María Pagés y el escritor El Arbi El Harti debutan en México con el montaje “Yo, Carmen”, obra que pretende desarmar los estereotipos creados a lo largo de los siglos. Foto: David Ruano. Gentileza INBA.

Cuando María Pagés y el escritor El Arbi El Harti pensaron en la creación del montaje “Yo, Carmen”, no quisieron hacer una revisión del célebre personaje de la ópera de Georges Bizet. Ellos quisieron ahondar en la empatía femenina para situarse como la voz de una mujer que se alza con fuerza ante todos, nítida y contundente, para expresar la realidad que afronta y construye el alma femenina y los contextos donde se desenvuelve. “Yo, Carmen”, cuyo personaje es colectivo, aspira a ser la voz de todas las mujeres, sin subterfugios, sin dobleces heredados, sin miedos ni connotaciones construidas por la mirada patriarcal.

Tal es la reflexión que dio vida a este espectacular montaje que la prestigiosa Compañía María Pagés presentará en nuestro país el jueves 6 de septiembre, a las 20:00 horas, en el Palacio de Bellas Artes.

Con esta presentación culmina la Temporada de Danza 2018 programada en este recinto de mármol, la cual incluyó doce propuestas dancísticas nacionales e internacionales que protagonizaron un gran movimiento desde el mes de junio.

Sobre el origen de la pieza “Yo, Carmen” hay que destacar que a la maestra Pagés siempre le ha atraído el personaje de Carmen, pero también siempre ha sentido algo de reparo intuitivo respecto al relato. Por esta razón llevaba años reflexionando en dicho personaje desde su posición de mujer española y andaluza, pero también desde la creadora amante de la belleza de una de las mejores óperas de la historia.

En ese sentido, el personaje creado por Bizet sólo sirvió a Pagés como punto de partida para montar un espectáculo que lo que pretende es desarmar los estereotipos creados, mantenidos e inculcados a lo largo de los siglos, para silenciar la esencia de las mujeres reales. Se presenta a una mujer acompañada de mujeres, quienes hablan de otras féminas y las mil y una aristas que las conforman y las sostienen.

En la coreografía de “Yo, Carmen”, la composición de la música flamenca original es de Rubén Levaniegos, Sergio Ménem y David Moñiz. Foto: David Ruano. Gentileza INBA.

La bailarina y coreógrafa narra en escena una aventura genuinamente femenina, en diez cuadros, integrados por seis bailaoras y ocho músicos en directo, flamencos y clásicos. El dramaturgo de la pieza y también codirector de la compañía, El Arbi El Harti, explicó que, en “Yo, Carmen”, la mujer abre su emoción e inteligencia, como si de un abanico se tratara:

“En una narración potente, a través de solos y coreografías corales, artesanalmente hiladas, expresa su conocimiento y contradicciones, sus amores y desamores, su fuerza y fragilidad, su inseguridad e insatisfacciones, su soledad, su sensualidad, la igualdad aún no alcanzada, la maternidad.  La voz femenina reflexiona la rebeldía ante el maltrato femenino, las dependencias como consecuencia de un sometimiento ancestral, respecto a los cánones sociales, las tradiciones, las religiones o las nuevas creencias, como la moda, la publicidad o la propia libertad”, señaló El Arbi, compañero de vida y de profesión de la coreógrafa.

Por lo que se refiere a la parte musical, Pagés centró su trabajo en cuatro niveles: las músicas que inspiraron a Bizet, la propia partitura de la ópera, la reinterpretación y adaptación de algunos fragmentos clásicos en clave flamenca y, por último, la composición de la música flamenca original creada por Rubén Levaniegos, junto a Sergio Ménem y David Moñiz.

Larga y fructífera es la trayectoria de María Pagés. Sobresalen sus inicios en la compañía de Antonio Gades, al que considera su maestro indiscutible. En 2002 recibió el Premio Nacional a la Creación y en el 2014 se le concedió la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes en España. En su extensa carrera coreográfica, la Bienal de Flamenco de Sevilla le ha concedido diez Giraldillos considerados como los Oscars del mundo del flamenco. En 1990 creó Compañía María Pagés y desde esa fecha ha producido innumerables piezas. Ha colaborado con Mikhail Baryshnikov, Sidi Larbi Cherkaoui, Tamara Rojo, Ángel Corella, Plácido Domingo, José Saramago y Oscar Niemeyer, entre otros. Su compañía ha sido invitada a pisar los escenarios más importantes de países como Inglaterra, Francia, Rusia, Alemania, Italia, Japón, Hong Kong, Canadá, España y Colombia. A través de ARTEDEA, asociación fundada por la coreógrafa, desarrolla una intensa actividad solidaria y formativa, tanto en España como en otros países, como India, Mozambique, México, Panamá, Japón, Honduras y Marruecos.

Hannah O’Neill y Alicia Amatriain compartieron el Benois a la Mejor Bailarina, en la ceremonia que tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de Moscú, el 17 de mayo. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El Teatro Bolshoi de Moscú acogió el 17 de mayo, la ceremonia de entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse. Instituidos en 1992 por la Unión Internacional de la Danza, estos galardones son considerados los ‘Óscar’ del ballet. “Realmente es muy gratificante cuando la gente considera que el Benois es la distinción más alta en el mundo del ballet”, asegura Nina Loory, cofundadora y directora artística del certamen.

Jason Reilly y Alicia Amatriain, ambos bailarines del Stuttgart Ballet, en la entrega de los XXIV Premios Benois de la Danse, en el Teatro Bolshoi de Moscú. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El jurado estuvo presidido por el legendario Yuri Grigorovich, quien celebrará sus 90 calendarios, el próximo 2 de enero y en cuyo homenaje también se está organizando un festival. Además de Grigorovich, formaron parte del jurado José Carlos Martínez (director de la Compañía Nacional de Danza), Marie-Agnès Gillot (Étoile del Ballet de la Ópera de París), Johannes Öhman (director artístico del Real Ballet de Suecia), Xiao Suhua (coreógrafo y profesor del departamento de coreografía de la Beijing Dance Academy), Elisabetta Terabust (estrella italiana del ballet), Yury Fateyev (Mariinsky Ballet) y Linda Shelton (directora ejecutiva de la Fundación del Joyce Theater, en Nueva York).

La ceremonia de entrega quiso revestirse de toda la pompa y solemnidad predicables de uno de los mayores templos del ballet, el mítico Teatro Bolshoi. Como si fuera una mezcla de un acto versallesco con chambelán incluido y una moderna imitación de los galardones más cinematográficos con los videos presentación de cada uno de los candidatos, el acto se alargó en exceso –tanto como sesenta minutos de reloj- y más siendo el prólogo de la gala de nominados, con una duración de tres horas. De cualquiera de las maneras, lo realmente interesante fue el palmarés en el que se aplicó dos veces el juicio salomónico para conceder dos distinciones.

La categoría de mejor coreógrafo aupó a Yuri Possokhov por su creación “Hero of our time” para el Bolshoi Ballet, y a Johan Inger, por sus obras “Carmen” para la Compañía Nacional de Danza y “One on One” para Nederlands Dans Theater.  Como mejor bailarín despuntó el coreano Kim Kimin (Mariinsky Ballet) por sus interpretaciones de “La Bayadère” y “Schéhérazade”.

Octavo para España

Alicia Amatriain y José Carlos Martínez, director de la Compañía Nacional de Danza de España. Foto gentileza Iratxe de Arantzibia.

El jurado otorgó el Benois a la ‘Mejor Bailarina’ ex aequo a Alicia Amatriain (Stuttgart Ballet), por sus magistrales interpretaciones en “Un tranvía llamado deseo”, con coreografía de John Neumeier, y “The soldier’s tale”, creada por Demis Volpi; y a Hannah O’Neill (Ballet de la Ópera de París), por “Paquita”. “En el caso de ‘Un tranvía llamado deseo’, el reto fue entender a Blanche DuBois y cómo reacciona esa mujer. Es una persona muy compleja que ha sufrido durante toda su vida. Técnicamente, no tiene una coda de 32 fouettés, pero para conseguir que el público entienda su drama, la técnica debe pasar desapercibida”, confesó la intérprete donostiarra. Gracias a la creación del rol del demonio ‘The soldier’s tale’, Amatriain se convirtió en la primera artista española en recibir el der Faust, el pasado mes de noviembre. “Fue un papel muy difícil y físicamente muy duro, que me ha traído muchas alegrías. No puedes salirte del personaje en ningún momento, ya que se perdería la ilusión de la animalidad”.

La artista vasca pone así broche de oro a una temporada prolífica en premios que se inició en septiembre del año pasado con su nombramiento como ‘Kammertänzerin’ –Bailarina de Cámara- del estado de Baden-Württemberg. En su discurso, palabras de agradecimiento para el Stuttgart Ballet, “su casa”, y John Neumeier “por la oportunidad de interpretar este personaje tan complicado que es Blanche DuBois”. De esta manera, Amatriain se alza con el octavo ‘óscar’ del ballet español, tras los intérpretes Ángel Corella (2000), Joaquín de Luz (2009) y Fernando Romero (2011), las bailarinas Lucía Lacarra (2003) y Tamara Rojo (2008), y los coreógrafos Nacho Duato (2000) y José Carlos Martínez (2009).

El premio a la mejor escenografía recayó en Ren Dongsheng por “Emperor Yu Li” de la Beijing Dance Academy. Fuera de las categorías a concurso, John Neumeier recibió el Benois en homenaje a toda su carrera, de manos del mismísimo Yuri Grigorich, y glosó su relación con Rusia, en su discurso. De hecho, la presencia del repertorio de Neumeier fue amplia tanto en la gala de nominados (17 de mayo) como en la gala de laureados (18 de mayo), estando esta última orientada a recordar el 400 aniversario del fallecimiento de William Shakespeare, para lo que se programaron pasos a dos de ballets inspirados en sus obras.

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El teatro también baila

El ABT anunció cambios y ascensos en sus filas, y promociones de Solistas y Principales. Foto: Rosalie O’Connor. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Al finalizar la temporada primavera-verano de 2015, Kevin McKenzie, director artístico del American Ballet Theater (ABT) anunció varias promociones que sucederán a partir de septiembre de este mismo año.

Después de 25 años con el ABT, Julie Kent se despidió de la compañía el 20 de junio en el Met. Foto: Marty Sohl. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Dos privilegiadas subieron un escalón para convertirse en Principales, e igualmente, hubo varios nuevos Solistas. Las Principales son Stella Abrera, y Misty Copeland. Otros dos nombres se incorporan a la compañía como principales, Maria Kochetkova, que acaba de dejar el San Francisco Ballet, y Alban Lendorf, hasta ahora, Principal del Royal Danish Ballet.

Y entre los Solistas,  además de Skylar Brandt, Thomas Forster, Arron Scott y Cassandra Trenary, el nombre de Luciana Paris brilla por lo que siempre muestra en el escenario, que la hace  merecedora de la promoción, y que a esta altura de su carrera, ya deberían haberla ascendido a principal hace varios años. No por antigüedad sino por méritos propios y por tesón de trabajo.

Luciana Paris, ascendida a Solista del ABT, brilla por lo que siempre muestra en el escenario. Foto: Lucas Chilczuk. Gentileza Luciana Paris.

Copeland ha sabido aprovechar muy bien su futuro estrellato apareciendo constantemente en la televisión, en medios gráficos y en la radio. Una campaña publicitaria que comenzó el año pasado, casi al final de la temporada del ABT en el Metropolitan Opera House, con el lanzamiento de su autobiografía, “Life in Motion” (Ver Danzahoy ) y su aparición en varios medios de prensa. Momento que sirvió también para que Copeland reciba varios premios y distinciones por su trayectoria y su esfuerzo por vencer la adversidad de una vida azarosa.

Se ve muy bien que tiene una-un agente que sabe qué puerta tocar, pues no solamente estuvo en  las  noticias de última hora anunciando su ascenso, sino también en programas como “The View” dirigido por Whoopie Goldberg. Allí le echó mano a la muy usada y peligrosa carta racial, que no necesita comentario ni entra en discusión.

A los 36 años, Misty Copeland, asumirá roles de Principal en el ABT a partir de la temporada 2015-2016. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Copeland ha llegado a la categoría de Principal a los 36 años, una edad en la que ya muchas bailarinas empiezan a pensar en el retiro. Y poco es el tiempo que le queda para ser considerada “estrella”. Algo diferente a lo que ella ha conseguido.

Por lo contrario, Abrera no ha buscado publicidad sino que parece se ha quedado tranquila,  esperando poder gozar de su nueva posición cuando comience la corta temporada del próximo otoño. Si bien es cierto que hace largo tiempo que la bailarina viene esperando este ascenso.

Por ese tema viene a la mente una bailarina Rusa, Veronica Part, de alta estatura y bastante peso que sorprendió a todos los que les interesa el ballet cuando la hicieron Principal. Muy pocos bailarines del elenco podían cargarla, pero hay que recordar un dicho que explica lo siguiente: “Suerte te de  Dios porque  el saber nada te vale”. Part tuvo un magnífico padrino en Sergei Ratmansky, coreógrafo y artista en residencia del ABT, y ruso como ella.

Las que se fueron

Este final de temporada marcó también el retiro de tres bailarinas Principales que hicieron época en la compañía y colaboraron para darle el brillo y el prestigio internacional que hasta hoy tiene. Dos de ellas fueron “casi” obligadas a colgar las zapatillas: la cubana Xiomara Reyes y Julie Kent. Paloma Herrera ya había anunciado su retiro al cumplir sus 20 años con el ABT. Y si bien no le dejaron escoger la obra para su despedida, la bailarina optó por una función de “Giselle”, en la matiné.

Paloma Herrera anunció su retiro en 2014 y se despidió del Met y del ABT el 27 de mayo de 2015. Foto: Gene Schiavonne. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

“Yo no soy un ballet, yo no soy una función. Yo soy toda una carrera -manifestó en una entrevista-. Por eso dije: ¿no hay otra opción? Pues tengo que cerrar con ‘Giselle’”. Es una ética, es una forma de vida”. Y también remarcó durante varias entrevistas: “Si yo no doy el ejemplo, ¿quién lo va a dar? Uno hace una carrera así por lo verdadero que uno quiere, no por el glamur, por la fiesta, por estar en los medios o por querer ser famoso. Yo amo lo que hago y es lo único que me importó siempre. Así me voy a ir”.

La bailarina argentina fue la primera latina en llegar a ser principal a los 19 años. Y en aquel momento, no hubo un campaña publicitaria, ni agente de prensa que la llevara a todos los canales de televisión, ya que por entonces los latinos eran minoría y también tenían un espacio relegado.

Herrera formó parte de la generación de José Manuel Carreño y Ángel Corella, a los que se sumaron luego Xiomara Reyes, Marcelo Gomes, Herman Cornejo, Carmen Corella, Erica Cornejo, la uruguaya María Riccetto y Luciana Paris. Todos ellos compartieron escena con otros grandes como Ethan Stiefel, Vladimir Malahkov, Nina Ananiashvili, Alessandra Ferri. Y el ABT era “la Meca” de muchos bailarines del mundo.

Una de las favoritas del público, Xiomara Reyes, dejó el ABT, el 27 de mayo. Junto a Herman Cornejo en “Don Quijote”. Foto: MIRA. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

El mismo día de la despedida de Herrera, y con el mismo ballet, “Giselle”, Reyes dejó el ABT por la noche. Con dolor y resignación.

Una mano muy fuerte dio el empujón final también a Kent, que aunque tenía la edad como para retirarse, y ya estaba pensando en cuándo sería el momento, aun lo que bailaba lo hacía con extrema gracia y seguridad. Respecto a Reyes, aun le faltaban unos años para decir adiós a un público que la adoraba.

Pero citando otro dicho: “así son las cosas y basta”. Ya el tiempo lo dirá qué pasará con este barco al que la directora ejecutiva, y capitana, Rachel Moore, acaba de abandonar para convertirse en la CEO del The Music Center de Los Ángeles, California. Un cambio que podría resultar oportuno para ella, y de dudoso beneficio para el ABT que ahora tendrá que navegar con menos tripulantes y muy pocos avezados.

El último saludo de Julie Kent en el Met, el sábado 20 de junio durante su despedida del ABT. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

Julie Kent, una de las tres heroínas de las últimas dos décadas del American Ballet Theatre (ABT), el sábado 20 de junio dijo “adiós” a la compañía con la que bailó durante 29 años. Y también, al escenario del Metropolitan Opera House de Nueva York, sede de la temporada de primavera del ensamble dirigido por Kevin McKenzie.

Para su despedida Kent escogió una de las obras clave de su repertorio, “Romeo y Julieta”, de Kenneth MacMillan, estrenada por el Royal Ballet of London en 1965 y por el ABT en 1985. La bailarina, que fue la primera estadounidense en recibir el Benois de la Dance, eligió al italiano Roberto Bolle como su Romeo.

Semanas atrás, Bolle fue también partenaire de Paloma Herrera, otra de las grandes heroínas que se despidió este año del ABT, y de Aurelie Dupont, cuando se retiró del Ballet de la Opera de París. Un bailarín excepcional que logra combinar una técnica impecable con una asombrosa, contagiosa y conmovedora intensidad actoral, y cualidades superlativas como partenaire.

A teatro lleno, se alcanzaba a escuchar en la platea: “mi Julie”, “mi pequeña Julie”, “ella es maravillosa”, “la vamos a extrañar”… Y una emoción incontenible explotó en el primer acto -en su primera aparición en escena-, con un aplauso prolongado que no dejaba escuchar la música, y al final, durante más de 20 minutos.

Kent comenzó su preparación con Hortensia Fonseca en la Academy of the Maryland Youth Ballet. Asistió a la segunda temporada de verano del ABT y a la School of American Ballet antes de unirse al ABT como aprendiz en 1985. En 1987, estelarizó la película “Dancers” con Mikhail Baryshnikov. En 1990 fue promovida al rango de solista de la compañía y a principal en 1993. Toda una vida con el ABT.

Kent y Bolle supieron narrar esta maravillosa historia de amor y odio, pintada con la maestría de Shakespeare, y por la increíble sensibilidad de MacMillan. Encarnar a estos personajes simbólicos que han quedado en la memoria colectiva como ideales del amor es un reto permanente para cualquier bailarín, dado que implica un desafío técnico y al mismo tiempo, interpretativo.

MacMillan hace transitar al cuerpo de baile con elocuencia y propone escenas intensas marcadas por la melodía incomparable de Sergei Prokofiev. Pero es en los bellos los pas de deux donde los bailarines principales juegan entre la danza y el dilema de esos dos jóvenes, víctimas del odio y el resentimiento de las familias. Kent y Bolle, se internaron en estos entrañables y trágicos personajes con absoluta y delicada sutileza e intensidad.

El primer acto, en la plaza de Verona: el enfrentamiento de Montescos y Capuletos. Un conflicto que se plantea a través de las figuras de Romeo, Mercutio (un magnífico Herman Cornejo), Benvolio (Blaine Hoven) y Tibaldo (Patrick Ogle), sobrino de los Capuletos.

Mientras que Julieta -en la segunda escena del primer acto-, con la Nodriza (Susan Jones), muestra a Kent encantadora y fresca. La adolescente juega con una muñeca semejante a la que, al final de la función, llegó de manos de un espectador y la bailarina se la entregó a su pequeña hija Josephine.

El Romeo de Bolle, cuyos saltos y giros precisos y seguros muestran su solidez como bailarín, adquiere un especial magnetismo y compone un personaje del que cualquier Julieta se enamoraría.

Pero más allá del trabajo de la pareja principal, en esta despedida de Kent, el Mercutio de Cornejo adquirió un protagonismo especial que despertó ovaciones en cada una de sus variaciones. Sus impecables saltos, su musicalidad, su técnica y su interpretación se convirtieron en algo memorable dentro de esta noche inolvidable.

El cuerpo de baile lució preciso en las danzas de palacio, con un vestuario bello, sobrio y atractivo creado por Nicholas Georgiadis, también responsable de la escenografía.

Luciana Paris, una bailarina con de amplio rango, se destacó especialmente en el trío de las prostitutas con un trabajo seductor y encantador, y con una descollante de energía que la distinguía de sus compañeras.

Kent y Bolle, en la crucial escena de El balcón lucieron impecables. Bolle, partenaire sólido e intérprete encantador, supo ensamblarse a Kent con apasionamiento y candor. Un encuentro en el que ambos mantuvieron perfección técnica y tocaron el corazón.

Roberto Bolle y Julie Kent del ABT en “Romeo y Julieta” de Kenneth MacMillan, en el Met de Nueva York. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

Con mayor dramatismo e igual desafío técnico, MacMillan recrea su pas de deux del dormitorio, en la última y primera noche que los jóvenes pasan juntos antes de que Romeo sea condenado al destierro, y antes también, de la tragedia final. Kent y Bolle, nuevamente, marcaron la intensidad de este momento. Al igual que en el pas de deux en la cripta de los Capuletos, donde Romeo, en su desesperación, baila con Julieta inerte.

Cuando cayó el telón, una ovación tronó en la sala y una lluvia de flores llego desde la platea y desde el escenario. Por allí comenzaron a desfilar uno a uno sus compañeros de ruta, mientras Kent dejaba aflorar su incontenible emoción.

Alessandra Ferri, Paloma Herrera, Irina Kolpakova, Natalia Makarova, Xiomara Reyes, y bailarinas solistas y del cuerpo de baile de la compañía subieron a escena para el último adiós. También lo hicieron sus antiguos partenaires, José Manuel Carreño, Ángel Corella, Marcelo Gomes, David Hallberg y Robert Hill, y su director, Kevin McKenzie. Casi al final, Victor Barbee, su esposo y director asistente de la compañía, y sus dos hijos, William y Josephine, a abrazaron a Julie Kent, contagiados por sus lágrimas. Antes de que se cerrara definitivamente el telón, Kent corrió hacia la platea y lanzó tres enormes besos como tratando de alcanzar a cada uno de los espectadores que esa noche la acompañaron en su despedida.

Al caer el telón, el teatro estalló en aplausos para honrar a Xiomara Reyes, y comenzaron a desfilar sus compañeros de la compañía y sus maestros. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

La conocida ballerina cubana Xiomara Reyes del American Ballet Theatre (ABT) deja antes de lo esperado su exitosa carrera en los Estados Unidos. Sin embargo, quizás no pasará mucho tiempo sin que aparezca de nuevo en otro escenario.

“Giselle”, ballet escogido para bajar el telón es excelente para Reyes por su apariencia juvenil y sencilla. El ABT tiene a este ballet en su repertorio desde 1946 cuando la gran Alicia Markova convirtió a “Giselle” en una verdadera joya por la intensidad en que se transformó la escena de la locura.

Reyes, que comenzó su carrera profesional en 1990, ingresó al ABT en 2001 y fue principal en 2003. En su Giselle, tuvo como partenaire en su despedida del 27 de mayo en el Metropolitan Opera House de Nueva York, a su casi permanente compañero de ruta, el argentino Herman Cornejo.

Su Giselle fue extraordinaria, brillante y dulce en el primer acto. Cornejo, por su parte, contribuyó a que este rol tuviera mayor impulso. Fue un partenaire magnífico. El bailarín, que ha sido partenaire de muchas bailarinas del conjunto, fue con Reyes con quien construyó una de las mejores parejas de baile a lo largo de estos años. Ambos hicieron clásicos inolvidables.

En esta “Giselle”, Reyes supo poner sus cualidades mejores, especialmente en los maravillosos pas de bourréee que parecía que no tocaba el suelo, y en la limpieza de los pasos que daban la sensación de que llegaría a las alturas.

En la escena de los campesinos del acto primero, una de las parejas se destacó especialmente, Sarah Lane y Joseph Gorak. Este último es poseedor de magníficas piernas y de excelente ejecución.

Herman Cornejo y Xiomara Reyes en “Giselle”, función de despedida del 27 de mayo en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

La música de Adolphe Adam sobre la que se basan los movimientos originales de Jean Coralli y Jules Perrolt, fue revisada por Marius Petipa y se estrenó en 1841 la Ópera de París. Esta versión del ABT, lleva puesta de su director, Kevin McKenzie.

Las Willis, veinte jóvenes que mueren sin realizar su sueño de amor, aparecen en la escena del segundo acto en el cementerio, y la igualdad de sus movimientos alcanzan la perfección y hacen de la escena un cuadro de belleza impresionante. Myrta, su reina, protagonizada por Stella Abrera, acompaña con solidez este magnífico cuadro. Hilarion, Patrick Ogle, cazador de la villa y también enamorado de Giselle, perece a manos de las vengativas Willis cuando va a la tumba de la campesina a solicitar su perdón.

Giselle también emerge de su tumba para salvar a su amado Albrecht, que ha llegado con un ramo de flores a solicitar su perdón por haberla engañado. El espíritu de la joven logra que Myrta lo perdone. Y pronto Albrecht queda solo en la escena con sus tristes recuerdos y su arrepentimiento final.

La emoción se percibía en los ojos húmedos de los espectadores. Y hubo aplausos y flores a granel cuando Reyes salió a saludar ante un público que no quería dejarla ir ni ahora ni nunca.

Al caer el telón, el teatro estalló en aplausos y comenzaron a desfilar sus compañeros de la compañía y sus maestros. Nina Ananiashvili, Ángel Corella, Marcelo Gomes, David Hallberg, Julie Kent, Irina Kolpakova, Gillian Murphy, el coreógrafo Alexei Ratmansky y McKenzie depositaron sus ramos de flores sobre el escenario. Y el cuerpo de baile llegó con una flor blanca para esta bailarina que, con su retiro y el de Herrera, parece empezar a cerrar el ciclo de los hispanos en el ABT.

Una lluvia de flores, lágrimas, abrazos y reverencias para la despedida de Paloma herrera del ABT en el Met. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Cuando Paloma Herrera anunció el año pasado que 2015 sería su último año como bailarina, quedó un profundo silencio contenido. Y de alguna manera, dio paso a pensar que se estaba extinguiendo una generación de bailarines que hicieron honor a la profesión y a la cultura del trabajo, más allá del arte y de los dones naturales.

A teatro lleno, Herrera dejó su último suspiro en el escenario del Metropolitan Opera House de Nueva York el 27 de mayo, y se fue, quizás, en el mejor momento de su carrera. También cerró su última temporada con el American Ballet Theatre (ABT), compañía donde creció y se formó como profesional desde los 15 años.

La audiencia, vio la última “Giselle” de Paloma Herrera, junto al italiano Roberto Bolle. Una “Giselle” que quedará en la retina, en el corazón y debajo de la piel de cada uno de los espectadores.

Así como en 2007 Bolle acompañó en su despedida del Metropolitan a Alessandra Ferri, y como hace pocas semanas fue partenaire de Aurelie Dupont en su adiós al Ballet de la Opera de París, esta vez, fue el elegido de Herrera.

Paloma Herrera y Roberto Bolle, protagonistas de “Giselle”, en la función del 27 de mayo, matiné. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Y si la “Giselle” del año anterior con Cory Stearns fue memorable, la “Giselle” con Bolle fue, sencillamente, gloriosa. De esas funciones que se convierten en algo inolvidable, y donde las emociones, también son inolvidables. Una bella y sutil mezcla de arte, perfección técnica y talento.

En su Giselle, Herrera supo encontrar la frescura de una campesina enamorada, y la locura más desoladora cuando advirtió, a través de Hilarion, el engaño de su amado. Terrenal, y etérea al convertirse en espíritu, la bailarina se sumergió dentro de su alma y desde allí dejó surgir a su Giselle.

El Albrecht de Bolle jugó como un adolescente en la primera parte hasta tomar conciencia del drama de la muerte de su amada. Y en la segunda, magnífico partenaire y hombre desesperado por la pérdida, cargó su culpa hasta la tumba de Giselle. Herrera y Bolle parecían respirar juntos en cada movimiento, en cada pasaje del pas de deux del acto blanco. Si hubiera una palabra que superara a “perfección”, ésa sería la que más se adaptaría a una descripción verbal.

Las imágenes que ambos bailarines lograron juntos, se quedarán en la memoria para siempre. Y más aún, los intensos y conmovedores sollozos de Bolle al caer desolado sobre las flores blancas que había depositado ante la tumba de su amada.

Bolle es uno de esos intérpretes que posee el porte justo para este personaje. Es un actor intenso, y un bailarín con estilo, líneas admirables, y técnica es impecable. Particularmente en aquella tarde, hizo un despliegue técnico asombroso con su serie de seis entrechats, que difícilmente haya superado algún otro bailarín.

Herrera deslizó con sutileza su delicada musicalidad, su cuidadoso trabajo de puntas con esos maravillosos pies, así como su indeleble port de bras. Su escena de la locura logró una intensidad veraz y arrolladora. Y sus variaciones, tanto en el primer acto como en el segundo, despertaron ovaciones sostenidas. Tierna y enamorada, Herrera, mostró, una vez más su impecable técnica, cuidada, depurada al máximo. Sólida, y casi transparente, en el acto blanco marcó sus perfectos equilibrios.

Bolle parece ser el elegido por las grandes bailarinas al retirarse. Hace algunas semanas acompañó a Aurelie Dupond en su despedida del Ballet de la Opera de Paris, y en 2007, lo hizo en el Met con la inolvidable Alessandra Ferri. Bailarín impecable, limpio, con un porte atractivo y una madurez actoral importante para este tipo de roles.

Ambos se robaron la escena con su magnetismo y su impecable trabajo. De haber bailado más tiempo juntos, se hubieran convertido en una de las inolvidables parejas de la historia de la danza. Y si existiera la pareja perfecta, ésta lo sería.

La versión del ABT, con puesta en escena del director de la compañía, Kevin McKenzie, permite un desarrollo especial de sus personajes secundarios, que no siempre aparece en otras versiones. Sin embargo, en aquella tarde, la intensidad de los protagonistas obnubiló el resto de una puesta equilibrada y bella.

Hilarion, encarado en esta oportunidad por Thomas Forster, al igual que en la función de 2014 con Herrera-Stearn, combina con acierto la actuación sin exageraciones y su calidad como bailarín.

No obstante, hubo otros bailarines que quisieron compartir esta última función de “Paloma”, como le gritaba, incansable, el público desde la platea. La argentina Luciana Paris, que a la noche hizo Moyna, en la función de despedida de Xiomara Reyes, fue Bathilde, la prometida de Albrecht que descubre, con indignación, la traición del conde con Giselle. Paris, además de ser una excelente bailarina –que merecería salir alguna vez de cuerpo de baile, ya que asume desde hace tiempo roles de solista–, también es una magnífica actriz. Y puso indignación y arrogancia a esta Bathilde, que generalmente, aparece desdibujada.

La indiscutible ballet mistress Susana Jones, también dio el presente en esta despedida como Berthe, la madre de Giselle. Al igual que Victor Barbee (Príncipe de Courland), director artístico asociado de la compañía y esposo de Julie Kent, otra de las tres grandes del ABT que se retira este año.

El cuerpo de baile hizo un bello acto  blanco, especialmente en la escena en que las Willis se desplazan al unísono, en arabesque penche. Skyliar Brandt, una joven y delicada bailarina, protagonizó un interesante pas de deux en el pas de paisanos. No así Arron Scott, su compañero, que marcó ciertas desprolijidades en los cierres.

Cuando terminó la función, el teatro se vino abajo en aplausos, flores que volaban desde la platea al escenario, pétalos que caían desde el techo, mientras cada una de las bailarinas del cuerpo de baile llevaba una flor blanca a los pies de Herrera. Uno a uno, sus compañeros, sus partenaires de muchos años, su preparadora, Irina Kolpakova, Natalia Makarova, y su entrañable compañero de ruta, Ángel Corella, actual director del Pennsylvania Ballet, depositaron un enorme ramo de flores a los pies de la bailarina que, a esa altura, no podía contener su emoción. Y para el final, su madre, con un ramo de rosas blancas.

Detrás de la escena

“La danza del ritual del fuego” es uno de los instantes destacados de “El amor brujo”, de Victor Ullate. Fotografía: Javier del Real/ Teatro Real de Madrid

Conmemorar el centenario del estreno de la primera versión de “El amor brujo” –Teatro Lara de Madrid, 15 de abril de 1915–  fue la iniciativa que el Teatro Real de la capital española llevó a cabo, a medio camino entre los últimos días del año recién expirado y los primeros de este reluciente calendario. Víctor Ullate fue el elegido para semejante tarea, para la que realizó una nueva versión de la primigenia coreografía estrenada por su compañía en la Maestranza de Sevilla, el 28 de mayo de 1994. Gran reto para el zaragozano revisitar un trabajo suyo con dos décadas de existencia y, a la par, ofrecer una producción de gran factura en lo técnico para un magno escenario como es el Teatro Real de Madrid.

“El amor brujo” narra la historia de amor entre Carmelo y la gitana Candelas, perseguida por el espíritu de José, su antiguo novio. Para librarse del espectro y sabedor de su gusto por el coqueteo, Carmelo trama una argucia: anima a Lucía a seducir al difunto, momento en que los amantes sellan su amor con un beso que desarma el sortilegio.

Los orígenes de esta obra tienen algo de azaroso, ya que, al parecer, fue Rosario ‘La Mejorana’, madre de la cantante, bailaora y coreógrafa Pastora Imperio (1887-1979) –la primera Candelas–, quien le pidió al compositor Manuel de Falla (1876-1946) “un cante y un baile”. El libreto de Gregorio Martínez Sierra (1881-1947) –cuya autoría se discute y atribuye a su esposa, María de la O Lejárraga (1874-1974)– también parece provenir de una antigua leyenda popular narrada por la madre de la artista al dramaturgo. Sin embargo, su estreno se saldó con un fracaso, no tornándose en un éxito hasta 1925 cuando Antonia Mercé, ‘La Argentina’, interpretó “El amor brujo” en el parisino Trianon-Lyrique, con la segunda versión remozada de la partitura de Falla. De París a Londres, donde Antonio Ruiz Soler, ‘El Bailarín’, presentó su lectura en el Saville Theatre en 1955.

En su época de bailarín, Víctor Ullate realizó sus primeras incursiones profesionales de la mano de Antonio ‘El Bailarín’, siendo el Ballet del Siglo XX de Maurice Béjart donde despuntó profesionalmente. Ya convertido en director y en coreógrafo, esas dos raíces –lo español y lo bejartino- han ido floreciendo en sus diferentes creaciones. Dice el tango que “veinte años no es nada”, pero lo cierto es que la propia compañía de Ullate en dos décadas no tiene mucho que ver: de provenir todos sus componentes de la escuela – donde se formaron e hicieron sus pinitos ilustres estrellas mundiales como Ángel Corella, Tamara Rojo, Lucía Lacarra, Igor Yebra, Joaquín de Luz y un largo etcétera–  a ser una compañía internacional.

La nueva versión de Víctor Ullate ha querido primar el fuego fatuo. Foto: Javier del Real. Gentileza Teatro Real

Ello ha supuesto que el ADN de la formación ha mutado, por lo que, en esencia y salvo en algunos cuadros escénicos, parece que se trata de dos compañías y de dos obras diferentes. Además, esta nueva producción también incluye una novedad poco afortunada, a saber, la intercalación de fragmentos del grupo dark ambience In Slaughter Natives, sobre el original de Falla, al que ya se había incluido arreglos de Luis Delgado para la lectura de 1994. Eso sí, la partitura de Falla está bien interpretada por la Orquesta Titular del Teatro Real, bajo la batuta del maestro Josep Vicent. También se han renovado vestuario e iluminación.

Una aportación interesante de esta producción de “El amor brujo” es la participación de la cantante Estrella Morente, poniendo voz, jondura y arte al espectáculo. La presencia de Morente en escena es poderosa y rotunda, eclipsando su fuerte personalidad, en ocasiones, al componente danzado. Ullate sabe del temperamento de la cantante granadina y exprime sus posibilidades en escena, haciéndola partícipe de parte de la acción. Frente a ella, un cuerpo de baile bien temperado que desgrana la personal coreografía de Ullate, cuya principal raigambre es la danza contemporánea y con algunos toques flamencos, en los que luce Rubén Olmo, como bailaor invitado. En las escenas corales se percibe la influencia bejartina, por la manera de concebir geométricamente el grupo y la forma de moverlo sobre las tablas.

Quizás los momentos-cumbre esperables por el espectador sean “La danza del ritual del fuego” y “El círculo de fuego”. Sin embargo, son la negritud y oscuridad de los espectros las que se adueñan de la obra, desdibujando en parte la línea argumental y construyendo una suerte de infierno de vampiros de Halloween. Víctor Ullate quería primar el fuego fatuo y, sin embargo, parece que su lectura de “El amor brujo” está situada en pleno Hades. Pese a todo, una estrella ilumina la oscuridad del Averno, en esta personal lectura de Víctor Ullate sobre la obra ya centenaria.

Ángel Corella se retira del ABT con "El Lago de los Cisnes". Foto: Rosalie O'Connor. Gentileza ABT.

Para la penúltima semana de su temporada de primavera-verano, el afamado American Ballet Theatre (ABT), bajo la dirección de Kevin McKenzie, trajo  a la escena el no menos famoso “El lago de los cisnes”, versión de McKenzie –que data del año 2000–, sobre la coreografía original de Petipa e Ivanov, y la subyugadora música de Tchaikowsky.  Aprovechando la coyuntura, Ángel Corella (36), bailarín principal de la compañía, muy querido del público neoyorquino, decidió, con el rol de Sigfrido,  terminar su carrera con la compañía,  después de llevar  17 años en ella.

Los problemas surgidos en su compañía (antes llamada de Castilla y León, y ahora con el título de Barcelona Ballet) admitidos en declaraciones hechas a la prensa local de Cataluña por el propio Corella, parecen ser la causa mayor para esta decisión. Una pena enorme, no hay duda, especialmente después de haber recibido a través de los años, múltiples ovaciones del público de Nueva York, amén de buenas críticas durante todas sus actuaciones con el ABT, y especialmente en esta última, su despedida.

Abandonar la capital del mundo de la danza, y una compañía de la importtancia de  ABT, podría considerarse un grave error. Por otra parte, sacrificar su carrera de bailarín por dirigir una compañía, teniendo aún por delante varios años como primera figura, igualmente que crear un conjunto de ballet en la pecaria situación económica que embarga al mundo, merece el mismo calificativo.  Pero es su decisión  y sobran más comentarios.

Paloma Herrera y Ángel Corella en "El lago de los cines", el viernes 29 de junio. Noche de despedida. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

“El Lago de los Cisnes”, ha comprobado repetidamente ser el ballet preferido del público. En esta ocasión, Odette,  reina de los cisnes, y Odile, su doble personalidad, recayó en Paloma Herrera, primera figura de la compañía también desde hace varios años. Herrera y Corella hicieron juntos su debut como primeros bailarines, más de 15 años con “Don Quijote”, y desde entonces se convirtieron, juntos, en una de las duplas más famosas. Ambos bailarines tienen una larga historia juntos ya que fueron unos de los primeros hispanos que entraron a la compañía, y casi en la misma época.

Herrera es una bailarina que nunca desilusiona al público. Su técnica es segura y clara, además de poseer una musicalidad superior, unida a exquisita fluidez (ah… es0s sutiles aleteos de los brazos como si fueran las alas del cisne…) . Esa noche “se creció”, si cabe, y como la trágica Odette, subió vario escalones en su perfección, no solo técnicamente, sino en su interpretación dramática, que llevó consigo esta vez una sutil dosis de tragedia.

El rol de Sigfrido no da grandes oportunidades de lucimiento al bailarín, a excepción de la coda del famoso Pas de Deux de El Cisne Negro. A través de la obra  se reduce a ser un buen compañero, nada más, aunque en esta versión, hay algunos solos de menor envergadura que el bailarín sabe aprovechar.  Pero ante esta elección, muchos expertos se preguntaron: ¿Por qué no fue el Ali del “Corsario”, o el Basilio de “Don Quijote” el rol escogido para decir adiós a Nueva York? La respuesta quedó en el aire.

Corella, quizás emocionado por las circunstancias, no pareció prestarle mucha atención al rol. Como siempre, fue un magnífico partenaire, y sus variaciones estuvieron bien logradas, sin embargo, restaban la brillantez a la que el público está acostumbrado. No obstante, todas sus interpretaciones fueron aplaudidas delirantemente, no importaba si el momento era el oportuno. El numerosísimo público había ido a despedirlo y a demostrarle su ferviente aprobación. De esto  no quedó duda alguna.

Respecto al resto del reparto, en el Pas de Trois del primer acto, Hee Seo se destacó  junto a Melanie Hamrick y Gennadi Saveliev, que completaban el agradable grupo. Seo tiene magníficas piernas, alargadas y muy bien entrenadas, igual que seguridad en sus giros.  Saveliev regaló varios assemblés dobles en l´air, con terminaciones cerradas y correctas.

En el tercer acto, la variación de Jared Matthews, convertido en el elegante y maligno mago von Rothbart, merece una mención especial por la elegancia, a la vez que mala intención que llevaba. La creación de McKenzie en su versión de “Lago”, al convertir al maligno von Roth en dos personajes, un monstruoso animal con alas –a cargo de Vitali Krauchenska–, que se torna en el elegante caballero que lleva a Odile al baile de palacio, es uno de los mejores cambios añadidos a la obra.

El coro de cisnes, como siempre, tuvo una cohesión magnífica en sus movimientos, además de sus bailes, siempre muy bien logrados, entre los que  brilla el famoso Pas de Quatre, donde los pasos siguen exactamente el ritmo de la música.

La orquesta, bajo la dirección de Charles Barker, sonó mejor que nunca, especialmente en esas primeras notas del arpa y el oboe, que son como el maravillosa tema de la obra de Pyotr I. Tchaikowsky, genio como no ha habido otro, para la música de ballet.

El final, como todas las despedidas, fue casi apoteósico. El primer ramo de flores  depositado a los pies de Corella fue el bouquet que momentos antes le había sido entregado a Herrera. Después se centuplicaron las flores, que sus compañeros y amigos traían, invadiendo la escena para abrazar al bailarín madrileño y depositar ramos a sus pies. Muchas flores más fueron arrojadas por sus admiradores a la escena, desde las primeras filas de las lunetas.

En resumen, una noche de triste significado, pero de gran amor que podía sentirse entre las amplias paredes del estupendo recinto Metropolitano.

El Corella Ballet presentó su versión de "El Lago de los Cisnes" en Barcelona. Foto: Rosalie O'Connor. Gentileza CB.

Once años han transcurrido desde la última ocasión en la que el Gran Teatro del Liceo de Barcelona acogió el icónico ballet de “El lago de los cisnes”. Aquella vez el clásico de Petipa-Ivanov fue representado por el San Francisco Ballet y protagonizado por sus estrellas de aquel entonces: Lucía Lacarra y Cyril Pierre -actualmente ambos forman parte del Ballet de la Ópera de Munich-.

Precisamente otra figura bien conocida por el público norteamericano, Ángel Corella (American Ballet Theatre), recaló con su compañía en el coliseo catalán para encarnar la inmortal obra.

Sin embargo, las circunstancias concomitantes a la actuación del grupo de Corella levantaron una gran polvareda en la profesión local. Tras la ruptura del convenio entre el Corella Ballet y la comunidad autónoma de Castilla-León, la formación volvía a sus orígenes al anunciar el traslado a la ciudad condal, mientras Ángel Corella rebautizaba el grupo como Barcelona Ballet. Con la crisis acechando a las arcas públicas y una difícil situación económica del propio Liceo, su reubicación en la capital catalana ha levantado suspicacias en los profesionales del sector, temerosos de posibles convenios con las instituciones locales.

Obviando la controversia, el Corella Ballet ofreció cinco representaciones de “El lago de los cisnes”, magistralmente secundado por la orquesta del Liceo, dirigida por la sabia batuta de Alexei Baklan, quien se entregó con absoluta pasión. Sin embargo, en el terreno de la danza la irregularidad fue la nota dominante. La verdadera solidez de un proyecto se constata en la fortaleza de un cuerpo de baile riguroso. Son los cimientos de una compañía. Las estrellas van y vienen, pero el cuerpo de baile conforma la identidad de una formación. Tras las fantásticas expectativas generadas por el Corella Ballet-Castilla y León en su debut en el Teatro Real de Madrid (2008) con la versión de Natalia Makarova de “La Bayadera” a la vista del cuidado “reino de las sombras”, parecía justo soñar con el mismo o superior nivel, especialmente, en los actos blancos (2º y 4º) de “El lago de los cisnes”. Lamentablemente, la bandada de 24 cisnes no ofreció una danza homogénea, achacable a la disparidad de un grupo formado por un abanico de solistas, bailarinas de cuerpo de baile y estudiantes de diversas escuelas.

A sus 36 años, Ángel Corella sabe cómo sacar el mejor partido a sus cualidades sobre un escenario. Giros y saltos son la seña de identidad del intérprete madrileño, junto a una energía explosiva. A eso hay que sumarle una capacidad envidiable para vencer a la cuarta pared y conectar con los espectadores. Para Sarah Lane, doble de la oscarizada actriz Natalie Portman en el filme “Cisne Negro”, la première supuso su debut en el rol dual de Odette/Odile. Solista del ABT, Lane da buena cuenta de las características y estilo de la escuela americana, quizás un tanto acelerada en la ejecución en las partes líricas en comparación con otros estilos europeos. Las cualidades de Lane le convirtieron en una eficaz Odile y en una Odette ávida de lirismo.

Lleno total en las cinco funciones en el Liceo y un público entregado –seis minutos de aplausos así lo certificaron- son los avales con los que cuenta Ángel Corella para insuflarse ánimo en el día a día. Ciertamente, el gran reto actual consiste en mantener en pie a la compañía que se enfrenta a un futuro complicado, teniendo en cuenta los recortes presupuestarios en toda España. Así las cosas, el artista madrileño va tener que desplegar todos sus encantos para seducir a patronos y sponsors, convencer a las instituciones públicas y no enemistarse con la profesión en Cataluña. Más difícil aún que alzarse con un Premio Emmy, hazaña cosechada por Corella por la grabación televisiva de “El lago de los cisnes” (2005), emitida por la PBS, y coprotagonizada por Gillian Murphy. De momento, el intérprete madrileño acaba de anunciar la apertura de una escuela de danza clásica en la localidad catalana de Figueres (Girona) para septiembre de 2014.

Paloma Herrera y Ángel Corella, en el Met, celebran el final de "Coppelia". Fotos Matt Dime. Gentileza: PH y MD.

Nueva York parecía haberse puesto de acuerdo. Los últimos días de la primavera se hacían sentir en todo su esplendor, la brisa se instalaba en las calles y el sol, se apiadaba de la gente, a su manera. A las 7:30 de la tarde, del sábado 18 de junio, los balletómanos infaltables de cada temporada llegaron al Metropolitan Opera House del Lincoln Center con la intención de vivir la fiesta del ballet de una manera especial. Ése día, una de las más reconocidas estrellas del American Ballet Theatre (ABT), Paloma Herrera, festejaba los 20 años con la compañía.

Una historia que empezó cuando aquella adolescente que estaba a punto de regresar a Buenos Aires, sacó sus zapatillas de la maleta y se fue a hacer una audición en el ABT. Y desde entonces, nunca abandonó la compañía donde creció y se formó como bailarina.

Aquella tarde, seguidores fanáticos llegaban con sus ramos de flores, sus mejores atuendos de gala y los infaltables prismáticos capaces de divisar un barco del otro lado del océano. La función, cargada de recuerdos, puso en escena “Coppelia”, en versión de Frederic Franklin, una de esas joyas de Ballet Russes de Montecarlo que, en 1997, eligió a Paloma Herrera y a Ángel Corella como protagonistas de este ballet.

“Esta versión de “Coppelia” tuvo el reparto original con la que la estrenamos –comentó Herrera, días después–. Y para reponerla, toda la compañía miraba el video y seguía paso a paso las secuencias tal como se hicieron en ese momento cuando la estrenamos Ángel (Corella) y yo. Fue como hacer la misma función de aquella vez”…

Emociones, abrazos, ojos llenos de lágrimas y miradas de complicidad se adueñaron del final de esta “Coppelia” en el Met. Herrera y Corella compartieron escenario infinidad de veces en estos 20 años, y supieron de sus alegrías y sus dolores. Corella, llegó de España para hacer su única aparición del año en el ABT junto a su compañera de ruta. Dividido entre la dirección de su propia compañía de ballet clásico en España, y sus compromisos con el ABT, Corella confesó, detrás del escenario, que una de las cosas que le daban más placer era “bailar con Paloma”.

Cuando la orquesta cerró con el último acorde de la partitura de Leo Delibes, una ovación surgió como un estruendo en el Met. Y llegaron los interminables ramos de flores, los abrazos y besos emocionados entre los bailarines. Kevin McKenzie, el director de la compañía, fue el primero en entrar mientras los pétalos de flores caían desde el techo del escenario.

Después llegaron, su maestra, Irina Kolpakova, José Manuel Carreño, Julie Kent, Marcelo Gomes, Xiomara Reyes, David Hallberg para ovacionar, con toda la compañía esos 20 años de Paloma Herrera. Y el público de pie, sin dejar de aplaudir, arrojando flores y tratando de formar parte de ese momento que ya es parte de la historia del ballet.

Cuando la sala quedo en silencio y el telón dio su cierre final, las luces del escenario se encendieron para, entre amigos, volver a festejar junto a la primera bailarina. “Fue maravilloso compartir un momento detrás del escenario con la gente que uno quiere y con la que ha compartido momentos importantes”, comentó Herrera.

Un día, recordó la bailarina, una de sus fans le escribió una carta diciéndole que recordaba a aquella chiquita que cuando terminó su primera temporada del Met lloraba desconsoladamente porque quería que las funciones siguieran sin llegar a su fin.

“Todas las temporadas son muy especiales –dijo–, no puedo decir que ésta sea diferente. Pero por sobre todas las cosas, me cuesta creer que ya pasaron 20 años porque sigo con el mismo entusiasmo que cuando debuté por primera vez. Entré siendo tan chica…y soy tan feliz en escena, que no siento el paso de los años. Para mí, nunca alcanzan las funciones ni los ensayos”…