Viengsay Valdés y los bailarines del Ballet Nacional de Cuba acompañan a líder y mentora considerada una de las grandes bailarinas del siglo XX. Foto gentileza BNC.

Con honras fúnebres nacionales y manifestación popular de duelo en las principales arterias de La Habana, los cubanos dieron el último adiós, con lágrimas y vivas a su admirada, inconmensurable e irrepetible prima ballerina assoluta, Alicia Alonso (née, Alicia de la Caridad Martínez del Hoyo -21 de diciembre de 1920-19 de octubre de 2019), considerada como la última diva de la danza del siglo XX.

Una extraordinaria capilla ardiente, presidida por la enseña en nacional, fue instalada en medio de hermosas y espléndidas decoraciones florales con predominio de sus rosas favoritas, al pie de la importante escalinata de mármol del gran vestíbulo de la Sala Federico García Lorca del Gran Teatro de La Habana, que hace pocos años fue bautizado pertinentemente “Alicia Alonso”. Allí estaba la diosa de la danza “dormida” en su magnífico ataúd plateado, ataviada con un soberbio vestido y bandeau de su color favorito, el azul del cielo de su amantísima patria. (Viene a colación, un apotegma que utilizó en varias entrevistas: “el arte no tiene patria pero el artista sí”).

Con emoción visible -durante ocho horas-, un desfile de admiradores y personalidades formaron largas filas en las calles aledañas al coliseo habanero para ingresar al recinto y ofrecerle su silencioso tributo con flores y un beso al vuelo. Apreciamos entonces la diversidad e inclusión de estos, desde diplomáticos, miembros del clero secular, militares, amas de casa con sus niños, funcionarios, obreros, ancianos hasta con discapacidades motoras, y esa diversidad que tiene nuestro pueblo. Seguramente algunos no vieron bailar a la Alonso, mas era su icono o paradigma nacional.

La salida del cortejo fúnebre estaba fijada a las cuatro de la tarde, para dirigirse al Cementerio Colón donde sus restos mortales reposarían finalmente en humilde panteón de granito, junto a los restos de sus progenitores. Seis elegantes jóvenes solistas del BNC tuvieron el privilegio de llevarla en andas con sutil marcialidad hasta las grandes puertas principales del imponente coliseo del antiguo Paseo del Prado, arropados con la música de Adam correspondiente a la escena final de su antológica versión de “Giselle”. Momento indescriptible cuando la multitud que esperaba en las aceras del parque Central estalló al unísono con aplausos y ovaciones de viva Giselle-Alicia. Luego, conmovedoras escenas se repitieron a lo largo de los varios kilómetros del trayecto de los coches fúnebres, previamente elegido para llegar hasta su última morada.

Otra multitud de pueblo esperaba su arribo en el principal campo santo habanero; rompiendo a su entrada el ominoso silencio reinante con aplausos y vivas -esta vez no hubo ingreso en la Capilla central para efectuar el acostumbrado responso en el rito católico, siempre que los familiares lo soliciten previamente-, hasta llegar a la tumba familiar. La ceremonia dio inicio con las notas del Himno Nacional, cantada por todos los presentes, acto seguido la brillante facundia oratoria del Dr. Eusebio Leal, Historiador de la Ciudad de La Habana, nos embargó en la tristeza pero nos despertó la contradictoria sensación que produce la despedida de los que alcanzan por sus méritos la inmortalidad: la diva con su gloriosa y triunfal trayectoria artística entre los vivos, “ahora ya marcha hacia el olimpo” dijo Leal. Presentes estaban su esposo, el Dr. Pedro Simón, director del Museo nacional de la Danza, su nieto Iván Monreal, bailarín y profesor de ballet y una de las hijas de éste, así como el actual Ministro cubano de cultura.

No debo olvidar un bien pensado detalle previsto para estas Honras Fúnebres, al tratarse de la despedida física de una excelsa bailarina: la presencia constante -en el velatorio- de la música a través de la Orquesta sinfónica del GTHAA, con su director titular Giovanni Duarte, y el apoyo exquisito de algunos de los primeros solistas del Teatro Lírico Nacional, nos entregaron escogidos temas de las óperas favoritas de la Alonso, así como archiconocidos fragmentos de los grandes ballets clásicos que siempre llevarán la indeleble impronta de cubanía de esta excepcional intérprete.

Mito y leyenda 

Toda esta conmoción cultural acontecida en el archipiélago cubano, con la desaparición física de una personalidad de la luz, que no deja de irradiar como ha sido Alicia Alonso, ha sido bien sustentada por el aluvión justificado de obituarios y artículos en los medios de comunicación del orbe, tanto los especializados como la gran prensa y las agencias informativas globales. Pudiera objetarse el tono apostrófico y reiterativo, y hasta pifias históricas, de algunos de éstos, con tópicos trillados al intentar desentrañar la magnitud de este “fenómeno” que emergió y se desarrolló en una pequeña isla del Caribe, por los años 20 de la pasada centuria, hasta convertirse -tras un largo recorrido de 98 años-, en la última diva de la danza del siglo XX (cubana y universal).

Fue el resultado del consiguiente y consecuente rigor y disciplina del trabajo cotidiano en los salones de clases y ensayos, al recibir los legados técnico-estilísticos de los entonces grandes maestros del género, tales como Michel Fokine, Anton Dolin, Antony Tudor, George Balanchine, por  solo mencionar los más próximos, además los iniciáticos como Yavorsky o Fedorova. De ellos aprendió cómo interpretar los diferentes estilos; cómo administrar adecuadamente las energías; cómo oxigenar óptimamente el cuerpo y los músculos con métodos probados de manera empírica; la atención precisa para respetar la musicalidad según los tempos de una masa orquestal bien dirigida. Todo ello fue transmitido por la Alonso a las generaciones sucesivas de bailarinas y bailarines, con la contribución fundamental de los hermanos Fernando y Alberto Alonso, dando por creación conjunta el “milagro” de una nueva escuela de danza clásica en este lado de la luna: la Escuela Cubana de Ballet. Logros probatorios de su eficacia formativa fueron certificados con la lluvia de medallas de oro, plata o bronce ganadas en buena lid por los danzantes cubanos en los más importantes concursos de ballet de Europa o Estados Unidos. La cumbre de su reconocimiento mundial ocurrió con el otorgamiento del Grand Prix de la Ville de Paris a Alicia Alonso por su interpretación y puesta en escena integral del ballet “Giselle”. El Ballet de la Ópera de París incluyó en su repertorio la versión cubana de esta icónica pieza -que tuvo su premier mundial en 1841 por Carlota Grisi y el corps de ballet del teatro principal de la Ciudad Luz-, que la mantuvo en cartel durante una década.

Recordemos, por supuesto, los avatares personales para conducir y desarrollar su carrera en los Estados Unidos junto con Fernando Alonso en la School of American Ballet y luego su paso al cuerpo de baile del Ballet Theatre, con Lucia Chase al frente; el nacimiento prematuro de su hija Laura y, cuando comenzaba su ascenso a los primeros rangos del que luego fue ABT, sucede el lamentable accidente ocular del desprendimiento de retina en su período veinteañero. Recuperada, tras un reposo absoluto de poco más de un año, Alicia Markova enferma la eligió como la única solista capaz de remplazarla en “Giselle” junto a su primer partenaire:  Anton Dolin.

Fue su primer gran triunfo en la escena del viejo Metropolitan Opera House , si tenemos en cuenta los elogios de los más importantes críticos de danza de aquel momento. Sobresaliente fue su memoria, como es reconocido públicamente por sus colegas estelares en el conjunto neoyorquino: era posible que Alonso bailara hasta tres diferentes obras coreográficas en un mismo programa para cada función según comentara su entonces colega Agnés de Mille.

La ceguera progresiva nunca la arredró ante la ejecución de nuevas obras o experimentar con nuevos compañeros de baile y coreógrafos. Siempre se las arregló para solucionar los posibles obstáculos en un nuevo baile o escenario. Cuando se aproximaba a la ceguera casi total, jamás aceptó se cambiara una producción o puesta en escena para evitarle un posible accidente en público: ella se reajustaba con nuevos movimientos, giros o saltos con ayuda de su compañero de baile al uso. Para los montajes de sus coreografías concibió un ingenioso sistema a base de cerillos y sus cajitas de cartón, y sus diseños eran asumidos por los respectivos asistentes.

Más allá de detalles acumulados a través de varias décadas, deseo plasmar su espíritu arriesgado para incursionar en otras manifestaciones ajenas a la danza clásica, era  un afán de conocimientos sin límites, que muchas veces incorporaba a su labor creativa: por ejemplo, participar en expediciones espeleológicas, tratar de conocer los avances en los viajes al cosmos; los éxitos olímpicos de los atletas cubanos; las búsquedas creativas por los más destacados artistas de las artes visuales del país, entre otras
Además de sus incursiones en temas insospechados por el público balletómano: su amor a los animales domésticos particularmente los perros ( su padre fue médico en veterinaria, particularmente de la rama equina militar).

Alicia Alonso, según sus discípulos

Durante las penosas horas del adiós, tres destacadas figuras del ballet cubano confiesan su fidelidad y reconocimiento a la gran maestra. Viengsay Valdés, hace unos meses nombrada subdirectora artística y a la aurora de tomar las riendas de la compañía, nos desvela con franqueza sus sentimientos: “Hoy siento el deber y el compromiso aun más fuerte con su legado artístico. Sus consejos tan acertados en cada momento… Los que conocimos su obra y su pensamiento, nos sentimos en el deber de transmitirlo para que se mantenga vivo su ideario… La constancia, la exigencia, la calidad interpretativa y técnica, la pasión por la danza –contagiosa- y la determinación de Alicia, son cualidades que pocas personas reúnen… Todavía con 74 años su agilidad del movimiento de sus pies era asombrosa, cuando la vi haciendo sola la barra y un pianista tocando algunas melodías”.

Por su parte, la primera bailarina Anette Delgado comentó: “…Es difícil decirle adiós a esta gran mujer que junto a Fernando y Alberto Alonso crearon algo tan grande como la Escuela cubana de ballet, que gracias a su empeño por llevar la danza a todos los rincones de esta Isla me permitió llegar a ser la artista que soy hoy en día… Doy gracias a la vida por permitirme y permitirle a tantas generaciones de bailarines llegar a estar a su lado, escucharla, aprender y adquirir sus conocimientos, entender la razón del por qué y para qué danzamos…seguirá siendo nuestro faro… su lucha incansable y su perseverancia ante cualquier  dificultad, su afán por poner en lo más alto el nombre del BNC y la danza a nivel mundial”, concluyó.

El reconocido bailarín Carlos Acosta, estaba con su compañía Acosta Danza en gira por Asia cuando recibió la infausta noticia, y envió este mensaje, del cual damos a conocer algunas líneas.

“No puedo dejar de pensar en todo lo que le debemos, en el extraordinario legado que Alicia nos ha dejado. Siendo hija de una pequeña isla del Caribe, Alonso se impuso a todas las barreras de los que decían que el ballet era un arte de países desarrollados, que el físico y el temperamento latino no se ajustaba a los requisitos de la danza clásica. Todos estos prejuicios fueron demolidos cuando Alicia Alonso entró en escena.

…Tuve la dicha de bailar con ella. En otro momento tuve el privilegio de que me tomara ensayos en “El espectro de la rosa”, de Michel Fokine. Fue una experiencia inolvidable… Ese día quedé deslumbrado por sus conocimientos y su memoria (como lo estuvo Agnes de Mille), y por el recuerdo de esas historias lejanas que al ella contarlas se hacían tan cercanas… Junto a los artistas de Cuba seguiré trabajando para que nuestro país siga creciendo. Creo que esa es la mejor manera de honrar su nombre”, sentenció Acosta al finalizar su mensaje.

Nunca será ocioso retornar al magisterio martiano, para ello lo cito: “la muerte no es verdad cuando bien se ha cumplido la obra de la vida”.

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El Festival internacional de ballet de La Habana, considerado el más antiguo de su tipo en el mundo –el primero se celebró en 1961. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

El maestro ruso de ballet Azari Plisétski estuvo entre las personalidades invitadas por Alicia Alonso, con la cual bailó como su partenaire varios años de los diez en los que fue miembro invitado del BNC, desde su llegada a Cuba en 1963. Plisétski (descendiente de la famosa familia Messerer), reconoció en un encuentro con la prensa esta etapa de su vida como muy enriquecedora, principalmente por todo lo aprendido con el maestro Fernando Alonso en cuanto a conciliar la carrera de bailarín con la de maestro.

El ballet cubano es un fenómeno, expresó, que todavía le causa asombro y orgullo, porque se siente parte de él. Sin embargo, después de elogiar a los bailarines egresados de la Escuela nacional de ballet, los alertó a cuidar aspectos como la musicalidad, pues observó durante las funciones del festival, a no pocos de ellos “fuera de música” y sin interés en apegarse a ella, “para priorizar el alargamiento de un paso técnico y  ganarse  el aplauso del público”, y agregó: educar al público es también una responsabilidad del artista.

Por su parte, otra de las notables personalidades del mundo de la danza presentes en esta edición 2016 fue la estrella francesa Aurélie Dupont (ahora con 42 años), actual directora del Ballet de L´Opéra de Paris, quien no pudo bailar en La Habana, debido a una lesión sufrida por su partenaire Hervé Moreau. Prometió Dupont que retornaría, con la intención de bailar ante el público cubano. Ella tomó clases, presenció funciones y visitó la Escuela nacional de ballet Fernando Alonso, y sugirió a su directora la ex bailarina Ramona de Sáa la posibilidad de un futuro intercambio con su homóloga de París.

Dupont, en rueda de prensa, confesó una duda: ¿acaso los profesores en esta isla caribeña son muy buenos o es que los cubanos han nacido para bailar? La técnica de la escuela cubana está muy bien considerada en el mundo, apuntó, pero sobre todo en el sector masculino: “en las clases que tomé aquí vi bailarines muy talentosos y dotados”. La temporada del 2017-2018 será su debut como directora artística de la principal compañía de ballet francesa, tras la abrupta renuncia de Benjamin Millepied, con poco más de un año en el cargo.

El ballet de Michel Fokine, “Les Sylphides”, fue otro triunfo para el cuerpo de baile femenino del Ballet Nacional de Cuba en el XXV Festival internacional de ballet de La Habana. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

Los mayores momentos climáticos lo proporcionaron los estrenos mundiales creados por coreógrafos extranjeros, entre ellos “Oscurio” de la colombo-belga Annabelle López-Ochoa, para cuerpo de baile femenino y una primera bailarina, por supuesto la poderosa y versátil Viengsay Valdés, en un contrapunteo neoclásico, con pinceladas contemporáneas, marcado por el vestuario de las chicas: unas en negro y otras en blanco. El diseño de luces desempeñó un papel fundamental en el éxito de esta pieza. López-Ochoa presentó igualmente un fragmento de “Línea recta”, realizado para el Ballet Hispánico de New York, quien lo estrenará este mes en su forma integral. Destacaremos el solo “Cygne”, del bailarín y coreógrafo argentino Daniel Proietto (residente en Alemania) quien tuvo el buen tino de elegir del cuerpo de baile a Daniela Gómez , y ello nos permitió descubrir su talento y dominio escénico, una verdadera revelación, apoyada por una audaz producción, vestuario, luces y maquillaje. En otro programa, Proietto bailó un solo de su autoría, como tributo a David Bowie con su música como soporte, muy efectista pero con una inconsistente escritura coreográfica.

Entre las reposiciones relevantes debo destacar, antes que todo, ¨Jardín de Lilas” de Antony Tudor por su elegante y sobria producción y la elección de Sadaise Arencibia como protagonista (quien nos había entregado una espléndida muestra del estilo el el pas de deux Raymonda la víspera), aquí demuestra su versatilidad histriónica en este difícil personaje tudoresco; rodeada de un elenco juvenil técnicamente ajustado empero sin la madurez necesario para expresar los entresijos de este magistral drama psicológico. Destacaremos la presencia y aplomo de Ginett Moncho, que ha sido la bailarina más recurrente y eficiente en los múltiples desempeños asignados por su compañía en este festival. Cual un factótum, bailó la misma tarde y noche tres roles en dos teatros diferentes.

Igualmente, el infaltable ballet de Michel Fokine, “Les Sylphides”, resultó otro momento de triunfo para el cuerpo de baile femenino del Ballet Nacional de Cuba, logrando interpretar brillantemente la versión más auténtica de esta obra sobre la música de Chopin que puede verse actualmente. Aplausos gratificantes cosecharon, con mucha razón, las vengativas willis del emblemático segundo acto de la “Giselle” versionada por Alicia Alonso. Al éxito de esta reposición contribuyó grandemente la pareja titular encarnada por los primeros bailarines  Anette Goncález y Dani Hernández (habiendo probado sus altos quilates en otros títulos presentados en este evento).

Las puestas en escena del “Lago de los cisnes” y del “Don Quijote” se vieron lastradas por diversas irregularidades, por altas y bajas de los elencos alternantes, tanto por sus intérpretes principales, los solistas y el cuerpo de baile; en particular la falta de rigor técnico y estilístico en la ejecución de las danzas de carácter, una mayor atención debía ponerse sobre la nueva promoción de egresados al BNC. Debemos mencionar las notables entregas de los bailarines que asumieron roles de démi-character, siguiendo una sólida tradición establecida por sus predecesores (Adolfo Roval, Ernesto Díaz o Félix Rodríguez), particularmente Francois Llorente (el bufón) o Darion Darias ( en Sancho Panza).

Dos orquestas sinfónicas aseguraron, en vivo, el importante soporte musical: la Nacional y la del Gran Teatro Alicia Alonso, siempre bajo la titánica dirección musical del experimentado maestro Giovanni Duarte. Ambas ocuparon los fosos de las Salas García Lorca y Avellaneda, pero se hicieron evidentes algunas imprecisiones, o cacofonías desde algunas secciones instrumentales, tal vez achacables a una errática ecualización de la amplificación. Problemas  que, confío, pueden ser resueltos  ocasiones ulteriores. Como también, por otra parte, se requiere de una renovación del vestuario y la escenografía ya fatigada, en las producciones de los grandes clásicos del repertorio. Las modernas iluminaciones hicieron más evidente el desgaste por la lógica usura de estos recursos.

Las dos únicas presentaciones de Martha Graham Dance Company constituyeron una revelación en el XXV Festival internacional de ballet de La Haban. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

El Festival internacional de ballet de La Habana, considerado el más antiguo de su tipo en el mundo –el primero se celebró en 1961-, confirmó en esta vigesimoquinta edición su calificativo de “mega” festival. Especialmente si tenemos en cuenta algunas cifras acontecidas en solo diez días: 25 funciones, 67 obras por unas 21 compañías representadas, 4 salas teatrales de tres coliseos capitalinos, tres estrenos mundiales (uno de ellos por el Ballet Nacional de Cuba) y poco más de una docena de estrenos en Cuba; sin soslayar las reposiciones de la producciones integrales de tres de los conocidos grandes clásicos del repertorio del BNC: Giselle, Don Quijote y Lago de los cisnes.

Paralelamente, pudimos ver los programas importados por compañías foráneas, tales como “Danza Americana” de Justin Peck; Martha Graham Dance Company (con la rigurosa Janet Eilber al frente; el Buenos Aires Ballet (con miembros de los teatros Colón y La Plata); Les Grands Ballets Canadiens, de Montreal o el Ballet West (Utah, EE UU).

La víspera de la clausura, las cuatro salas ofrecían un programa interesante, sin contar los eventos colaterales diversos: aperturas de exposiciones de artes visuales, muestras de filmes o conferencias de prensa. Debo entonces recurrir al concepto acuñado por la icónica crítica de danza neoyorkina Arlene Croce: priorizar lo que denomina “afterimages”. Es decir, enfocarme en aquellos fenómenos artísticos que más impresionaron, y algunos quedarán ignorados involuntariamente.

Los visitantes
Para las nuevas generaciones de amantes de la danza, tanto los miembros del gremio danzante como del público –algunos de ellos mis vecinos en el palco de butacas-, las dos únicas presentaciones aquí de la Martha Graham Dance Company constituyeron una revelación, al constatar la real vigencia de la inmensa obra creativa de la fundadora de la llamada “danza moderna”.

Todas las piezas sabiamente elegidas fueron entregadas con brillantez e intensidad interpretativa. Ciertos grupos juveniles “snob”, felizmente una minoría, menospreciaban lo visto por las fechas de creación consignadas en el programa de mano. El desmentido apareció publicado en el diario de mayor circulación de la isla, en unas esclarecedoras declaraciones del nonagenario maestro Ramiro Guerra –bailarín y coreógrafo, fundador de la danza moderna cubana y premio nacional de danza-, quien fuera discípulo de la Graham en su estudio neoyorkino: este deslumbramiento acontece 75 años después de su debut en La Habana, con “Lamentations” (1930); “Diversion of Angels” (1948), entre otras.

El joven bailarín del NYCB, Justin Peck, se destacó en sus recientes piezas: “In Creases” y “Furiant”. Foto Nancy Reyes. Gentileza NR.

Igualmente, proveniente de la “gran manzana”, pudimos apreciar los talentos del joven bailarín del NYCity Ballet Justin Peck, especialmente en sus recientes piezas: “In Creases” y “Furiant”, con los desempeños estelares de Sarah Mearns con Amar Ramasar, y los soberbios Ashley Bouder y Joaquín de Luz, respectivamente.

Menos impresionantes pero triunfadores con el público cubano, llegaron de la Argentina los representantes de lo mejor del tango. Una agrupación ad hoc con bailarines del Ballet Estable del Teatro Colón y el Ballet de La Plata dirigidos por el primer bailarín Federico Fernández, que nos mostraron sus escrituras apoyadas sobre las melancólicas músicas del emblemático Astor Piazzolla. Luego, vinieron los canadienses de la gran compañía de ballet de Québec con un intrigante ritual masculino ejecutado intensamente por cinco atléticos y expresivos bailarines, en la pieza “Black Milk” del afamado coreógrafo Ohad Naharin, la carta de triunfo para Vladimir Pankov, director artístico de Les Grands Ballets de Montréal.

Finalmente, antes de la función de cierre el 6 de noviembre, proveniente del vecino país norteño, llegó una representación reducida del Ballet West, con “Presto”, una banal coreografía del ítalo-norteamericano Nicolo Fonte, dignamente bailada por tres parejas hetero. En el mismo caso, podemos situar al cuarteto proveniente de lejanos parajes del orbe, el Universal Ballet de Corea del Sur, exquisitos danzantes de su milenaria cultura asiática, ejecutada con particular “fisicalidad” y gran musicalidad, especialmente en el dúo “Shim Chung”.

Artistas invitados y locales
La poliédrica programación propuso una constelación de estrellas de la danza mundial, otros que ya se han convertido en excelentes prospectos y otros con potenciales talentos –tanto en el caso de los foráneos como de los locales–, los cuales se desempeñaban en sus roles con arrojo, desafiantes ante todos los retos coreográficos –algunos de ellos impensables-, confrontándolos a un público exigente en cada una de las salas teatrales del evento.

Hubo exceso de efectos pirotécnicos, casi al borde de la acrobacia atlética, en la mayoría de las veces en detrimento de la corrección en los tempos y fraseos musicales, con el objetico primario de demostrar su bien ganada etiqueta de virtuosos. Entre la élite de estos últimos, aplaudimos las entregas el español Joaquín de Luz (merecedor del premio nacional de danza 2016), así como su pareja estadounidense Ashley Bouder, particularmente con la deslumbrante interpretación de “Tarantella”, de George Balanchine; el cubano Javier Torres (principal del Northern Ballet) en el intenso solo de Michel Descombey “Muerte de un cisne”; Mary Carmen Catoya (del Arts Ballet Teatro de la Florida) de aceradas puntas y línea perfecta, en “Suite Generis” del indestructible Alberto Méndez, secundada estupendamente por dos hermosos bailarines de Acosta Danza.

La espléndida estilista rusa Maria Kochetkova (primera figura del San Francisco Ballet) con el soporte preciso y elegante del cubano Joel Carreño (estrella indiscutible del Ballet de Noruega); el bólido afroamericano Brooklyn Mack (del Washington Ballet) junto a la poderosa y brillante Viengsay Valdés, provocadores de la más tumultuosa respuesta al pas de deux “Diana y Acteón”.

Otra histérica reacción de los balletómanos la provocó otro cubano triunfador en los escenarios europeos, Osiel Gouneo, con sus inigualables saltos y vertiginosos giros en los “manéges”, junto también a Valdés, esta vez en el pas de deux del tercer acto del “Don Quijote”. El retorno a bailar en su país de origen y con su “alma mater”, es decir, la compañía de sus inicios profesionales, es una buena señal indicativa de un cambio positivo en la política artística en el seno de la dirección general del BNC, al invitarlos a exhibir su desarrollo técnico e interpretativo conseguido, ante sus aficionados naturales.

Estrenos y reposiciones
Elogios y sugerencias

Julie Kent y Marcelo Gomes, en “Manón”, durante la gala de los 75 años del American Ballet Theatre en el Metropolitan de Nueva York. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

En las tres horas que duró la función, los asistentes, ataviados con sus mejores galas, pudieron conocer la historia fascinante del American Ballet Theatre (ABT), desde su fundación en 1940 por Lucia Chase, hasta llegar al presente.

Alfombra roja mediante, en esta gala de los 75 años, que se realizó en la temporada de primavera del Metropolitan Opera House de Nueva York, nadie faltó a la cita el lunes 18 de mayo, una semana después de la apertura de la temporada, uno de los acontecimientos más importantes que todos los años se apodera de la ciudad.

El programa incluyó igualmente, una variedad de épocas y coreógrafos, entre los que pudieron contarse los antiguos como Bournonville, o los modernos como Twyla Tharp. Cerca de 460 obras de más de 150 coreógrafos, desde Marius Petipa, George Balanchine, Aaron Copeland, Antony Tudor, Agnes de Mille, Jerome Robbins, Paul Taylor, Jiri Kylian y Alexei Ratmansky, entre otros tantos, formaron parte del repertorio de la compañía en estos 75 años.

Entre los bailarines que, una vez más, brillaron durante el programa, cabe mencionar a dos de los pocos hispanos que van quedando en la compañía, Herman Cornejo, siempre exquisitamente clásico, y el potente Marcelo Gomes, quien muchos llaman el mejor partenaire del ABT. Y las tres ballerinas que ya  se retiran en esta temporada -quizás indebidamente-: Paloma Herrrera, Jullie Kent y Xiomara Reyes.

Cuando cae el telón, una ovación para Paloma Herrera, que se despide de la compañía. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Herrera, descolló con sutileza en “Tchaikovsky Pas de Deux”, de Balanchine. Mientras Kent, interpretó una Manón como pocas, en el dueto del dormitorio de la obra del mismo nombre de Kenneth MacMillan. Junto a Gomes, ambos estuvieron sencillamente conmovedores. Xiomara Reyes, puso gracia y humor en la Cowgirl de “Rodeo”, de de Mille.

Quiénes serán las sustitutas? Al parecer, si antes en  el ABT se hablaba español, ahora se oye demasiado ruso o ucraniano.
Una larga lista de fragmentos de obras que fueron clave en el repertorio de la compañía formaron parte del programa de esa noche. Misty Copeland, una de las estrellas ascendentes, interpretó Odette/Odile de “El Lago de los cisnes”, un rol que bailará por primera vez en esta temporada.

El inolvidable Mikhail Baryshnikov, que también fue director de la compañía antes de Kevin McKenzie, apareció en un video que hizo estallar a la platea. De la misma manera que Caroline Kennedy, desde su misión diplomática en Japón, dio el presente en una noche tan especial. Su madre, Jacqueline Kennedy Onassis, fue una de las figuras más importantes que bregó por la subsistencia del ABT a lo largo de los años. Al punto que la escuela lleva su nombre.

Al final, los aplausos y los homenajes llegaron también para despedir a Paloma Herrera, que hará su última función con el ABT el miércoles, matiné, con “Giselle”, junto a Roberto Bolle, el mismo partenaire que eligió Alessandra Ferri para dar su adiós al escenario del Met hace varios años atrás.

sssssaLa temporada continuará hasta el 4 de julio, que cerrará con el debut de la argentina Marianela Núñez, primera bailarina del Royal Ballet de Londres. Sólo resta desear a la compañía otros exitosos 75 años.

El ABT estrenó “Thirteen Diversion” de Christopher Wheeldon con Gillian Murphy y David Hallberg, entre otros. Foto: Rosalie O'Connor. Gentileza de ABT.

En la segunda semana de su temporada, el American Ballet Theatre (ABT) decidió guardar en el clóset por tres días las obras clásicas que el público ha demostrado infinidad de veces preferir, y trajo al escenario del Met, tres ballets de estreno, contemporáneos o abstractos, originales de coreógrafos considerados como los más aplaudidos de la actualidad.  Sergei Ratmansky, coreógrafo-en-residencia de la compañía; Benjamin Millepied, bailarín principal del New York City Ballet (NYCB), y Christopher Wheeldon. Este último ya tiene obras en el repertorio, no solo del ABT, sino de importantes conjuntos internacionales.

Esta corta serie  tenía como  complemento  una reposición: “Shadowplay”, del venerado Antony Tudor, autor de ballets llamados “psicológicos”. Sin negar la posición del coreógrafo  y sus obras en la historia de la danza clásico-contemporánea, y lo que sus trabajos influyeron en la formación del Ballet Theatre en la década de los años 40..

 “Dumbarton”, original  de Ratmansky, sobre música de Igor Stravinsky (Dumbarton Oaks), y diseños de Richard Hudson,  que dio inicio a la función,  muestra a  los intérpretes (10 de ellos)  vistiendo ropa “de calle”. Los hombres,  en vez de los consabidos “maillots”, llevan pantalones y camisas con corbatas. Las mujeres lucen trajes de sayas anchas, hasta la rodilla.

En el reparto aparecen  en primer lugar dos parejas, formadas por las bailarinas principales  Veronika Part y Michele Wiles,  que van acompañadas por  Roddy Doble y Thomas Forster, ambos miembros del coro. En las otras tres parejas,  las mujeres, Isabella Boylston, Misty Copeland, y Yuriko Kajiya,  son todas solistas del elenco, mientras los hombres, Joseph Gorak, Eric Tamm, y Luis Ribagorda, pertenecen al coro. ¿Oportunidad magnífica  para estos jóvenes bailarines de ascender? Ojalá así sea. 

No hay historia en la coreografía de este ballet, solo bellos movimientos y muchas variaciones; sin embargo,  hay sugerencia de algún tema,  cuando Copeland parece desmayarse en una secuencia, y es llevada en brazos fuera de la escena por los hombres.  La actuación de Part pasa desapercibida, no así  Wiles, musicalmente brillante y lírica.

¿Continuará  esta obra en el repertorio? Bien puede engavetarse. Tal vez con una segunda mirada podría vislumbrarse la intención del autor.

Benjamin Millepied

El nuevo estrellato de Benjamin Millepied se acredita más a su labor de coreógrafo, que  a la de bailarín, especialmente desde su intervención en  la cinta fílmica “Cisne Negro” . No obstante, a esta recién ganada importancia, hay que añadir como mayor culpable  su próxima paternidad, resultado  de sus amoríos con la actriz Natalie Portman. ¡Ah, el poder de la prensa y el vulgo!… No obstante, los trabajos de Millepied  son muy solicitados, y ya aparecen en varias compañías, incluido el propio ABT.

Benjamin Millepied presentó “Troika”, un trío en el que los bailarines hacen travesuras en escena. Foto: Mikhail Logvinov. Gentileza ABT.

“Troika”, su último trabajo, que lleva  vestuario casual de Paul Cox, no se refiere al conocido trineo ruso, tirado por tres caballos…. No, esta vez el trío en cuestión lo forman conocidas figuras de la compañía, Alexandre Hammoudi, Daniil Simkin y Sascha Radetsky, que hacen infinidad de travesuras en el escenario. El acompañamiento musical, la Suite para Cello No. 2 en Re menor de Bach lo ofrece un solitario cellista, Jonathan Spitz, sentado en un lado de la escena. La música de Bach  nunca pareció más atractiva que en esta ocasión, gracias a la habilidad del intérprete.

Por su parte, los tres bailarines se dieron el gusto en hilar las  “monerías”  diseñadas por el coreógrafo, si bien, debido a su estatura y ligereza, Simkin se metió la pieza en el bolsillo.   Este estreno neoyorquino, que tuvo su premier mundial  en el Bolshoi Theatre New Stage de Moscú, en marzo 29 de 2011, por el propio ABT, quizás no pase a la historia. Lo único que logra es divertir al público, nada más.

Christopher Wheeldon

El tercer estreno de la noche, original de Christopher Wheeldon, lleva por título “Thirteen Diversion”, sobre música de  Benjamin Britten (Diversions for Piano and Orchestra), con vestuario de Bob Crowley, e iluminación de Brad Fields.  Los cambios de forma y color en las luces,  dan a cada variación un ambiente  interesante y distinto, como si se hicieran cambios en los telones de fondo.

Las cuatro parejas solistas, formadas por Gillian Murphy  y David Hallberg, Isabella Boylston con Marcelo Gomes, Maria Riccetto y Jared Matthews, y Simone Messmer con Alexandre Hammoudi, van vestidas en color gris perla.  Un numeroso coro  ataviado  en negro,  que forman 16 bailarines, se les une. Las mujeres llevan el pelo hacia arriba, sobre la cabeza, en forma de moño. La ropa es sencilla, con sayas amplias hasta la rodilla y blusas modernas. Los hombres visten mallas y chaquetillas. Para el coro femenino, las faldas son largas.

Wheeldon ha elaborado aquí una coreografía espectacular, por más que muy hermosa. La obra tampoco parece tener historia, aun que en un momento, Boylston, que se destaca ampliamente por su radiante delicadeza, tiene un momento romántico con el magnífico Gomes, cuando le toca la cara con la mano, y  obliga a éste a girar la cabeza hacia ella.

Un cerrado aplauso para el afamado coreógrafo con la esperanza de ver la obra muchas veces más en un futuro que no se haga esperar mucho.

Paloma Herrera y Marcelo Gomes en "The Bright Stream", de Alexei Ratmansky. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza de ABT

Para Recordar a JFK

Con la hoz y el martillo en el telón, “The Bright Stream”, de Alexei Ratmansky, es una evocación de aquellas granjas colectivas que surgieron durante la era de la Revolución Rusa y que prevalecieron de una u otra manera durante toda la era soviética.  

La obra es una “remake” de la original creada por Fedor Lupokhov en 1935, que en su momento, el gobierno stalinista condenó por poner a los granjeros soviéticos como “muñecos de ballet”, y en cierta forma, desvirtuar el verdadero sentido de las granjas colectivas de la era comunista. “The Bright Stream”, nombre de la granja donde se desarrolla la acción de este ballet de equívocos con características de comedia musical, es una obra inocente, alejada de la temática de concientización política de la época. Y en su momento, fue condenado hasta por Agrippina Vaganova, quien en ese entonces dirigía el Kirov.  

La música, que Ratmansky conservó, fue uno de los tres ballet compuestos por Dmitri Shostakovich. Con secuencias de enorme lirismo musical, también se escuchan tangos, polcas, y algo de Charleston. Hoy, esta fábula rural regresa con un osado toque de humor en el que también pone en jaque a los parámetros del ballet romántico de la época. Ratmansky respetó el libreto de Adrian Piotrovsky y Lopukhov, pero gestó su propia coreografía, dado que la de Lopukhov se perdió por falta de notación.  

Paloma Herrera, como Zina, la aldeanita que optó por casarse y dejar de lado sus aspiraciones artísticas, y Marcelo Gomes, como su marido, juegan esta comedia de esposo infiel y mujer engañada de una manera fresca y cándida.  

Del otro lado de la disputa, Gillian Murphy, como la amiga de Zina que ha logrado triunfar en las tablas regresa con una troupe trashumante para revivir viejos tiempos y permitir a Zina, recuperar sus dotes perdidas de bailarina. Mientras tanto, Gomes intenta seducir a Murphy. Y en el medio de la trama, el contexto pintado por Ratmansky se convierte en una verdadera sátira a la era soviética. Un tractor hecho con bailarines y el conductor vestido de perro, una escenografía que evoca a “Los girasols de Rusia”, el dramático film con Sofía Loren y Marcello Mastroiani,  y los estereotipos inevitables de la Rusia campesina.  

Y un indiscutible toque de humor con guiño a los balletómanos: David Hallberg, como Ballet Dancer, con un tutú romántico y zapatillas de punta incluidas, aparece convertido en una verdadera Sílfide que trata de seducir y jugarle una broma al dueño de la casa de campo. Este personaje grotesco y ridículo, interpretado magníficamente por el director artístico adjunto del ABT, Victor Barbee, cumple también un rol simbólico. Cabe aclarar, que las casas de campo (dachas) solían asignarse en la Unión Soviética a algunos miembros destacados de la sociedad comunista.  

Junto a él, su mujer (la ex bailarina Martine van Hamel), cuyas veleidades de artista no tienen límites. Ambos juegan un rol dramático en esta trama en la que la ironía y la mirada crítica sobre el pasado, son elementos predominantes.  

Ratmansky ha estructurado este ballet respetando las secuencias clásicas, especialmente en las intervenciones del cuerpo de baile, los pasos de cuatro, las variaciones de la pareja principal, y las intervenciones del cuerpo de baile, que muestra una desbordante energía. Cada uno de los personajes logró expresar las maneras y los gestos de los campesinos rusos, al punto que podrían confundirse con bailarines del mismísimo Bolshoi. Misty Copeland como la lechera y Sascha Radetsky se lucen en sus variaciones. Copeland promete, y es una bailarina a la que vale la pena seguirla.  

Herrera, fresca, inocente y sensible, interpreta con encanto particular y gran pureza técnica a esta ex bailarina que se descubre a sí misma cuando intenta recuperar a su esposo, seducido por los encantos de Murphy. Las dos bailarinas, en un diálogo magnífico en el que recuerdan el pasado, bailan juntas como si fueran un espejo. Uno de los más logrados momentos por la sincronización de ambas, y muy especialmente, por la comunicación que transmiten desde el escenario.  

Gomes, impecable desde lo técnico y lo actoral, es un bailarín con un encanto subyugante. Perfecto en sus saltos y sus giros, se destaca a su vez como excelente partenaire. Arrollador y preciso.   

“The Bright Stream” termina con un final feliz. Zina recupera a su esposo, y también su capacidad de bailar. Sin embargo, los girasoles de la Rusia campesina se convierten de golpe en inmensas torres de cemento. Quizás, la mirada de Ratmansky –que pertenece a la generación post Stalin– intente mostrar simbólicamente el significado de la transformación del país durante ese gobierno.

José Manuel Carreño, Sascha Radetsy y Herman Cornejo en "Fancy Free", de Jerome Robbins. Fotos: Rosalie O{Connor. Gentileza ABT.

Al cumplirse los 50 años desde la asunción de mando de John F. Kennedy, en enero de 1961, el American Ballet Theatre (ABT) rindió homenaje en Washington DC a uno de los presidentes más recordados, tanto por el momento histórico en el que le tocó gobernar, como también porque fue uno de los cuatro presidentes asesinados en los Estados Unidos. Jackie Kennedy, su esposa, fue durante largos años una de las más fervientes seguidoras de la compañía, y también formó parte de la junta directiva. En honor al ex presidente y a una de sus principales benefactoras, el ABT presentó un programa mixto integrado por varias de las piezas predilectas de la primera dama: “Fancy Free”, de Jerome Robbins; “Jardin aux Lilas”, de Antony Tudor, y “Duo Concertant” y “Theme and Variations”, de George Balanchine.

“Duo Concertant”, pieza que estrenó en 1972 el New York City Ballet en el Festival Stravinsky del Lincoln Center con Kay Mazzo y Peter Martins, rompe las estructuras más tradicionales, tal como la misma música. Balanchine, subyugado por la musicalidad de la obra, gestó una composición de cámara en la que los bailarines ofician a su vez de instrumentos y son parte de un diálogo con el violín y el piano. Paloma Herrera, una bailarina indiscutible, y Cory Stearns, protagonizan esta obra de cinco movimientos, que requiere de una gran intensidad técnica e interpretativa.

Herrera, con la solidez que la caracteriza, supo cambiar los tonos, las dinámicas y en los dos últimos movimientos logró la intensidad dramática que requiere la pieza. Stearns, no sólo es un excelente partenaire, sino que a su vez es un gran bailarín que debe desarrollarse y crecer aún más como artista. Ambos, logran una pieza conmovedora en este “Duo Concertant”, que la compañía estrenó por primera vez en el Kennedy Center.

Menos exitosa fue “Theme and Variations”, otro de los clásicos de Balanchine creado en 1947, con música de Piotr Tchaikovsy. Yuriko Kajiya reemplazó a Gillian Murphy, que estaba lesionada, y David Hallberg cubrió el principal rol masculino. Impecable en sus solos y variaciones, Hallberg acompañó acertadamente a Kajiya en el pas de deux central, aunque la bailarina, quizás por el nerviosismo del debut y en parte, por falta de experiencia en ese rol, tuvo ciertos fallos en el comienzo de su variación y en los equilibrios. Por su parte, Simone Messmer y Maria Riccetto, hicieron un excelente trabajo en los roles secundarios.

El ABT presentó a su vez una de las piezas más sublimes del repertorio de ballet del siglo XX, “Jardin aux Lilas”, una obra de 1936 estrenada por el Ballet Rambert de Londres, con música de Ernest Chausson. Esta pieza, ambientada a finales de la época victoriana, plena de psicologismo, ahonda en el intrincado mundo femenino de una manera delicada y subyugante. Una historia de desencuentros, de amores y desamores, de dicha y padecimientos que requiere de una bailarina como Julie Kent para el protagónico (Caroline).

Con especial lirismo Kent supo transmitir su dolor de una mujer que opta por casarse con quien no ama y deja partir a su verdadero amor. Thomas Forster interpreta con acierto y pasión a ese amor imposible, mientras Kristi Boone, como la amante despechada del futuro marido, muestra intensidad y dramatismo en su interpretación. Tan exquisita como la obra fue la interpretación de Oleg Rylatko, en violín.

El final con “Fancy Free”, de Robbins, no sólo puso un toque de humor y frescura, sino que mostró un aspecto diferente de la compañía. Y si bien ya es un clásico del ABT, permanece siempre fresca. La obra, que se estrenó en 1944 en el Metropolitan Opera House con el mismísimo Robbins protagonizando a uno de los tres marineros, tuvo en José Manuel Carreño, Herman Cornejo y Sasha Radetsky el toque de atletismo, histrionismo y humor necesario para esta obra con reminiscencias de Broadway y con la incomparable música de Leonard Berstein.