Megan Fairchild con Robert La Fosse en la producción del NYCB con coreografía de George Balanchine y Alexandra Danilova. Foto: Erin Baiano. Gentileza JFKC.

El New York City Ballet (NYCB), como todos los años, volvió al escenario del Opera House del Kennedy Center, y esta vez, con un ballet del repertorio clásico, “Coppélia”. La función comenzó con una presentación del director artístico, Jonathan Stafford, y de la directora artística asociada, Wendy Whelan, quienes recordaron la llegada a los Estados Unidos de los coreógrafos George Balanchine y Alexandra Danilova en busca de “libertad artística” fuera de Rusia. Y luego, ambos directores agradecieron al público por apoyar a la compañía.

Del 25 al 30 de marzo, “Coppélia” trajo un toque de frescura que, sin duda, apuntó a un público más amplio y diverso. Balanchine y Danilova, son los responsables de esta versión de 1974 basada en la puesta en escena de Marius Petipa de 1884, que contó con música del compositor francés Léo Delibes.

Este ballet, en algunas ocasiones conocido como “La Fille aux Yeux d’Émai” (La joven de los ojos de esmalte), se presentó por primera vez en 1870 en el Théâtre Impérial de l’Opéra. La protagonista fue la joven Giuseppina Bozzacchi que cubrió el papel principal de Swanilda, y la bailarina Eugénie Fiocre interpretó a Frantz, su enamorado. Coreografiado originalmente por Arthur Saint-Léon con música de Delibes y libreto de Charles-Louis-Étienne Nuitter, la trama tuvo como referente el cuento corto “Der Sandmann” (El hombre de arena) de E. T. A. Hoffmann.

En esta versión del NYCB, la puesta en escena tiene un toque naive, casi impresionista. Los bailarines del cuerpo de baile ponen todo su entusiasmo para dar vida a esta historia que hace referencia a la irrupción de los muñecos mecánicos del siglo XIX. Las escenas del primer acto, en el que los aldeanos se congregan en la plaza del pueblo en torno a la casa del Doctor Coppelius, incluyen una batería de danzas de estilo, con pasajes solistas y escenas grupales.

Megan Fairchild, como Swanilda, aportó todas las facetas que demanda el rol. Con estilo delicado y una enorme jovialidad, la bailarina transita por el personaje con naturalidad y energía. Sus juegos con Frantz, su enamorado, alcanzan un muy buen nivel de comicidad y le dan a la trama esa frescura necesaria.

Megan Fairchild, como Swanilda, y sus amigas, en el laboratorio del doctor Coppelius. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

KJ Takahashi, como Frantz, quizás necesita crecer y reafirmarse en su rol, en especial en su trabajo como partenaire. Por momentos ambos parecían desconectados uno del otro. Sus saltos y sus giros son precisos y sólidos, y su musicalidad es un elemento que enriquece su trabajo.

El segundo acto que transcurre en el taller del doctor Coppelius -escenificado y coreografiado por Danilova-, es una joya que recupera las características del ballet de acción, y pone al límite a la protagonista. Interpretación y calidad actoral, se funden con la técnica más exigente y refinada, al igual que el compromiso emocional de los personajes. Swanilda y sus amigas entran al laboratorio del doctor Coppelius y se encuentran con una colección de muñecos mecánicos que cobran vida. También descubren la naturaleza de esa muñeca que lee en la ventana y que parece real.

Danilova resuelve este acto con una delicada sutileza, y deja translucir el espíritu de la época. Una escena conmovedora, por momentos patética, intensa y resuelta con una magnífica genialidad. En el tercer acto, en cambio, se advierte el toque indiscutible de Balanchine, y el contraste de estilo queda al descubierto. Con un alto nivel técnico el cuerpo de baile, al igual que el grupo de niños de escuelas locales, y las bailarinas solistas, hacen que esta escena final se convierta en un encantador encuentro con la danza cuya culminación llega con el pas de deux final.

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Integrantes del Alvin Ailey American Dance Theater, dirigido por Robert Battle interpretarán “Dancing Spirit” de Ronald K. Brown. Foto: Daniel Arnold. Gentileza BAAND.

Cinco de las compañías de danza más emblemáticas de Nueva York regresan para la tercera edición anual del BAAND Together Dance Festival, un encuentro gratuito con la danza y el arte al aire libre, que forma parte del Summer for the City del Lincoln Center.

Del 25 al 29 de julio, el Ballet Hispánico, Alvin Ailey American Dance Theater (AADT), American Ballet Theatre (ABT), New York City Ballet (NYCB) y Dance Theatre of Harlem presentarán una diversidad de propuestas en una programación que reúne la quintaesencia del estilo y la brillantez de cada compañía. A su vez, el Ballet Hispánico, dirigido por Eduardo Vilaro, propone para este encuentro un estreno mundial: “Pas de O’Farill” de Pedro Ruiz, un nuevo dúo con bailarines del Ballet Hispánico y el New York City Ballet, encargado por el Lincoln Center for the Performing Arts. Esta obra es un homenaje al creador del jazz latino, Arturo O’Farill. Con este objetivo el coreógrafo Pedro Ruiz retoma la forma clásica del ballet y la fusiona con el movimiento y las esencias del legado de la diáspora afrocubana. El dúo busca sumergir la técnica clásica con la voz “latinx” y ampliar la idea de lo que es y puede ser el ballet.

Cada tarde, una de las compañías llevará al campus su particular estilo de enseñanza con un taller educativo diario. La serie ofrecerá una variedad de estilos de enseñanza y formas de danza, apropiados para todas las edades y capacidades.

Desde 2021, año de lanzamiento del BAAND Together Dance Festival, Chanel es el principal patrocinador. Una organización que ha transitado un largo camino apoyando las artes escénicas, y sigue rindiendo homenaje al compromiso de su fundadora, Gabrielle Chanel. La casa de modas está también asociada con los Premios Nijinsky en Mónaco, y patrocina la gala de apertura de la Ópera de París y del Ballet de la Ópera de París. Este es el tercer año que el Festival cuenta con el apoyo de Chanel, colaboración que refleja su larga tradición de mecenazgo en el mundo de la danza, que se prolonga desde hace más de un siglo.

“El Festival de Danza BAAND Together es un testimonio de la vitalidad y diversidad de la comunidad de danza de la ciudad de Nueva York. Estamos encantados de volver con un programa espectacular que presenta a las compañías de repertorio de esta ciudad que son las más veneradas internacionalmente. El programa de este año pone de relieve las visiones innovadoras que han hecho de la ciudad de Nueva York la capital nacional de la danza”, declararon en forma unánime los directores de las compañías que participan de BAAND.

De esta forma, Robert Battle por AADT, Susan Jaffe por ABT, Vilaro por el Ballet Hispánico, Robert Garland por el Dance Theatre of Harlem y por el NYCB, su director artístico, Jonathan Stafford, y su directora artística asociada, Wendy Whelan, coincidieron en la importancia de llevar la danza a las calles.

Además de las representaciones y los talleres, el Lincoln Center for the Performing Arts habrá mesas redondas antes de la representación del 26 de julio, como parte del anunciado proceso de planificación participativa para ayudar a reimaginar la parte de su campus de Amsterdam Avenue con el fin de crear un mayor acceso. Se anima a todos los neoyorquinos a dar su opinión.

El Ballet Hispánico sube a escena “Línea Recta”, una obra de Annabelle Lopez Ochoa. Foto: Daniel Arnold. Gentileza BAAND.

Fechas y horarios

Martes, 25 de julio de 2023 a las 7:30 pm

Miércoles, 26 de julio de 2023 a las 19:30 horas

Jueves, 27 de julio de 2023 a las 19:30 horas

Viernes, 28 de julio de 2023 a las 19.30 horas

Sábado, 29 de julio de 2023 a las 19.30 horas

Programa

Ballet Hispánico – Línea Recta by Annabelle Lopez Ochoa

American Ballet Theatre – Other Dances by Jerome Robbins

Dance Theatre of Harlem – Nyman String Quartet No. 2 by Robert Garland

World Premiere of Pas de O’Farill by Pedro Ruiz, a collaboration between Ballet Hispánico & New York City Ballet

Alvin Ailey American Dance Theater – excerpt of Dancing Spirit by Ronald K. Brown

New York City Ballet – The Times Are Racing by Justin Peck

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En los 100 años del nacimiento de Jerome Robbins, un potpurrí de sus más reconocidos musicales en “Something to Dance About”. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Después de más de un año sin timón, sumido en escándalos legales y laborales, el New York City Ballet (NYCB) abrió sus funciones en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC en una forma inusual. Los dos flamantes directores y ex bailarines de la compañía fundada por George Balanchine y Lincoln Kirstein en 1948, salieron a escena a modo de presentación oficial y con la intención de asegurar que la troupe no perdería su rumbo.

En esta nueva etapa, liderada por Jonathan Stafford como director artístico y Wendy Whelan como directora artística asociada, los dos programas mixtos que presentaron desde el 2 hasta el 7 de abril, trajeron a escena un potpurrí en el que se mezclaron obras históricas y nuevas piezas de jóvenes coreógrafos que armaron un interesante caleidoscopio.

“Easy”, obra de Justin Peck, creada en 2018 para el New York City Ballet, subió a escena en el Kennedy Center del 2 al 7 de abril. Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

La primera noche comenzó con una propuesta juvenil, atractiva, dinámica, con elementos de danza jazz, de la coreógrafa Gianna Reisen, quien compuso esta pieza a los 18 años, cuando recién salía de la School of American Ballet hace apenas dos años. “Composer’s Holiday” con música de Lukas Fosses, es interesante y fresca, con una estructura clara y definida, bella y delicada, en la que los bailarines pueden lucirse tanto en grupo como individualmente. La interpretación en violín de Arturo Delmoni y de SusanWalters en piano, la pieza adquiere una magnífica armonía.

“Kammermusik No. 2”, de George Balanchine, una obra de 1978 que tuvo como protagonistas femeninas a Teresa Reichlen y a Abi Stafford. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

A la frescura de “Composer’s Holiday” se sumó “Kammermusik No. 2”, de George Balanchine, una obra que requiere gran velocidad y precisión, con una estructura compleja, en la que dos parejas y ocho bailarines transitan por intrincados pas de deux, duetos y dinámicas grupales. Esta obra de 1978 tuvo como protagonistas femeninas a Teresa Reichlen y a Abi Stafford, ambas ligeramente descoordinadas por momentos, y a un cuerpo de baile compacto.

También de Balanchine, y para cerrar el programa, una marca registrada: “Symphony in C”, creación que, a pesar del paso del tiempo sigue impoluta y en todo su esplendor. No obstante, el cuerpo de baile femenino mostró ciertas desprolijidades e imprecisiones sutiles. En tanto, las bailarinas principales, Ashley Bouder, en el primer movimiento, junto a Tyler Angle como partenaire, y Sara Mearns, en el segundo, con Jared Angle, así como las dos parejas que protagonizaron el tercer y cuarto movimiento, Baily Jones y Anthony Huxley, y Erica Pereira y Andrew Scordato, tuvieron un espléndido desempeño. Precisas y ajustadas en tiempo y estilo.

“Opus 19/The Dreamer”, de Jerome Robbins, con una pareja de lujo, Sterling Hyltin y el español Gonzalo García. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Pero sin embargo, el NYCB se mostró con su verdadera identidad y personalidad en “Opus 19/The Dreamer”, de Jerome Robbins, con una pareja protagónica de lujo, Sterling Hyltin y el magnífico  Gonzalo García, un bailarín que logra encontrar el tono justo en cada una de sus interpretaciones, excelente partenaire y de un talento muy especial.

Robbins incluye en esta obra, estrenada por primera vez en 1979, ciertas reminiscencias eslavas de su origen, y la convierte en una especie de delicada joya en la que los bailarines principales y cuerpo de baile entablan un diálogo delicado y sutil, intenso y con bellas imágenes

Robbins también protagonista del segundo programa, cuya tercera parte fue una suerte de homenaje al este multifacético coreógrafo que marcó la historia de la danza del siglo XX y ha servido de simiente para los nuevos realizadores.

“Easy”, obra de Justin Peck, creada en 2018, es un divertimento en el que los bailarines, con zapatillas y colorida ropa de calle, juegan con los movimientos. La pregunta sería, dónde está la sustancia. En el telón de fondo se proyecta un interrogante: “Who is the boss in a concerto, the soloist or the conductor?” Pero no hay respuesta.

Del coreógrafo Kyle Abraham el NYCB presentó “The Runaway”, una obra donde predomina el lenguaje contemporáneo.

Luego de una pausa, otro clásico de Robbins, “In the Night”, creación de una belleza sublime en una serie de duetos conmovedores. Sin duda, lo mejor de ese segundo programa donde el coreógrafo Kyle Abraham, tuvo su protagonismo en “The Runaway”, una obra donde predomina el lenguaje contemporáneo, con vocabulario de hip hop y “street dance”.

Al comenzar la tercera parte del programa, la imagen de Jerome Robbins vuelve a dominar la escena en “Something to Dance About”, y una sucesión de fragmentos de sus musicales más famosos para celebrar los cien años de su nacimiento. Bello final que apunta a la nostalgia.

El New York City Ballet en la obra de Gianna Reisen, “Composer’s Holiday”, que formó parte del primer programa mixto presentado por la compañía. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Lucas Segovia interpretará dos solos en “Evolution”, una gala que convoca bailarines de diferentes compañías internacionales. Foto: Cheryl Mann. Gentileza: Fundación Arte y Cultura.

Inesperada. Sorpresiva. La invitación esperaba en la casilla de “emails”. Mientras, Lucas Segovia, en Nueva York, ensayaba para un gala que, tiempo después, se hizo en Florida en honor de Wendy Whelan, una de las reconocidas bailarinas del New York City Ballet. Al leer el mensaje, y casi sin confesarlo, su corazón dio un vuelco. Hacía 10 años que no bailaba en la Argentina y ahora, el director de Arte y Cultura, Juan Lavanga, le estaba proponiendo una vuelta impensada. Con ansiedad, revisó su agenda. Las fechas coincidían con lo que iban a ser sus únicas vacaciones. Pero no importaba.

La propuesta fue: hacer dos solos de ocho minutos aproximadamente como parte de “Evolution”, un espectáculo de danza y ballet en el que también participarán la Primera Bailarina del Ballet de Hamburgo, Carolina Agüero, Thomas Bieszka, Bailarín solista de la Opera de Dresden, Florencia Chinellato (solista) y Matias Oberlin, del Ballet de Hamburgo. Y junto a ellos, primeras figuras de Ballet del Teatro Colón, Paula Cassano; del Teatro Argentino de La Plata, Julieta Paul; del Ballet del Sur, Carolina Basualdo y de Los Ballet de Araiz. Todos bajo la coordinación artística de Mario Gallizzi.

Desde hace 10 años el argentino Lucas Segovia, es uno de los principales representantes hispanos en el mundo del ballet de los Estados Unidos. Foto gentileza: Fundación Arte y Cultura.

“Evolution” se presentará el 28 y 29 de julio, en el Teatro Coliseo, de Buenos Aires, y el primero de agosto en el Teatro El Círculo de la ciudad de Rosario, Santa Fe. Una propuesta a la que no podía decir que no.
Segovia, llegó por primera vez a los Estados Unidos con la compañía de Julio Bocca, y despertó admiración por su musicalidad y talento. Tiempo después apareció como bailarín principal del Washington Ballet, para luego terminar en el histórico Joffrey Ballet, donde durante muchos años formó parte de la compañía y actualmente es bailarín invitado.

Cuando tuvo que pensar en el repertorio para “Evolution”, Segovia optó por el estreno de “Vendetta”, una obra de la reconocida coreógrafa belga-colombiana, Annabelle López-Ochoa, y por “Percussion 4”, del inolvidable Bob Fosse.

Danzahoy: ¿Cuál fue el criterio para la selección de estos dos solos en tu primera gala en Buenos Aires?
Lucas Segovia: “Vendetta” es una pieza que Annabelle (López-Ochoa) creó para mí y lo hicimos en el Joffrey Ballet. Pero además, no quería llevar coreógrafos muy conocidos, quería algo nuevo. Viajé a Canadá a trabajar con ella en los dos días libres que tuve en las funciones del musical “Oklahoma”. Después, nos encontramos otros cuatro días en Nueva York para pulir detalles. Y el solo de Bob Fosse, que lo había bailado Julio Bocca, era una de las obras que siempre tuve en mente. Si bien fue bastante complicada la logística, porque el contrato es muy estricto y con cláusulas complicadas.

D: ¿Cómo es volver después de 10 años?
L.S.: Siempre lo soñé, pero no me había imaginado que se iba a dar de esta manera. Por un lado, poder presentar en la Argentina obras que realmente amo, como la de Annabelle, que hace un trabajo maravilloso. Y llevar a escena la obra de Bob Fosse, que siempre quise bailar, es increíble. Además, que mi familia, mis amigos, mis profesores puedan estar ahí, y puedan verme, algo que no siempre se da estando fuera del país, es muy emocionante. No siempre se puede coordinar todas estas cosas juntas. Es como si se hubiera dado una intervención divina.

D: ¿Cómo fue tu experiencia de ser el único argentino en una compañía como el Joffrey Ballet?
L.S.: Amo la compañía por toda su tradición, por lo que significa, por lo que hace, pero después de un tiempo, sentí que estaban pesando otros intereses. Y empecé a interesarme en el género del musical. El primero fue “West Side Story”, y luego de esa temporada con este primer musical, tenía que reintegrarme al Joffrey. Pero cuando empezó a picarme “el bicho” del teatro musical, sentí que tenía que tomar distancia y ser simplemente bailarín invitado. No quería estar piediendo permisos permanentemente. Pero la compañía es maravillosa y mi experiencia fue maravillosa. Podía hacer todo el repertorio que quería, pude exponerme a coreógrafos con los que quería trabajar, pude hacer todo lo que quería hacer y en una ciudad que me gusta, con gente que me gusta. Por otra parte, me hace muy feliz vivir en una ciudad como Chicago donde le dan importancia al arte. Sin ir más lejos, en el aeropuerto hay una gigantografía mía, y eso me llena de orgullo, no sólo porque soy yo, sino porque es una forma de representar a la ciudad.

Lucas Segovia y Cara Maria Gary del Joffrey Ballet en una obra de Anabelle Lopez-Ochoa. Foto: Cheryl Mann. Gentileza: Fundación Arte y Cultura.

D: ¿Y por qué esta incursión en el teatro musical?
L.S.: Es algo muy diferente. Estuve de gira durante un año con “An American in Paris” y la disciplina mental que uno necesita para hacer estos shows es muy distinta. Hacer ocho shows por semana durante un año es una experiencia especial. Llega un punto en el que no sabés en qué día estás y hay que reservar energía para poder seguir. Creo que esa experiencia tan intensa puso a prueba mi resistencia y fortaleza mental para poder hacerlo. Hay otros shows que me funcionan mejor porque son contratos más cortos.

D: ¿Cómo evaluarías tu crecimiento como profesional desde tu llegada a los Estados Unidos?
L.S.: Me fui de aquí siendo profesional. Me siento feliz de haber bailado en la Argentina, y tuve la suerte de haber estado en el momento y el lugar adecuado con un repertorio bastante amplio. Cuando me mudé a los Estados Unidos tenía sueños. Quería bailar los emblemáticos americanos y trabajar en una compañía que me inspirara. Y esa fue la de Christopher Wheeldon, después fue el Joffrey Ballet que me dio la posibilidad de trabajar con coreógrafos internacionales y de bailar la cantidad de funciones con las que soñaba bailar. Pude recorrer el mundo con el Joffrey, y también hacer otro tipo de proyectos: teatro, tv, cine… Y no puedo hacer un balance porque todavía estoy viviéndolo. Me llena de felicidad decir que éste era el sueño que tenía a los 19 cuando empecé y ahora que tengo 32 lo puedo ver. Estoy en una ciudad y en un país donde al decir que sos bailarín, la gente lo toma con respeto. Me parece fantástico que haya respeto por el trabajo artístico.

D: ¿Y la distancia, los afectos, la soledad?
L. S.: Como persona, uno crece en el deasarraigo, la tristeza de la soledad, y eso influyó en mi carrera artística por lo lejos que estoy de mi familia y de la gente que quiero. Y creo que esta ebullición profesional fue porque tenía siempre en claro lo que quería hacer. No es que en cada función tuve a alguien con quien quería estar, muchas veces he vuelto a casa solo. Me he sentido muy solo y muy triste, pero nunca pensé en dejar todo y volver. Porque soy consciente de la bendición y la suerte que tengo, y no es para tirarla por la ventana. Uno vive en esa tristeza de la soledad, pero aún así sigo eligiendo esto.

“Evolution” – Programa
Por Carolina Agüero y Thomas Bieszka
“Trois Gnossiennes”
Música: Erick Satie
Coreografía: Hans Van Manen
“In The Middle”
Música: Thom Willems
Coreografía: William Forsythe

Por Florencia Chinellato y Matias Oberlin
“Adagietto”
Música: G. Mahler
Coreografía: John Neumeier
“La Dama de las Camelia”
Música: F. Chopin
Coreografía: John Neumeier

Por Lucas Segovia
“Vendetta” (estreno mundial)
Música: Hauschka / Elizabeth Bay
Coreografía: Annabelle López-Ochoa
“Percussion 4” de Bob Fosse
Música: G. Harrell
Presentado con Permiso y Cortesía de The Verdon Fosse Legacy LLC.

Las tres primeras figuras argentinas realizaran la obra “Las Euménides”: Julieta Paul del Ballet del Teatro Argentino de La Plata, Paula Cassano del Ballet del Teatro Colón y Carolina Basualdo del Ballet del Sur.
Coreografía: Bernard Courtot de Bouteiller
Música: Dead Can Dance