En Prodanza se entrenan y forman jóvenes bailarines con el método de la Escuela Cubana de Ballet impartido por Laura Alonso. Foto gentileza Prodanza.

A fines de abril, Cuba volvió a otorgar su tradicional Premio Nacional de Danza, un reconocimiento a las grandes personalidades que han hecho historia en la isla. Un premio que se institucionalizó en 1998 y que tiene en cuenta fundamentalmente la trayectoria y el aporte a la danza cubana.

Este año, con un jurado encabezado por el maestro Johannes García, ganador de este premio en 2020, la elección fue para Laura Alonso, bailarina, profesora y creadora del Centro de Promoción de la Danza de Cuba, ProDanza, por su consolidada trayectoria artística.

Ese mismo miércoles 28 de abril, el Consejo Nacional de Artes Escénicas (CNAE) informó en sus redes sociales que el Premio Nacional de Danza 2021 en Cuba fue concedido a la gran maitre de ballet y directora de la compañía Prodanza. En esta institución se entrenan y forman jóvenes bailarines con el método de la Escuela Cubana de Ballet.

“Mi padre, mi tío y mi madre hicieron el syllabus para la escuela cubana de ballet -dijo hace algunos años Laura Alonso en un reportaje en los Estados Unidos-. Mi padre fue el maestro que implementó el método, mi tío, el coreógrafo y mi madre, la bailarina que mostró esta escuela al mundo. Esta técnica es la nueva, las otras tienen más de 500 años de antigüedad. Tiene todos los nuevos descubrimientos para el atletismo en el ballet y utiliza nuevas las técnicas científicas.”

Hija de Fernando y Alicia Alonso, sobrina de Alberto Alonso, “Laurita”, como la llamaban los familiares más cercanos, creció inmersa en la danza y la cultura. Comenzó sus estudios en la Escuela de Ballet de la Sociedad Pro-Arte Musical de La Habana, creada en 1931 por los dos hermanos Alonso (Fernando y Alberto) y por Alicia Alonso. Allí se formó con Alberto Alonso, León Fokine y otros profesores. Fue solista del Ballet Nacional de Cuba (BNC) por más de 20 años. Y ya en la década de 1980 creó el Departamento de Docencia Especializada, para promocionar y difundir la metodología de la escuela cubana de ballet.

Laura Alonso recibió Premio Nacional de Danza 2021 por la labor pedagógica que ha realizado dentro y fuera de Cuba. Foto gentileza Prodanza.

La creación del Centro ProDanza, marcó un hito en la historia del ballet de Cuba, y también en su carrera. El centro reunió agrupaciones de diversos estilos, acogió a las nuevas generaciones a través de La Joven Guardia, la cual abrió una puerta para el desarrollo profesional. Jóvenes bailarines que luego fueron primeras figuras del BNC como José Manuel Carreño, Svetlana Ballestaer, Xiomara Reyes, Lienz Chang, Ernesto Quenedit, Gladys Acosta, Ana Lobet, Julio Arozarena, Lorena y Lorna Feijóo, Galina Álvarez, Anissa Curbelo, Ariel Terrero, Armando González, Joan Boada, Alihaydeé Carreño, Víctor Gilí, Viengsay Valdés, entre una larga lista de talentosos intérpretes que representan al país y a la escuela cubana en diferentes lugares del mundo.

Al fundarse la Escuela Nacional de Arte, Laura Alonso se destacó por su trabajo docente en la clase de varones, y también dio clases en el Ballet del Instituto Cubano de Radiodifusión (ICR) y el Teatro Musical de La Habana. Por otra parte, también fue docente de la Universidad de las Artes (ISA). Fue impulsora del movimiento del Psicoballet, iniciativa que surgió en 1973, y que utiliza la técnica básica del ballet combinada con métodos psicológicos para restaurar el equilibrio psíquico-social en personas con discapacidades mentales, motoras y sensoriales.

Laura Alonso trascendió los límites de su propio país y ha impartido clases en diferentes países de mundo y en compañías reconocidas internacionalmente como el Ballet de Monterrey en México, en la ópera de Finlandia y en la escuela nacional de Finlandia, y ha sido maestra en Ohio University y en Dayton University. Fue miembro del claustro de maestros del comité organizador del Jackson International Ballet Competition, en Mississippi, y en 1990 fue premiada como la mejor maestra de la competición.

En el libro editado por la UNESCO, fue seleccionada para representar a la mujer en Cuba por su destacada labor en el mundo de la cultura, especialmente en la danza.

Julie Kent, Maki Onuki, Victor Barbee y Rolando Sarabian en un ensayo de “Giselle” para The Washington Ballet. Foto gentileza TWB.

Desde su exilio en 2005, el cubano Rolando Sarabia ha recorrido un camino ecléctico y al mismo tiempo, signado por su constante búsqueda dentro del ámbito de la danza clásica, un lenguaje que le fue familiar desde su infancia y que también ha sido su sello indiscutible. Su primera y gloriosa presentación en los Estados Unidos, luego de su exilio, fue en el Festival Internacional de Ballet de Miami de 2006, apenas recuperado de una de sus tantas operaciones en la rodilla. Luego pasó por el Houston Ballet, el Miami City Ballet, el Ballet Clásico Cubano de Miami, y también fue bailarín independiente. Premiado y multipremiado, Sarabia, recibió el Benois de la danza en 2011, y otros tantos reconocimientos que obtuvo cuando apenas tenía 20 años y era primera figura del Ballet Nacional de Cuba (BNC).

En septiembre de 2016, cuando Julie Kent asumió la dirección de The Washington Ballet (TWB), Sarabia pasó a integrar la compañía que durante 17 años había dirigido Septime Webre. Y este jueves 2 de marzo será protagonista en el estreno de “Giselle”, su primer rol en un clásico completo como bailarín de esta compañía. Las funciones, que se realizarán desde el 1 hasta el 5 de marzo en el Eisenhower Theatre del Kennedy Center, contarán con orquesta en vivo y diferentes elencos.

Siguiendo los pasos de su esposa, la bailarina cubana Venus Villa, también bailarina de TWB, Sarabia decidió quedarse en Washington. “Cuando me enteré que Julie (Kent) y Xiomara Reyes estaban en la compañía, tomé la decisión de hacer una audición”, comentó a pocos días del estreno en Washington.

DANZAHOY: ¿Cómo fue tu primer acercamiento con la dirección de TWB?

Rolando Sarabia integra en elenco de The Washington Ballet desde mediados de 20016. Foto gentileza TWB.

Rolando Sarabia: Había compartido galas internacionales con Julie, pero tenerla como directora es otro ámbito. Creo que tanto con Julie, como con Victor Barbee, su esposo y director artístico asociado, y de larga trayectoria en el American Ballet Theatre, la compañía va a cambiar. Los cambios siempre hacen bien. Estamos trabajando muchísimo en un repertorio variado que va desde Frederic Ashton a Alexei Ratmansky. Con la perspectiva de utilizar orquesta en vivo, de recuperar los grandes clásicos y de hacer tours no solo por los Estados Unidos sino también por el resto del mundo, se abre un nuevo panorama.

D: ¿Cómo fue trabajar “Giselle”?

RS: Es uno de los clásicos más grandes. La producción es de Julie, mezclada con toda su experiencia en este ballet. “Giselle” es uno de mis favoritos, aunque “Don Quijote” está en el primer lugar de mis preferencias. Pero la historia de “Giselle” me encanta, especialmente cuando la haces tuya. Julie ha hecho un trabajo estupendo con todas las parejas y sus consejos son increíbles. La visión que tienen, tanto Victo como ella, de los personajes, ayuda a seguir mejorando, y cuando nos hacen una crítica es para enfatizar en lo que uno tiene que rectificar para hacerte mejor bailarín. Julie llena a las bailarinas de detalles asombrosos. Y yo, hacía mucho tiempo que no tenía un coach como Victor, un coach que ayude a interpretar el personaje. Porque en estos roles, si no tienes ángel, presencia y emoción no existe el bailarín. El ballet no es solo técnica, es arte, y hay que dar prioridad a la calidad más que a la cantidad. Muchas veces la gente no se da cuenta de que no se trata de hacer trucos o piruetas sino de encontrar la interpretación. En la época de Mikhail Baryshnikov y de Rudolph Nureyev, ninguno de los dos exageraron los saltos o los giros, ni se fueron de estilo para llamar la atención.

D: Después de estos cinco meses de experiencia, ¿qué es lo que remarcarías de TWB?

RS: Hay mucho talento joven y mucha diversidad. Por otra parte, esta intención de recuperar los clásicos me parece interesante. Después de todo, ¿por qué esperar que venga el Bolshoi para ver ballet clásico? Esta compañía es perfecta para mí, y me interesa volver a la experiencia de ser bailarín “full time”.

D: ¿Cuáles son las diferencias que encuentras entre ser bailarín invitado y pertenecer a un ensamble?

RS: La diferencia es que el “full time” te mantiene entrenado y te permite alcanzar nuevas metas todos los días. A su vez, perteneciendo a una compañía, en los períodos de receso se puede ser también invitado en galas. En cambio el ser un bailarín “free lance” limita mucho, es muy duro mantenerse en forma, no solo porque no hay incentivo sino también porque pesan otros factores como los lugares de ensayo, las clases, y la constancia en el trabajo. Las compañías, en cambio, te dan la posibilidad de hacer muchos ballets diferentes, y eso alimenta la cultura del cuerpo y de la mente, algo que se pierde mucho como invitado porque el bailarín no se entrena de la manera adecuada. Por eso los bailarines con carrera satisfactoria han estado en una compañía en forma permanente.

Rolando Sarabia y Maku Onuki, de The Washington Ballet, en “Cascanueces”. Foto: Media4artists, Theo Kossenas. Gentileza TWB.

D: ¿Y si tuvieras que elegir entre alguna de las dos formas?

RS: En lo personal, necesito mucho el reto del día a día. Me interesa saber que hay bailarines mejores porque me incentiva a sobrepasar mis propias metas. Eso es lo importante, porque mantienen el entusiasmo vivo. Cuando uno es el único grande en una compañía, cae en la rutina inevitablemente. Me inspira y me ayuda a mejorar saber que hay otros de los que se puedo aprende para mantener la competencia sana.

D: ¿Cuál fue tu motivación para salir de Cuba?

RS: Cuando me fui, salí con la mente preparada y tenía decidido lo que iba a hacer. Me fui no porque vivía mal, en absoluto. De hecho viajaba por el mundo con el BNC, mi papá, Rolando Sarabia, y mi hermano Daniel Sarabia, los dos bailarines, también viajaban. Nuestra familia tuvo la fortuna de no pasar esos grandes trabajos que otros dicen. Pero me fui porque quería mostrarle al mundo lo que me enseñó mi escuela cubana. Mi carrera es una de las cosas más importantes de la vida y me propuse crecer. Llegué a Miami, me recibió mi tía Marisol, que me dio comida y techo; estuve tomando clases con Magaly Suárez, quien me ayudó a recuperarme de mi rodilla y aprendí mucho de ella.

D: ¿Y cómo llegó el amor? ¿Amor entre bailarines?

RS: Con Venus (Villa) nos conocimos en el Festival Internacional de Miami, dirigido por Pedro Pablo Peña, un hombre que revolucionó la cultura en Miami. Por entonces, ella estaba en el English National Ballet, y nos fuimos encontrando en festivales. Bailamos juntos en algunas galas, si bien al principio éramos amigos. Pero después de un tiempo nos dimos cuenta de que estábamos enamorados y decidimos casarnos. Y ahora tenemos una niña de 3 años que me llena la vida con su sonrisa.

El ABT presenta “El lago de los cisnes” hasta el domingo 29 de enero en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

Más allá del paso del tiempo, más allá de sus múltiples intérpretes y versiones, “Lago de los cisnes” es una de esas obras indiscutibles del repertorio. Combina una trama sumamente atrapante, elementos mágicos poderosos, dilemas morales y psicológicos, un gran despliegue escenográfico, danza pura, y belleza absoluta.

La versión de Kevin McKenzie -sobre la de Marius Petipa y Lev Ivanov- de este clásico en dos actos y dos escenas, que el American Ballet Theatre (ABT) trajo al Opera House del Kennedy Center de Washington DC desde el 25 al 29 de enero, reúne todos esos elementos y, sobre todo, muestra un cuerpo de baile sólido y refinado. Quizás, después de la partida de las tres grandes estrellas femeninas, Paloma Herrera, Julie Kent y Xiomara Reyes, la compañía todavía pasa por una etapa de transición en la que se advierte aun la ausencia de verdaderas “etoiles” para estos roles en los que héroes y heroínas deben devorar la escena.

Gillian Murphy, una de las siete protagonistas de la versión de “Lago de los cisnes” que trae el ABT a Washington DC, y junto a ella, Roman Zhurbin. Foto: Hidemi Seto. Gentileza JFKC.

Mckenzie, en su prólogo, narra la secuencia en la que Odette cae en las manos del malvado hechicero von Rothbart quien, al no obtener el amor de la princesa, la embruja y la convierte en cisne, dejándola atrapada en sus dominios. Un punto en el que difiere de otras puestas en las que no siempre describen el secreto de ese hechizo. La función de apertura, protagonizada por Hee Seo como Odette/Odile, y Cory Stearns como Sigfrido, tuvo momentos logrados, que indudablemente se refuerzan por una estupenda coreografía y la música sublime de Piotr Illych Tchaikowsky.

Seo y Stearns hicieron un excelente trabajo en pareja, especialmente en el pas de deux del acto blanco, en el que Odette se encuentra con Sigfrido y le cuenta su tragedia. Ambos se prometen amor eterno y queda pendiente la esperanza de romper el maleficio a través del amor. No obstante la profunda emoción que genera ese pas de deux estuvo ausente. También estuvo ausente por parte de Seo ese refinamiento y perfección en el suave braceo del cisne. No obstante, la bailarina logró encontrar el movimiento de cuello acertado semejante al de un verdadero cisne. Mientras, Stearns, quien ha crecido como bailarín y se lo ve más sólido, logró crear un personaje atractivo, con buenos saltos y prolijos cierres.

Magnífico el cuerpo de baile en el bello acto blanco donde los cisnes, en la penumbra del lago, salen durante la noche bajo la luz de la luna. Un despliegue casi sublime y encantador, que deja perplejo, y permite ver un ensamble sólido.

El segundo acto situado en el palacio, en el gran baile destinado a que Sigfrido encuentre a la princesa para casarse, incluye danzas folclóricas tradicionales como zardas, mazurcas, danzas napolitanas y españolas. Allí aparece Odile, con su maleficencia, instigada por Von Rothbart, desdoblado aquí en un atractivo y maquiavélico personaje. Thomas Forster, un bailarín con fuerte personalidad y atractiva presencia, encarna a ese von Rothbart. Con la interpretación adecuada, Forster realizó una estupenda variación y mostró su calidad como bailarín solista de la compañía. Por su parte, Patrick Ogle cubrió el rol de von Rothbart en su verdadera y repulsiva forma de “animal” o monstruo del bosque. Impresionante.

El pas de trois de “Lago de los cisnes” con Devon Teuscher, Joseph Gorak y Christine Shevchenko. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Sin duda, la llave maestra de este acto es el famoso pas de deux del Cisne Negro, encarnado por Odile, una suerte de Alter Ego de Odette. Una coreografía que pone a prueba a cualquier bailarina, dado que plantea una combinación de actuación exigida y técnica superlativa. Aquí aparecen los famosos fouettés, clave de esta coreografía. Seo comenzó con sus doble giros, y en la mitad de los 32 fouettes que tiene esta coreografía se fue levemente de eje. Por otra parte, en el rol de este personaje, le faltó la malicia que requiere. Por su parte, Stearns terminó sus difíciles variaciones con total brillantez.

Joseph Gorak, como Benno, amigo del príncipe, se destacó con su actuación con su entusiasta personalidad y por su ajustada técnica. Su personaje fue sencillamente brillante, al igual que en el pas de trois con Sarah Lane y Skylart Brandt.

Quedan aún cinco funciones, una de las cuales será protagonizada por Herman Cornejo y Misty Copeland, funciones que están totalmente vendidas.

Xiomara Reyes, la nueva directora de la Washington School of Ballet, se propone tener más relación entre la escuela y The Washington Ballet. Foto Maritza Gueler.

El 1 de septiembre, Xiomara Reyes entró por primera vez en su rol de flamante directora a los estudios de la Washington School of Ballet. La ex bailarina principal del American Ballet Theatre (ABT) llegó a reemplazar a Kee Juan Han -quien anunció su retiro en abril de este año-, convocada por su compañera de largos años en el ABT, Julie Kent, actual directora de Washington Ballet (TWB). Ambas se despidieron de la escena en 2015, y comenzaron otra nueva aventura juntas. Su marido, Rinat Imaev, la acompaña en este periplo como profesor Senior de la escuela y como maestro de TWB, compañía actualmente dirigida por Julie Kent.

Reyes creció en El Vedado, uno de los barrios más emblemáticos de La Habana, Cuba, se formó en la Escuela Nacional de Ballet, tuvo una fuerte influencia de Laura Alonso, y luego, salió a volar con sus propias alas, inspirada por las enseñanzas de “Juan Salvador Gaviota”, de Richard Bach. Así pasó siete años en el Royal Ballet of Flanders y luego llegó al ABT. Y en uno de sus últimos pasos por Washington, Reyes fue invitada por TWB para interpretar a Katherine en el ballet creado por Septime Webre, “Sleepy Hollow”.

Cuando Kent asumió como directora de TWB, pensó en ella para que tomara la batuta de la escuela, Y así comenzaron un trabajo en conjunto que les permite formar a las nuevas generaciones de bailarines y alimentar a la compañía local con nuevos talentos. Actualmente en la escuela hay cerca de 810 alumnos en la sede del centro de DC, en Wisconsin Avenue, North West, y aproximadamente 300 en el North East.

Después de pasar varias horas dando clases, observando, y elaborando un plan a futuro, alrededor de las las 6:30 de la tarde, Reyes recorre las otras sedes de la Washington School of Ballet para ir delineando los programas que colaboren para ir acercándose a sus objetivos: formar bailarines con una sólida formación clásica, capaces de abordar una diversidad de estilos y escuelas.

En la Washington School of Ballet apuntan a que los alumnos sean capaces de abordar diferentes escuelas y estilos. Foto gentileza TWB.

Danzahoy: ¿Cómo surge esta idea de volver a trabajar juntas desde un lugar diferente del escenario?

Xiomara Reyes: Se origina primero porque a Julie le dieron el puesto de directora de TWB y nosotras hemos trabajado mucho juntas y tenemos muchos puntos en común. Cuando se enteró de este puesto, nos propuso a mi esposo y a mí para que la ayudemos a construir su visión de la compañía. La escuela es un elemento muy importante para hacer una compañía.

D: ¿Cuál es el foco principal en el que se apoyan para la formación de los estudiantes?

XR: Ponemos la insistencia en que el alumno salga de la escuela con una educación completa del baile y de la cultura en general, y que tenga una visión amplia de lo que es ser un artista. Me gustaría interactuar más con otras disciplinas. Para mí la relación maestro-alumno es clave, ya que el maestro es fundamental en la formación de una vida joven. Nosotros no solo educamos bailarines sino seres humanos para que en el futuro desarrollen su talento y la confianza en sí mismos, para que luego ayuden en la sociedad.

D: ¿Cómo planean el trabajo juntas?

XR: Queremos tener más relación entre la escuela y la compañía. Los directores anteriores no encontraron muchos puntos en común, pero en este caso, las dos tenemos cosas en común que queremos reflejar tanto en la escuela como en TWB. Mi esposo y yo también damos clases con la compañía, y al mismo tiempo ponemos mucho cuidado en los estudiantes que formamos para que Julie saque los bailarines que luego integrarán TWB.

D: Después de tantos años, ¿de qué manera pesa lo vivido en la escuela cubana de ballet?

XR: La escuela cubana es tremendamente profesional, con cinco días a la semana de trabajo. Aquí funciona de manera diferente, especialmente para los más pequeños, que tienen clases tres veces a la semana. Por lo tanto, lo importante es maximizar el tiempo. La escuela cubana es muy fuerte y da la libertad de interpretar y al mismo tiempo de ser más sólido en la técnica. Eso es lo que quiero transmitir aquí. Por otra parte, la escuela rusa que tiene un port de bars que se destaca enormemente, y el objetivo es hacer una mezcla de los elementos más representativos de cada escuela. De esta manera los muchachos se exponen a los diferentes estilos. Nuestra meta es buscar bailarines que puedan hacer Balanchine, Forsythe y que puedan moverse en todos los estilos con fluidez y gracia. Y tenemos muy buenos maestros.

Para Xiomara Reyes la relación maestro-alumno es clave en la formación de los jóvenes. Foto gentileza The Washington Ballet

D: ¿Y de qué manera empezó este cambio de timón?

XR: Ahora estamos haciendo de todo con un poco más de lentitud para darle a los estudiantes el tiempo para corregir algunos alineamientos. Ese trabajo lo llevamos a todas las sedes, y prestamos mucha atención en esos puntos, para corregir lo más pronto posible. Por ejemplo, con los aprendices estamos trabajando “Raymonda”, con el propósito de exponerlos a este tipo de preparación clásica. Estoy tratando de poner la mano en los aprendices para darles un lugar más importante del que tenían hasta ahora.

D: ¿Y cómo comenzó el trabajo?

XR: Estoy en un momento de mi vida muy especial. Hay muchas cosas que aprender. Desde lo profesional, es muy interesante. En este momento estamos preparando “Cascanueces”, y es un proceso muy encantador, y se ve desde el punto de vista del niño, de la forma en que se involucran en este ballet. Es un mundo fascinante.

D: ¿Washington o Nueva York?

XR: Siempre me encantó Washington, la naturaleza que se ve en la ciudad, sus árboles frondosos, el río… No he tenido mucho problema para adaptarme. Nueva York es muy ecléctico, pero Washington es más semejante a lo que yo pretendo. Si bien todavía estoy tratando de instalarme y armarme en la nueva casa. Vivo a 20 pasos de la escuela, y eso ayuda muchísimo, especialmente en estos momentos en los que uno se tiene que involucrar más.

El ABT anunció cambios y ascensos en sus filas, y promociones de Solistas y Principales. Foto: Rosalie O’Connor. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Al finalizar la temporada primavera-verano de 2015, Kevin McKenzie, director artístico del American Ballet Theater (ABT) anunció varias promociones que sucederán a partir de septiembre de este mismo año.

Después de 25 años con el ABT, Julie Kent se despidió de la compañía el 20 de junio en el Met. Foto: Marty Sohl. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Dos privilegiadas subieron un escalón para convertirse en Principales, e igualmente, hubo varios nuevos Solistas. Las Principales son Stella Abrera, y Misty Copeland. Otros dos nombres se incorporan a la compañía como principales, Maria Kochetkova, que acaba de dejar el San Francisco Ballet, y Alban Lendorf, hasta ahora, Principal del Royal Danish Ballet.

Y entre los Solistas,  además de Skylar Brandt, Thomas Forster, Arron Scott y Cassandra Trenary, el nombre de Luciana Paris brilla por lo que siempre muestra en el escenario, que la hace  merecedora de la promoción, y que a esta altura de su carrera, ya deberían haberla ascendido a principal hace varios años. No por antigüedad sino por méritos propios y por tesón de trabajo.

Luciana Paris, ascendida a Solista del ABT, brilla por lo que siempre muestra en el escenario. Foto: Lucas Chilczuk. Gentileza Luciana Paris.

Copeland ha sabido aprovechar muy bien su futuro estrellato apareciendo constantemente en la televisión, en medios gráficos y en la radio. Una campaña publicitaria que comenzó el año pasado, casi al final de la temporada del ABT en el Metropolitan Opera House, con el lanzamiento de su autobiografía, “Life in Motion” (Ver Danzahoy ) y su aparición en varios medios de prensa. Momento que sirvió también para que Copeland reciba varios premios y distinciones por su trayectoria y su esfuerzo por vencer la adversidad de una vida azarosa.

Se ve muy bien que tiene una-un agente que sabe qué puerta tocar, pues no solamente estuvo en  las  noticias de última hora anunciando su ascenso, sino también en programas como “The View” dirigido por Whoopie Goldberg. Allí le echó mano a la muy usada y peligrosa carta racial, que no necesita comentario ni entra en discusión.

A los 36 años, Misty Copeland, asumirá roles de Principal en el ABT a partir de la temporada 2015-2016. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Copeland ha llegado a la categoría de Principal a los 36 años, una edad en la que ya muchas bailarinas empiezan a pensar en el retiro. Y poco es el tiempo que le queda para ser considerada “estrella”. Algo diferente a lo que ella ha conseguido.

Por lo contrario, Abrera no ha buscado publicidad sino que parece se ha quedado tranquila,  esperando poder gozar de su nueva posición cuando comience la corta temporada del próximo otoño. Si bien es cierto que hace largo tiempo que la bailarina viene esperando este ascenso.

Por ese tema viene a la mente una bailarina Rusa, Veronica Part, de alta estatura y bastante peso que sorprendió a todos los que les interesa el ballet cuando la hicieron Principal. Muy pocos bailarines del elenco podían cargarla, pero hay que recordar un dicho que explica lo siguiente: “Suerte te de  Dios porque  el saber nada te vale”. Part tuvo un magnífico padrino en Sergei Ratmansky, coreógrafo y artista en residencia del ABT, y ruso como ella.

Las que se fueron

Este final de temporada marcó también el retiro de tres bailarinas Principales que hicieron época en la compañía y colaboraron para darle el brillo y el prestigio internacional que hasta hoy tiene. Dos de ellas fueron “casi” obligadas a colgar las zapatillas: la cubana Xiomara Reyes y Julie Kent. Paloma Herrera ya había anunciado su retiro al cumplir sus 20 años con el ABT. Y si bien no le dejaron escoger la obra para su despedida, la bailarina optó por una función de “Giselle”, en la matiné.

Paloma Herrera anunció su retiro en 2014 y se despidió del Met y del ABT el 27 de mayo de 2015. Foto: Gene Schiavonne. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

“Yo no soy un ballet, yo no soy una función. Yo soy toda una carrera -manifestó en una entrevista-. Por eso dije: ¿no hay otra opción? Pues tengo que cerrar con ‘Giselle’”. Es una ética, es una forma de vida”. Y también remarcó durante varias entrevistas: “Si yo no doy el ejemplo, ¿quién lo va a dar? Uno hace una carrera así por lo verdadero que uno quiere, no por el glamur, por la fiesta, por estar en los medios o por querer ser famoso. Yo amo lo que hago y es lo único que me importó siempre. Así me voy a ir”.

La bailarina argentina fue la primera latina en llegar a ser principal a los 19 años. Y en aquel momento, no hubo un campaña publicitaria, ni agente de prensa que la llevara a todos los canales de televisión, ya que por entonces los latinos eran minoría y también tenían un espacio relegado.

Herrera formó parte de la generación de José Manuel Carreño y Ángel Corella, a los que se sumaron luego Xiomara Reyes, Marcelo Gomes, Herman Cornejo, Carmen Corella, Erica Cornejo, la uruguaya María Riccetto y Luciana Paris. Todos ellos compartieron escena con otros grandes como Ethan Stiefel, Vladimir Malahkov, Nina Ananiashvili, Alessandra Ferri. Y el ABT era “la Meca” de muchos bailarines del mundo.

Una de las favoritas del público, Xiomara Reyes, dejó el ABT, el 27 de mayo. Junto a Herman Cornejo en “Don Quijote”. Foto: MIRA. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

El mismo día de la despedida de Herrera, y con el mismo ballet, “Giselle”, Reyes dejó el ABT por la noche. Con dolor y resignación.

Una mano muy fuerte dio el empujón final también a Kent, que aunque tenía la edad como para retirarse, y ya estaba pensando en cuándo sería el momento, aun lo que bailaba lo hacía con extrema gracia y seguridad. Respecto a Reyes, aun le faltaban unos años para decir adiós a un público que la adoraba.

Pero citando otro dicho: “así son las cosas y basta”. Ya el tiempo lo dirá qué pasará con este barco al que la directora ejecutiva, y capitana, Rachel Moore, acaba de abandonar para convertirse en la CEO del The Music Center de Los Ángeles, California. Un cambio que podría resultar oportuno para ella, y de dudoso beneficio para el ABT que ahora tendrá que navegar con menos tripulantes y muy pocos avezados.

Al caer el telón, el teatro estalló en aplausos para honrar a Xiomara Reyes, y comenzaron a desfilar sus compañeros de la compañía y sus maestros. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

La conocida ballerina cubana Xiomara Reyes del American Ballet Theatre (ABT) deja antes de lo esperado su exitosa carrera en los Estados Unidos. Sin embargo, quizás no pasará mucho tiempo sin que aparezca de nuevo en otro escenario.

“Giselle”, ballet escogido para bajar el telón es excelente para Reyes por su apariencia juvenil y sencilla. El ABT tiene a este ballet en su repertorio desde 1946 cuando la gran Alicia Markova convirtió a “Giselle” en una verdadera joya por la intensidad en que se transformó la escena de la locura.

Reyes, que comenzó su carrera profesional en 1990, ingresó al ABT en 2001 y fue principal en 2003. En su Giselle, tuvo como partenaire en su despedida del 27 de mayo en el Metropolitan Opera House de Nueva York, a su casi permanente compañero de ruta, el argentino Herman Cornejo.

Su Giselle fue extraordinaria, brillante y dulce en el primer acto. Cornejo, por su parte, contribuyó a que este rol tuviera mayor impulso. Fue un partenaire magnífico. El bailarín, que ha sido partenaire de muchas bailarinas del conjunto, fue con Reyes con quien construyó una de las mejores parejas de baile a lo largo de estos años. Ambos hicieron clásicos inolvidables.

En esta “Giselle”, Reyes supo poner sus cualidades mejores, especialmente en los maravillosos pas de bourréee que parecía que no tocaba el suelo, y en la limpieza de los pasos que daban la sensación de que llegaría a las alturas.

En la escena de los campesinos del acto primero, una de las parejas se destacó especialmente, Sarah Lane y Joseph Gorak. Este último es poseedor de magníficas piernas y de excelente ejecución.

Herman Cornejo y Xiomara Reyes en “Giselle”, función de despedida del 27 de mayo en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

La música de Adolphe Adam sobre la que se basan los movimientos originales de Jean Coralli y Jules Perrolt, fue revisada por Marius Petipa y se estrenó en 1841 la Ópera de París. Esta versión del ABT, lleva puesta de su director, Kevin McKenzie.

Las Willis, veinte jóvenes que mueren sin realizar su sueño de amor, aparecen en la escena del segundo acto en el cementerio, y la igualdad de sus movimientos alcanzan la perfección y hacen de la escena un cuadro de belleza impresionante. Myrta, su reina, protagonizada por Stella Abrera, acompaña con solidez este magnífico cuadro. Hilarion, Patrick Ogle, cazador de la villa y también enamorado de Giselle, perece a manos de las vengativas Willis cuando va a la tumba de la campesina a solicitar su perdón.

Giselle también emerge de su tumba para salvar a su amado Albrecht, que ha llegado con un ramo de flores a solicitar su perdón por haberla engañado. El espíritu de la joven logra que Myrta lo perdone. Y pronto Albrecht queda solo en la escena con sus tristes recuerdos y su arrepentimiento final.

La emoción se percibía en los ojos húmedos de los espectadores. Y hubo aplausos y flores a granel cuando Reyes salió a saludar ante un público que no quería dejarla ir ni ahora ni nunca.

Al caer el telón, el teatro estalló en aplausos y comenzaron a desfilar sus compañeros de la compañía y sus maestros. Nina Ananiashvili, Ángel Corella, Marcelo Gomes, David Hallberg, Julie Kent, Irina Kolpakova, Gillian Murphy, el coreógrafo Alexei Ratmansky y McKenzie depositaron sus ramos de flores sobre el escenario. Y el cuerpo de baile llegó con una flor blanca para esta bailarina que, con su retiro y el de Herrera, parece empezar a cerrar el ciclo de los hispanos en el ABT.

Una lluvia de flores, lágrimas, abrazos y reverencias para la despedida de Paloma herrera del ABT en el Met. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Cuando Paloma Herrera anunció el año pasado que 2015 sería su último año como bailarina, quedó un profundo silencio contenido. Y de alguna manera, dio paso a pensar que se estaba extinguiendo una generación de bailarines que hicieron honor a la profesión y a la cultura del trabajo, más allá del arte y de los dones naturales.

A teatro lleno, Herrera dejó su último suspiro en el escenario del Metropolitan Opera House de Nueva York el 27 de mayo, y se fue, quizás, en el mejor momento de su carrera. También cerró su última temporada con el American Ballet Theatre (ABT), compañía donde creció y se formó como profesional desde los 15 años.

La audiencia, vio la última “Giselle” de Paloma Herrera, junto al italiano Roberto Bolle. Una “Giselle” que quedará en la retina, en el corazón y debajo de la piel de cada uno de los espectadores.

Así como en 2007 Bolle acompañó en su despedida del Metropolitan a Alessandra Ferri, y como hace pocas semanas fue partenaire de Aurelie Dupont en su adiós al Ballet de la Opera de París, esta vez, fue el elegido de Herrera.

Paloma Herrera y Roberto Bolle, protagonistas de “Giselle”, en la función del 27 de mayo, matiné. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Y si la “Giselle” del año anterior con Cory Stearns fue memorable, la “Giselle” con Bolle fue, sencillamente, gloriosa. De esas funciones que se convierten en algo inolvidable, y donde las emociones, también son inolvidables. Una bella y sutil mezcla de arte, perfección técnica y talento.

En su Giselle, Herrera supo encontrar la frescura de una campesina enamorada, y la locura más desoladora cuando advirtió, a través de Hilarion, el engaño de su amado. Terrenal, y etérea al convertirse en espíritu, la bailarina se sumergió dentro de su alma y desde allí dejó surgir a su Giselle.

El Albrecht de Bolle jugó como un adolescente en la primera parte hasta tomar conciencia del drama de la muerte de su amada. Y en la segunda, magnífico partenaire y hombre desesperado por la pérdida, cargó su culpa hasta la tumba de Giselle. Herrera y Bolle parecían respirar juntos en cada movimiento, en cada pasaje del pas de deux del acto blanco. Si hubiera una palabra que superara a “perfección”, ésa sería la que más se adaptaría a una descripción verbal.

Las imágenes que ambos bailarines lograron juntos, se quedarán en la memoria para siempre. Y más aún, los intensos y conmovedores sollozos de Bolle al caer desolado sobre las flores blancas que había depositado ante la tumba de su amada.

Bolle es uno de esos intérpretes que posee el porte justo para este personaje. Es un actor intenso, y un bailarín con estilo, líneas admirables, y técnica es impecable. Particularmente en aquella tarde, hizo un despliegue técnico asombroso con su serie de seis entrechats, que difícilmente haya superado algún otro bailarín.

Herrera deslizó con sutileza su delicada musicalidad, su cuidadoso trabajo de puntas con esos maravillosos pies, así como su indeleble port de bras. Su escena de la locura logró una intensidad veraz y arrolladora. Y sus variaciones, tanto en el primer acto como en el segundo, despertaron ovaciones sostenidas. Tierna y enamorada, Herrera, mostró, una vez más su impecable técnica, cuidada, depurada al máximo. Sólida, y casi transparente, en el acto blanco marcó sus perfectos equilibrios.

Bolle parece ser el elegido por las grandes bailarinas al retirarse. Hace algunas semanas acompañó a Aurelie Dupond en su despedida del Ballet de la Opera de Paris, y en 2007, lo hizo en el Met con la inolvidable Alessandra Ferri. Bailarín impecable, limpio, con un porte atractivo y una madurez actoral importante para este tipo de roles.

Ambos se robaron la escena con su magnetismo y su impecable trabajo. De haber bailado más tiempo juntos, se hubieran convertido en una de las inolvidables parejas de la historia de la danza. Y si existiera la pareja perfecta, ésta lo sería.

La versión del ABT, con puesta en escena del director de la compañía, Kevin McKenzie, permite un desarrollo especial de sus personajes secundarios, que no siempre aparece en otras versiones. Sin embargo, en aquella tarde, la intensidad de los protagonistas obnubiló el resto de una puesta equilibrada y bella.

Hilarion, encarado en esta oportunidad por Thomas Forster, al igual que en la función de 2014 con Herrera-Stearn, combina con acierto la actuación sin exageraciones y su calidad como bailarín.

No obstante, hubo otros bailarines que quisieron compartir esta última función de “Paloma”, como le gritaba, incansable, el público desde la platea. La argentina Luciana Paris, que a la noche hizo Moyna, en la función de despedida de Xiomara Reyes, fue Bathilde, la prometida de Albrecht que descubre, con indignación, la traición del conde con Giselle. Paris, además de ser una excelente bailarina –que merecería salir alguna vez de cuerpo de baile, ya que asume desde hace tiempo roles de solista–, también es una magnífica actriz. Y puso indignación y arrogancia a esta Bathilde, que generalmente, aparece desdibujada.

La indiscutible ballet mistress Susana Jones, también dio el presente en esta despedida como Berthe, la madre de Giselle. Al igual que Victor Barbee (Príncipe de Courland), director artístico asociado de la compañía y esposo de Julie Kent, otra de las tres grandes del ABT que se retira este año.

El cuerpo de baile hizo un bello acto  blanco, especialmente en la escena en que las Willis se desplazan al unísono, en arabesque penche. Skyliar Brandt, una joven y delicada bailarina, protagonizó un interesante pas de deux en el pas de paisanos. No así Arron Scott, su compañero, que marcó ciertas desprolijidades en los cierres.

Cuando terminó la función, el teatro se vino abajo en aplausos, flores que volaban desde la platea al escenario, pétalos que caían desde el techo, mientras cada una de las bailarinas del cuerpo de baile llevaba una flor blanca a los pies de Herrera. Uno a uno, sus compañeros, sus partenaires de muchos años, su preparadora, Irina Kolpakova, Natalia Makarova, y su entrañable compañero de ruta, Ángel Corella, actual director del Pennsylvania Ballet, depositaron un enorme ramo de flores a los pies de la bailarina que, a esa altura, no podía contener su emoción. Y para el final, su madre, con un ramo de rosas blancas.

Detrás de la escena

Julie Kent y Marcelo Gomes, en “Manón”, durante la gala de los 75 años del American Ballet Theatre en el Metropolitan de Nueva York. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

En las tres horas que duró la función, los asistentes, ataviados con sus mejores galas, pudieron conocer la historia fascinante del American Ballet Theatre (ABT), desde su fundación en 1940 por Lucia Chase, hasta llegar al presente.

Alfombra roja mediante, en esta gala de los 75 años, que se realizó en la temporada de primavera del Metropolitan Opera House de Nueva York, nadie faltó a la cita el lunes 18 de mayo, una semana después de la apertura de la temporada, uno de los acontecimientos más importantes que todos los años se apodera de la ciudad.

El programa incluyó igualmente, una variedad de épocas y coreógrafos, entre los que pudieron contarse los antiguos como Bournonville, o los modernos como Twyla Tharp. Cerca de 460 obras de más de 150 coreógrafos, desde Marius Petipa, George Balanchine, Aaron Copeland, Antony Tudor, Agnes de Mille, Jerome Robbins, Paul Taylor, Jiri Kylian y Alexei Ratmansky, entre otros tantos, formaron parte del repertorio de la compañía en estos 75 años.

Entre los bailarines que, una vez más, brillaron durante el programa, cabe mencionar a dos de los pocos hispanos que van quedando en la compañía, Herman Cornejo, siempre exquisitamente clásico, y el potente Marcelo Gomes, quien muchos llaman el mejor partenaire del ABT. Y las tres ballerinas que ya  se retiran en esta temporada -quizás indebidamente-: Paloma Herrrera, Jullie Kent y Xiomara Reyes.

Cuando cae el telón, una ovación para Paloma Herrera, que se despide de la compañía. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Herrera, descolló con sutileza en “Tchaikovsky Pas de Deux”, de Balanchine. Mientras Kent, interpretó una Manón como pocas, en el dueto del dormitorio de la obra del mismo nombre de Kenneth MacMillan. Junto a Gomes, ambos estuvieron sencillamente conmovedores. Xiomara Reyes, puso gracia y humor en la Cowgirl de “Rodeo”, de de Mille.

Quiénes serán las sustitutas? Al parecer, si antes en  el ABT se hablaba español, ahora se oye demasiado ruso o ucraniano.
Una larga lista de fragmentos de obras que fueron clave en el repertorio de la compañía formaron parte del programa de esa noche. Misty Copeland, una de las estrellas ascendentes, interpretó Odette/Odile de “El Lago de los cisnes”, un rol que bailará por primera vez en esta temporada.

El inolvidable Mikhail Baryshnikov, que también fue director de la compañía antes de Kevin McKenzie, apareció en un video que hizo estallar a la platea. De la misma manera que Caroline Kennedy, desde su misión diplomática en Japón, dio el presente en una noche tan especial. Su madre, Jacqueline Kennedy Onassis, fue una de las figuras más importantes que bregó por la subsistencia del ABT a lo largo de los años. Al punto que la escuela lleva su nombre.

Al final, los aplausos y los homenajes llegaron también para despedir a Paloma Herrera, que hará su última función con el ABT el miércoles, matiné, con “Giselle”, junto a Roberto Bolle, el mismo partenaire que eligió Alessandra Ferri para dar su adiós al escenario del Met hace varios años atrás.

sssssaLa temporada continuará hasta el 4 de julio, que cerrará con el debut de la argentina Marianela Núñez, primera bailarina del Royal Ballet de Londres. Sólo resta desear a la compañía otros exitosos 75 años.

Xiomara Reyes, como la “vaquera”, en “Rodeo”, de Agnes de Mille, presentado por el ABT en el Kennedy Center. Foto: Gene Schiavone. Gentileza: JFKC.

En honor de su 75 aniversario, el American Ballet Theatre (ABT), dirigido por Kevin McKenzie, abrió su visita anual al Kennedy Center de DC con un trío de obras creadas durante su primera década por los coreógrafos principales asociados con la compañía en la década de 1940.

Las tres obras, “Theme and Variations” de George Balanchine; “Pillar of Fire” de Anthony Tudor, y “Rodeo” de Agnes de Mille, ofrecen un panorama atractivo de las tendencias dominantes en la danza teatral de la época en la que el ABT fue fundado. Y también, son una buena introducción al repertorio diverso que la compañía ha manteniendo como parte de su misión desde sus principios.

Isabella Boylston y Daniil Simkin bailan los papeles principales con una afabilidad notable, dando énfasis a la musicalidad inherente en la coreografía que Balanchine inventó para dar forma física a la composición de Tchaikovski en “Theme and Variations”.

La interpretación del New York City Ballet, que también mantiene la obra dentro de su repertorio, pone su enfoque en las substanciales demandas técnicas de la coreografía, resultando una obra de un virtuosismo deslumbrante. Sin faltar la rapidez y pureza que requiere su realización,  la interpretación de Boylston y Simkin hace más clara la intención de Balanchine de reinterpretar el mundo del ballet clásico para el público del siglo XX.  Casi podría visualizarse al coreógrafo sonriendo mientras estudia la partitura de Tchaikovski  para destilar todos los elementos de un ballet ruso imperial de tres horas en una versión condensada de 20 minutos para el acelerado mundo de posguerra de Nueva York.

“Pillar of Fire” uno de los ballets psicológicos de Tudor que fue vanguardistas en su época, comparte muchos puntos en común en forma y contenido con “La pavana del Moro”,  de José Limón, un clásico de la danza moderna que también forma parte del repertorio del ABT, junto con el ballet neoclásico de Balanchine que lo precedió.

La historia de la caída y la redención de una doncella “desflorada” ya no parece tan chocante sobre el escenario del ballet como lo fue en 1942.  A la vez, el marcado interés en expresar estados anímicos mediante el movimiento que Tudor compartió con sus colegas modernistas, ubica a la obra dentro de un marco histórico bien definido.  Por ser tan contemporáneo en la fecha de su creación, ya parece algo más antiguo en comparación con el neoclasicismo atemporal de Balanchine.

El hecho de que “Pillar of Fire” está firmemente enraizada dentro de un tiempo determinado, no invalida su lugar dentro del repertorio. Tudor representa fielmente la partitura de “Verklärte Nacht”, de Arnold Schoenberg, que marcó la trama de la obra. Aunque los resultados no son flamantes, consiguió crear unos momentos memorables sobre el escenario.  El solo de rechazo hecho por Stella Abrera en el papel de la solterona hermana mayor, y el culminante dueto del Hagar, danzado por Gillian Murphy y Alexandre Hammoudi –como el amigo– bajo la tenue luz de la luna, no necesitaban de una técnica llamativa para lograr sus efectos estéticos.

“Rodeo”, una danza escénica más bien que un ballet propiamente dicho, fue el gran éxito de la noche. Esta recepción se debe en gran parte a la irreprimiblemente cómica interpretación de Xiomara Reyes como la muchachota, un rol que de Mille desarrollo por sí misma. A pesar de los esfuerzos impresionantes en el solo de claqué hecho por James Whiteside como el cordelero que roba el corazón de la muchachota al final de la baile, Reyes dominó el escenario por completo.

Esta obra otorgó a de Mille la invitación para coreografiar “Oklahoma !”, la musical que cambió la forma en que la danza se integraba en el teatro y el cine. A pesar de que las formas de baile folclórico que proporcionan gran parte de la estructura coreográfica del ballet están desapareciendo, los medios masivos de comunicación han creado un público que está plenamente familiarizado con el idioma de de Mille. Junto con la partitura energética de Aaron Copland, que se ha incorporado dentro de la cultura popular de la nación de forma independiente, “Rodeo” ha ganado un lugar duradero dentro del repertorio, aunque es, al final de cuentas, una obra menor.

El programa de obras mixtas, del 24 y 25 de marzo, fue seguido por “La Cenicienta” con coreografía de Frederick Ashton y música de Sergei Prokofiev. En el Opera House, sigue hasta el 29 de marzo.

K. Mitchell Snow. Nació en Boulder City, Nevada, Estados Unidos, en 1956.  Escritor apasionado del arte y la cultura latinoamericanas, obtuvo su licenciatura en comunicación en el Brigham Young University en Provo, Utah. Sus ensayos han aparecido en las revistas Américas, Latin American Art y Art Nexus/Arte en Colombia entre otros.  Es autor de los libros “Trevor Southey: Reconciliation, Bailando lo real maravilloso”, y “Movimiento, ritmo y música, la biografía de la coreógrafa mexicana Gloria Contreras”.

Septime Webre, director de The Washington Ballet, comienza “Sleepy Hollow” en Salem, en 1692. Foto: Dean Alexander. Gentileza TWB.&

En esta mágica combinación de embrujos creados por el novelista Washington Irving, Septime Webre, el director de The Washington Ballet (TWB), logró crear su propio sortilegio en su ballet “Sleepy Hollow”. Basado en “La leyenda de Sleepy Hollow”, también conocida como “La leyenda del jinete sin cabeza”, Webre desarrolla la historia en 1793, en un valle apartado, conocido por sus fantasmagorías.

En este estreno mundial de TWB en el Eisenhower Theater del Kennedy Center de DC, que se presentó desde el 18 al 22 de febrero, Webre reveló una vez más su sensibilidad y refinamiento para abordar historias de la literatura universal y llevarlas al ballet. Este proyecto llamado “American Experience” impulsó en 2010 el estreno de una de las obras máximas de Scott Fitzgerald, “The Great Gatsby”; siguió en 2013 con “The Sun also Rises”, basado en una novela de Ernest Heminway. No obstante, Webre también mostró su habilidad para fundir literatura y danza en sus obras para niños, a través de clásicos como “Peter Pan” o “Alice in Wonderland”, entre otros.

Brooklyn Mack y Gian Carlo Pérez cubrieron los roles de “el hombre sin cabeza” en “Sleepy Hollow”. Foto: Design Army & Dean Alexander. Gentileza TWB.

Su capacidad narrativa y la intensidad para construir los personajes, refuerza el relato y recrea una historia con personalidad propia. En esta historia de amor y muerte, Webre se remonta en el comienzo de este ballet a la quema de brujas en Salem, en1692, para luego ir transitando por la historia hasta llegar a Sleepy Hollow.

La bailarina invitada en esta ocasión, Xiomara Reyes, bailarina principal del American Ballet Theatre (ABT) asumió el rol de Katrina Van Tassel, la protagonista de este relato romántico y supersticioso. El rol femenino principal fue alternándose en diferentes funciones con Maki Onuki, bailarina de TWB.

En la función del domingo matiné Onuki encarnó a la hija del granjero cortejada por el maestro Ichabod Crane (Corey Landolt) y por el apasionado Brom Bones, un expresivo y vibrante Miguel Amaya. Bailarín salido de la prodigiosa cantera de la escuela cubana de ballet y del Ballet Nacional de Cuba que acaba de ingresar a TWB y se perfila como un fuerte pilar para la compañía. Onuki muestra una buena técnica, cierta frescura y candidez, pero no alcanza a darle un toque personal a la interpretación de su personaje.

La leyenda, narrada con la ayuda de un fantástico despliegue audiovisual, describe con imágenes y símbolos el paso del tiempo. Los diferentes espacios en los que se desarrollan las distintas escenas y momentos del relato, logran enfocar al espectador en climas y texturas diversas.

Luis Torres, como padre de Katrina, y como el reverendo puritano, muestra sus habilidades como bailarín-actor. Foto: Design Army y Dean Alexander. Gentileza TWB.

La música de Matthew Pierce, interpretada en vivo, es un efecto especial en sí misma, y se acopla con mecanismo de relojería a la coreografía de Webre que, por momentos, rinde homenaje a memorables secuencias de los grandes clásicos. De esta forma, en la escena donde las hechiceras se reúnen en el bosque, un despliegue de bailarinas en arabesque rememoran el acto blanco de “Bayadera”. En uno de los recurrentes escapes hacia el bosque, Ichabod se encuentra acorralado por las fantasmagóricas las hechiceras, tal como Hilarion en “Giselle”.

Webre también rinde homenaje a dos grandes coreógrafos, maestros de la narración y el diálogo coreográfico, Sir. Kenneth MacMillan y John Cranko, especialmente en las levantadas de los pas de deux de los protagonistas.

Gian Carlo Pérez, como el hombre sin cabeza, hizo un buen despliegue de técnica en cada uno de sus solos y dúos. Mientras que Chong Sun como el lunático, se gana la escena por momentos con sus siniestras apariciones y con su breve solo en el que demuestra gran destreza. Luis Torres, como Baltus Van Tassel, padre de Katrina, y como el reverendo puritano que mandó a incinerar a las supuestas brujas, muestra sus habilidades como bailarín actor con absoluto dominio de cada uno de sus personajes. Su gestualidad deja translucir hasta la más mínima expresión.

La escenografía de Hugh Landwehr, es otro de los grandes hallazgos de este ballet en el que ningún detalle estético está librado al azar. Al igual que el magnífico diseño de luces de Clifton Taylor y las proyecciones de Clint Allen. Con libreto de la dramaturga mexicana Karen Zacarías y de Bill Lilley, la obra incluye títeres de varilla, de sombra y de mecanismo, diseñados por Eric J. Van Wyk. Si bien en la puesta aparecen algunos toques kitsch con la aparición de niños-calabazas, o niños-luciérnagas, la propuesta es intensamente atractiva.

El cuerpo de baile, vibrante y compacto deja ver a una compañía que evoluciona y crece en busca de propuestas arriesgadas y novedosas.