“Tuesday”, tercera parte de “Woolf Works” con Alessandra Ferri como Virginia Woolf y Herman Cornejo Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

En esta nueva temporada del American Ballet Theatre (ABT) en el Metropolitan Opera House volvió Alessandra Ferri. Esta vez, para encarnar los personajes creados por la escritora inglesa Virginia Woolf de la mano del coreógrafo Wayne McGregor.

“Woolf Works”, una obra potente que despierta emociones profundas y deja reverberando los conflictos de cada uno de los personajes creados por la autora británica que marcó un antes y un después en la literatura del siglo XX.

Cuando este ballet se estrenó por primera vez en el Royal Ballet de Londres en 2015, tuvo también a Ferri como una de las protagonistas. Actriz por excelencia, es una de esas bailarinas que sabe sumergirse en las emociones de sus personajes y transmitirlas con una intensidad arrolladora. Su presencia en esta obra es grave y reflexiva. Su dolor, sus inseguridades, sus conflictos, sus interrogantes son los que hacen que este tríptico quede anclado en una realidad arrolladoramente humana.

La clave de “Woolf Works” reside en su estructura, basada en tres actos, y cada uno de ellos refleja una novela diferente. El primero “I now, I then”, apoyado en “Mrs Dalloway”, una novela publicada en 1925, se desarrolla a lo largo de un solo día en la vida de Clarissa Dalloway, una mujer de la alta sociedad londinense en la década de 1920. La narrativa se entrelaza con los pensamientos y recuerdos de la protagonista y de otros personajes importantes en su vida: su esposo, Richard Dalloway; su amiga Sally Seton, y Peter Walsh, un viejo amigo que regresa a Londres después de muchos años en el extranjero.

Alessandra Ferri y Léa Fleytoux en la obra de Wayne McGregor, “Woolf Works”. Foto: Kyle Froman. Gentileza ABT.

A través de inmensos módulos de madera que van moviéndose en escena, la obra explora, al igual que la novela, temas como la memoria, el paso del tiempo, la identidad, la percepción de la realidad. Ferri, casi fundida con las palabras de Woolf, revive situaciones, y reflexiona a medida que los personajes aparecen y desaparecen en ese transcurrir. Un magnífico pas de deux con Peter, interpretado por Herman Cornejo, cuyo cuidado y delicadeza como partenaire emociona y conmueve, se suma a una serie de secuencias en las que ambos bailarines logran crear una atmósfera irrepetible. Una magnífica dupla en la que se potencian y se recrean mutuamente.

McGregor establece patrones de movimiento que se repiten a lo largo de toda la obra, crea imágenes oníricas, casi fantásticas que se funden con proyecciones que regeneran nuevos climas y secuencias. Interesante y fresca la interpretación de la joven Clarissa, a cargo de Léa Fleytoux, quien supo colorear su personaje en diferentes aristas.

En el segundo acto, “Becoming”, basado en “Orlando”, novela de 1928, un torbellino de bailarines que giran por el escenario en una fantasía satírica y una meditación sobre el cambio y la identidad a lo largo del tiempo. McGregor, con delicada sutileza y una dinámica coreográfica sorprendente, logra reflejar el interior de esta novela considerada como uno de los emblemas del modernismo literario del siglo XX.

“Tuesday”, extraída de “The Waves”, comienza con la nota de suicidio que Woolf escribe a su esposo. Una prosa llena de miedo, de remordimiento, con el fantasma de la locura acechando adquiere feroz realidad en la grabación en off de la actriz Gillian Anderson. Ferri/Woolf, atormentada, absorbida por un torrente de bailarines que la envuelven, la tragan, la absorben como si fueran las olas del mar.

La partitura de Max Richter, captura a la perfección esos cambios emocionales de la protagonista. Y la iluminación de Lucy Carter se convierte, junto a las proyecciones de video de Ravid Deepres, en el marco insoslayable de esta obra. De esta forma, la danza es una compleja reflexión sobre el tiempo, la memoria, la fragmentación de las emociones y la muerte que siempre están latentes en la obra de Woolf.

Los bailarines de ABT, con su destreza técnica y su capacidad, atraviesan los paisajes emocionales e intelectuales de esta pieza, y dan vida a esos experimentos literarios de la autora. La traducción de McGregor de la esencia de Woolf a un nuevo lenguaje permite transitar por una experiencia diferente. Con la impecable y cuidada dramaturgia de Uzma Hameed, el coreógrafo reafirma su enfoque minimalista, y crea un tríptico que desafía los límites del ballet y se introduce en diferentes aspectos del arte en una fusión que no requiere etiquetas establecidas.

Catherine Hurlin y Daniel Camargo en “Becomings”, de “Woolf Works”. Foto: Kyle Froman. Gentileza ABT.

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“Revelations”, el clásico de Alvin Ailey de 1960, quedó como cierre de los tres programas en el Kennedy Center de Washington D.C. Foto: Gert Krautbauer. Gentileza JFKC.

En marzo de 1958, Alvin Ailey presentó por primera vez su grupo de danza en Nueva York. La troup llevaba su nombre, Alvin Ailey American Dance Theater (AAADT), y ya empezaba a formar parte de aquella generación histórica que forjó la danza moderna en los Estados Unidos. Aquel hombre nacido en Rogers, Texas, trasplantado a Nueva York, donde estudió y se formó con Martha Graham, Charles Weidman, Doris Humphrey y Hanya Holm, sabía que la danza tenía una función social y estética. Y se lanzó con ferocidad a la conquista de ese mundo negado por las persecuciones raciales de aquellos años, y rompió con prejuicios y crueles segregaciones.

Ailey murió en 1989, y aún después de su muerte, bajo la batuta de una de sus más cercanas colaboradoras y bailarinas, Judith Jamison, la compañía siguió su curso incontenible. Sesenta años después, dirigida desde hace ocho años por Robert Battle, es una de las más reconocidas del mundo.

Desde el 5 al 10 de febrero, y como todos los años, la AAADT llegó al Kennedy Center de Washington, DC, para cumplir su rito. Esta vez, con tres programas diferentes. Uno en particular, dedicado a su fundador, “Timeless Ailey”. En él desfilaron fragmentos de once obras creadas por Alvin Ailey en diferentes épocas. Un lujo que permite valorizar aún más el aporte del coreógrafo al lenguaje de la danza. Solidez en la estructura, movimientos sutiles y refinados que resaltan la calidad de los bailarines, teatralidad, exigencia de interpretación, compromiso social, intensidad y belleza, y por sobre todo, claridad en el mensaje coreográfico. Todos esos elementos se reúnen en este “Timeless Ailey” que recupera el placer de ver la danza en estado puro con movimientos y propuestas estéticas que no pierden vigencia y que apuntan a las emociones más profundas, más íntimas.

La AAADT estrenó “Lazarus”, obra que lleva el sello de Rennie Harris, narra una historia simbólica estructurada en dos actos. Foto: Paul Kolnik. Gentileza JFKC.

Como celebración de este aniversario, la AAADT presentó en la noche de apertura tres nuevas obras, “Lazarus”, de Rennie Harris, “Kairos”, de Wayne Mcgregor, y “The Call”, de Ronald R. Brown. Y la infaltable “Revelations”, no sólo convertida en un clásico, sino en una obra maestra de la danza contemporánea donde se conjugan belleza suprema, contenido social, y la historia personal del coreógrafo contada desde un lenguaje poético incomparable.

“Lazarus”, que lleva el sello de Harris cuyo estilo, basado en el hip-hop, narra una historia simbólica en dos actos, que reconstruye el periplo de un hombre negro en la década de  los años 60 y 70 en los Estados Unidos. La pieza esboza la visión de Alvin Ailey en relación al sufrimiento y la marginación. Esta resurrección de la que habla el título de la obra en cierta forma se refiere a la figura de Ailey, pero al mismo tiempo propone una visión filosófica desde la cultura del hip-hop sobre la experiencia de ser y vivir como un afroamericano en los Estados Unidos, y la carga política y social que esto representa.

Casi como una costumbre “Revelations”, este clásico de Ailey de 1960, con música de “negro spiritual” quedó como cierre de los tres programas. Un rito, una costumbre, un legado, un mandato casi divino que reafirma la omnipresente figura del coreógrafo. Como una recapitulación de su niñez en Texas, como una narrativa personal y universal al mismo tiempo, Ailey fusiona realidad y abstracción de una manera majestuosa. Esta sucesión de imágenes y escenas, de secuencias, de colores, de historias sugeridas quedan grabadas en la retina y en el alma.

Dylan Tedaldi y el elenco del NBC en “The Winter’s Tale”. Foto: Karolina Kuras. Gentileza NBC.

“The Winter’s Tale”, una de las últimas historias románticas escritas para teatro por William Shakespeare, llega al Kennedy Center de Washington, DC, en una producción del National Ballet of Canada (NBC). Con coreografía del inglés Christopher Wheeldon, la pieza se estrena por primera vez en los Estados Unidos en el Opera House del Kennedy Center desde el 19 al 24 de enero.

La versión para ballet de esta obra es una coproducción entre la compañía canadiense y el Royal Ballet of London. Después del éxito de la adaptación de “Alice’s Adventures in Wonderland”, obra que el NBC presentó en 2013 en el Kennedy Center, Wheeldon se lanzó con esta versión para seis bailarines de una pieza importante de la literatura inglesa.

Carcomido por los celos el rey Leontes acusa de infidelidad a su esposa, la reina Hermione. Ante la sospecha de que su mejor amigo, el rey Polixenes, tiene un affaire con Hermione, decreta que el hijo que espera la reina quede abandonado en el bosque. La niña crece alejada del reino, criada por pastores que desconocían su linaje. Con el paso de los años, Perdita, la hija de Hermione, convertida en una bella pastora, captura el corazón Florizel, hijo de Polixenes, disfrazado de pastor. Desconociendo sus orígenes los jóvenes enamorados continúan su romance. Y el tiempo revela que el amor reunirá las familias y reparará los rotos corazones.

Wheeldon confesó durante el proceso de creación de este ballet: “Siempre quise llevar una obra de William Shakespeare a la danza y busqué una que no había sido adaptada al movimiento”.

La producción reúne el equipo creativo de “Alicia”, integrado por Bob Crowley, en escenografía y vestuario, y Natasha Katz en la iluminación. La partitura es de Joby Talbot.

La obra tuvo su premier en Londres en la Royal Opera House en abril de 2014, y el NBC hizo su estreno mundial en noviembre de 2015 en el Four Seasons Center for the Performing Arts en Toronto, Canadá.

“Es una historia problemática y un reto para cualquier director –afirmó Wheeldon–. Pero en teatro la ventaja es que tiene seis papeles principales y el ballet deja incorporar nuevas ideas”.

Establecida como compañía clásica por su primera directora artística, Celia Franca, en 1951, el NBC tiene sede en Toronto. En el año de su creación, se realizaron audiciones en todo el país y lograron reunir 29 bailarines. En noviembre de ese mismo año presentaron el primer programa en el Auditorio Eaton, que incluía “Las Sílfides”y los “Bailes Polovtsianos” de “El Príncipe Ígor”.

Actualmente, la compañía incluye en su repertorio obras de los más celebrados coreógrafos del siglo XX y XXI, tales como Sir Frederick Ashton, George Balanchine, John Cranko, William Forsythe, James Kudelka, Jiří Kylián, John Neumeier, Rudolf Nureyev, Glen Tetley, Wheeldon, Wayne McGregor y Alexei Ratmansky. Además de piezas del repertorio clásico, el NBC también incorpora obras de danza contemporánea, promueve la creación de nuevos ballets y el desarrollo de jóvenes coreógrafos canadienses.

Información:
Kennedy Center
Tel:: (202) 467-4600
www.kennedy-center.org.

Tatiana y Oberon dos de los personajes centrales de “The Dream”, producción que el Royal Ballet llevó a Nueva York. Foto: Bill Cooper. Gentileza ROH/ArenaPAL.

Por una corta temporada en el Teatro Koch de Nueva York, el Royal Ballet of London, presentado por Joyce Theater Foundation, regresó al Lincoln Center después de varios años de ausencia. La compañía dirigida por Kevin O’Hare, llevó a Nueva York dos programas mixtos integrados por clásicos de su repertorio.

Desde el 23 al 28 de junio, la compañía fue alternando elencos y obras. Y así desfilaron “The Dream”, de  Frederick Ashton, con  música de Felix Mendelssohn; “Song of the Earth”, de Kenneth MacMillan y música de  Gustav Mahler; “Infra”,  Wayne McGregor con música de Max Richter; “The Age of Anxiety”, de Liam Scarlett con música de Leonard Bernstein; “Voices of Spring”, también de Ashton; “Borrowed Light”, de Alastair Marriott; “The Dying Swan”,  con coreografía  de Calvin Richardson; “Le Train Bleu‘Le beau gosse’”, de  Bronislava Nijinska; “Aeternum” pas de deux, de Christopher Wheeldon, y “Carousel” pas de deux, de MacMillan.

“Song of the Earth” , de Kenneth Mac Millan, tuvo como protagonistas a Carlos Acosta y Marianela Núñez. Foto: Tristram Kenton. Gentileza ROH.

Entre los primeros ballets presentados, había una dupla muy interesante por la diferencia de estéticas y en la personalidad de los que subieron a la escena.  El jueves 24 se presentó “The Dream”, la obra de Ashton basada en “Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare, y “Song of the Earth”, de MacMillan.
Ashton escogio la encantadora música de Felix Mendelssohn para idear una coreografía con infinidad de situaciones graciosas, enredos, magia, supersticiones, hadas, dioses y mortales, que logran un particular encantamiento.

Sarah Lamb, la Titania de esa noche, puede decirse que bordó los pasos. Asimiló el rol como si le perteneciera. Por lo demás, su técnica es de la mejor calidad e hizo una pareja estupenda con Steven McRae en el rol de Oberon,  rey de la foresta. Sumamente atractivo y de limpios entrechats. Una pareja que delineó los personajes a la perfección y supo provocar ese encantamiento que propone esta bella obra.

El travieso Puck, James Hay, le hizo honor al personaje con saltos increíbles y vueltas que lo hacían parecer un trompo. Por su parte, Bottom, Bennet Gartside, hizo lo suyo como el personaje lo exigía.

“Song of the Earth” llegó para el final de este primer programa. Una realización de MacMillan de 1965, estrenada por el Stuttgart Ballet, que indica cuáles son los principales problemas que sufren los mortales. El rol de Mensajero de la muerte -que aparece en escena desde que la cortina se abre-, fue desempeñado por el bailarín cubano Carlos Acosta, miembro invitado desde hace tiempo de la compañía.

La mascarilla que Acosta llevaba  sobre la cara  escondía las expresiones indicativas de la personalidad y propósitos abrigados por el personaje. pero no, Acosta no parecía sentir nada. Su parte bailable tampoco emociono, como sucedía tiempo atrás.

Seis canciones de Gustav Mahler, con texto de Hans Bethge, acompañan la coreografía que danzan solistas y cuerpo de baile. Marianela Núñez, en el rol principal, se destaca desde un principio. Es bella y se mueve con una delicadeza digna de admiración. Ya sea sola o en trío con Acosta y Nehemiah Kish, su amado que ya había pasado a mejor vida sin ella. El movimiento de los brazos de Núñez semejan la

“La Fille mal gardée”, un clásico del Royal Ballet con Marianela Núñez y Carlos Acosta. Foto archivo Danzahoy.

El martes 9 de junio subió al escenario del Kennedy Center de DC después de casi seis años de ausencia, y el público estalló en aplausos. Junto a ella, uno de sus más entrañables compañeros de trabajo, y amigo: Carlos Acosta. El ballet: “Don Quijote”. Clave en su vida y quizás, en la de muchas bailarinas.

Marianela Núñez volvió a ser protagonista de este romance caballeresco entre Kitri y Basilio, tal como lo fue en el estreno mundial de esta versión de Acosta, en 2013, estrenada por el Royal Ballet of London (RB), compañía en la que la bailarina argentina se formó desde que tenía 15 años. Por entonces, pasó una audición en Los Ángeles, bajo la mirada de Anthony Dowell (ex director artístico de la compañía), y entró a la escuela del RB. Sola, en Londres, y sin hablar una palabra de inglés, al año pasó a formar parte del cuerpo de baile de la compañía que actualmente dirige Kevin O’Hare.

Es la menor de tres hermanos varones, y fue la “niña mimada de la casa”. Se enamoró del ballet desde que tenía 3 años, y desde entonces la danza fue su meta y objetivo. Se formó en la escuela del Teatro Colón en Buenos Aires, donde vivía con su familia, y también integró el Ballet Estable del Teatro Colón. Bailó como partenaire de Maximiliano Guerra cuando tenía 13 años, y una vez en el Royal, a los 20 años, llegó a ser principal. Luego llegaron los premios, entre ellos, el María Ruanova, entregado por el Consejo Argentino de la Danza en la Argentina; el Best Female Dancer del Critics’ Circle Dance Awards en 2006 y 2013, y el Olivier Award (2013) por sus destacados logros en danza.

En ésta, una de sus primeras apariciones en los Estados Unidos, la bailarina realizará un tour por Chicago y Nueva York con el RB, y luego hará su debut con el American Ballet Theatre (ABT) el 2 de julio en el Metropolitan Opera House de Nueva York. Bailará “Cenicienta”, de Frederik Ashton, una obra que forma parte del repertorio del ensamble londinense.

Marianela Núñez y Carlos Acosta en “Song of the Earth”, de Kenneth MacMillan, obra que el Royal Ballet presenta en Nueva York. Foto: Tristram Kenton. Gentileza RB.

DANZAHOY: ¿Qué significa volver a hacer Quijote con Acosta?

Marianela Núñez: Es un ballet que siempre estuvo en mi carrera, lo bailé por primera vez en Uruguay con Maxi (Maximiliano Guerra), cuando tenía 13 años. Y después, ya como principal, hice con el Royal la versión de Rudolph Nureyev. Así que cuando Carlitos (Acosta) me propuso que hiciera el estreno de esta nueva producción que le encargó el Royal, para mí fue un súper regalo. Y cuando me dijo que él también lo iba a bailar, dije: ‘jaque mate’.

D: ¿Hay alguna diferencia entre este Quijote y los otros que has bailado?

MN: Si bien la base es la tradicional, le hizo muchos toques que identifican a la compañía. Uno mira esta puesta y se da cuenta que es la del Royal Ballet. Con Quijote es muy fácil irse para el circo, pero él quería calidad técnica y la actuación. Y los tres actos son completamente diferentes. Ahora Carlos está por hacer un “Carmen”, que lo va a hacer para mí y él también va a bailar. Y con eso se retira. Hace poco hicimos “Fille mal gardée”, que es un ballet en el que nos han visto mucho juntos y la gente nos identifica. Fue la primera vez que lo vi tan emocionado, su hija le entregó unas flores en el escenario, recuerdo. Estoy compartiendo estos momentos tan especiales para él, que también lo son para mí.

D: ¿Qué es lo que más te atrae de las puestas de la compañía?

MN: Una de las cosas que más amo de nuestra compañía es que todas las puestas son muy teatrales. En lugar de estar viendo bailarines parece que ves actores sobre el escenario, y el desarrollo es muy natural.

D: ¿Qué se siente al estar tanto tiempo en una compañía como esa?

MN: Les debo todo. Me siento feliz. Me adoptaron, tanto como la compañía como la audiencia en Londres. Me siento muy mimada. Me dieron todo, y me lo dieron de una manera que me ayudó a crecer artísticamente de la forma correcta. Tengo 33 años y miro para atrás, y veo que fui pasando todos los escaloncitos en el momento indicado, y los roles también me fueron llegando en el momento justo. Tuve mucha contención todo el tiempo. Esta compañía es mi familia. Es un sueño hecho realidad.

La versión de “Don Quijote” de Carlos Acosta, con el RB y Marianela Núñez como protagonista, se estrenó en el Kennedy Center y se presenta en Chicago. Foto: Johan Persson. Gentileza ROH/ArenaPAL.

D: ¿De qué manera se sobrevive a la competencia en una compañía tan importante?

MN: La competencia es saludable porque eso te empuja a seguir mejorando y perfeccionándote. Es bueno tener gente que te inspira y te incita a buscar respuestas nuevas o a ver lo que uno no quiere llegar a ser. Es muy importante poder absorber todo eso. De todas maneras, el lugar que me dieron, no me obliga a estar presionada. Porque me lo gané trabajando. Y la confianza y el respeto que me tienen es maravilloso. La compañía me vio crecer como bailarina y como persona. Y tanto los bailarines como los maestros, los directores y los técnicos se preocupan de todo con cada uno de nosotros. Se vive una atmósfera muy saludable. La única preocupación son las cosas personales de uno, pero ellos están acompañando y pendientes de lo que te pasa. Nuestro director está siempre ahí, en todos los ensayos, intercambiando ideas. Me siento muy cuidada. Ellos me dan todas las llaves para ir mejorando. Además, todo es hermoso. Mi camarín en el Coven Garden es como mi casita. Y cuando me voy de vacaciones los extraño.

D: ¿Cómo fue surgió tu debut con el ABT?

MN: Estuvimos desde hace varios años tratando de combinar fechas que nunca coincidieron, pero ahora, justo que estamos en Nueva York y que terminamos la gira con el Royal, coincide todo como para poder terminar la temporada del ABT con “Cenicienta”, la nuestra, la que hacemos nosotros. Esta gira con el Royal también es importantísima. En Nueva York tenemos un repertorio increíble, y creo que terminar con “Cenicienta” de Ashton, es fantástico. Ésta es prácticamente la primera vez que vengo de gira a los Estados Unidos con la compañía, y que venimos con un repertorio tan amplio. La última vez que estuvimos en Nueva York fue en 2004.

D: ¿Cuándo eras niña, imaginaste que llegarías a ser una bailarina tan reconocida?

MN: Siempre tuve claro que quería ser bailarina y que no quería quedarme en el cuerpo de baile sino ser la mejor. Pero nunca me imaginé que iba ocupar un lugar así en el RB. Es más, a veces me tengo que sacudir para no creer que estoy soñando. El martes, cuando abrimos con “DQ”, dije: “noche de apertura en el Kennedy Center, gente parada, y gente esperándome a la salida. Fue increíble. Creo, también que las proyecciones cinematográficas de los ballets del Royal abrieron el mercado de una manera increíble.

D: Si tuvieras que recordar algo de tus primeros tiempos, ¿qué es lo primero que aparece?

MN: Ríe a carcajadas. Cuando entré al RB como cuerpo de baile, no estaba acostumbrada a ser parte de una compañía porque desde los 14, en la Argentina tenía roles de solista. No tenía ni idea de cómo era eso. Y recuerdo que en un “Lago de los cisnes”, creo que el primero, como siempre tenía una chica rubia adelante mío, me dije: pase lo que pase, vos seguí a la rubia. Y de repente tomé conciencia de que había como 10 rubias, y no sabía a quién seguir…Me agarró un ataque de pánico. Recuerdo que alguien me agarró y me puso en la fila. Y me dije: esto no puede pasar más… Pero pasar por esa etapa me vino muy bien porque fue un gran aprendizaje. Esos papeles secundarios y el cuerpo de baile te dan la avena para fortificarte.

Próximas funciones con el Royal Ballet of London

Auditorium Theatre, Chicago

Del 18 al 21 de junio

“Don Quijote”
Producción y Coreografía de Carlos Acosta, sobre Marius Petipa
Música de Ludwig Minkus, con arreglos  de Martin Yates.

 Koch Theatre, New York

Junio 23

“The Dream”
Coreografía: Frederick Ashton
Música: Felix Mendelssohn
Gala Anual del Joyce

Junio 24, 25 y 26 

“The Dream”
Coreografía: Frederick Ashton
Música: Felix Mendelssohn
“Song of the Earth”
Coreografía: Kenneth MacMillan
Música: Gustav Mahler

Junio 27 y 28

“Infra”
Coreografía: Wayne McGregor
Música: Max Richter
“The Age of Anxiety”
Coreografía: Liam Scarlett
Música: Leonard Bernstein
“Voices of Spring”
Coreografía: Frederick Ashton
“Borrowed Light”
Coreografía: Alastair Marriott
“The Dying Swan”
Coreografía :Calvin Richardson
“Le Train Bleu
‘Le beau gosse’”
Coreografía: Bronislava Nijinska
“Aeternum” pas de deux
Coreografía: Christopher Wheeldon
“Carousel” pas de deux
Coreografía: Kenneth MacMillan

Marianela Núñez y Carlos Acosta, del Royal Ballet of London, protagonistas de “Don Quijote”, en Washington DC. Foto: Johan Persson. Gentileza ROH.

Desde 2009, el Royal Ballet of London no se presentaba en el Kennedy Center de Washington DC. Y esta vez llega con un estreno para los Estados Unidos, la versión de “Don Quijote”, del bailarín cubano Carlos Acosta.

La obra subirá del 9 hasta el 14 de junio, el Opera House tendrá como protagonista exclusivo a este ballet, clásico entre los clásicos. Y en la función de apertura, dos figuras emblemáticas de la compañía interpretarán los roles principales, la argentina Marianela Núñez y el mismísimo Acosta.

Cuando se presentó “Don Quijote” en la temporada 2013-2014, la obra no se veía en el Royal desde hacía más de 10 años. Con esta nueva producción, el bailarín cubano, que desde el estreno de “Tocororo”, se ha convertido en una de las estrellas indiscutibles de Londres, ha tratado de adaptar este clásico a la personalidad de la compañía. La escenografía y el vestuario son de Tim Hatley, y la puesta se presenta con aires renovados.

Después de haber bailado la versión de “Don Quijote” de Marius Petipa con el Ballet Nacional de Cuba y con otras compañías, Acosta ofrece su propia mirada sobre la obra, inspirado en la producción original de Petipa, con música de Ludwig Minkus y arreglos de Martin Yates.

Basada en fragmentos de la novela Don Quijote de la Mancha de Miguel de Cervantes, la historia sigue las aventuras del excéntrico caballero y su escudero, y de la joven pareja de enamorados, Kitri y Basilio.

“Lo que más me gusta de ‘Don Quijote’, es que no hay nada serio en su trama –afirmó Acosta–. Es divertido, colorido, y es una historia que atrapa a cualquiera, no importa la edad”.

Ante la coreografía de Petipa sobre la partitura de Minkus (1869), Acosta hizo una adaptación, sin escaparse de la propuesta original. Ha condensado la obra en tres actos en lugar de cuatro como tenía la primera que se vio el 14 de diciembre de 1869 en el Teatro Imperial de Bolshói de Moscú, con Anna Sobeshanskaia (Kitri) y Serguei Sokolov (Basilio).

“Estamos particularmente entusiasmados de volver a los Estados Unidos con la producción de ‘Don Quijote’ de Carlos Acosta, creada especialmente para la compañía en la temporada pasada. –dijo Kevin O’Hare, director del Royal Ballet–. También vamos a presentar en Chicago y Nueva York trabajos de coreógrafos en residencia como Wayne McGregor, Christopher Wheeldon y Liam Scarle, y además, obras de los grandes coreógrafos del siglo XX como Frederick Ashton y Kenneth MacMillan”.

La compañía se presentará con “Don Quijote” del 18 al 21 de junio en el Auditorium Theater, de Chicago, y en el David H. Koch Theater de Nueva York desde el 24 al 28 de junio. Una Gala para recaudar fondos para ayudar al The Royal Ballet y a The Joyce Theater se realizará el 23 de junio con “The Dream”, de Frederick Ashton, un clásico basado en “Sueño de una noche de verano”, de Shakespeare, en celebración de su 400 aniversario. Esta presentación coincide con los 50 años del estreno de la obra en los Estados Unidos.

Los protagonistas día a día en DC

Marianela Núñez, Carlos Acosta –Junio 9, Junio 12 a las 7:30 p.m.
Sarah Lamb, Federico Bonelli – Junio 10 a las 7:30 p.m.
Iana Salenko, Steven McRae – Junio 11 a las 7:30 p.m., Junio 13 a las 1:30 p.m.
Natalia Osipova, Matthew Golding – Junio 13 a las 7:30 p.m.
Roberta Marquez, Alexander Campbell –Junio 14 a la 1:30 p.m.

Catarina Carvalho, de Random Dance, en “FAR”, obra de Wayne McGregor presentada en San Francisco, California. Foto: Ravi Deepres. Gentileza YBCA.

Dos y luego más bailarines llevan antorchas cuando se abre el telón. Una luz remota acompaña a esas antorchas. Un cálido resplandor íntimo que pareciera diseñar el salón de la casa de un patrocinador de arte de lujo construyen la iluminación de Lucy Carter.

Sin embargo, Wayne McGregor, en “FAR”, presentada el 18 de enero por Random Dance en el Yerba Buena Center for the Arts de San Francisco, California, se asegura de que el clima íntimo de la iluminación encuentre su contrapartida dando a sus bailarines la posibilidad de ir más allá de la icónica hiperextensión Balanchine.

La música de Ben Frost también se pliega a esa hiperextensión, empezando por la ópera , el madrigal, arias, música electrónica y vuelve a los cantos gregorianos. En los decorados hay un gran panel móvil de luces LED que asciende y desciende como si fuera una segunda cortina. En la coreografía se pliega la experiencia sensorial en una mezcla emocionante.

Destacan Catarina Carvalho, Jessica Wright, Anna Nowak, Alvaro Dule, Michael-John Harper y James Pett, pero en verdad, todos los bailarines son interesantes. En particular, un pas de deux en el que Carvalho y su pareja, en el escenario iluminado sólo por luces LED con puntos brillantes en los centros.

Un bailarín camina hacia atrás en diagonal, sus ojos fijos en las luces. Todas las luces se apagan, excepto una que se convierte en una suerte de estrella de Belén. Una bailarina gira una válvula imaginaria en arabesque. La Estrella de Belén se multiplica y cambia su posición.

Harper entra y se abre el espacio para los otros. Fukiki Takase, con una blusa de color malva, va hacia atrás y hacia adelante. Un bailarín hace lo mismo desde bambalinas.

Tal vez debido al fenómeno de que la marca y la celebridad de McGregor experimentaron un aumento tan astral, los críticos se preguntan razonablemente si su estrella se quema relativamente temprano. Tras el éxito de “Eden , Eden”, y el cálido abrazo del público de “Chroma”, algunos expresaron la opinión de que en “Borderlands” McGregor hizo una “mezcla” de obras anteriores. “FAR” es una pieza más audaz y sin embargo, más íntima que las otras tres. Tres bailarinas danzan con estiramientos y estocadas en una suerte de “conversación de género”, al tiempo que entran los hombres y se establece una suerte de intercambio. Y todas las luces estallan en un instante.

Travis Knight Clausen y Catarina Carvalho ofrecen un pas de deux que mantiene la dinámica de todo el trabajo. Álvaro Dule y Jessica Wright realizan combinaciones idénticas uno al lado del otro. Su asociación es algo así como una proeza atlética, como si fueran un par de físicos que trabajan en algo singularmente secreto y espectacular.

Otros se unen a ellos como los números de las pantallas de panel de luz, y un chisporroteo en la partitura presenta la música instrumental de cuerda. El panel desciende. Bailarines en una sola línea se enfrentan a la audiencia, y se rompen en movimiento dentro y fuera de la silueta. Dos hombres bailan un dúo marcados por el encantamiento de un texto poético.

En los momentos finales, cantos gregorianos. Y el panel de luz se levanta de nuevo.