El cuarteto de ‘Los pequeños cisnes’ se convierte en octeto en “Swan Lake in-the round” de Derek Deane. Foto: © Laurent Liotardo.

Cuadriplicar los cisnes sobre el escenario fue la genial idea que tuvo Derek Deane cuando el promotor Raymond Gubbay invitó al English National Ballet a ofrecer una actuación en el Royal Albert Hall de Londres. El reto para el coreógrafo británico era de unas dimensiones tan colosales como el propio Hall, concebido a semejanza de un anfiteatro romano y cuya forma elíptica tiene un tamaño de 83 por 72 metros para albergar a un aforo cifrado en 5.544 espectadores. Convertir la necesidad en virtud le dio unos excelentes resultados a Deane, quien triunfó con la fórmula “Swan Lake in-the-round”, producción estrenada con grandísimo éxito el 29 de mayo de 1997 en la emblemática sala londinense.

Desde su creación, más de 650.000 espectadores se han sumergido en el espectáculo ideado por Deane, por lo que cíclicamente el English National Ballet ofrece una temporada en su escenario fetiche del Hall, como ocurre estos días. Partiendo del original de Marius Petipa y Lev Ivanov (1895), el objetivo inicial de Derek Deane era crear una versión de “El lago de los cisnes” que cubriera todos los ángulos del escenario circular con la intención de poder deleitar al numeroso público congregado en las gradas dispuestas también de manera circular. Su feliz hallazgo consistió en convertir los 24 cisnes tradicionales en 60 ánades y en multiplicar el número de bailarinas intervinientes en los célebres dúos y cuartetos del segundo acto, amén de los participantes en las danzas de carácter del tercer acto. En total, la producción reúne a 120 bailarines en escena.

Sesenta cisnes del English National Ballet en escena es uno de los grandes atractivos de “Swan Lake in-the-round” de Derek Deane. Foto: © Ian Gavan.

Siendo una de las principales innovaciones el número de participantes, también estriba ahí uno de los mayores retos de producción: cómo mover a tan copioso elenco sin que los bailarines se obstaculicen entre sí en un espacio circular. La clave se halla en la construcción de la coreografía en cuartos de círculo, sirviéndose necesariamente de una estudiada geometría. Otra de las dificultades que encaran los intérpretes es la ausencia de caja escénica y por tanto de telones y calles tan socorridos en determinados momentos de un espectáculo, así que Deane tuvo que idear soluciones ingeniosas tanto para el acceso como para la salida de sus bailarines. Sin embargo, el entonces director del English National Ballet no se amedrentó ante todos los desafíos técnicos que suponía convertir un ballet creado para un teatro convencional en una imaginativa producción de grandes dimensiones pensada en formato circular. El resultado es una experiencia inmersiva, en la que el espectador se ve sorprendido por cada entrada de los intérpretes empleando los diferentes pasillos de acceso del graderío.

La matinée del pasado domingo rozó el aforo completo y especialmente destacable fue la presencia de abundante público familiar. A priori, un título archiconocido como “El lago de los cisnes” puede resultar demasiado comercial, sin embargo, realmente es un acierto el enfoque de la producción para atraer y generar nuevos públicos, de los que tan necesitado está el mundo del ballet. Y pequeños guiños a la contemporaneidad como los esbirros del malvado Rothbart dibujando acrobacias en la línea de danzas urbanas también ayudan a acercarse más aún «al mayor número de personas, estén donde estén y sean cuales sean sus medios», en palabras de los legendarios fundadores del English National Ballet Alicia Markova y Anton Dolin.

Bailarines del English National Ballet en el tercer acto de “Swan Lake in-the-round”. Foto: © Laurent Liotardo.

Los papeles protagonistas de la función fueron interpretados por Emma Hawes, en el rol dual de Odette-Odile, y Aitor Arrieta como príncipe Siegfried. La balanza interpretativa de la estadounidense se inclinó a favor de Odile, deslumbrando especialmente en la coda del paso a dos conocido popularmente como el ‘Cisne Negro’, en el que fue cambiando el foco durante los célebres 32 fouettés. Respecto a Arrieta, disfrutó de los solos en los que regaló limpios tour en l’air –bien asentados desde su época como bailarín de danzas tradicionales vascas- e incluso la amplitud del espacio le permitió ejecutar doce grand jeté en su manège. Como contrapunto al ensimismamiento amoroso de los protagonistas, Junor Souza da vida a un histriónico Rothbart, quien atemorizó a los peques con su caracterización y gestos amenazantes.

En la parte de la bandada de cisnes, Derek Deane convirtió el dúo de ‘Los grandes cisnes’ en un cuarteto y ‘Los cuatro pequeños cisnes’ en un octeto, en aras de conseguir un mayor impacto y cubrir el campo visual de más espectadores, lo que funciona de manera sensacional. Más complejo es el entrelazado escénico de los sesenta cisnes en las partes grupales, pero los veintisiete años de rodaje de la producción dejan claro que es un engranaje perfectamente engrasado para lograr su eficacia. Y una producción tan superlativa en todos los términos, no estaría completa sin una orquesta en directo: la English National Ballet Philharmonic, bajo la batuta de Maria Seletskaja. Si de normal, la música en directo contribuye a crear una atmósfera especial y completa una función de ballet, en este caso, además, su esfuerzo es mayor ya que debe acomodar los compases al desplazamiento de los intérpretes en un escenario de grandes dimensiones.

Cualquier balletómano que se precie, tiene a “El lago de los cisnes” entre sus títulos de cabecera. La trascendencia de la obra de Petipa-Ivanov es tal que se cuentan por decenas las versiones: desde cisnes masculinos a ánades feministas, lecturas humorísticas o incluso la traslación de un célebre triángulo amoroso, por citar algunos. El “Swan Lake in-the-round” de Derek Deane ofrece la magnífica experiencia de poder sumergirse en el clásico que, sin ser tan fidedigno con la coreografía canónica, atrapa al espectador por la grandiosa puesta en escena. Si bien el trabajo del elenco del English National Ballet fue muy destacado, nada puede igualar a las conmovedoras escenas de los actos blancos, en las que sesenta y un cisnes –incluyendo a la princesa Odette- flotan en el ovalado escenario londinense. La ovación del público fue tan redonda como el círculo que originó esta exitosa producción en el Royal Albert Hall.

La Gala homenaje a Maya Plisetskaya finalizó con “Raymonda divertimento”, adaptación de José Carlos Martínez, el 20 de junio en el Teatro del Generalife, Granada. Foto gentileza José Albornoz/ Festival de Granada.

La extensa carrera profesional de Maya Plisetskaya (1925-2015) también incluyó una breve etapa en la dirección del Ballet Lírico Nacional de España. La Prima Ballerina Assoluta estuvo al frente de la actualmente denominada Compañía Nacional de Danza (CND), de 1987 a 1990. Por eso, la formación dirigida por José Carlos Martínez ha querido tributar un homenaje a la diva rusa. La 65ª edición del Festival Internacional de Música y Danza de Granada fue el marco idóneo para echar a andar la Gala homenaje a Maya Plisetskaya, que en época navideña recalará en el Teatro de la Zarzuela, de Madrid.

Con una duración de dos horas y media, la Gala homenaje a Maya Plisetskaya fue un espectáculo variado, que recordó a la estrella rusa en algunas piezas del programa y, sobre todo, alternó pasos a dos con piezas grupales, en una clara intención de subrayar la labor del conjunto capitaneado desde hace un lustro, por la estrella retirada del Ballet de la Ópera de París. Desde el punto de vista estilístico, el espectáculo primó el lenguaje clásico/neoclásico en diversas escuelas y líneas interpretativas, aunque hizo algún guiño al contemporáneo.

Haruhi Otani y Aitor Arrieta, “Cisne Negro”. Foto José Albornoz/ Festival de Granada.

En el mágico enclave del teatro al aire libre en los Jardines del Generalife de Granada, con unas espectaculares vistas la Alhambra, y con la luna llena asomándose como espectadora de lujo, arrancó la Gala homenaje a Maya Plisetskaya con “In the night” (1970), de Jerome Robbins. Tres parejas con tres temperamentos diferentes en la ejecución, unidos en el cuadro final a modo de coda. El primer recuerdo de la velada a la estrella rusa fallecida vino con el paso a dos de “El cisne negro” (1895), extraído del tercer acto de “El lago de los cisnes” y creado por Marius Petipa. Toda apuesta conlleva un riesgo inherente y, en esta ocasión, la voluntad inequívoca de Martínez por dar la oportunidad a la cantera no cubrió todas las expectativas deseadas. Más allá de la técnica, Haruhi Otani (19 años) no supo dotarle del carácter magnético, maléfico e intrigante a Odile, mientras que Aitor Arrieta (21 años) simplemente no tuvo un buen día, porque hasta los tour en l’air que tan bien borda por su pasado en la danza tradicional vasca, no estuvieron a la altura de un bailarín que está llamado a volar alto, más pronto que tarde.

Por su parte, Alicia Amatriain, Primera Bailarina del Stuttgart Ballet, debutó como invitada de la CND, con el icónico paso a dos del balcón de “Romeo y Julieta” (1962), con coreografía de John Cranko (1927-1973), en la que para muchos expertos es la mejor versión en ballet de la tragedia shakesperiana. Con el Primer Bailarín del Staatsballett de Berlín Mikhail Kaniskin como partenaire, la premiadísima bailarina vasca realizó una exquisita interpretación de Julieta, llena de matices, y sobre todo, flotó en los brazos de su compañero, porque si algo tienen los ballets narrativos de Cranko es una dificultad extrema en todo el trabajo de portés. Una buena salva de aplausos certificó la buena acogida del bellísimo e impecable paso a dos.

Mikhail Kaniskin y Alicia Amatriain, “Romeo y Julieta”. Foto José Albornoz/ Festival de Granada.

Y de la ganadora del Premio Benois de la Dance 2016 a la Mejor Bailarina, al trabajo del coreógrafo también laureado en el Teatro Bolshoi de Moscú, el pasado mes de mayo: Johan Inger y su “Carmen” (2015). En su día, allá por 1967, Maya Plisetskaya estrenó “Carmen Suite”, con coreografía del cubano Alberto Alonso y arreglos musicales de su marido Rodion Shchedrin sobre la partitura original de Georges Bizet. La figura rusa convirtió esta pieza en una de sus cartas de presentación. Casi medio siglo después, la CND estrenó la personal visión de Inger sobre la novela de Prosper Mérimée, en la pasada temporada. De corte muy contemporáneo, la “Carmen” del creador sueco busca cambiar el foco de atención e invita a ver la historia con los ojos de un niño. Tras el embrujo del enamoramiento inocente entre los amantes de Verona de la pieza anterior, la gitana de Etxalar puso el acento más carnal y sensual en los avatares del amor. Buena muestra de la labor del elenco más contemporáneo de la CND, con la islandesa Emilía Gisladöttir en la piel de Carmen y Daan Vervoort como el atormentado Don José.

La segunda parte se inició con la “Suite número 2, op.17, III Romance”, del tristemente desaparecido Uwe Scholz (1958-2004). Gran admirador de la figura y del trabajo de John Cranko, Scholz desarrolló en su corta trayectoria una singular habilidad para los denominados ballets sinfónicos, contando como musa con la catalana Roser Muñoz. De una acusada y endiablada musicalidad extrema, las piezas de Scholz exigen una precisión cuasi matemática a los intérpretes para no dejarse en el tintero ni una semicorchea. En contraste a la pieza anterior, el clásico volvió de la mano de “Le Corsaire” (1856), con la asentada YaeGee Park y el jovencísimo Ángel García Molinero, quien le echó muchos arrestos a su esclavo Alí. La dificultad de los grandes clásicos es que los balletómanos cuentan en su retina y memoria con interpretaciones célebres de grandes iconos del ballet. Resulta muy complicado enfrentarse a ellas y emular a nombres del Olimpo del ballet.

Álvaro Madrigal, “El cisne”. Foto José Albornoz/ Festival de Granada.

Aunque fijada en la mente de los espectadores a través de la interpretación de Igor Yebra, “El cisne” (2000) supuso el feliz debut de Álvaro Madrigal en otra pieza grande, tradicionalmente asociada a Maya Plisetskaya: “La muerte del cisne”. Esta versión masculina de la obra estrenada por Anna Pavlova en 1905, fue creada por Ricardo Cue, íntimo amigo de la última Assoluta de la era soviética, para una gala en su homenaje. Los últimos estertores de un cisne parecen requerir de un bailarín con cierto poso y edad, sin embargo, Madrigal estuvo espléndido en su debut de esta pieza que necesita un sutil equilibrio entre la técnica clásica y la interpretación del rol, para alcanzar el clímax del agonizante ánade. Muchos bravos gratificaron la actuación del sevillano.

De tono bastante diferente a su primera intervención en el espectáculo, Alicia Amatriain ofreció la obra “Allure” (2012), del emergente coreógrafo argentino Demis Volpi, autor también de “The soldier’s tale”, obra por la que la bailarina donostiarra recibió el Premio der Faust, el pasado mes de noviembre. Sobre la música de Nina Simone, Amatriain dibujó un instante efímero en una mujer, todo ello en lenguaje contemporáneo y con las posibilidades técnicas que le ofrecen su versatilidad interpretativa. Aun no siendo una pieza de gala, lo mejor resultó comprobar cuánto disfruta la estrella guipuzcoana sobre un escenario.

El cierre de la Gala homenaje a Maya Plisetskaya fue majestuoso, gracias a “Raymonda divertimento”, suite de José Carlos Martínez presentada en 2013, sobre el clásico de Marius Petipa (1898). Pieza de conjunto y excelente declaración de intenciones del cartagenero de hacia dónde debe dirigirse la compañía nacional de un país: desde este clásico hasta el contemporáneo con el que finalizó el primer acto. Curiosamente y tras el magno despliegue estilístico, con mayor o menor acierto, y sobre todo, tras el trabajo exhaustivo de la CND en una velada extensa, variada y compleja, los aplausos del público –entre el que se encontraba Iñigo Méndez de Vigo, Ministro de Educación, Cultura y Deporte, en funciones- congregado en el Teatro del Generalife no correspondieron en cantidad e intensidad con el espectáculo ofrecido por la formación. Supo a poco el aplauso del respetable granadino, aunque siendo la 1.00 hora de la madrugada cuando finalizó la Gala homenaje a Maya Plisetskaya, quizás se entienda por la premura de regresar al hogar para conciliar el sueño en la cálida noche.

La CND interpreta “Carmen”, coreografía de Johan Inger, reciente Premio Benois de la Danse en el Teatro del Generalife, Granada. Foto gentileza José Albornoz/ Festival de Granada.

El 25 de abril se otorgaron los XIII Premios de la Danza (de izda a dcha) a Asier Zabaleta, Aitor Arrieta, Merche Filgueira y Juan Antonio Urbeltz, en el Ayuntamiento de San Sebastián. Foto gentileza José Ceballos /APDG

La Asociación de Profesionales de la Danza de Gipuzkoa (APDG) entregó los XIII Premios de la Danza, en la recta final de los actos del ‘Mes de la Danza’. En 1996, la APDG comenzó a organizar las actividades conmemorativas del Día Internacional de la Danza que, con el paso del tiempo, fueron tan numerosas hasta extenderse durante todo el abril, siendo denominadas como Mes de la Danza.

Estos Premios se crearon en 2003 para distinguir a bailarines, coreógrafos y maestros cuya contribución artística fuera especialmente relevante y para agradecer a las instituciones que apoyaran la danza. Desde 2006, se instituyeron tres categorías: Premio Revelación –para destacar el potencial de un bailarín-, Premio Trayectoria Artística –para reconocer la carrera de un bailarín o coreógrafo- y Premio Dedicación a la Danza –orientado, principalmente, hacia el reconocimiento de la labor de los profesores y maestros. A ellos, se suma este año la categoría de Premio Investigación – para quienes por su afición a la búsqueda e investigación preservan el legado cultural de la danza-.

Aitor Arrieta recibe el Premio Revelación de manos del alcalde. Foto gentileza José Ceballos/APDG

En ediciones anteriores, los consolidados galardones han reconocido, en sus diferentes categorías, a destacadas figuras guipuzcoanas como Lucía Lacarra (Ballet de la Ópera de Munich), Alicia Amatriain (Stuttgart Ballet), Urtzi Aranburu (Nederlands Dans Theater), Itziar Mendizabal (The Royal Ballet), Jone San Martín (The Forsythe Company), Iker Murillo (Béjart Ballet de Lausanne), Jorge Nozal (NDT), Monica Zamora (Birmingham Royal Ballet), Iratxe Ansa (NDT), Iratxe Beorlegui (Compañía Nacional de Danza de México), Jon Vallejo (Ballet de Dresde), Asier Edeso (Les Ballets de Monte-Carlo), Ion Agirretxe (Real Ballet de Flandes), Carlos Martín (Ballet Nacional de Polonia), entre otros.

Los galardonados

El Premio Revelación 2015 recayó en Aitor Arrieta “por su potencial con un futuro prometedor en el mundo de la danza”. Oriundo del municipio guipuzcoano de Errenteria, Arrieta se inició en la danza tradicional vasca, donde fue Campeón de Aurresku de Euskadi (2011), dando posteriormente un viraje a su carrera y dedicándose al ballet clásico. En 2013, con sólo diecinueve años,  fue contratado por José Carlos Martínez para la Compañía Nacional de Danza (CND), siendo el varón más joven que accedió a la formación ese año.

Premio Trayectoria Artística para Asier Zabaleta. Fotografía de José Ceballos/APDG

Asier Zabaleta logró el Premio Trayectoria Artística 2015 “por su dilatada trayectoria forjada con coherencia”. Bailarín, coreógrafo y director de la compañía Ertza, debutó como bailarín  profesional en la plataforma Arteszena, en 1994.

Tras un lustro de colaboraciones con diferentes formaciones, recaló en Alies Compagnie de Ginebra (Suiza), donde permaneció de 1999 a 2004. Al volver a instalarse en el País Vasco, potenció su faceta como coreógrafo y fundó la compañía Ertza. Su retorno coincidió con la pieza “Ego” (2003), ganadora del Primer Premio en el Festival 10MasDanza de Gran Canaria. También ha creado obras para compañías en el extranjero como la Chelyabinsk Contemporary Dance Theatre, que le valió el Premio de Chelyabinsk a la Mejor Coreografía (2011) y la nominación a los premios Golden Mask como Mejor Coreógrafo y Mejor Producción.

Merche Filgueira, Premio Dedicación a la Danza. Foto gentileza José Ceballos/APDG.

Premio Dedicación a la Danza 2015 fue a parar a manos de Merche Filgueira “en reconocimiento a la honestidad del trabajo diario”. Maestra de Danza Clásica Española, Escuela Bolera y de Bailes Latinos y de Salón, la trayectoria de Merche Filgueira como docente es dilatada: desde 1987, en la escuela “Merche y Carlos” de Irún y luego, en Dantzaka, en Errenteria e Irún. Ha participado como Jurado en Concursos Latinos en Santander y en el Campeonato de Francia de Baile Retro en París. Merche Filgueira es miembro de honor de la Federación de Baile Retro de Torremolinos.

Juan Antonio Urbeltz y Marian Arregi, Premio Investigación. Foto de José Ceballos/APDG

La recién inaugurada categoría de Premio Investigación recayó de forma ex aequo en Juan Antonio Urbeltz y Marian Arregi, “por su ingente labor, llena de pasión y honestidad en la búsqueda de la raíz de la danza tradicional”.

A lo largo de los últimos cincuenta años, Juan Antonio Urbeltz ha desarrollado su actividad en torno a la cultura tradicional del pueblo vasco, en el campo específico de la danza. Autor de numerosos estudios y libros al respecto, Urbeltz, en unión con su mujer Marian Arregi, lleva a cabo una serie de espectáculos, a partir de 1987, con la compañía Argia Dantza Taldea: “Irradaka”, “Zortziko”, “Muriska”, “Alakiketan”, “Kondharian”, “Pas de Basque”, “Axeri-Boda”, “Axuri-Beltza” y “Besta Berri”, con los que buscan recrear la puesta en escena de la danza tradicional vasca. Urbeltz, dirige la sociedad Ikerfolk con la que ha editado varios libros y discos. Marian Arregi, por su parte, ha dirigido a los músicos del grupo Argia con los que editó varios discos, ha preparado sus partituras.

El acto de entrega

El salón de Plenos del Ayuntamiento de San Sebastián acogió la entrega de los galardones el sábado 25 de abril. Alrededor de doscientas personas coparon el recinto del consistorio municipal, en un acto sobrio, con las dosis justas de solemnidad. El alcalde de la ciudad, Juan Karlos Izagirre, junto a la presidenta de la APDG, Idoia Lecumberri, hicieron entrega de las distinciones.

Previamente, se había procedido a dar lectura al manifiesto oficial del Día Internacional de la Danza, escrito, este año, por Israel Galván: “Me gustaría poder dedicar este Día Internacional de la Danza y estas palabras a una persona cualquiera que en el mundo esté bailando en este justo momento. Pero, permitidme una broma y un deseo: bailarinas, músicos, productores, críticos, programadores, demos un fin de fiesta, bailemos todos, como lo hacía Béjart, bailemos a lo grande, bailemos el Bolero de Ravel, bailémoslo juntos”, aseguraba el coreógrafo y bailaor sevillano.

Kresala Dantza Taldea interpreta el Contrapass de Honor para los homenajeados. Foto gentileza José Ceballos/APDG.

Una vez que Kresala Dantza Taldea interpretó el contrapass de honor para los premiados, con la emoción contenida, los homenajeados agradecieron sus distinciones y no se olvidaron de sus familias en sus palabras. Al día siguiente, gran parte de ellos participó en la XIX Gala del Día Internacional de la Danza, con la que se finiquitó el Mes de la Danza 2015.

Los bailarines de la CND Aitor Arrieta y Aurelia Bellet interpretan el pas de deux “Delibes suite”, con coreografía de José Carlos Martínez. Foto: Jesús Vallinas/ CND.

“No mandé mis naves a luchar contra los elementos”. Esta sentencia se atribuye al monarca español Felipe II (1527-1598), en alusión al desastre de la Armada Invencible (1588). Muchos eran los elementos contra los que tenía que combatir la Compañía Nacional de Danza (CND) en el estreno de su último programa en el Teatro Real de Madrid. De una parte y de forma coyuntural, el partido de fútbol de final de la Champions League que enfrentaba a dos equipos de la capital española–Real Madrid y Atlético de Madrid- por el trono europeo. Con un mayor calado, el problema del conflicto abierto entre el Instituto Nacional de Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y el plantel de bailarines por la negativa del pago de horas extras, ante la postura del Ministerio de Hacienda contraria a hacer frente a estos emolumentos siempre que excedieran en 60 horas el cómputo anual.

Así las cosas y con el fantasma de una posible suspensión sobrevolando la función, el estreno tuvo lugar con la única salvedad de que su inicio se postergó media hora por cuestiones del convenio laboral. Profesionalidad y entrega fueron las características más destacables de todo el elenco que forma la CND, tanto bailarines como cuerpo técnico. Con la expectativa de cómo influiría el encuentro deportivo sobre el aforo, 1300 espectadores se reunieron para disfrutar de la nueva propuesta de la compañía comandada por José Carlos Martínez (Cartagena, 1969), ex étoile del Ballet de la Ópera de París y director de la CND desde 2011. Su plan maestro incluía el expreso mandato de abrir el abanico estilístico de la formación para que pudiera transitar por todos los colores que pueden abarcar la amalgama que va desde el clásico hasta el contemporáneo. En su tercera temporada al frente de la CND, puede decirse con propiedad que Martínez dirige de forma serena pero con paso firme esta travesía por el desierto.

Tres tiempos

El clasicismo se puso de manifiesto con “Allegro brillante” de George Balanchine. Fotografía: Javier del Real/ Teatro Real.

Construido a tres tiempos, el programa ofrecido en el Teatro Real se compuso de tres grandes bloques temáticos: clasicismo (“Allegro brillante” y “Delibes suite”), deconstrucción del lenguaje clásico (“In the middle, somewhat elevated”) y la contemporaneidad de corte teatral e irónico (“Casi-casa”). La noche comenzó con la obra endiabladamente complicada “Allegro brillante” (1956). Su autor, George Balanchine (1903-1983) la definió como “todo lo que sé de danza clásica condensado en trece minutos”, ¡y vaya trece minutos! Dentro de su repertorio de piezas plotless, es decir, sin argumento, un compendio de lo más complejo en cuanto a lenguaje clásico, en el que el elenco de la CND demostró corrección al máximo y en el que los atisbos de brillo procedieron del buen dominio técnico del Bailarín Principal Esteban Berlanga.

Fiel a la escuela francesa que forjó su carrera y éxitos, José Carlos Martínez firma la segunda propuesta de la noche, “Delibes suite” (2003), estrenada por Incidence Chorégraphique. Se trata de un pas de deux –interpretado por Yae Gee Park y Anthony Pina–, compuesto por el esquema tradicional de adagio, variaciones masculina y femenina y coda final. La pareja protagonista defendió con solvencia el dúo, aunque no llegaron a atisbar la exquisita elegancia predicable de la escuela francesa. La CND ha avanzado notablemente en el campo de lo clásico, pero aún queda camino por recorrer hasta llegar a la excelencia.

Esteban Berlanga y Aurelia Bellet en “In the middle, somewhat elevated”. Fotografía: Jesús Vallinas/ CND.

Una obra maestra indiscutible del último cuarto de siglo XX protagonizó el segundo acto de la velada. Como un guiño a su antigua casa, el director cartagenero seleccionó “In the middle, somewhat elevated” (1987), creada por William Forsythe (Nueva York, 1949) para el Ballet de la Ópera de París por encargo de Rudolf Nureyev, quien, a su vez, escogió a Martínez para que accediera a la prestigiosa compañía francesa en 1988. Partiendo del tradicional concepto de tema y variaciones, Forsythe redefinió los límites del lenguaje clásico mediante la deconstrucción del mismo. Con el cambio de alineación y con las transiciones verticales, genera una sensación de extrañeza en el espectador que, asombrado, vislumbra la técnica clásica pero presentada de una manera muy diferente.

El título –“In the middle, somewhat elevated”– hace referencia a una metáfora de qué supondría buscar dos cerezas de oro suspendidas en medio de la inmensidad de Ópera Garnier, sede histórica del Ballet de la Ópera de París. Incorporada al repertorio de la CND en 1992, esta pieza parece haber sido metabolizada a la perfección por el elenco actual, ya que resultó, sin ningún lugar a dudas, la obra de la noche, tanto en destreza técnica como en precisión y limpieza en la ejecución.

La guinda de la velada la puso la presentación en Madrid de “Casi-Casa” (2009) de Mats Ek (Malmö, 1945), tras su adición al repertorio de la CND, apenas unos pocos días antes en Sevilla, siendo la primera compañía europea que la estrena. Creada para Danza Contemporánea de Cuba, esta obra de corte social que sigue la estela de “Appartement” (2000) –cuya premiére realizó el Ballet de la Ópera de París y en la participó José Carlos Martínez con el solo del sofá– y “Fluke” (2002), se nutre de escenas de la vida cotidiana que se desarrollan en torno a una televisión, la cocina, la puerta, etcétera, e incluyen a una legión de aspiradores.

El elenco de la CND en “Casi-Casa” del coreógrafo sueco Mats Ek. Fotografía: Jesús Vallinas/ Compañía Nacional de Danza.

Sentido del humor y ternura a raudales es lo que irradia “Casi-Casa” con hilarantes escenas como la de la mujer que se olvida el bebé dentro del horno. En ese punto de la función, la CND había traspasado las 22.30 horas, momento en el que, según convenio laboral, finalizaba su trabajo y no tenían derecho a recibir remuneración económica. Sin embargo, fieles a su compromiso con el público asistente, por amor al arte, los bailarines de la formación continuaron sobre el escenario. Se percibe que disfrutaron en el montaje de “Casi-Casa” con Ek y Ana Laguna, lo que, en definitiva, se transmite al espectador, quien también se deleitó con una lección de cotidianeidad convertida en danza. Luchando contra todo tipo de elementos, José Carlos Martínez vuelve a demostrar su serenidad y sensatez para seguir al frente del timón de la CND.

El programa ofrecido en el Teatro Real de Madrid muestra ya los frutos de tres años desde el cambio tranquilo, como se apodó su acceso a la dirección artística del grupo. Queda trabajo por hacer, pero se va por buen camino y el público así lo entendió que frente a todo tipo de vicisitudes apoyó a la CND, a su director, a sus bailarines y a su equipo técnico y les brindó una calurosísima ovación. Con el aval del trabajo riguroso y bien hecho, la CND se prepara para conmemorar el 35º aniversario de su fundación.