Gauthier Dance en “Le chant du cygne: Le lac”, de Marie Chouinard, un alegato feminista llevado a la danza. Foto gentileza de Gauthier Dance.

Una década después de su primera visita al Teatro Arriaga de Bilbao, la compañía alemana Gauthier Dance retornó al emblemático escenario de la capital vizcaína para ofrecer un triple programa que obtuvo el aplauso unánime del entusiasmado público. Fundada en 2007 por ex solista de Stuttgart Ballet, Eric Gauthier, la compañía residente del Theaterhaus de la ciudad germana se caracteriza por apostar por un repertorio versátil con trabajos de los coreógrafos contemporáneos más destacados de la actualidad. Y estas dos actuaciones en Bilbao dieron la oportunidad para disfrutar de piezas de los renombrados Marie Chouinard, Hofesh Shechter y Ohad Naharin.

En 2021, Eric Gauthier invitó a cuatro reputados coreógrafos para que crearan sendas piezas de veinte minutos de duración, partiendo del clásico inmortal de “El lago de los cisnes”. El resultado fue un cuadríptico con las poliédricas lecturas de Marie Chouinard, Marco Goecke, Hofesh Shechter y Cayetano Soto. Para la actuación en el Teatro Arriaga de Bilbao, el director canadiense se decantó por las obras de Chouinard y Shechter, con dos planteamientos muy diferenciados.

En “Le chant du cygne: Le lac”, la coreógrafa Marie Chouinard imagina a una bandada de cisnes oprimidos que se rebela contra el heteropatriarcado. Ante un ciclorama compuesto por un mar de llamas, un octeto de ánades se arrastra lastimosamente, probablemente subyugado por el poder del maléfico Rothbart. No faltan ni el tutú ni las zapatillas de punta, pero tampoco las rodilleras, los maillots en tono nude y las pelucas de color blanco en sustitución de los tradicionales tocados de plumas. Singular e imaginativo resulta el empleo de las puntas: una calza un pie de cada una de las intérpretes y la otra cubre la mano, que junto al antebrazo dibuja figuras que terminan recordando la cabeza y cuello del cisne, como si fuera un juego infantil de imitar una sombra chinesca. La coreografía se centra en subrayar la parte animal y la sumisión de la pléyade de ánades, hasta que éstas deciden enfrentarse y reclamar su voz con la letra de “Un violador en tu camino” (2019), una performance del colectivo chileno LASTESIS para denunciar los feminicidios y la violencia sexual contras las mujeres. Apaciguado el fuego de la protesta en un mar en calma en la proyección, las empoderadas intérpretes danzan en libertad en este aplaudido alegato feminista de la coreógrafa canadiense.

Hofesh Shechter es el coreógrafo de “Swan Cake”, obra de trepidante acción y estilo terrenal inspirada en “El lago de los cisnes”. Foto gentileza de Gauthier Dance.

Bajo el título de “Swan Cake”, el coreógrafo y compositor Hofesh Shechter construye una pieza que se asemeja a una fiesta rave y aparentemente con nulos puntos en común con el clásico de Petipa e Ivanov. Sin embargo, lo que se percibe con claridad es su característico estilo terrenal, rotundo y lleno de trepidante acción. Ataviado con ropa informal, el elenco sobresale en una especie de caótica celebración, inspirada quizás en los festejos del cumpleaños del príncipe Siegfried del original decimonónico. El israelí contrapone en su coreografía las calidades individualidades con el grupo, presentado como una masa en movimiento constante y enérgico, mientras que la banda sonora cita esporádicamente algún breve fragmento de la música de Tchaikovsky, como si fuera casi un jingle publicitario para recordar que la pieza parte del encargo basado en “El lago de los cisnes”.

La segunda parte estuvo protagonizada por “Minus 16”, emblemática obra de Ohad Naharin estrenada por Nederlands Dans Theater 2 en el Lucent Danstheater de La Haya, el 11 de noviembre de 1999. A punto de celebrar sus bodas de plata, esta obra se ha convertido en un referente obligado de la creación Naharin y su éxito le ha llevado a formar parte del repertorio de numerosas compañías internacionales. En el entreacto, un bailarín trajeado empieza a improvisar para desconcierto de los espectadores que han aprovechado el intermedio para salir del patio de butacas. En un momento determinado, comienzan a aparecer en escena los restantes intérpretes también trajeados y tocados con sombreros. A partir de ahí, el creador israelí engarza varias escenas musicalmente diferentes -“Echad Mi Yodea” en versión del grupo de rock The Tractor’s Revenge, “Stabat Mater” de Antonio Vivaldi, un solitario metrónomo y una versión tecno de “Over The Rainbow”-, pero coreográficamente bajo un estilo o lenguaje denominado Gaga.

A raíz de una lesión de espalda, Ohad Naharin se vio obligado a cambiar sus patrones de movimiento y así investigó cómo encontrar nuevas sensaciones. El resultado fue un lenguaje que potencia la ductilidad del cuerpo, con extremidades muy flexibles, y sorprende al espectador con enérgicas explosiones de movimiento alternadas con aparentes momentos de sosiego. El mejor ejemplo de ello fue la primera escena de la obra, ejecutada bajo la letra de la canción tradicional de la Pascua hebrea “Echad Mi Yodea” (¿Quién conoce a uno?). Sentados en un semicírculo conformado por sillas plegables, los dieciséis bailarines comienzan cabizbajos hasta que se produce ese estallido de energía, coreográficamente traducido en un canon y que finaliza con la caída al suelo de uno de ellos. Más convencional, un dúo sobre música de Vivaldi da paso a una divertida escena a ritmo de chachachá y con sorpresa final, para deleite del  público.

“Minus 16″ es una icónica obra de Ohad Naharin| Fotografía Jeanette Bak, cortesía de Gauthier Dance.

Durante los minutos que mediaron entre la primera y la segunda pieza, Eric Gauthier no dudó en dirigir unas palabras a los asistentes, explicando el programa que presentaba su compañía y lo emocionado que estaba por la segunda visita de Gauthier Dance al Teatro Arriaga de Bilbao, después presentar en aquella primera ocasión un catálogo de creaciones titulado “Future 6”: “Burning Bridges” de Jiří Bubeníček, “Cherry Pink and Apple Blossom White” de Itzik Galili, “Malasangre” de Cayetano Soto, “Takuto” de Eric Gauthier, “I Found A Fox” de Marco Goecke y “Bolero” de Stephan Thoss. Con una duración cercana a las dos horas, el díptico “Swan Lakes” con piezas de Chouinard y Shechter, unido a las buenas sensaciones que contagia “Minus 16” de Naharin, dejó nuevamente un fantástico sabor de boca en el numeroso público congregado en el Teatro Arriaga de Bilbao, que no dudó en gratificar el extraordinario trabajo de Gauthier Dance con una entregada salva de aplausos, deseando que no vuelva a pasar un decenio para disfrutar de nuevo de la compañía alemana en el escenario bilbaíno.

]]> https://www.danzahoy.com/home/2024/03/cisnes-empoderados/feed/ 0 https://www.danzahoy.com/home/2019/05/jovenes-con-pasion-y-disciplina/ https://www.danzahoy.com/home/2019/05/jovenes-con-pasion-y-disciplina/#comments Wed, 01 May 2019 22:17:00 +0000 mgueler http://www.danzahoy.com/home/?p=13545

La Academia Acosta Danza llevó al teatro Mella, “A Buenos Aires”, de Gustavo Mollajoli, con música de Astor Piazzola, interpretado por Brian Pérez y Amisaday Naara. Foto: Yuri Norido. Gentileza AD.

Un promisorio espectáculo fue ofrecido, recientemente, por la Academia Acosta Danza –con un programa mixto- en el teatro Mella, elegante coliseo art déco en la barriada capitalina de El Vedado, considerado como espacio referente de los mejores eventos de danza.

Esta función de gala es la primera que propone el Grupo Artístico Docente (GAD) de la compañía Acosta Danza, fundado hace solo dos años por el afamado bailarín cubano Carlos Acosta.

Actualmente, la Academia Acosta Danza cuenta con 31 estudiantes, seis de ellos extranjeros, provenientes de Colombia, República Dominicana y Brasil, el resto lo completan los cubanos. Todos fueron elegidos en una rigurosa audición supervisada por un jurado independiente formado por reconocidas personalidades del mundo de la danza.

Los participantes de estas funciones cursan el 1ro y 2do año, y algunos de ellos fueron también los autores de sus propias coreografías.

Fundado en septiembre de 2017, el GAD es una academia avalada por el Ministerio cubano de Cultura y el Centro Nacional para la Enseñanza de las Artes (Ceneart). Su principal propósito es “completar” la formación media-superior de jóvenes bailarines (entre los 15 y 18 años) que provienen del nivel elemental de las escuelas de danza y ballet.

Según la propuesta de Acosta, la estética de este centro docente puede definirse como “danza de técnica mixta”, pues posee un fuerte basamento de “ballet clásico”, junto a técnicas de la “danza moderna”, la llamada “contemporánea” y de la danza folklórica cubana.

Apoyado por la Carlos Acosta International Dance Foundation, el GAD también otorga becas gratis a jóvenes de todas partes del mundo que poseen talentos para la danza; pero que “no cuentan con posibilidades económicas para costearse los estudios de arte”. El GAD se propone graduar “profesionales creativos y disciplinados, con un alto sentido de la responsabilidad, humanamente solidarios, con altos valores éticos y estéticos”. Al mismo tiempo, les ofrece una formación que les permite desarrollar la cultura y hacer de su labor artística “un medio de disfrute, en pos del mejoramiento humano”.

Transmisión de los saberes

“Avium”, con coreografía de Elys Regina, sobre música de Camille Saint-Saens y arreglos del compositor cubano José Víctor Gavilondo. Foto: Yuri Norido. Gentileza AD.

El programa estructurado por el atinado equipo de apoyo técnico y académico de Acosta –en este loable empeño- con la ejecutoria fundamental de dos experimentadas ex-solistas del Ballet Nacional de Cuba, Rosa Elena Álvarez y Aymara Vasallo, poseedoras de un caudal de saberes tanto en la formación técnica como estilística –particularmente en el repertorio clásico- permite augurar un futuro promisorio, según lo observado en esta primera confrontación con la crítica especializada y el numeroso público que acudió expectante de los resultados artísticos, en tan breve tiempo.

Esta primera muestra de nueve coreografías pudiera, en su diversidad, considerarse estilísticamente como híbrida: los juveniles participantes demostraron su ductilidad y formación en obras contemporáneas, neoclásicas, en clásicos del canon (de Petipa, Gusev, Gorski o Vainonen), inclusive unos breves fragmentos corales de la pieza “Tocororo” del propio Carlos Acosta (con música original de Miguel Núñez).

De lo bailado, merece destacar la pieza en un acto “Avium” con una coreografía de Elys Regina, según la de Fokine para Anna Pavlova, “La muerte del cisne” sobre la música de Camille Saint-Saens con arreglos ad hoc para cello y piano del compositor cubano José Víctor Gavilondo,  y un mimético vestuario emplumado con máscaras diseñado por Marta Gil y la propia coreógrafa.

Algunos dúos y solos, dejaron ver los incipientes talentos histriónicos de los bailarines. Tal fue el caso de “A Buenos Aires” un dúo del coreógrafo argentino Gustavo Mollajoli (fallecido recientemente) con el eficaz soporte musical de una brillante obra de Astor Piazzola, bailado con pasión por Brian Pérez y Amisaday Naara, quien reapareció posteriormente en un solo de su autoría, “Adiós”, sobre una inigualable interpretación por el chansonier Bola de Nieve.

Otro dúo contemporáneo, “Border”, incursionó sobre temas de la realidad latinoamericana, con apropiada música por Wardruna, contando con los talentos de Jenifer Suárez y Héctor Rodríguez, también autor de esta miniatura coreográfica. Entre los solos masculinos que se destacaron: el neoclásico “Invierno”, bailado con poderío y musicalidad por su autor Jonatas Soares, con el seductor empleo de esta sección de la conocida suite “Las cuatro estaciones” de Antonio Vivaldi.

Completaron el programa de 60 minutos con una breve pausa, la variación masculina del pas de deux “Don Quijote” de Marius Petipa en la versión de Alexander Gorski, con música de Ludwig Minkus bailada por el juvenil Daniel José Pérz; el solo de “Arlequinada” de Peter Gusev con música de Riccardo Drigo, ejecutado por Brandis Martínez, y el infaltable pas de deux “Las llamas de París”, de Vasily Vainonen con música de Boris Azafiev, en un verdadero tour de force realizado por Mariona Roger y Leandro Fernández.

El talento está allí. La madurez y el refinamiento técnico, así como mayor seguridad y confianza en el baile de parejas, se conseguirá con la constante dedicación en el trabajo cotidiano, en los salones de clase, bajo la rigurosa supervisión de los profesores. Tal vez, para algunos, esta fue una prematura presentación escénica, otros la valoran como un reto positivo.

Jenifer Suárez y Héctor Rodríguez interpretaron un dúo contemporáneo, “Border”, sobre temas de la realidad latinoamericana. Foto: Yuri Norido. Gentileza AD.