Por su historia llena de logros y su contribución en la difusión del ballet, la maestra Reyna Pérez recibirá el Premio Xochipilli 2023. Foto gentileza Reyna Pérez.

Son su inigualable pasión, su entrega inconmensurable y su alto nivel de profesionalismo lo que han mantenido a la maestra Reyna Pérez (Ciudad de México, 1956) como una pieza clave dentro del movimiento dancístico nacional desde que comenzó a formarse en esta disciplina artística hace más de medio siglo.

Por una historia llena de logros personales e infinitas contribuciones en la difusión del ballet, la maestra Pérez será homenajeada con la entrega del Premio Xochipilli 2023, que se ha convertido en un reconocimiento entrañable dentro de la comunidad de bailarines y coreógrafos, el cual es otorgado por el Encuentro Nueva Danza y Nueva Música a figuras que contribuyen en la enseñanza, creación, difusión, apoyo a la danza y la música en México.

La distinción se llevará a cabo el próximo martes 28 de marzo, a las 19:00 horas, en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque, donde se ofrecerá una Función de Gala a cargo de la compañía Ardentía -fundada y dirigida por la maestra Pérez-, así como la Compañía Nacional de Danza. Se interpretarán fragmentos y piezas cortas de obras de ballet, así como obras contemporáneas y de género poco definido.

En entrevista, quien es egresada de la Academia de la Danza Mexicana y de la Escuela Coreográfica de Moscú, se dijo emocionada de recibir un premio tan significativo para la danza y que han recibido varios colegas suyos: “Siempre recibir un reconocimiento te hace sentir plena”.

Sobre lo que representa específicamente el Premio Xochipilli para ella comentó: “Es una distinción que se vuelve más simbólica para mí porque su nombre es muy poético y porque de alguna manera describe lo que ha sido mi vida en la danza. Xochipilli era el dios mexica del amor, los juegos, la belleza, la danza, las flores, las artes, las canciones; todo esto ha tenido cabida en mi historia dancística”.

La maestra Pérez, quien es ensayadora y docente de la Compañía Nacional de Danza, considera que este galardón llega en un momento determinante en su vida personal y profesional, ya que es resultado de arduos años de trabajo y dedicación al arte del cuerpo en movimiento: “Es fruto de una entrega total. Si bien mis condiciones físicas ya no son las mismas de antaño, la pasión sigue siendo la misma, retándome a seguir creando danza y seguir formando nuevas generaciones de bailarines”.

La Academia de la Danza Mexicana fue la escuela que vio nacer a la maestra Reyna Pérez como bailarina; ahí obtuvo la Licenciatura en Danza Clásica. Después realizó un posgrado en Pedagogía del Ballet en La Escuela Coreográfica de Moscú. Fue titular del Programa de Educación Continua de la Coordinación Nacional de Danza (2001-2006).

Escribió el libro “Alicia, el Ballet y yo”. Ha realizado coreografías para la Academia de la Danza Mexicana, las Coordinaciones Nacionales de Teatro y Ópera, así como para la Compañía Nacional de Danza, la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea y su Compañía Ardentía. Obtuvo un reconocimiento del Inbal por 40 años ininterrumpidos de trabajo y el Homenaje “Una vida en la danza” en el Palacio de Bellas Artes.

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La Compañía Antonio Ruz presenta “Pharsalia” basada en el único texto que sobrevivió de los escritos de Lucano hace más de veinte siglos. Foto: Alperi. Gentileza: Teatros del Canal.

El Premio Nacional de Danza de 2018 adapta el poema épico inacabado del cordobés Marco Anneo Lucano, nieto de Séneca, escrito en el siglo I. “Pharsalia” es la primera producción de gran formato de la Compañía Antonio Ruz, en coproducción con los Teatros del Canal, y llega en un momento relevante de su trayectoria con su estreno absoluto en la Sala Roja el 21, 22 y 23 de octubre.

Basada en el poema épico inacabado del escritor cordobés Marco Anneo Lucano, nieto de Séneca, Ruz ha concebido “Pharsalia” como un “canto antibelicista a la danza como arma de liberación y de energía salvadora”, en un tiempo en el que, de nuevo, la guerra, esta vez en Ucrania, se hace presente.

Como recuerda el propio Ruz, “la guerra nos acompaña desde el comienzo de las civilizaciones, está en la naturaleza humana el deseo y la ambición, lo que induce a la inseguridad colectiva y a la lucha. Es un proceso brutal y peligroso pero que forma parte de nuestra especie”.

No sabía entonces, cuando esbozaba las líneas de este proyecto a principios de 2021, que el conflicto bélico sorprendería al coreógrafo, Premio Nacional de Danza en 2018, en medio del proceso creativo. Había escogido una obra de un cordobés como él, pero que vivió en el siglo primero de nuestra era. Es el único texto que ha sobrevivido entre los que escribió Lucano hace más de veinte siglos, en cuyos diez cantos aborda la guerra civil entre Julio César y Pompeyo Magno.

De la dramaturgia de “Pharsalia” se ha encargado la actriz, bailarina, coreógrafa escénica Rosabel Huguet, quien ha concebido la obra en tres momentos: antes de la guerra, durante la guerra y tras la guerra, en los que plasma los sentimientos que suscita la contienda: del miedo al caos, de la amenaza a la anarquía, el exilio y la esperanza.

A partir de esta dramaturgia, el trabajo coreográfico de Ruz, según explicó, indaga en la idea de la guerra desde un enfoque alegórico, poniendo al cuerpo al servicio de conceptos cotidianos como el conflicto, la crisis, la resistencia, la tensión o la evasión.

“Pero el ser humano no se conforma con su estado de guerra -comentó-, y es ahí, cuando aparecen en escena los vestigios de la belleza, de nuestra esperanza. La violencia del mundo, el desasosiego y la constante lucha por la supervivencia, por un refugio ante la adversidad, se vuelven aquí una experiencia estética elevada y sublime”.

“Pharsalia” es una obra concebida en tres momentos: antes, durante y después de un conflicto bélico. Foto: Alperi. Gentileza: Teatros del Canal.

El coreógrafo cordobés ha querido plantear “una reflexión crítica y comprometida sobre la crueldad y la barbarie en la sociedad contemporánea. Un alegato a favor de la concordia, el respeto y la compasión”.

Con una propuesta escénica y de vestuario contundente y una creación musical original que viaja entre lo épico y lo electrónico, once intérpretes transitarán coreografías cargadas de violencia, sutileza y teatralidad lanzándose, con toda su fisicidad, a una fiesta del combate.

Una música envolvente compuesta por Aire y marcada por elementos electrónicos y acústicos, rodeará al espectador despertándole, según explica su autor, “sensaciones más propias de una película que de una pieza de danza”, con sonidos que evocan “una batalla, la muerte, la reconciliación, el éxtasis y la conexión espiritual”.

Un lenguaje singular 

Al concederle a Antonio Ruz (Córdoba, 1976) en 2018 el Premio Nacional de Danza 2018 en la categoría de Creación, el jurado valoró especialmente su “lenguaje singular” como resultado de una amplia investigación personal. Ruz aterrizó en el Ballet del Gran Teatro de Ginebra en 2001, después de formarse en su Córdoba natal y en la Escuela de Víctor Ullate en Madrid.

Su etapa en el extranjero se consolidó en el Ballet de la Ópera de Lyon y en 2006 regresó a España para formar parte del elenco de bailarines de Nacho Duato en la Compañía Nacional de Danza. En la búsqueda de su propio universo creativo destacó especialmente su relación con la prestigiosa coreógrafa Sasha Waltz.

En 2009 Ruz fundó su propia compañía con un estilo característico abierto a las influencias internacionales, las preocupaciones de sus obras son eclécticas: filosóficas, humanísticas, psicológicas o simplemente musicales, todas se caracterizan por una poética que inunda sus movimientos.

El coreógrafo y bailarín Igor Bacovich en “CreAcción”. Foto: Danilo Moroni. Gentileza Metamorphosis Dance.

El fin de las restricciones derivadas de la pandemia –a excepción de la obligatoria mascarilla en los espacios interiores- ha marcado el inicio de un periodo de ebullición en la programación escénica de danza. Si bien los teatros españoles sólo permanecieron cerrados en los meses de confinamiento domiciliario del pasado año, la situación sanitaria de cada región llevó a diferentes normativas en lo referente al aforo de los espectáculos, permitiéndose generalmente una ocupación máxima del 60% con un límite de 600 espectadores. La mejora de la incidencia gracias al alto índice de vacunación en España también ha conllevado una relajación de la estricta normativa.

Como si fueran brotes verdes en el ámbito de la cultura, los teatros abren sus puertas a los ávidos artistas por cuyas cabezas pululan miles de ideas y cuyos cuerpos están deseosos de vehiculizar sus ganas de crear y de bailar sin cortapisas. Éste es el caso de Iratxe Ansa, reconocida bailarina con una importante carrera internacional en prestigiosas formaciones como el Basel Ballet, el Ballet Gulbenkian, la Compañía Nacional de Danza –bajo la dirección artística de Nacho Duato-, el Ballet de la Ópera de Lyon y Nederlands Dans Theater. Desde muy pequeña sintió el impulso de crear y ya en 2009, orientó su carrera hacia sus proyectos personales, contando con la colaboración del también coreógrafo y bailarín Igor Bacovich desde 2013. Juntos concibieron un método que llevaron por todo el mundo y que hace apenas dos años, convirtieron en la materia prima de su compañía, Metamorphosis Dance. La asociación del tándem Ansa-Bacovich no pudo ser más fructífera para ambos, pues la coreógrafa vasca obtuvo el Premio Nacional de Danza 2020 en la modalidad de interpretación y recientemente el Premio Max de las Artes Escénicas, mientras que el creador italiano se hizo con el Premio Nazionale Sfera d´Oro per la Danza 2021.

Metamorphosis Dance estrenó “CreAcción” en el Museo Universidad de Navarra. Foto: Danilo Moroni. Gentileza Metamorphosis Dance.

La mayor visibilidad de Metamorphosis en el ámbito español también ha acarreado nuevos proyectos, entre ellos, el encargo del Museo Universidad de Navarra cuyo estreno absoluto tuvo lugar el pasado sábado. Bajo el título de “CreAcción”, la obra arranca de un proceso participativo de un grupo de personas ajenas a la danza, quienes sugerían ideas, conceptos o líneas de trabajo. El reto para Iratxe Ansa e Igor Bacovich consistía en “traducir” al lenguaje coreográfico estas propuestas tan dispares como el sentimiento de desarraigo por la emigración o la disconformidad con el propio cuerpo, entre otras. Con una duración de setenta minutos, la pieza se compone de diversas escenas cuyo hilo conductor principal es el bailarín y coreógrafo italiano, soberbio intérprete que maneja los tiempos y las transiciones. En una meditada decisión, Ansa renuncia a bailar en escena para focalizar su atención en la dirección y creación de la coreografía junto a Bacovich, a quien le acompañan otros cuatro bailarines en escena -Katherine Currier, Clementine Dumas, Antonella Alabanese, David Serrano-.

Las señas de identidad del lenguaje coreográfico de Iratxe Ansa e Igor Bacovich son la fisicidad de la danza, la apuesta por el movimiento puro y constante, y la exigencia máxima para los intérpretes que deben poseer una excelente base dancística para poder explorar los límites. En este sentido, no es una excepción “CreAcción”, pues tanto los dúos como las partes grupales responden a estas características, siempre a partir de la premisa de intentar corporeizar las propuestas del equipo participativo. Buen trabajo para amalgamar bajo su estilo a los diferentes intérpretes, en el que Bacovich brilla especialmente al ser el mejor exponente de cómo metabolizar todo aquello que significa el método Metamorphosis.

Otro elemento de importancia capital en “CreAcción” es la iluminación firmada por Nicolas Fischtel, una instalación compuesta por dieciséis tubos led que recordaban a las blanquecinas fluorescentes de antaño y que partieron del dibujo esbozado por el coreógrafo italiano. Inicialmente suspendida en las alturas, la disposición de la estructura permitía mover cada uno de los componentes al antojo de los intérpretes, lo que iba creando espacios y atmósferas escénicas. La preocupación de Ansa y Bacovich por la influencia de la iluminación en la puesta en escena viene de lejos, tal y como se pudo apreciar en piezas precedentes como “Al desnudo” y “Elkarrizketa Ilunak”, ambas estrenadas en 2020.

La música original de Juan Belda y el apartado audiovisual con los habituales Danilo Moroni y Juan Carlos Toledo completan ese todo que es “CreAcción”. El disfrute con tintes casi lúdicos que supone para Iratxe Ansa entrar a un lugar sagrado como un estudio para crear, se traduce en una obra sólida que va ‘in crescendo’, pero que quizás quedaría mejor enmarcada si sintetizara un poco su material coreográfico. Hay mucha verdad, muchas ganas de explorar, mucho derroche creativo, pero a veces menos es más. En cualquier caso, excelente resultado de la entente entre el Museo Universidad de Navarra y Metamorphosis Dance –y que también cuenta con el apoyo del Gobierno Vasco-. En la fría noche de Pamplona, el público en pie gratificó con una calurosísima ovación de cinco minutos de aplausos el estreno absoluto de “CreAcción”, una creativa invitación a la acción en tiempos post pandémicos.

El arquitecto Ramiro González Delsordo realizó el proyecto del Teatro de la Danza dentro de la Unidad Artística y Cultural del Bosque, hoy Centro Cultural del Bosque. Foto: danzaINBAL.

Hace medio siglo la escena nacional fue testigo del nacimiento de un espacio invaluable para el quehacer dancístico: el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del INBAL, en el Centro Cultural del Bosque.

Durante 50 años, ha sido un recinto bastión para los mejores exponentes de la danza nacional e internacional. Durante 50 años, ha sido el escenario obligado a pisar por todos aquellos artistas que han hecho del arte del cuerpo en movimiento su forma de vida y de expresión. Durante 50 años, ha sido el espacio que ha abierto sus puertas a esos fervientes amantes de la danza y a aquellos nuevos espectadores que han buscado dejarse sublimar por la poesía hecha movimiento.

Durante 50 años, ha sido un referente dentro del movimiento escénico en México.

Para celebrar tan simbólico hecho, el Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura, a través de la Coordinación Nacional de Teatro ha preparado una serie de actividades cuyo propósito es recordar y exaltar momentos clave de su historia, como parte de una recuperación de su memoria dancística.

Se presentará la exposición fotográfica “Bitácora de viaje. 50 años del Teatro de la Danza”, alusiva a aquellos artistas del cuerpo que le han dado vida a este espacio. Se inaugurará el jueves 19 de septiembre, a las 19:00 horas. Asimismo, se creará el álbum fotográfico “Efímero y Eterno. El Teatro de la Danza en Imágenes”, donde tendrán cabida algunos de los protagonistas de este arte. Dicho proyecto tomará vida en un número especial de la Revista Interdanza.

Para que estudiantes de danza de las diversas escuelas de Iniciación Artística y Centros de Educación Artísticas del INBAL conozcan el teatro tras bambalinas, se llevará a cabo “Geografía de un Teatro”, que consiste en un recorrido para alrededor de 30 jóvenes por los rincones de este recinto, para acercarlos a los aspectos importantes de su funcionamiento. Se realizará el lunes 9 de septiembre, a las 10:00 horas.

El 13 de junio de 2018 este espacio se renombró como Teatro de la Danza Guillermina Bravo como tributo a “la Bruja de la Danza. Foto: danzaINBAL.

Por otro lado, se le dará voz a quienes han sido parte de la historia del Premio Nacional de Danza Guillermo Arriaga. Bajo el nombre de “Anuario Coreográfico. Ganadores del Premio INBAL-UAM”, se llevarán a cabo entrevistas en video que se transmitirán vía streaming a través del canal Youtube de la Coordinación Nacional de Danza, los viernes 13, 20 y 27 de septiembre, a las 10:00 horas.

En la actividad “Travesías en el Teatro de la Danza” algunos de los bailarines que han pisado el escenario de este recinto compartirán sus experiencias en un conversatorio colectivo. Tendrá lugar el martes 24 de septiembre, a las 18:00 horas.

Todo es historia

La afluencia de artistas y público obligó a realizar modificaciones edilicias, y una de las relevantes fue en 1994. Foto: danzaINBAL.

Fue al arquitecto Ramiro González Delsordo a quien se le encomendó la tarea de hacer el proyecto del Teatro de la Danza dentro de la Unidad Artística y Cultural del Bosque (hoy Centro Cultural del Bosque). Su equipo de construcción visitó varios teatros en países como Inglaterra, Estados Unidos y la antigua Unión Soviética para conocer la técnica más avanzada que se requería para esta clase de edificios.

Por fin el sueño se convirtió una realidad: el 19 de septiembre de 1969 se inauguró el Teatro de la Danza con una función del Ballet Clásico de México. Desde entonces, se ha posicionado como uno de los recintos más importantes de los exponentes de este arte.

Durante sus primeros años de vida, el Teatro de la Danza sirvió como una plataforma para los alumnos que estaban recibiendo formación dancística, especialmente los de la Academia de la Danza Mexicana. Más tarde, la maestra Clementina Otero -en ese entonces jefa del Departamento de Danza del INBA- se dio cuenta del potencial de este recinto y de la necesidad de ampliar su campo de acción, así que abrió sus puertas a grupos de danza experimental para que mostraran sus propuestas.

Entre los proyectos que activaron los primeros años del Teatro de la Danza se encuentran las famosas Temporadas (I Temporada, II Temporada y III Temporada) donde se programaban a grupos de diferentes géneros que ofrecían un caleidoscopio de lo que se estaba creando en ese momento. Algunos de los grupos que participaron fueron la Compañía de Danza Moderna, el Ballet Nacional, Ballet Independiente y la maestra Pilar Rioja, entre muchos otros.  Otra actividad fue el Ciclo Danza, que ofrecía funciones todos los fines de semana a precios populares. Fue muy exitosa en 1979 y 1980, y se presentaron grupos como Ballet Nacional de México, Ballet Independiente, Compañía Nacional de Danza, Compañía de Danza Contemporánea de la UV, Danza Libre Universitaria y Ballet Teatro del Espacio.

La afluencia de artistas y público iba en ascenso, así que fueron necesarias algunas remodelaciones. Una de las más relevantes ocurrió en 1994 cuando el maestro Jorge Domínguez era Coordinador Nacional de Danza; se cambió todo el techo y las butacas, se diseñó el lobby, se bajaron los sanitarios a la planta baja, se puso un telar, la tramoya fue colocada en la parte superior del foro, se creó una oficina y la dulcería. El teatro estuvo cerrado cerca de 9 meses; durante ese tiempo las funciones se llevaron a cabo en otras sedes, como la Sala Miguel Covarrubias y el Teatro Arq. Carlos Lazo de la UNAM y hasta el Museo Nacional de Antropología.

Grande es la lista de figuras que han pisado el escenario del Teatro de la Danza. Todas las agrupaciones de México se han presentado aquí, tanto las de larga trayectoria como las nuevas propuestas, entre ellas la Compañía Nacional de Danza, Barro Rojo Arte Escénico, Delfos, Contempodanza, Antares, Compañía Tania Pérez-Salas, Nemian, La Cebra Danza Gay, la Compañía Nacional de Danza Folklórica, Tándem y Contradanza.

Del extranjero se ha tenido la presencia de reconocidos artistas como Quasar (Brasil), Entorse (Francia), Compagnie Marie Chouinard (Canadá), EIRA (Portugal), Sebastián García Ferro (España), Rubberban Dance Company (Canadá), Taketeru Kudo, Tadashi Endo y Ko Murobushi (Japón), Compañía Flamenco Rosario (España), Halcón de Oro (Perú), Didier Theron (Francia), Álvaro Restrepo (Colombia), Lanónima Imperial (España) y Colectivo Clá (Costa Rica).

Estos y muchos más, son los artistas que durante medio siglo le han dado movimiento y vida al Teatro de la Danza Guillermina Bravo, un recinto que fue pionero en su tipo. No fue sino hasta once años después que se inauguraría un nuevo recinto dedicado también a la danza: la Sala Miguel Covarrubias en el Centro Cultural Universitario de la UNAM. De ahí la relevancia de su creación como un precursor en la escena nacional.

Cabe recordar, que este teatro inició un nuevo ciclo dentro de su historia cuando se decidió que llevara el nombre de una de las máximas figuras de la danza nacional: la maestra Guillermina Bravo (1920-2013).

Con un acto protocolario protagonizado por autoridades del Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura (INBAL) y por amigos y colegas de la bailarina, coreógrafa y maestra veracruzana, este espacio se renombró como Teatro de la Danza Guillermina Bravo el 13 de junio de 2018, rindiendo así un tributo permanente a quien se ganó a pulso el sobrenombre de “la Bruja de la Danza” por todo el legado que dejó a este arte en México.

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Los ocho bailarines que protagonizan “Infinito”, de Susana Pous, pertenecen a distintas generaciones y resalta la importancia escénica de la mujer. Foto: Gabriel Guerra Bianchini. Gentileza Micompañía.

El espectáculo “Infinito”, en estreno absoluto el 26 de abril, es una pieza coral para ocho bailarines de ambos géneros creada por la bailarina y coreógrafa Susana Pous que podría calificarse como el debut escénico de una “nueva” agrupación cubana: Micompañía.

Pous, la destacada creadora catalana afincada por más de dos décadas en la Mayor de las Antillas, ha fundado -en marzo de 2018– este conjunto bajo la insólita y ambigua denominación de Micompañía, y su pieza, representada en el habanero Teatro Martí tras una flamante recuperación de su aforo decimonónico, es una positiva celebración de su primer aniversario.

Esta compañía de danza marca el rompimiento de Pous con la antecesora DanzaAbierta; fundada en los años 90 de la pasada centuria por la bailarina y coreógrafa cubana Marianela Boán (actualmente residente en República Dominicana y directora de su Compañía Nacional de Danza), que luego fue remplazada por el productor teatral Guido Gali, con el cual Pous colaboró por largo tiempo.

Los frutos de aquella colaboración dejaron una impronta estilística evidente, producto de una seria investigación en el entorno del teatro musical cubano, de ahí surgieron sus más reconocidas piezas, tales como “Malson”, Showroom” o “Welcome”.

Ahora, con“Infinito”, se desmarca de la escritura coreográfica de entonces. Los ocho bailarines que la protagonizan son de distintas generaciones, yla autora intenta equilibrar la importancia escénica de la mujer con las implicaciones solísticas de la sección masculina, en una contundente participación dialógica. Su estructura dramatúrgica mantiene su interés en el espectáculo de una sola noche –con apenas una hora de duración sin pausas-de modo que los bien entrenados bailarines “no se vean obligados a cortar sus energías”.

Su discurso conceptual ha sido desvelado aquí por la propia coreógrafa ante los medios locales de comunicación. “Al indagar hacia adentro en mi persona -ha dicho Pous-, me doy cuenta de que no puedo continuar avanzando si no miro hacia atrás, si no hurgo en el pasado, si no intento comprender a mis familiares, al contexto cultural y social en el cual nací y me crié”.

“Infinito” tiene música de la compositora y cantante Eme Alfonso y cuenta con animaciones proyectadas sobre un ciclorama negro. Foto: Gabriel Guerra Bianchini. Gentileza Micompañía.

En sus creaciones hay una evidente voluntad de estilo, donde trata de mostrar sus sentimientos, o lo que le preocupa, empero, sin imponerles una etiqueta: “Ahora se mueven con más libertad -explica-, con la fluidez de un filme de ficción, evitando el staccato en la línea narrativa de los danzantes, los cuales aparecen todo el tiempo en escena, como si vivieran ‘ese viaje’”.

En materia de producción, tanto la música original como la iluminación y las animaciones proyectadas sobre un ciclorama negro, resultaron un soporte esencial para el éxito final de “Infinito”. La elección por Pous de la compositora y cantante Eme Alfonso fue un acierto, pues aportó coherencia al resultado. Y en el aspecto imágenes, como conductoras de la narración, contó con el talento del minimalismo escenográfico, mientras que Guido Gali demostró su experiencia en los diseños de luces.

Esta pieza continuará su andadura local e internacional, por lo tanto se verá confrontada con otros públicos de la isla cuando Micompañía viaje a los adecuados espacios teatrales de las provincias orientales. Además, en junio próximo, viajarán a Canadá, para ofrecer varias presentaciones en la edición 25 del Festival internacional de Danse Encore, donde participarán compañías de todo el mundo y habrá una “noche cubana” donde compartirán escenario con la agrupación isleña Rakatán.

La Compañía Nacional de Danza presenta “Rey y Rey” con coreografía de Demis Volpi, obra basada en un cuento de las holandesas Linda de Haan y Stern Nijland. Foto: Alfonso Loranca.

En el marco del ciclo “La ópera es puro cuento… y el ballet también” la Compañía Nacional de Danza (CND) en coproducción con el Centro Nacional de las Artes, presentarán “Rey y Rey”. El primer ballet dirigido al público infantil que aborda una relación amorosa entre dos príncipes.

Basada en el cuento de las holandesas Linda de Haan y Stern Nijland “Koning & Koning”, quienes también ilustraron el texto. La historia narra las peripecias de un príncipe heredero que no quería casarse. Algo completamente imposible para un príncipe que quiere convertirse en rey. Pero como la anciana reina quería retirarse, fue a buscar a una pareja adecuada para su hijo.

Así comienza esta trama que estrenó el 27 de julio y permanecerá en cartel hasta el 5 de agosto, en el Teatro de las Artes del Centro Nacional de las Artes. A su vez, la función del domingo 5 se trasmitirá vía streaming a través de la plataforma interfaz CENART para que el público que no pudo asistir al teatro disfrute de este espectáculo.

En esta narración coreográfica, al joven príncipe le presentan varias princesas, la última de ellas, se hizo acompañar por su hermano. Y para sorpresa de todos, es el hermano quien logra despertar el interés del príncipe. Este evento produjo un pequeño escándalo en la corte, pero finalmente la reina madre acepta el mandato del corazón de su joven hijo.

La visión de Ricardo Calderón, Director General del Centro Nacional de las Artes –quien fuera también director de la compañía a principios de la década de los noventas– lo llevó a plantearle el proyecto hace aproximadamente un año a Mario Galizzi. Calderón expresó que hace un tiempo, disfrutó de la puesta teatral “Príncipe y Príncipe”, adaptación de Perla Szuchmacher y pensó que podría realizarse una versión para ballet.
Demis Volpi, coreográfo de “Rey y Rey”, expresó sentirse privilegiado de trabajar por segunda ocasión en México, en la CND y con todo su equipo a quienes calificó de personas creativas e inteligentes y con un claro sentido de hacia a donde dirigen sus esfuerzos.

La función del domingo 5 de agosto de “Rey y Rey” se trasmitirá vía streaming a través de la plataforma interfaz CENART. Foto: Alfonso Loranca.

La coreografía se hará acompañar por el coro EnHarmonía Vocalis, dirigido por Fernándo Meneses que incluirá música de Chopin, Rossini, Vivaldi, Mozart Prokofiev, Tchaikovsky, Rimsky Korsakov, Ravel y Pärt, que será interpretada acapella en las once funciones. Esta particularidad musical fue una propuesta del propio Volpi para enriquecer el trabajo.

De manera paralela al estreno mundial de “Rey y Rey”, se han planeado otras actividades. Dos talleres, el primero de ellos “Dos príncipes se enamoran”; el segundo, “Ilustrando historias de reyes y reyes”, ambos dirigidos a niños de entre 7 y 12 años. Finalmente “Rey y rey y otras historia de amor” a cargo de un cuentacuentos dirigido por la Dirección General de Publicaciones en colaboración con la FILIJ.
Por confirmarse está la realización de una charla “Rey y rey, amor sin etiquetas en la literatura infantil y juvenil” en el que participarían las autoras del cuento y otros escritores mexicanos.
Con esta puesta, la Compañía Nacional de Danza enfrenta el reto de presentar una propuesta única en el mundo de la danza, dirigida al público infantil donde se aborda abiertamente el tema del amor entre dos varones.

En un contexto donde la discriminación por orientación sexual sigue generando eventos de violencia, apostar desde el arte para construir una sociedad que promueva el respeto a la diferencia, constituye un imperativo.
Los casos de acoso a niños que descubren a temprana edad la capacidad de sentir atracción afectiva, emocional y sexual hacia su mismo género son frecuentes en los contextos escolares. Interpelar de manera lúdica desde la literatura y el ballet representa una posibilidad inédita de erosionar la visión dicotómica heteronormada con la que muchas generaciones han crecido en relación a cómo deben ser las relaciones de pareja.
Acercar al público infantil y juvenil a vislumbrar diferentes escenarios que configuren otras posibilidades de relacionarse afectivamente y de crear familia resulta alentador.

David Bear, actual encargado de la CND, expresó que con este proyecto se suman a través de la danza a confirmar el compromiso social de este arte y a la construcción de una sociedad más plural.
Si la puesta tiene el éxito que el CENART espera y la CND se suma nuevamente, podrían escenificar “Rey y rey y familia”, un segundo libro de las autoras donde los reyes salen de viaje y adoptan hijos, apuntó sonriente Ricardo Calderón.

Con “Rey y Rey” la Compañía Nacional de Danza aborda el tema del amor entre dos varones. Foto: Alfonso Loranca.

Datos a tener en cuenta:
El equipo creativo de esta puesta está conformado por:
Coreografía: Demis Volpi.
Coro: EnHarmonía Vocalis, dirección de Fernando Meneses.
Arreglos: David Pérez Ávila.
Escenografía: Jorge Ballina.
Vestuario: Jerildy Bosch.
Iluminación: Rafael Mendoza.

Dos presentaciones de la Compañía Tania Pérez-Salas con la premier de “Religare” en el Palacio de Bellas Artes. Foto: Humberto Romero. Gentileza INBA.

Festejar un aniversario, por más de dos décadas, no es un logro fácil ni un acontecimiento para brindar desde una frivolidad cultural, sino es la oportunidad de hacer una visita al pasado como agradecimiento, para entender el presente y poder vislumbrar el futuro.

Tal es el sentir que hay al interior de la Compañía Tania Pérez-Salas, que celebrará su 25 aniversario en el Palacio de Bellas Artes con un estreno y una obra de repertorio el sábado 16 de junio, 19:00 horas y domingo 17 junio, 17:00 horas. Con sus funciones se inicia la Temporada de Danza 2018 en el recinto de mármol.

El estreno lleva por título “Religare”, y es una pieza coreográfica que intenta indagar sobre el poder de la danza como ritual que propicia y reconcilia el vínculo de lo concreto con lo no concreto, del cuerpo con el espíritu. Para la creación de esta obra se tiene por objetivo conmemorar el origen y ciclo permanente del arte como abstracción y reconciliación con el misticismo: “Somos una especie anhelante de mundos utópicos que, en la religión, filosofía y arte, además de respuestas; buscamos experiencias esencialmente verdaderas”, comentó la directora del grupo, la destacada bailarina y coreógrafa Tania Pérez-Salas.

En la coreografía de “Religare” los movimientos se caracterizarán por la creatividad artística. El amor, la poesía y la esperanza trascienden su territorio e impactan en los lugares donde se ve, oye y siente. En el origen de la danza se reconoce esta trascendencia, el logro de expresiones estéticas y plásticas profundas, sensibles y trascendentes a pesar de que la danza es considerada un arte efímero, explicó su autora.

“Macho Man XXI”, pieza sobre violencia de género, que la Compañía Tania Pérez-Salas interpretará para festejar sus dos décadas y media de existencia. Foto: Humberto Romero. Gentileza INBA.

“Macho Man XXI” es la pieza de repertorio que la compañía también interpretará para esta celebración de dos décadas y media de existencia. Se trata de una obra con sentido del humor que toma como punto de partida la temática de violencia de género y de la violencia per se, vinculada a lo caótico, surrealista y exótica que puede ser nuestra cultura.

La Compañía Tania Pérez-Salas ha sido invitada a los festivales de más prestigio del mundo, como el Festival de Danza Latinoamericano en Montreal, la Biennale de la Danse de Lyon, el Festival de Oriente-Occidente de Italia, el Festival Internacional Cervantino, el Fall For Dance Festival del New York City Center y el Festival Internacional de Shanghái. Participó en la conmemoración del 50Aniversario de las Relaciones Diplomáticas entre México y Egipto presentándose en las Casas de la Ópera de El Cairo y de Alejandría. Fue convocada a participar en importantes giras por Estados Unidos de Norteamérica (entre 2006 y2015), presentándose en teatros como el Yerba Buena Theater de San Francisco, el Kennedy Center for the Prerforming Arts de Washington, D.C., y en el Music Center de Los Ángeles, entre otros. La compañía integra dentro de su propuesta coreográfica el talento creativo de reconocidos artistas escénicos provenientes de diversas partes del mundo.

Tania Pérez-Salas fue ganadora del primer lugar en el Premio Nacional de Danza, así como mejor ejecutante femenina, finalista como solista en el Concurso Internacional de Paris. Doblemente premiada como coreógrafa y bailarina en el concurso Virginia Fábregas. Ha sido becaria del Fonca como joven creador y como ejecutante. Forma parte del Sistema Nacional de Creadores. Ha realizado montajes para su compañía y para la Compañía Nacional de Danza y el Ballet Hispánico en Nueva York. Fue jurado del premio Ciencias y Artes, así como para otras becas del Fonca. También ha participado como Consejera Ciudadana en la CDMX. Ha sido portavoz de la danza contemporánea mexicana a través de tres diferentes series producidas por el Canal 22.

La Escuela Nacional de Danza Nellie y Gloria Campobello participa con el montaje “OMEGA”, interpretada por alumnos de la Licenciatura de educación para la danza. Foto gentileza Mujeres en el Arte.

Nuevamente un grupo de apasionadas artistas se han unido para invitar al público a reflexionar sobre la importancia de la lucha contra la violencia de género a través de la danza. Y esta vez lo harán con una función especial el miércoles 22 de noviembre, a las 20:00 horas, en el Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque.

El Colectivo de Mujeres en la Música A C. y la Coordinadora Internacional de Mujeres en el Arte, ComuArte son las responsables de la organización de esta función para conmemorar el Día Internacional de la erradicación de la violencia hacia las mujeres.

La función estará protagonizada por tres destacadas agrupaciones y dos instituciones educativas: la Compañía Nacional de Danza, el grupo Danza Capital y la Compañía “Koko, Ku’e Dança, así como la Escuela Nacional de Danza Folklórica y la Escuela Nacional de Danza Nellie y Gloria Campobello.

Para las organizadoras, se trata de un evento simbólico que refuerza su quehacer; desde hace más de dos décadas han enaltecido la labor artística del sector femenino y sus contribuciones en el quehacer social. Esta función se realizará en el marco del XXI Encuentro Internacional XVII Iberoamericano de Mujeres en el Arte México-Chile, bajo la dirección de Socorro Bastida, la coordinación general de la doctora Leticia Armijo y la coordinación de Rocío Gutiérrez.

“Nos manifestamos en contra de la normalización de toda expresión de violencia que, en el caso de las mujeres, se manifiesta en la violencia de género expresada poliédricamente en el seno familiar, así como en otros ámbitos –apuntó Armijo, Armijo, directora del Colectivo de Mujeres en la Música-. Violencia física, psicológica, marginación social, migración, trata, violaciones, desapariciones forzadas, feminicidios, así como prácticas policiales y judiciales que implican la culpabilización de las víctimas”.

La Compañía Koko, Ku’e Dança interpretará la pieza “Etreum”, bajo la dirección y coreografía de Lucelina Núñez. Foto: Gentileza Mujeres en el Arte

Por lo que se refiere al programa, la Compañía Nacional de Danza presentará el pas de deux del segundo acto de “El Cascanueces”, con la interpretación de Fernanda Cervantes y Julio Morel. En tanto que la Compañía Koko, Ku’e Dança interpretará la pieza “Etreum”, bajo la dirección y coreografía de Lucelina Núñez.

Danza Capital, agrupación dirigida por la maestra Cecilia Lugo, bailará “Oasis”, una coreografía de Silvia Unzueta y que es un rito de purificación medio del agua, como un elemento de la naturaleza puro, que refresca y renueva el alma, aliviando el dolor y el sufrimiento inevitables en la naturaleza humana.

La Escuela Nacional de Danza Nellie y Gloria Campobello participará con el montaje “OMEGA” (Poema dancístico para los muertos). La pieza musical de esta coreografía fue una de las obras cumbre del genio granadino Enrique Morente, quien a través de este legado sonoro rinde tributo a Federico García Lorca. Será interpretada por alumnos del segundo, cuarto, sexto y octavo semestre de la Licenciatura en educación para la danza con orientación en Danza Española.

Finalmente se presentará “La mata del 20”, a cargo de la Compañía Nacional de Danza Folklórica. Se trata de una propuesta basada en memorias de los integrantes de la danza del ejido 20. A más de dos décadas de su creación, esta pieza ha devenido en un fenómeno expansivo de reapropiación de la memoria, resistencia social y expresión escénica en la que el retorno al cuerpo se vuelve vía primordial para la reconstrucción de la comunidad en un territorio dominado por fuerzas que niegan la libre manifestación del cuerpo público.

La Compañía Nacional de Danza en “The vertiginous thrill of exactitude”, con coreografía de William Forsythe. Foto: Jesús Vallinas. Gentileza CND.

La Compañía Nacional de Danza (CND) vuelve a dar otro paso de gigante con el programa “Una noche con Forsythe”, en la segunda velada dedicada íntegramente a autor -tras la noche de Jiří Kylián hace un lustro-,  desde la incorporación en la dirección artística de José Carlos Martínez, en 2011. Considerado uno de los coreógrafos más influyentes y revolucionarios de la escena del último cuarto del siglo pasado, William Forsythe (Nueva York, 1949) desarrolló una parte importante de su trabajo al frente del Ballet de Frankfurt, que dirigió de 1983 a 2004. En una primera etapa, su trabajo parte del lenguaje académico más estricto y lo lleva hasta unos límites insospechados; posteriormente, el estilo de Forsythe evoluciona por otros derroteros hacia el planteamiento de sus piezas como una instalación coreográfica, una línea en la que ahondó en su década al frente de The Forsythe Company, de 2005 a 2015.

El programa seleccionado por Martínez se decanta por tres piezas selectas del repertorio de Forsythe: “The vertiginous thrill of exactitude” (1996), “Artifact Suite” (2004, sobre el original de 1984) y “Enemy in the figure” (1989). Alterando sabiamente el orden cronológico de su creación, el programa va de menos a más: desde la visión más cercana al clasicismo hasta la obra de corte más contemporáneo. Con la Sala Argenta del Palacio de Festivales de Cantabria a punto del lleno, la CND acometió la noche de estreno con una mezcla de nervios, ilusión y expectativas, pues un programa Forsythe tan exigente como éste, eran palabras mayores.

Comenzó la velada con “The vertiginous thrill of exactitude”, un homenaje a las aportaciones del coreógrafo francés Marius Petipa (1818-1910), autor de los grandes temas del repertorio clásico como “La Bella Durmiente”, “El Cascanueces”, “El lago de los cisnes”, “Don Quijote”, entre otros, y del padre del neoclásico, el ruso George Balanchine (1904-1903), piedra angular de la escuela americana y autor de obras como “Serenade”, “Tema y Variaciones”, “Tchaikovsky. Pas de deux” o “Jewels”. Mientras que de Petipa toma la construcción de la obra en solos, pasos a dos, a tres y glorioso final del elenco al completo, y, obviamente, todas las bases estilísticas del lenguaje clásico; de Balanchine, su gusto por los ballets abstractos o ‘plotless ballet’, además de la ejecución endiablada de enésimos pasos a ritmo, precisamente, vertiginoso, tal y como anuncia el título.  Estrenada en su origen por el Ballet de Frankfurt en 1996, esta pieza presenta a un quinteto de intérpretes –tres mujeres y dos hombres-, sobre la novena  sinfonía de Franz Schubert, y responde a todos los cánones del clásico: imaginativo tutú de color verde pistacho y no de tul ilusión, las hipnóticas zapatillas de punta, lirismo y virtuosismo técnico, todo ello interpretado con acierto por el elenco de la CND, pese a algunos desajustes, sobresaliendo los representantes masculinos –Alessandro Riga y Anthony Pina- sobre el apartado femenino.

Los componentes de la CND en “Artifact Suite”, que contó con cerca de cuarenta bailarines en escena. Foto: Jesús Vallinas. Gentileza CND.

Basado en tres secciones de la obra original de 1984, el Scottish Ballet estrenó veinte años después una versión reducida titulada “Artifact Suite”, que introdujo la CND en su repertorio precisamente en su actuación en el Palacio de Festivales en Santander. Carente de argumento, la obra se construye en tres movimientos como una exhibición del potencial máximo del clásico, del valor del trabajo del conjunto y, en especial, del cuerpo de baile, de la importancia de los elementos teatrales con esos impenitentes telones cayendo en mitad de escena. En la sección primera, un bello paso a dos sobre “La chacona” de Bach, enmarcado por treinta bailarines del cuerpo de baile; en la segunda, música de piano de Eva Crossman-Hecht acentuando la repetición para mostrar al cuerpo de baile como un complejo engranaje con una sincronía propia de la precisión suiza. Gracias a ese movimiento, se pudo apreciar el gran avance de la CND en pos de creación de una compañía compacta en la que los casi cuarenta bailarines se involucran al máximo en beneficio de la pieza de una gran belleza escénica, que casi consiguió hacer levitar a los espectadores en Santander.

Un foco enemigo

Vieja conocida de la CND, la obra “Enemy in the figure” entró en el repertorio de la compañía española en 2001, dentro de la etapa de Nacho Duato como director artístico. De corte más contemporáneo que todas las anteriores y nutrida en su origen de materiales propios de la improvisación, fue estrenada por el Ballet de Frankfurt en 1989 y aborda cuestiones como la necesidad de elección del espectador ante varios focos de acción en escena, la importancia de la iluminación en el escenario, la delimitación del espacio escénico. Una mampara ondulada cual escultura sinuosa de Richard Serra, divide el espacio escénico, pero no la acción que discurre en él. Además, la luz también adquiere un protagonismo singular: los intérpretes, ataviados con ropa estrafalaria, deben dirigir un gran foco como si fuera la manera en la que redirigir la mirada del espectador, pese a que hay acción más allá de donde ilumina el foco. Destellos de luz, sombras proyectadas, la desapacible música metálica de Thom Willems y una danza esencialmente contemporánea, convierten a “Enemy in the figure” en un curioso universo poblado de seres estrambóticos con la necesidad de subrayar, sobre todo, su soledad o individualidad ante el foco.

Con dos horas de duración, “Una noche con Forsythe” fue una buena forma de tomarle el pulso a esta CND que bien cabalga por un lugar de la Mancha de la mano del clásico “Don Quijote” o bien se aventura por los exigentes terrenos de un creador contemporáneo cuya revolución de las bases académicas le han convertido ya en un clásico. Puede que los universos de William Forsythe sean crípticos para los legos en la materia, pero la belleza que insuflan esta obras, en especial, las dos primeras, no es ajena a los espectadores. Así lo entendió el numeroso público reunido en el Palacio de Festivales de Cantabria que premió con una sonora salva de aplausos de más de cinco minutos de duración. Porque la belleza es belleza y no necesita más explicación.

Aída Badía, Agnés López y Erez Ilán, miembros de la CND, en “Enemy in the figure”, obra de William Forsythe que cerró la velada.Foto: Jesús Vallinas. Gentileza CND.

Hannah O’Neill y Alicia Amatriain compartieron el Benois a la Mejor Bailarina, en la ceremonia que tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de Moscú, el 17 de mayo. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El Teatro Bolshoi de Moscú acogió el 17 de mayo, la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse. Instituidos en 1992 por la Unión Internacional de la Danza, estos galardones son considerados los ‘Óscar’ del ballet. “Realmente es muy gratificante cuando la gente considera que el Benois es la distinción más alta en el mundo del ballet”, asegura Nina Loory, cofundadora y directora artística del certamen.

Jason Reilly y Alicia Amatriain, ambos bailarines del Stuttgart Ballet, en la entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse, en el Teatro Bolshoi de Moscú. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El jurado estuvo presidido por el legendario Yuri Grigorovich, quien celebrará sus 90 calendarios, el próximo 2 de enero y en cuyo homenaje también se está organizando un festival. Además de Grigorovich, formaron parte del jurado José Carlos Martínez (director de la Compañía Nacional de Danza), Marie-Agnès Gillot (Étoile del Ballet de la Ópera de París), Johannes Öhman (director artístico del Real Ballet de Suecia), Xiao Suhua (coreógrafo y profesor del departamento de coreografía de la Beijing Dance Academy), Elisabetta Terabust (estrella italiana del ballet), Yury Fateyev (Mariinsky Ballet) y Linda Shelton (directora ejecutiva de la Fundación del Joyce Theater, en Nueva York).

La ceremonia de entrega quiso revestirse de toda la pompa y solemnidad predicables de uno de los mayores templos del ballet, el mítico Teatro Bolshoi. Como si fuera una mezcla de un acto versallesco con chambelán incluido y una moderna imitación de los galardones más cinematográficos con los videos presentación de cada uno de los candidatos, el acto se alargó en exceso –tanto como sesenta minutos de reloj- y más siendo el prólogo de la gala de nominados, con una duración de tres horas. De cualquiera de las maneras, lo realmente interesante fue el palmarés en el que se aplicó dos veces el juicio salomónico para conceder dos distinciones.

La categoría de mejor coreógrafo aupó a Yuri Possokhov por su creación “Hero of our time” para el Bolshoi Ballet, y a Johan Inger, por sus obras “Carmen” para la Compañía Nacional de Danza y “One on One” para Nederlands Dans Theater.  Como mejor bailarín despuntó el coreano Kim Kimin (Mariinsky Ballet) por sus interpretaciones de “La Bayadère” y “Schéhérazade”.

Octavo para España

Alicia Amatriain y José Carlos Martínez, director de la Compañía Nacional de Danza de España. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El jurado otorgó el Benois a la ‘Mejor Bailarina’ ex aequo a Alicia Amatriain (Stuttgart Ballet), por sus magistrales interpretaciones en “Un tranvía llamado deseo”, con coreografía de John Neumeier, y “The soldier’s tale”, creada por Demis Volpi; y a Hannah O’Neill (Ballet de la Ópera de París), por “Paquita”. “En el caso de ‘Un tranvía llamado deseo’, el reto fue entender a Blanche DuBois y cómo reacciona esa mujer. Es una persona muy compleja que ha sufrido durante toda su vida. Técnicamente, no tiene una coda de 32 fouettés, pero para conseguir que el público entienda su drama, la técnica debe pasar desapercibida”, confesó la intérprete donostiarra. Gracias a la creación del rol del demonio ‘The soldier’s tale’, Amatriain se convirtió en la primera artista española en recibir el der Faust, el pasado mes de noviembre. “Fue un papel muy difícil y físicamente muy duro, que me ha traído muchas alegrías. No puedes salirte del personaje en ningún momento, ya que se perdería la ilusión de la animalidad”.

La artista vasca pone así broche de oro a una temporada prolífica en premios que se inició en septiembre del año pasado con su nombramiento como ‘Kammertänzerin’ –Bailarina de Cámara- del estado de Baden-Württemberg. En su discurso, palabras de agradecimiento para el Stuttgart Ballet, “su casa”, y John Neumeier “por la oportunidad de interpretar este personaje tan complicado que es Blanche DuBois”. De esta manera, Amatriain se alza con el octavo ‘óscar’ del ballet español, tras los intérpretes Ángel Corella (2000), Joaquín de Luz (2009) y Fernando Romero (2011), las bailarinas Lucía Lacarra (2003) y Tamara Rojo (2008), y los coreógrafos Nacho Duato (2000) y José Carlos Martínez (2009).

El premio a la mejor escenografía recayó en Ren Dongsheng por “Emperor Yu Li” de la Beijing Dance Academy. Fuera de las categorías a concurso, John Neumeier recibió el Benois en homenaje a toda su carrera, de manos del mismísimo Yuri Grigorich, y glosó su relación con Rusia, en su discurso. De hecho, la presencia del repertorio de Neumeier fue amplia tanto en la gala de nominados (17 de mayo) como en la gala de laureados (18 de mayo), estando esta última orientada a recordar el 400 aniversario del fallecimiento de William Shakespeare, para lo que se programaron pasos a dos de ballets inspirados en sus obras.

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