Herman Cornejo, en movimiento, mediante el Sistema Sebring Revolution en una imagen capturada en 360 grados. Foto gentileza Steven Sebring.

Cuando en 1912 Vaslav Nijinsky, la estrella de Los Ballet Russes de Sergei Diaghilev, conmocionó al público de París con el estreno de “Siesta de un fauno” y “Consagración de la primavera”, hubo un antes y un después. La danza ya no fue la misma, y los conceptos estéticos tradicionales empezaron a reconstruirse desde otra perspectiva.

Hoy, Herman Cornejo, a caballo entre los dos siglos, plantea, al igual que Nijinsky, una nueva y renovadora manera de ver y vivir la danza. En este período de confinamiento obligado por una pandemia que se adueñó del mundo, el primer bailarín del American Ballet Theatre (ABT) se animó a poner en marcha un proyecto que venía diseñando desde hacía tiempo: Dancelive.

La primera presentación filmada en diciembre 2020 se transmitió en las redes el 30 de enero de este año, con Skylar Brandt, bailarina principal del ABT, y Cornejo como protagonistas. Una propuesta que rompe con las estructuras preestablecidas y se afianza en una perspectiva de futuro donde la danza adquiere perfiles diferentes sin desentenderse de su esencia.

Esta idea, que empezó con apuntes en borrador, logró plasmarse con la colaboración de Sebring Revolution, la empresa estadounidense de medios multidimensionales que crea contenido visual-artístico interactivo a través de plataformas holográficas. Las imágenes se proyectan en Sebring House Platform, una plataforma multimedia navegable creada por el reconocido fotógrafo, cineasta y productor Steven Sebring,

Dancelive transita entre la realidad virtual y la concreta, entre la escena y el detrás de la escena, y explora el mundo tridimensional a través de una lente que captura el movimiento en 360 grados. De esta forma, bailarines y público se instalan en un proceso de inmersión en el que la danza en vivo se presenta con mayor intimidad y cercanía.

El espectáculo virtual está diseñado con la arquitectura de un motor de juegos, y tiene la particularidad de ser accesible en todos los dispositivos, desde móviles a computadoras de escritorio y cine en casa. La presentación proporciona una óptica envolvente en la cual el espectador se siente integrado a la experiencia creativa desde la concepción hasta el ensayo y la actuación.

Herman Cornejo en un ensayo con Joshua Beamish en modo virtual. Foto gentileza Steven Sebring.

Danzahoy: ¿Cómo se fue gestando esta idea de fundir lo real y lo virtual? 

Herman Cornejo: Empecé a escribir este proyecto hace dos años. Sin embargo, como la danza fuera de escena no tiene mucha conexión con el público, seguí trabajando en eso para encontrar la forma de canalizarlo mejor. Durante la pandemia, y a raíz del rol que ha tenido la tecnología en este período, esta idea empezó a hacerse más real. Incorporar esta plataforma hizo que el proyecto tuviera una interacción tridimensional. La intención es que, lo que se ve en los videos se convierta en realidad virtual, lo cual permitirá que los espectadores intervengan en el show virtualmente.

D: ¿Qué es lo que agrega esta tecnología al concepto del espectáculo tradicional?

HC: Que el espectador puede ver el proceso de la creación, porque eso es algo que siempre se lo perdió. Creo que es importante mostrar que cuando un bailarín profesional llega al escenario es porque hubo mucho trabajo previo. La intención es también educativa. Es decir, hay un aspecto pedagógico que consiste en desarrollar la secuencia de un paso de baile desde un plano tridimensional. De esta manera el bailarín puede ver el movimiento del cuerpo desde distintos ángulos. La idea es que esa creación en vivo sin cortes se lleve al teatro y se filme. Y a partir de ahí aparece un tercer eslabón, que es el plano tridimensional.

D: Parecería que éste es un momento clave para lanzar un proyecto como éste.

HC: En 2020 hemos tenido emociones variadas, y este proyecto fue uno de los “up”. Sin esta pandemia no lo hubiera hecho. Esta desgracia, durante la que se paró el mundo y murió mucha gente, me dio el tiempo, tan preciado, para crear otra cosa. Lo interesante es que, si bien es virtual, todas estas coreografías también se pueden hacer después en el teatro. Por otra parte, la danza siempre evoluciona y la tecnología es el presente y el futuro.

D: ¿De qué manera funcionará esta compañía?

HC: Dancelive se creó con este proyecto virtual, y si bien no va a ser una compañía permanente, se organizará en función de cada proyecto. Vamos a seleccionar bailarines de distintas compañías internacionales para cada propuesta, y trabajaremos durante un mes hasta filmar todo el proceso. Luego, buscaremos otros bailarines para encarar un nuevo proyecto. El objetivo es hacer un promedio de seis durante todo el año. En este equipo cada uno tiene su función y como siempre, el patrocinio es muy difícil de encontrar, especialmente para proyectos nuevos. Y habrá que abrir otras puertas.

Un nuevo rumbo

Apenas tenía 8 años cuando quedó deslumbrado por la danza. Era la primera vez que veía al bailarín Maximiliano Guerra. La obra: “Espartaco”, uno de los grandes clásicos del siglo XX. A los 14 años, integró Ballet Argentino dirigido por Julio Bocca, y dos años más tarde, ganó la medalla de oro en la VIII Competencia Internacional de Danza de Moscú. Fue el bailarín más joven en la historia del concurso. Y si bien no cumplía con la edad mínima requerida, fue el mismo Bocca quien pidió una excepción para que lo aceptaran. Hoy, con más de 20 años en el ABT es el único hispano con la categoría de primer bailarín en la compañía.

Llegó al ABT con su hermana Erica -ex bailarina del ABT y del Boston Ballet-, y los dos experimentaron el famoso “sueño americano”. “Mi madre se quedó los primeros tres meses con nosotros para confirmar que estuviéramos bien ubicados, y seguros de que era eso lo que queríamos –recordó–. A pesar de ser muy joven cuando llegué, siempre fui muy responsable, aún hoy tomo clases como si fuera un principiante. Y no me dejé tentar por lo que ofrece una ciudad como Nueva York. Soy muy casero, y no me gusta ir de fiesta”.

Con voz firme y calidez mesurada, Cornejo invita a imaginar otras dimensiones estéticas y emocionales. Salta entre el presente y el futuro con la magnificencia y la magia que lo hace en escena. Desde su apartamento en Nueva York, con una niña de pocos meses, el bailarín argentino que nació en la provincia de San Luis abre nuevas puertas a la danza.

D: ¿Este proyecto implica tu separación del ABT?

HC: ABT es mi casa, estoy desde los 17 años, y pienso ser su director en el futuro. Conozco todo: burocracia, repertorio, y sé lo que puede ser ABT conmigo como director. Pero antes de eso, el primer paso es mostrar lo que puedo hacer. Por otra parte, si ABT se caracteriza por algo, es justamente por la variedad de nacionalidades que integran la compañía.

D: ¿De qué manera afectó la pandemia al ABT?

HC: Fue devastador económica, física y emocionalmente para todos porque al ser una compañía privada, dejó de pagar y, a pesar de la ayuda financiera que recibimos los bailarines, todavía estamos en el paro. Si bien hemos tomado clases virtuales, nos va a llevar un tiempo volver al nivel que todos teníamos antes de la pandemia. No creo que podamos hacer las coreografías a las que estábamos acostumbrados, como los ballets completos, por ejemplo. La clase que uno hace en la casa es más para la salud mental que para el físico, porque es imposible sin los elementos necesarios para nuestro trabajo como lo son el piso o la barra.

D: ¿Cuál fue tu reacción durante este año que pasó?

HC: Para mí, bailar no es moverme, es interpretar algo, contar una historia. En julio 2020 cerré mi estudio -una habitación que diseñé como gimnasio- porque me sentía atrapado sin tener nada que hacer. Cuando lo cerré empecé a mejorar emocionalmente. De igual manera, todos los bailarines pasamos por ese momento, y nos preguntamos qué hacer. A mí me sirvió escuchar a mi cuerpo porque era una lucha conmigo mismo.

D: ¿En algún momento te planteaste dejar de bailar?

HC: Voy a cumplir 40 años, y si bien en el momento en que empezó la pandemia me sentía bien, en forma y planeaba que podía bailar hasta los 45, tener que parar me hizo pensar si realmente podría recuperarme para volver al escenario. Y especulé con mi retiro. Pero poner este proyecto en pie me dio las energías para seguir. Y aquí estoy.

Skylar Brandt y Herman Cornejo a través de multiples camaras en el primer proyecto de Dancelive. Foto gentileza Steven Sebring.

Dancelive Series

Acto I-Acceso ilimitado: El espectáculo detrás del espectáculo

Experiencia interactiva de transmisión en vivo que muestra el proceso creativo de los artistas entre bastidores. Entrenamientos, ensayos, trabajo cotidiano. Entrevistas a los bailarines y equipos creativos.

Acto II-In Motion (En movimiento): Dance on Film

Todos los componentes del proceso de DANCELIVE, además de transmitirse en vivo, se integrarán en una biblioteca de películas, disponible para su visualización bajo demanda, dirigida por el cineasta Steven Sebring (Patti Smith: Dream of Life), lo cual permitirá que el público haga una exploración cinematográfica múltiple de la expresión artística de los bailarines.

Acto III-El Foco: Actuaciones en vivo

Las presentaciones de Dancelive se presentarán en el Revolution Theatre, la casa histórica del Clinton Star Theatre en el centro de Manhattan, durante reuniones íntimas VIP (con distancia social), disponibles en casa a través de su transmisión en vivo.

https://sebringrevolution.com/dancelive

]]> https://www.danzahoy.com/home/2021/04/un-salto-dirigido-hacia-el-futuro/feed/ 0 https://www.danzahoy.com/home/2015/01/marcan-huella-con-lo-mas-tradicional/ https://www.danzahoy.com/home/2015/01/marcan-huella-con-lo-mas-tradicional/#comments Thu, 29 Jan 2015 06:16:32 +0000 mgueler http://www.danzahoy.com/home/?p=8871

“La consagración de la primavera”, de Vaslav Nijinsky , basada en la pieza de Igor Stravinsky, rompió todos los cánones en 1913. Fopto: Natasha Razina. Gentileza JFKC.

“Llamen a un doctor”, “llamen a un dentista”, gritaban desde la platea los espectadores enfurecidos que ya comenzaban a establecer dos frentes de batalla en el Theâtre Champs Elysées de París en 1913 cuando se estrenó por primera vez “La consagración de la primavera”. Sergei Diaghilev ordenó a la orquesta que siguiera tocando y los bailarines continuaron con la función en medio de silbidos, gritos y protestas que convirtieron la sala en un verdadero pandemónium.

Nada de esto ocurrió el martes 27 en el Opera House del Kennedy Center cuando el Mariinsky Ballet, dirigido por Valery Gergiev, subió a escena este emblema de la modernidad y la osadía coreográfica. Aunque también hoy hubiera podido generar escándalos. Lo que aparentemente irritó al público de entonces fue la brutalidad del tema y la violencia de la música de Igor Stravinsky que se lanzaba con audacia en el campo de las disonancias.

El guión, escrito por el mismo Stravinsky y Nicholas Roerich, también responsable de la escenografía y el vestuario retrataba el sacrificio de una doncella en una danza tribal, ancestral, primaria, con la que Vaslav Nijinsky rompió todos los cánones del estilo clásico de la danza para trasladar el lenguaje coreográfico a un plano primitivo. Los pies vueltos hacia adentro, los brazos quebrados, las rodillas dobladas casi constantemente, posiciones primarias y una gran exuberancia rítmica caracterizaron este rito pagano de celebración de la fertilidad. Luego de la adoración de la tierra, deviene el sacrificio.

“El espectro de la rosa”, obra de Mikhail Fokine, estrenada en 1911 por los Ballet Russes de Diaghilev. Foto: N. Razina. Gentileza JFKC.

Una de las doncellas será la elegida para el sacrificio, la que danzará con total desenfreno hasta morir para cumplir el rito. Con el subtítulo de “Escenas de la Rusia pagana”, la obra violó todas las reglas y estableció las pautas para la renovación del ballet del siglo XX. En una conjunción casi mágica, Nijinsky logró que cada uno de los bailarines se convierta en un instrumento que ejecuta, nota tras nota, esa asombrosa partitura de Stravinsky.

El Mariinsky Ballet, inscribió esta pobra en su repertorio, luego de que la repositora Millicent Hodson la recuperara, pieza por pieza, a través de fotos, recueros, testimonios, imágenes que habían quedado dormidas durante cien años. Hasta que el Joffrey Ballet decidió revivirla en 1985. Magnífica interpretación, de la compañía rusa, que trajo al Kennedy Center  obras que formaron parte de los Ballets Russes de Diaghilev. Visionario audaz que impuso un nuevo estilo renovador a través de la convocatoria permanente de artistas de diferentes disciplinas.

El Mariinsky también trajo a escena dos joyas del ballet romántico del siglo XX, “El espectro de la rosa”, obra de Mikhail Fokine, estrenada en 1911, también por los Ballet Russes de Diaghilev, y “La muerte del cisne”. La primera de esta segunda parte, tuvo como protagnistas a una exquisita Kristina Shapran y a Vladimir Shklyarov. En esta historia onírica, una joven que vuelve a su casa después de un baile cae presa de su ensoñación, y en sus sueños, el espectro de la rosa que posee en sus manos aparece por la ventana arrastrándola en una danza encantada.

Ambos bailarines conforman una bella pareja. Shklyarov, con saltos intensos, y delicados movimientos, logra un buen ensamble con su partenaire, aunque no alcanza el tono justo para el encantamiento. Shapran, una bailarina delicada, etérea, sutil, liviana y ligera como el aire, perfila a esa joven subyugada por su percepción onírica.

Inmortalizado por Ana Pavlova, “La muerte del cisne”, trajo a una sublime Ulyana Lopatkina. Con sus maravillosas piernas y sus bazos que parecen alas, la bailarina mostró a la artista sensible y delicada que siempre habitó en ella. Esa arista que en este siglo XXI ya es un “rara avis”. Lopatkina, reapareció en la tercera parte del programa en el Grand Pas de “Paquita”, un emblema del clasicismo en el que la bailarina mostró, una vez más, su magnificencia.

Ulyana Lopatkina, una de las grandes estrellas del Mariinsky Ballet en “Paquita”, de Marius Petipa. Foto: N Razina. Gentileza JFKC.

Si algo caracterizó siempre a Lopatkina fueron sus maravillosas piernas y sus extensiones, su precisión, su delicadeza, y su impecable técnica. Cada una de estas cualidades se ponen en evidencia, cuando se la ve ante un elenco de jóvenes bailarines. Más magnífica que nunca, Lopatkina es el emblema de una generación de bailarines que parece estar extinguiéndose. Como también se han extinguido los visionarios como Diaghilev, que lograron revolucionar la danza con su aporte de belleza e insolencia.

El Mariinsky Ballet sube a escena “La consagración de la primavera”, de Nijinsky, una de las gemas recuperadas por los investigadores Millicent Hodson y Kenneth Archer. Foto: Naralia Razina. Gentileza JFKC.

Cuatro obras que forman parte de la historia del ballet del siglo XX, y una de las compañías más antiguas de la historia, el Mariinsky Ballet, llegan al Opera House del Kennedy Center desde el 27 de enero al 1 de febrero. En este programa mixto la troupe de la Rusia imperial trae a escena “La consagración de la primavera”, de Vaslav Nijinsky; dos obras de Mikhail Fokine, “El espectro de la rosa” y “La muerte del cisne”, y un clásico de Marius Petipa, el grand pas de “Paquita”.

La compañía, fundada en 1740, luego de la creación de la Escuela Imperial de Ballet en 1738, tendrá en el foso a la Kennedy Center Opera House Orchestra. Con la dirección artística de Valery Gergiev, el Mariinsky Ballet apuesta a una memorable propuesta en la que incluye una reconstrucción de la primera versión de “La consagración de la primavera”. Una de las gemas del ballet recuperada por los investigadores ingleses Millicent Hodson y Kenneth Archer.

Estrenada el 29 de mayo de 1913 por los Ballets Rusos de Diaghilev en el Téâtre du Champs Elysées de París, la obra, basada en la pieza del mismo nombre de Igor Stravinsky, causó una revolución en aquel momento. Una combinación explosiva entre Stravinsky y Nijinsky, hizo peligrar las butacas del teatro, cuando el público, indignado, comenzó a arrojar elementos contundentes contra los bailarines, al tiempo que abandonaban la sala. Sólo quedaron los vanguardistas. Después de pocas funciones en París y en Londres, la coreografía no se volvió a representar hasta que el 1 de octubre de 1987 el Joffrey Ballet la estrenó en Los Ángeles.

Hodson y Archer, tras casi 17 años de dedicación, lograron reconstruir la obra a partir de fotografías, documentos, cartas y escasos testimonios. Entre ellos, los de Marie Rambert, estrella del ballet británico, contratada entonces por Diaghilev para colaborar con Nijinsky en el montaje. El Mariinsky Ballet estrenó esta “remake” en 2003, y forma parte del pequeño grupo de casi 12 compañías de ballet que incluyen “La consagración…” en su repertorio. “Los pasos y las posiciones propuestas por Nijinsky son lo opuesto a la tradición académica del ballet”, apuntó Hodson, quien también contó con la colaboración de la hija de Bronislava Nijinska, hermana del bailarín y coreógrafo, que en aquel momento ensayaba el protagónico. Un rol en el que la doncella que sería sacrificada por la tribu, tenía que hacer 126 saltos hasta

“El espectro de la rosa”, obra emblemática de los Ballet Russes de Diaghilev, creada por Mikhail Fokine. Foto: Natalia Razina. Gentileza JFKC.

caer extenuada. Por entonces Nijinska, advirtió su embarazo, y la reemplazó María Piltz.

“El espectro de la rosa”, es otra de las obras emblemáticas de los Ballet Russes de Diaghilev, creada por Fokine con música de Carl María Von Weber, y estrenada el 19 de abril de 1911 por Tamara Karsavina y Vaslav Nijinsky. Fue el primer ballet presentado por Diaghilev en el Teatro de Monte-Carlo. Está basado en el poema de Théophile Gautier, “Después del Baile”, con coreografía de Jean-Louis Vaudoyer y escenografía de León Bakst.

A esta pieza corta se suma “La muerte del cisne”, también de Fokine, sobre un fragmento de “Carnaval de los animales” de Camille Saint-Saëns. Anna Pávlova la estrenó en Buenos Aires en 1928. Luego, también la inmortalizaron Galina Ulánova, Alicia Markova, Margot Fonteyn, Natalia Makárova y Maya Plisétskaya, entre otras.

El Mariinsky Ballet también sube a escena el Grand Pas de “Paquita”, de Petipa, que tuvo su debut en San Petersburgo en 1881. Con música de Ludwig Minkus, compositor oficial de los Teatros Imperiales, y autor de la música de “Don Quijote” y “La Bayadera”, “Paquita” tiene como punto distintivo las posibilidades de lucimiento del virtuosismo de los bailarines.

Calendario:

Mariinsky Ballet
Martes 27 al sábado 31 a las 7:30 pm
Sábado 31 de enero y domingo 1 de febrero a la 1:30 pm

Informes:
www.kennedy-center.org
Tel.: (202) 467-4600
(800) 444-1324

La artista chilena Isabel Croxatto presentará una nueva versión de “La siesta de un fauno”, original de Vaslav Nijinsky. Foto gentileza Festival de coreógrafos.

Música, lenguajes y tradiciones diferentes se unirán en la misma compañía con el estreno mundial de las coreografías que dos grandes talentos, Isabel Croxatto y Demis Volpi, crearon para el Ballet de Santiago. El “Bolero” de Maurice Béjart, el estreno en Chile de la obra de John Neumeier –con un pas de deux de “Othello”–, la participación de Estrellas del Ballet de Stuttgart –Friedemann Vogel, Alicia Amatriain y Jason Reilly– y del Ballet Nacional Chileno (BANCH) serán otros de los hitos del Festival de coreógrafos que se realizará entre el miércoles 27 y el sábado 30 de agosto en el Teatro Municipal de Santiago.“Ésta es una noche de riesgos y de sorpresas. Es una jornada de estrenos mundiales, de primeras veces en Chile, del debut de Estrellas y también de favoritos del público. Es un festival que celebra la creatividad del quehacer coreográfico de diferentes latitudes y es, ante todo, un viaje por la versatilidad y riqueza de la danza contemporánea”. Así describe Marcia Haydée, directora artística del Ballet de Santiago, lo que acontecerá en este Festival.

Fue una obra absolutamente rupturista, que a principios del siglo XX abrió las fronteras del lenguaje coreográfico y puso en el tapete temas como el individualismo y la sexualidad. Este 2014, la destacada artista chilena Isabel Croxatto presentará una nueva y seductora versión de “La siesta de un fauno”, original de Vaslav Nijinsky, con música de Claude Debussy.

Asimismo, otro brillante coreógrafo, Demis Volpi –autor de la premiada “Spaceman”–, llegará con un innovador ballet contemporáneo que reflexiona en torno al significado del cabello. Será el Ballet de Santiago el encargado de estrenar mundialmente estas dos obras, propiciando así un encuentro entre las tradiciones coreografías de Chile y Europa.

Otras sorpresas completarán este inédito espectáculo: el estreno mundial del dúo “Ellphlox, espíritu del bosque”, de Eduardo Yedro. También se anuncia el debut de Alicia Amatriain y Jason Reilly –bailarines principales del Ballet de Stuttgart–, quienes presentarán un pas de deux de “Othello” del prolífico John Neumeier, cuya obra se presenta por primera vez en Chile. “Mono Lisa”, de Itzik Galili; el estreno en Chile de “Trazos” de Jaime Pinto, el regreso de “Bolero” de Béjart con música de Maurice Ravel –un favorito del público que será protagonizado por otro debutante, el gran bailarín de Stuttgart, Friedemann Vogel–, y de “Retrato de Yedro” integran este repertorio.

El coreógrafo francés Mathieu Guilhaumon también debutará en el Teatro Municipal de Santiago con “Añañucas” y extractos de “La hora azul”, obras que serán presentadas por la compañía que él dirige, el BANCH.

Ficha artística:

Trazos (estreno en Chile)
Música: Claude Debussy. Coreografía: Jaime Pinto
Intérpretes: Romina Contreras y Sebastián Vinet (Ballet de Santiago)

Creada para Romina Contreras y Sebastián Vinet –miembros del Ballet de Santiago–, esta coreografía traza la juventud de los cuerpos y la pureza interpretativa de ambos bailarines. Ella traza las notas del piano y él, las del cello de la Sonata n.° 1 en re menor para cello y violín de Claude Debussy.

Añañucas
Música: Antonio Vivaldi en la versión de Max Richter. Coreografía: Mathieu Guilhaumon
Intérpretes: Paola Moret y Valentín Keller (Ballet Nacional Chileno)

Con una versión que Max Richter hizo de Las cuatro estaciones de Vivaldi, esta obra (re)escribe la leyenda nortina de la Añañuca, que cuenta la historia de una muchacha que muere esperando a su amado, un minero que se pierde en la búsqueda de un tesoro perdido.

Ellphlox, espíritu del bosque (estreno mundial)
Música: Arturo Márquez . Coreografía: Eduardo Yedro
Intérpretes: Maite Ramírez y Rodrigo Guzmán (Ballet de Santiago)

Dos seres sobrenaturales, guardianes y símbolos de la naturaleza, protagonizan este pas de deux musicalizado con el Danzón n.° 2 de Arturo Márquez, una pieza sensual, rítmica y contagiosa.

Mono Lisa (estreno en Chile)
Música: Thomas Hofs e Itzik Galili. Coreografía, escenografía e iluminación: Itzik Galili
Intérpretes: Alicia Amatriain y Jason Reilly (Ballet de Stuttgart)

Los sonidos de una máquina de escribir y un escenario prácticamente desnudo enmarcan a esta exigente coreografía que pone a prueba el virtuosismo de sus intérpretes.

La siesta de un Fauno (estreno mundial)
Música: Claude Debussy en una versión de Marcello Martínez . Concepto, coreografía y dirección: Isabel Croxatto
Intérpretes: Ballet de Santiago

Basada en la versión original de Nijinsky (1912), esta coreografía se plantea como una “puerta de entrada al laberinto de la modernidad y como un archivo y memoria de un cambio de paradigma en las artes”. Gira en torno a la figura del fauno y sus ninfas con diferentes dispositivos coreográficos: original-copia, codificación-decodificación, camuflaje, infiltración, activación-desactivación, control-descontrol.

La Hora Azul (extractos)
Música: Hildur Gudnadottir, Frédéric Chopin, Zoë Keating . Coreografía: Mathieu Guilhaumon
Intérpretes: Ballet Nacional Chileno.

Aquel momento en que ya no es de día, pero tampoco de noche es el espacio-tiempo que de esta obra. Con música de Hildur Gudnadottir, Frédéric Chopin y Zoë Keating, pequeñas historias aparecen y desaparecen a lo largo de La hora azul.

Retrato
Música: Patricio Meneses . Coreografía: Eduardo Yedro
Intérpretes: Natalia Berríos y José Manuel Ghiso (Ballet de Santiago)

El retrato de una mujer cobra vida y danza con su autor, un artista apasionado por la pintura y la belleza y enamorado de su propia creación.

Creación coreográfica (estreno mundial)
Música: Henryk Górecki . Coreografía: Demis Volpi
Intérpretes: Luis Ortigoza junto a otros artistas del Ballet de Santiago

El diseñador Thomas Lempertz quería trabajar en una propuesta en torno al cabello. Volpi acogió la idea y, a través del movimiento y el Cuarteto para cuerdas n.° 2 de Henryk Górecki, explora en esta obra los significados estéticos, expresivos, emocionales y culturales del pelo.

Pas de deux de Othello (estreno en Chile)
Música: Arvo Pärt . Coreografía, escenografía y vestuario: John Neumeier
Intérpretes: Alicia Amatriain y Jason Reilly (Ballet de Stuttgart)

Escena de amor entre Othello y Desdémona, en que el gran John Neumeier logra retratar la profundidad de los sentimientos de los enamorados con un mínimo de movimientos. Musicaliza este pas de deux la obra Spiegel im Spiegel (Espejo en un espejo), del compositor estonio Arvo Pärt. 

Bolero
Música: Maurice Ravel . Coreografía: Maurice Béjart
Intérpretes: Friedemann Vogel (Ballet de Stuttgart) junto al Ballet de Santiago

La música de Ravel y la coreografía de Béjart son una perfecta simbiosis en esta obra seductora, violenta, original y versátil, en que la tensión entre ritmo y melodía crece y crece con el aumento de la intensidad de la música y la repetición.

Más información: municipal.cl / facebook.com/teatromunicipal / @TeatroMunicipal

El programa aniversario de los 50 años del Boston Ballet cerró en el Lincoln Center de Nueva York con “Bella Figura” de Jiri Kylian. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza BB.

Para una corta temporada de sólo cuatro días, el Boston Ballet (BB) visitó por primera vez la capital del mundo de la danza, aprovechando asimismo la oportunidad para celebrar su temporada número 50 en el teatro Koch del Lincoln Center de Nueva York.

Mikko Nissinen, director artístico, combinó dos interesantes programas para los neoyorquinos. En uno de ellos, cuatro piezas de distintas épocas y estilos: “Sinfonía en Tres Movimientos” de George Balanchine, sobre la áspera música de Igor Stravinsky; “La Siesta de un Fauno”, de Vaslav Nijinsky, que utiliza la hermosa partitura de Claude Debussy, y “Plan to B”, de Jorma Elo, coreógrafo residente del BB, con acompañamiento de Heinrich Ignaz Franz von Biber. El programa cerró con “Bella Figura” de Jiri Kylian, sobre música de variados compositores de distintas épocas; modernos como Lukas Foss, pasando por Pergolessi, Vivaldi y otros.

El público que ocupaba el teatro parecía medir los aplausos a los solistas en principio, pero pronto la interpretación sobre la coreografía del llamado “dueño del teatro” (Balanchine, para más señas), fue del agrado de todos.

Altan Dugaraa, como el Fauno, en la obra de Nijinsky, logró captar los ambiguos movimientos que la mente ya alterada de Nijinsky había diseñado para él mismo, primer intérprete de la obra. El estreno, ocurrido en París en 1912, causó casi una revolución en el teatro: el público se marchó, indignado,  en señal de protesta. La coreografía del joven Nijinsky molestaba en su sensibilidad a la mayoría de los asistentes por estimarla “lasciva”. El gran Nureyev, al interpretarla casi media centuria después, hizo resaltar el mismo gesto, pero ya el público moderno aplaudió a rabiar todas esas “excentricidades”.

“Plan to B”, estrenada en 2004, con vestuario original del propio coreógrafo, resultó la gran sorpresa de la noche. Cinco intérpretes: Dusty Button y Whitney Jensen, junto a Bud Busby, Jeffrey Cirio, John Lam y Sabi Varga. La obra tuvo una exactitud de movimientos entre los cinco bailarines, que sólo puede ser catalogada de magnífica. Además de incluir elasticidad, que mereció una gran ovación de pié.

Ya con el ambiente caldeado, la pieza final de Jiri Kylian deja mucho que pensar. ¿Desea acaso el coreógrafo que el público se sienta cómodo observando desnudos en la escena, igual de parte de los bailarines que de las bailarinas? Por otra parte, las enormes sayas rojas que todos vestían, parecían bellos globos inflados, robando la total atención de los presentes.

La noche cerró con una pregunta: ¿habrá pronto una segunda visita del BB a la Gran Manzana? Y un deseo: que no se haga esperar mucho.

El programa inaugural de la nueva etapa de la CND, “Work in progress”, tuvo una buena acogida del público de Madrid, España. Foto: Fernando Marcos. Gentileza CND.

La presentación de la nueva etapa de la Compañía Nacional de Danza (CND) con José Carlos Martínez (Cartagena, 1969) al frente supuso toda una declaración de intenciones sobre el nuevo rumbo de la formación. Tras veinte años bajo la dirección de Nacho Duato (Valencia, 1957) y con la interinidad de Hervé Palito, Martínez, ex étoile del Ballet de la Ópera de Paris, ha asumido la tarea titánica de reconvertir la filosofía, principios y repertorio del grupo. Entre sus líneas de actuación figuran como ejes cardinales aspectos tales como dar una oportunidad a los nuevos coreógrafos españoles, presentar obras de los grandes coreógrafos mundiales ante el público español e ir abriendo el abanico de posibilidades y estilos hacia el neoclásico. De esta manera, el programa inaugural de la nueva etapa, “Work in progress”, respondió a las premisas de Martínez.

A modo de apertura, Alejandro Cerrudo (Madrid, 1980), bailarín y coreógrafo residente de la Hubbard Street Dance Company de Chicago, debutó en casa con la obra “Extremely close” (2008). La música de piano de Philip Glass y Dustin O’Halloran crea una atmósfera de imperturbable serenidad, mientras que la pieza de Cerrudo trata de la proximidad y lejanía entre seres humanos, aún hallándose cerca físicamente. En composiciones de dúos, tríos o cuartetos hasta completar un octeto de bailarines, la coreografía es una especie de perpetuum mobile, dividida en pequeños instantes con aroma a tiempo detenido. Varios paneles móviles se desplazan constantemente creando diferentes espacios escénicos, a la par que una lluvia de plumas se precipita y construye un suave y mullido lecho para que los bailarines ejecuten movimientos precisos y ralentizados. La obra delata la juventud de Cerrudo en el ámbito compositivo, así como la fuerte raigambre de los conocimientos extraídos en su etapa en el Nederlands Dans Theater (NDT) 2.

El guiño hacia el mundo de lo clásico vino de la mano de “El espectro de la rosa” (1993), en una lectura libre y casi apócrifa del original (1911) de los Ballets Rusos de Diaghilev. Michel Fokine firmó el paso a dos de Tamara Karsavina y Vaslav Nijinsky, estrenado en el Teatro de Monte-Carlo, hace un siglo. En su época, maravilló el salto de inicio y grand jeté final de Nijinsky, sumado a la delicada de Karsavina, embelesada por el espectro de la rosa traída de un baile. La propuesta de Angelin Preljocaj (Sucy-en-Brie, Francia, 1957) difiere por completo del concepto romántico del original, ensalzando el aspecto más carnal y libidinoso, reprimido por la pareja. En el interior de una caja, dos parejas representan la faceta contenida –ellos ataviados con la viril indumentaria de torero-, mientras en el exterior, un dúo encarna a la joven y al espectro de la rosa. Enigmática lectura del coreógrafo francés de origen albanés, con un resultado desconcertante para el espectador.

El programa elevó su tono y nivel con “Artifact II” (1984), considerada una obra maestra indiscutible de William Forsythe (Nueva York, 1949) y creada para el Ballet de Frankfurt (1984-2004). No es la primera vez que la CND aborda esta pieza, ya que entró en su repertorio en 1984, tras su estreno en el Teatro Arriaga de Bilbao. Había quienes clamaban por ver a las bailarinas de la CND con sus zapatillas punta –de cuya popularización se cumplen 180 años, ya que Marie Taglioni las convirtió en una seña de identidad en “La Sylphide” (1832)- y ésta fue la ocasión. De forma inteligente, Martínez desempolva del baúl de los recuerdos una obra célebre de uno de los grandes coreógrafos de finales del siglo XX. Sobre música de Bach, el creador norteamericano emplea los recursos de la danza neoclásica, dotándolos de un contexto diferente y construyendo una nueva gramática a partir del lenguaje clásico. El fondo y los laterales presentan al cuerpo de baile, lugar de donde surgen dos parejas que interpretan bellos pasos a dos, interrumpidos de forma abrupta por el continuado caer de los telones. Extracto de una pieza indispensable en las últimas décadas del ballet, todo un gusto recuperarla para el público madrileño.

Johan Inger (Estocolmo, 1967), coreógrafo asociado de NDT, fue el responsable de la última obra de la velada, “Walking mad” (2001), creada para la compañía holandesa. A partir de la grabación del “Bolero” de Maurice Ravel, con Zubin Mehta dirigiendo a la Filarmónica de Los Ángeles, el creador sueco construye una pieza en dos partes: la primera va in crescendo a la par que la inmortal música de Ravel hasta la apoteosis final; la segunda, sobre partitura de Arvo Pärt, se centra en el imprescindible paso a dos intimista de manual, que Inger podría haber omitido y haber cerrado con el éxtasis del “Bolero”. El programa “Work in progress” contiene las líneas maestras de lo que pretende ser la senda de José Carlos Martínez en la dirección de la CND. En apenas cuatro meses, el nuevo director ha confeccionado una propuesta plural, un amplio abanico que abarca desde el neoclásico, hasta el contemporáneo, pasando por la savia nueva de jóvenes creadores. El ex étoile del Ballet de la Ópera de Paris necesita tiempo para consolidar su trabajo y, sobre todo, un voto de confianza, empezando por sus propios bailarines. Queda fuera de toda duda la profesionalidad y calidad de los componentes de la CND, sin embargo, en varias de las obras ofrecidas en la velada acusaron una manifiesta falta de fe. No sólo hay que bailar, hay que interpretar y creer en lo que se baila. Tiempo y fe a partes iguales necesita Martínez para que cuajen los cimientos de una futura compañía versátil, abierta a diferentes estilos de danza, siendo la calidad su eje motor. De momento, el público le dio su respaldo y aplauso en las cinco funciones- con el aforo totalmente vendido- en el Teatro de la Zarzuela de Madrid.