impronta más clásica a la compañía, y trabajar con música en vivo. También anunció para la temporada 2017 el estreno, el 25 de mayo, de una creación de Ethan Stiefel, ex primer bailarín de ABT, en el Opera House del Kennedy Center de DC, y otra serie de obras de los grandes coreógrafos del siglo XX como “El jardín de las lilas”, de Anthony Tudor, y “The Dream”, de Frederick Ashton. Y en abril, estrenarán la pieza de Alexei Ratmansky, “Seven Sonatas”.

The Washington Ballet con la nueva directora artística, Julie-Kent. Foto: Dean Alexander. Gentileza TWB.

La premiada como Mejor Bailarina Alicia Amatriain y Jason Reilly, del Stuttgart Ballet, interpretaron un fragmento de “Un tranvía llamado deseo”, de John Neumeier. Fotografía gentileza de Jack Devant.

Finalizada la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse y con apenas una breve pausa, comenzó en el Teatro Bolshoi de Moscú la tradicional gala de nominados. De entrada, puede resultar extraño que los participantes intervengan en el espectáculo con los galardones ya entregados. De esta manera, habrá quien esté eufórico por contar con un Benois –considerado el ‘Óscar’ del ballet- en su camerino y quien se haya quedado con las manos vacías. Dividida en dos partes y con una duración de tres horas, la gala de nominados desplegó un amplio abanico de posibilidades interpretativas sobre el escenario del mítico Bolshoi.

Como si el ballet quisiera volver sus orígenes cortesanos, un sexteto de bailarines del Mariinsky Ballet presentó un fragmento de “Divertissement of the King”, coreografía del nominado Maxim Petrov, sobre la música del compositor barroco francés Jean-Philippe Rameau. El contrapunto a los modos y maneras versallescas, llegó de la mano del dúo de “Carmen”, obra creada para la Compañía Nacional de Danza, por Johan Inger, premiado como mejor coreógrafo. Acostumbrado a propuestas más clásicas, quizás el público se sorprendió por este fragmento interpretado con solvencia por Emilía Gisladöttir y Daan Vervoort (CND). La escena “Tears” de la obra “Emperor Yu Li”, con coreografía del nominado Zhang Yunfeng y bailado por Hu Yuting y Sun Ke (Beijing Dance Academy), se alargó en exceso, para dar pie al dúo de “Cinderella”, creado por el nominado Mauro Bigonzetti, e interpretado por Virna Toppi y Christian Fagetti (La Scala de Milán). Al volver el clásico a escena con un paso a dos de “Giselle”, protagonizado por la nominada Rebecca Bianchi y su partenaire Claudio Cocino (Ballet de la Ópera de Roma), los espectadores demostraron su preferencia por ese estilo, ratificada con el “Tchaikovsky. Pas de deux”, bailado por Emily Slawski y Dmitry Zagrebine (Real Ballet de Suecia).

Oxana Skorik y Philipp Stepin, del Mariinsky Ballet de San Petersburgo, bailaron el clásico “Sylvia”, con el que finalizó la gala de nominados en el Teatro Bolshoi, el 17 de mayo. Fotografía gentileza de Jack Devant.

La primera parte se clausuró de manera impactante por la flamante Benois de la Danse a la ‘Mejor Bailarina’, Alicia Amatriain (Stuttgart Ballet), quien junto a su partenaire Jason Reilly, pusieron el corazón en un puño al espectador por su soberbia interpretación de la durísima escena de la violación a Blanche DuBois, extraída de “Un tranvía llamado deseo”, coreografía del también galardonado John Neumeier. Dramatismo puro en el punto de inflexión de la obra que, sin embargo, tiene difícil acomodo en una gala, aunque la petición de la organización era interpretar la obra por la cual el candidato estaba nominado.

Si la primera parte había mostrado su apuesta por la danza más actual, el segundo acto se inclinó por dar preferencia al clásico. Así, Hannah O’Neill (Ballet de la Ópera de París) – ‘Mejor Bailarina’, ex aequo con Amatriain- inauguró esta parte con un paso a dos de la obra de repertorio “Esmeralda”, contando con Hugo Marchand como pareja. Continuó la pieza “L’Arlésienne” de Roland Petit, dúo de gran belleza de los nominados Bianchi y Alessandro Riga (CND), que dio paso a “What love tells me”, en claro homenaje a John Neumeier –reconocimiento a toda su trayectoria-, e interpretada por los aclamados bailarines Silvia Azzoni y Alexandre Riabko (Ballet de Hamburgo).

Con la ventaja de actuar en casa, Olga Marchenkova y Artemy Belyakov (Bolshoi Ballet) presentaron un fragmento de “Hero of our time”, de Yuri Possokhov , premiado como ‘Mejor Coreógrafo’, ex aequo con Inger. El tramo final de este acto volvió a recurrir a piezas de repertorio bien conocidas por los espectadores moscovitas como “Schéhérazade”, de Michel Fokine, obra gracias a la que Kimin Kim (Mariinsky Ballet) recibió el premio como ‘Mejor Bailarín’ y de la que bailó un extracto con Nadejda Batoeva; un paso a dos de “Romeo y Julieta”, de sir Kenneth MacMillan, interpretado con exquisitez por Lauren Cuthbertson y Edward Watson (The Royal Ballet); y “Sylvia”, en la versión de sir Frederick Ashton, bailada con una técnica impecable por la figura emergente Oxana Skorik y Philipp Stepin (Mariinsky Ballet).

Todos los participantes en la gala de nominados de los XXIV Premios Benois de la Danse, en el Teatro Bolshoi de Moscú, el 17 de mayo. Fotografía gentileza de Jack Devant.

En general, el público ruso tiene fama de conocedor del ballet. Por sus aplausos, la sensación que transmite es que aprecia y se deleita con el ballet clásico, pero no llega a conectar en exceso con las piezas contemporáneas. Además, al parecer, la tradición es que, en las galas, una voz en off anuncia los créditos de cada pieza, lo que resulta chocante para el espectador foráneo y, de alguna manera, interrumpe la fluidez de un espectáculo ya excesivo en su metraje. Si la velada se inició a las 19.00 hora local con la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse, finalizó cuando el reloj marcaba las 23.00 horas. En una gala tan extensa, quizás sería interesante un ojo externo a la hora de conformar la combinación de piezas del programa, que dicho sea de paso, podía haber tenido más ritmo. Probablemente sea una cuestión de diferente percepción del concepto de espectáculo. Consideraciones aparte, la gala de nominados fue una kilométrica y aplaudida muestra de tres horas y es que la fama del Bolshoi requiere de exhibiciones mastodónticas para mayor gloria de las leyendas que han bailado sobre sus tablas.

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La gala de apertura del ABT llevará a escena la reposición de un clásico de Twyla Tharp, “The Brahms-Haydn Variations”. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Con la circular que el American Ballet Theatre (ABT) acaba de enviar  a la prensa sobre la temporada otoñal que ofrecerá en el Koch Theatre del Lincoln Center de Nueva York, se descorre la cortina de un nuevo ciclo. Desde el 21 de octubre hasta el 1 de noviembre, la compañía arremeterá con una troupe renovada. Aunque posiblemente se noten las ausencias de las tres principales que se retiraron en el verano, Julie Kent, Xiomara Reyes y Paloma Herrera.

La presencia de obras de afamados coreógrafos actuales y de algunos que ya forman parte de la historia de la danza y que han dejado su valioso  legado, forman parte de una programación compuesta por una diversidad de estilos. Muchas de las piezas que llegan al Koch son de “colección”, y tienen un valor incalculable

A esto se suman las promociones anunciadas al finalizar la temporada de verano, que abren un nuevo abanico de solistas y bailarines principales. Aunque el director de la compañía, Kevin McKenzie, también optó por conservar a algunas de las estrellas. Ese es el caso de Marcelo Gomes, partenaire como pocos, que ahora también está fijando su interés en la coreografía.

“Aftereffects”, con música de Peter I. Tchaikovsky, es una de las creaciones de Gomes incluida en la programación. Tampoco faltará en esta temporada otra de las estrellas del ABT, el argentino Herman Cornejo, que también está incursionando en la coreografía.

La argentina Luciana Paris, solista del ABT, en “Company B” de Paul Taylor. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

La gala de apertura llevará a escena la reposición de un clásico de Twyla Tharp, “The Brahms-Haydn Variations”, que tendrá como protagonista a Sarah Lane, Daniil Simkin, Gillian Murphy y Cornejo. Y también marca el debut en esta obra de Isabella Boylston, Alban Lendorf, Maria Kochetkova, James Whiteside, Christine Shevchenko y Joseph Gorak. Misty Copeland, Sterling Baca, Luciana Paris, Arron Scott, Stephanie Williams, Blaine Hoven, April Giangeruso, Calvin Royal III, Skylar Brandt y Craig Salstein interpretarán por primera vez la pieza de Tharp el 24 de octubre.

En la primera noche también suben a escena, de Frederick Ashton, “Monotones I and II”, con música de Erik Satie, y un estreno de Mark Morris, con música de Johann Nepomuk Hummel.

George Balanchine, con su “Valse Fantasie”, estará representado en esta temporada. A la lista de trabajos sobresalientes que componen la corta programación, un infaltable: “Espectro de la Rosa”, de Michel Fokine, con música de Carl Maria von Weber.

No obstante, hay más clásicos, y Alexei Ratmansky aparece entre estos con “Piano Concerto #1”, una coreografía sobre  el  Concierto de Piano No. 1 de Dmtri Shostakovitch.  Y entre los contemporáneos, se destaca  por derecho propio, Paul Taylor, con la simpática y entretenida obra “Company B”, que lleva el acompañamiento del trio de las Hermanas Andrews, quienes fueron famosas durante los años de la segunda guerra mundial.
Una pieza antibélica por excelencia, “La mesa verde”, del incuestionable director y coreógrafo alemán, Kurt Jooss, vuelve a la escena. Ganadora de grandes aplausos y buenas críticas, en el momento en que fue estrenada, 1932, su argumento hizo clara referencia a la complicada situación de la desigualdad entre los países de Europa, que no lograban ponerse de acuerdo, mientras los Nazis comenzaban a cobrar cierto protagonismo.

En 1933, la obra se presentó por primera vez en Nueva York. En 1940, Jooss llevó “La mesa verde” a La Habana, bajo contrato con Pro-Arte Musical; luego, volvió a los Estados Unidos en 1967 a través del Joffrey Ballet. Y en la temporada 2005, pasó a integrar el repertorio del ABT. En el rol principal, La Muerte, que en su estreno mundial fue interpretado por el mismo Jooss, en el teatro Koch aparecerá Gomes.

Las entradas ya están a la venta y muchos de los balletómanos ocuparon los primeros puestos en la fila frente a la taquilla.

Informes
www.abt.org.
212-496-0600

La presentación de Marianela Núñez junto a James Whiteside en el Metropolitan Opera House de Nueva York, cerró la temporada del ABT: Foto: MIRA. Gentileza ABT.

Con música de Sergei Prokofiev y con la sutil y minuciosa coreografía de Frederick Ashton, basada en el cuento tradicional de Charles Perrault, “La Cenicienta”, cerró la temporada primavera-verano del American Ballet Theatre (ABT) en el Metropolitan Opera House. La compañía dirigida por Kevin McKenzie presentó la obra desde el 29 de junio al 4 de julio con distintos repartos.

Tres principales del ABT, Hee Seo, Gilliam Murphy y Stella Abrera (recién ascendida) compartieron protagónicos con la bailarina invitada del Royal Ballet of London, la argentina Marianela Núñez, cuya trayectoria es más conocida en Europa y Sudamérica que en los Estados Unidos. Como pez en el agua, Núñez retomó una obra que forma parte del repertorio de la compañía a la que pertenece y en el que ha incursionado en varias temporadas en el Coven Garden de Londres.

En esta versión tan especial Frederic Ashton, visionario en su época, utilizó un elemento simbólico importante: hombres interpretando el rol de las hermanas de Cenicienta. Esta puesta realizada en 1948, y estrenada por el Sadler’s Wells Ballet en el Coven Garden, tuvo como protagonistas a Moira Shearer y a Michael Sornes, y el mismo Ashton, junto con Robert Helpman, cubrió el papel de las hermanastras.

James Whiteside del ABT y Marianela Núñez del Royal Ballet of London en los protagónicos de “La cenicienta” de Frederick Ashton. Foto: MIRA. Gentileza ABT.

Para el ABT, Mikhail Baryshnikov montó su coreografía en 1983, y le siguieron otras dos producciones, la de Ben Stevenson (1996) y la de James Kudelka (2006). Esta puesta de Ashton comenzó a integrar el repertorio de la compañía en junio de 2014.

La presentación de Marianela Núñez en el rol de Cenicienta creó cierta expectativa, ya que fue la primera presentación con la compañía estadounidense. Junto a ella, James Whiteside, que fue quien estrenó esta versión para el ABT en 2014.

Núñez, dueña de una gran plasticidad y musicalidad, brilló en el segundo acto, en la escena del palacio, con sus magníficos giros, sus pirouettes y sus sólidas puntas. Pero a la impecable y sutil técnica se suma una encantadora personalidad que se ajusta al rol y la convierte en un personaje real. Su delicado trabajo actoral permite descubrir cada uno de sus estados de ánimo, especialmente en las escenas en las que debe defenderse de sus brutales hermanastras, o en las que se aferra a la protección de un padre debilitado y sometido a sus hijas adoptivas.

Ashton, con sus delicadas coreografías y ambientaciones, tiene una paleta mágica para pintar personajes y delinear situaciones. La armonía de los pasos que ha creado, son dibujados por Núñez y Whiteside con perfección y fortaleza.

El resto del reparto contó con Veronika Part como el hada madrina, prolija y discreta. Sarah Lane, cubrió el rol del hada de primavera; Stephanie Williams, el hada de verano; Luciana Paris, fue el hada de otoño, y el hada de invierno, April Giangeruso, miembro del cuerpo de baile. Las cuatro hadas, entre ellas Paris, recién ascendida a solista, después de un desempeño más que meritorio durante largas temporadas, hicieron un estupendo y delicado trabajo en cada una de las variaciones.

El Bufón que animó la fiesta del palacio, interpretado por Craig Salstein, hizo un excelente desempeño. Brillante en sus “split-jetés” y en su graciosa gestualidad.

Y un capítulo especial merecen Kenneth Easter y Thomas Forster que tejieron maravillas en la composición de las hermanastras. Ambos dejaron fluir sus cualidades de clowns y construyeron dos personajes magníficos, divertidos y atractivos. Imperdibles.

Ormsby Wilkins, al frente de la orquesta, logró hacer maravillas con la intrincada partitura de Prokofiev. Con maestría, hizo sonar la orquesta con brillantez y precisión.

El alto nivel de danza de la última noche de la temporada y el magnífico vestuario de David Walker, se amalgamaron con una bella escenografía, creada por Brad Fields, en la que cada escena adquiere personalidad propia.

Tatiana y Oberon dos de los personajes centrales de “The Dream”, producción que el Royal Ballet llevó a Nueva York. Foto: Bill Cooper. Gentileza ROH/ArenaPAL.

Por una corta temporada en el Teatro Koch de Nueva York, el Royal Ballet of London, presentado por Joyce Theater Foundation, regresó al Lincoln Center después de varios años de ausencia. La compañía dirigida por Kevin O’Hare, llevó a Nueva York dos programas mixtos integrados por clásicos de su repertorio.

Desde el 23 al 28 de junio, la compañía fue alternando elencos y obras. Y así desfilaron “The Dream”, de  Frederick Ashton, con  música de Felix Mendelssohn; “Song of the Earth”, de Kenneth MacMillan y música de  Gustav Mahler; “Infra”,  Wayne McGregor con música de Max Richter; “The Age of Anxiety”, de Liam Scarlett con música de Leonard Bernstein; “Voices of Spring”, también de Ashton; “Borrowed Light”, de Alastair Marriott; “The Dying Swan”,  con coreografía  de Calvin Richardson; “Le Train Bleu‘Le beau gosse’”, de  Bronislava Nijinska; “Aeternum” pas de deux, de Christopher Wheeldon, y “Carousel” pas de deux, de MacMillan.

“Song of the Earth” , de Kenneth Mac Millan, tuvo como protagonistas a Carlos Acosta y Marianela Núñez. Foto: Tristram Kenton. Gentileza ROH.

Entre los primeros ballets presentados, había una dupla muy interesante por la diferencia de estéticas y en la personalidad de los que subieron a la escena.  El jueves 24 se presentó “The Dream”, la obra de Ashton basada en “Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare, y “Song of the Earth”, de MacMillan.
Ashton escogio la encantadora música de Felix Mendelssohn para idear una coreografía con infinidad de situaciones graciosas, enredos, magia, supersticiones, hadas, dioses y mortales, que logran un particular encantamiento.

Sarah Lamb, la Titania de esa noche, puede decirse que bordó los pasos. Asimiló el rol como si le perteneciera. Por lo demás, su técnica es de la mejor calidad e hizo una pareja estupenda con Steven McRae en el rol de Oberon,  rey de la foresta. Sumamente atractivo y de limpios entrechats. Una pareja que delineó los personajes a la perfección y supo provocar ese encantamiento que propone esta bella obra.

El travieso Puck, James Hay, le hizo honor al personaje con saltos increíbles y vueltas que lo hacían parecer un trompo. Por su parte, Bottom, Bennet Gartside, hizo lo suyo como el personaje lo exigía.

“Song of the Earth” llegó para el final de este primer programa. Una realización de MacMillan de 1965, estrenada por el Stuttgart Ballet, que indica cuáles son los principales problemas que sufren los mortales. El rol de Mensajero de la muerte -que aparece en escena desde que la cortina se abre-, fue desempeñado por el bailarín cubano Carlos Acosta, miembro invitado desde hace tiempo de la compañía.

La mascarilla que Acosta llevaba  sobre la cara  escondía las expresiones indicativas de la personalidad y propósitos abrigados por el personaje. pero no, Acosta no parecía sentir nada. Su parte bailable tampoco emociono, como sucedía tiempo atrás.

Seis canciones de Gustav Mahler, con texto de Hans Bethge, acompañan la coreografía que danzan solistas y cuerpo de baile. Marianela Núñez, en el rol principal, se destaca desde un principio. Es bella y se mueve con una delicadeza digna de admiración. Ya sea sola o en trío con Acosta y Nehemiah Kish, su amado que ya había pasado a mejor vida sin ella. El movimiento de los brazos de Núñez semejan la

“La Fille mal gardée”, un clásico del Royal Ballet con Marianela Núñez y Carlos Acosta. Foto archivo Danzahoy.

El martes 9 de junio subió al escenario del Kennedy Center de DC después de casi seis años de ausencia, y el público estalló en aplausos. Junto a ella, uno de sus más entrañables compañeros de trabajo, y amigo: Carlos Acosta. El ballet: “Don Quijote”. Clave en su vida y quizás, en la de muchas bailarinas.

Marianela Núñez volvió a ser protagonista de este romance caballeresco entre Kitri y Basilio, tal como lo fue en el estreno mundial de esta versión de Acosta, en 2013, estrenada por el Royal Ballet of London (RB), compañía en la que la bailarina argentina se formó desde que tenía 15 años. Por entonces, pasó una audición en Los Ángeles, bajo la mirada de Anthony Dowell (ex director artístico de la compañía), y entró a la escuela del RB. Sola, en Londres, y sin hablar una palabra de inglés, al año pasó a formar parte del cuerpo de baile de la compañía que actualmente dirige Kevin O’Hare.

Es la menor de tres hermanos varones, y fue la “niña mimada de la casa”. Se enamoró del ballet desde que tenía 3 años, y desde entonces la danza fue su meta y objetivo. Se formó en la escuela del Teatro Colón en Buenos Aires, donde vivía con su familia, y también integró el Ballet Estable del Teatro Colón. Bailó como partenaire de Maximiliano Guerra cuando tenía 13 años, y una vez en el Royal, a los 20 años, llegó a ser principal. Luego llegaron los premios, entre ellos, el María Ruanova, entregado por el Consejo Argentino de la Danza en la Argentina; el Best Female Dancer del Critics’ Circle Dance Awards en 2006 y 2013, y el Olivier Award (2013) por sus destacados logros en danza.

En ésta, una de sus primeras apariciones en los Estados Unidos, la bailarina realizará un tour por Chicago y Nueva York con el RB, y luego hará su debut con el American Ballet Theatre (ABT) el 2 de julio en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Bailará “Cenicienta”, de Frederik Ashton, una obra que forma parte del repertorio del ensamble londinense.

Marianela Núñez y Carlos Acosta en “Song of the Earth”, de Kenneth MacMillan, obra que el Royal Ballet presenta en Nueva York. Foto: Tristram Kenton. Gentileza RB.

DANZAHOY: ¿Qué significa volver a hacer Quijote con Acosta?

Marianela Núñez: Es un ballet que siempre estuvo en mi carrera, lo bailé por primera vez en Uruguay con Maxi (Maximiliano Guerra), cuando tenía 13 años. Y después, ya como principal, hice con el Royal la versión de Rudolph Nureyev. Así que cuando Carlitos (Acosta) me propuso que hiciera el estreno de esta nueva producción que le encargó el Royal, para mí fue un súper regalo. Y cuando me dijo que él también lo iba a bailar, dije: ‘jaque mate’.

D: ¿Hay alguna diferencia entre este Quijote y los otros que has bailado?

MN: Si bien la base es la tradicional, le hizo muchos toques que identifican a la compañía. Uno mira esta puesta y se da cuenta que es la del Royal Ballet. Con Quijote es muy fácil irse para el circo, pero él quería calidad técnica y la actuación. Y los tres actos son completamente diferentes. Ahora Carlos está por hacer un “Carmen”, que lo va a hacer para mí y él también va a bailar. Y con eso se retira. Hace poco hicimos “Fille mal gardée”, que es un ballet en el que nos han visto mucho juntos y la gente nos identifica. Fue la primera vez que lo vi tan emocionado, su hija le entregó unas flores en el escenario, recuerdo. Estoy compartiendo estos momentos tan especiales para él, que también lo son para mí.

D: ¿Qué es lo que más te atrae de las puestas de la compañía?

MN: Una de las cosas que más amo de nuestra compañía es que todas las puestas son muy teatrales. En lugar de estar viendo bailarines parece que ves actores sobre el escenario, y el desarrollo es muy natural.

D: ¿Qué se siente al estar tanto tiempo en una compañía como esa?

MN: Les debo todo. Me siento feliz. Me adoptaron, tanto como la compañía como la audiencia en Londres. Me siento muy mimada. Me dieron todo, y me lo dieron de una manera que me ayudó a crecer artísticamente de la forma correcta. Tengo 33 años y miro para atrás, y veo que fui pasando todos los escaloncitos en el momento indicado, y los roles también me fueron llegando en el momento justo. Tuve mucha contención todo el tiempo. Esta compañía es mi familia. Es un sueño hecho realidad.

La versión de “Don Quijote” de Carlos Acosta, con el RB y Marianela Núñez como protagonista, se estrenó en el Kennedy Center y se presenta en Chicago. Foto: Johan Persson. Gentileza ROH/ArenaPAL.

D: ¿De qué manera se sobrevive a la competencia en una compañía tan importante?

MN: La competencia es saludable porque eso te empuja a seguir mejorando y perfeccionándote. Es bueno tener gente que te inspira y te incita a buscar respuestas nuevas o a ver lo que uno no quiere llegar a ser. Es muy importante poder absorber todo eso. De todas maneras, el lugar que me dieron, no me obliga a estar presionada. Porque me lo gané trabajando. Y la confianza y el respeto que me tienen es maravilloso. La compañía me vio crecer como bailarina y como persona. Y tanto los bailarines como los maestros, los directores y los técnicos se preocupan de todo con cada uno de nosotros. Se vive una atmósfera muy saludable. La única preocupación son las cosas personales de uno, pero ellos están acompañando y pendientes de lo que te pasa. Nuestro director está siempre ahí, en todos los ensayos, intercambiando ideas. Me siento muy cuidada. Ellos me dan todas las llaves para ir mejorando. Además, todo es hermoso. Mi camarín en el Coven Garden es como mi casita. Y cuando me voy de vacaciones los extraño.

D: ¿Cómo fue surgió tu debut con el ABT?

MN: Estuvimos desde hace varios años tratando de combinar fechas que nunca coincidieron, pero ahora, justo que estamos en Nueva York y que terminamos la gira con el Royal, coincide todo como para poder terminar la temporada del ABT con “Cenicienta”, la nuestra, la que hacemos nosotros. Esta gira con el Royal también es importantísima. En Nueva York tenemos un repertorio increíble, y creo que terminar con “Cenicienta” de Ashton, es fantástico. Ésta es prácticamente la primera vez que vengo de gira a los Estados Unidos con la compañía, y que venimos con un repertorio tan amplio. La última vez que estuvimos en Nueva York fue en 2004.

D: ¿Cuándo eras niña, imaginaste que llegarías a ser una bailarina tan reconocida?

MN: Siempre tuve claro que quería ser bailarina y que no quería quedarme en el cuerpo de baile sino ser la mejor. Pero nunca me imaginé que iba ocupar un lugar así en el RB. Es más, a veces me tengo que sacudir para no creer que estoy soñando. El martes, cuando abrimos con “DQ”, dije: “noche de apertura en el Kennedy Center, gente parada, y gente esperándome a la salida. Fue increíble. Creo, también que las proyecciones cinematográficas de los ballets del Royal abrieron el mercado de una manera increíble.

D: Si tuvieras que recordar algo de tus primeros tiempos, ¿qué es lo primero que aparece?

MN: Ríe a carcajadas. Cuando entré al RB como cuerpo de baile, no estaba acostumbrada a ser parte de una compañía porque desde los 14, en la Argentina tenía roles de solista. No tenía ni idea de cómo era eso. Y recuerdo que en un “Lago de los cisnes”, creo que el primero, como siempre tenía una chica rubia adelante mío, me dije: pase lo que pase, vos seguí a la rubia. Y de repente tomé conciencia de que había como 10 rubias, y no sabía a quién seguir…Me agarró un ataque de pánico. Recuerdo que alguien me agarró y me puso en la fila. Y me dije: esto no puede pasar más… Pero pasar por esa etapa me vino muy bien porque fue un gran aprendizaje. Esos papeles secundarios y el cuerpo de baile te dan la avena para fortificarte.

Próximas funciones con el Royal Ballet of London

Auditorium Theatre, Chicago

Del 18 al 21 de junio

“Don Quijote”
Producción y Coreografía de Carlos Acosta, sobre Marius Petipa
Música de Ludwig Minkus, con arreglos  de Martin Yates.

 Koch Theatre, New York

Junio 23

“The Dream”
Coreografía: Frederick Ashton
Música: Felix Mendelssohn
Gala Anual del Joyce

Junio 24, 25 y 26 

“The Dream”
Coreografía: Frederick Ashton
Música: Felix Mendelssohn
“Song of the Earth”
Coreografía: Kenneth MacMillan
Música: Gustav Mahler

Junio 27 y 28

“Infra”
Coreografía: Wayne McGregor
Música: Max Richter
“The Age of Anxiety”
Coreografía: Liam Scarlett
Música: Leonard Bernstein
“Voices of Spring”
Coreografía: Frederick Ashton
“Borrowed Light”
Coreografía: Alastair Marriott
“The Dying Swan”
Coreografía :Calvin Richardson
“Le Train Bleu
‘Le beau gosse’”
Coreografía: Bronislava Nijinska
“Aeternum” pas de deux
Coreografía: Christopher Wheeldon
“Carousel” pas de deux
Coreografía: Kenneth MacMillan