“Wilma”, protagonizada por Itzhel Razo, se ha presentado en los recintos más importantes de la Ciudad de México. Foto: Carlos Alvar. Gentileza IR.

Al ser una obra que logra tocar heridas universales de cualquier ser humano más allá de su nacionalidad, la artista mexicana Itzhel Razo quiso llevar su monólogo “Wilma” a diferentes países, y no sólo para demostrar que las emociones y sentimientos humanos no tienen fronteras, sino para contribuir en la exaltación de la cultura maya en el extranjero.

Tras el rotundo éxito que tuvo esta propuesta escénica en México desde su estreno hace cuatro años -la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro (ACPT) le otorgó el premio en la categoría de Mejor Monólogo en 2023- ha protagonizado una gira internacional en diferentes países, entre ellos Alemania, Estados y Uruguay.

Sus próximas presentaciones serán del 28 al 30 de agosto en el Festival de artes escénicas de Medellín, Colombia. “Wilma” fue una de las diez mejores propuestas seleccionada entre 400 compañías de diferentes partes del mundo.

Después, se presentará del 26 al 29 de septiembre en RUTAS 2024, festival organizado en Aluna Theatre, de Toronto Canadá, en donde han participado artistas y grupos mexicanos de renombre como Teatro Línea de Sombra.

Razo, quien es egresada del Centro Nacional de Danza Contemporánea y realizó estudios de Literatura Dramática y Teatro en la UNAM, considera que la obra ha evolucionado con el paso de los años. “De la misma forma que un huracán, ‘Wilma’ ha crecido cada vez que ha tocado tierra -dijo-. Si como huracán arrancó siendo categoría 2, sin duda ahora se encuentra en categoría 5. Es una obra que me ha permitido profundizar en heridas personales para volverlas universales y crecer como directora y actriz. Además, ha tenido la oportunidad de probarse y comprobarse con muchos públicos diferentes”.

Cabe destacar que “Wilma” se ha presentado en los recintos más importantes de la Ciudad de México, como en los teatros del Centro Cultural del Bosque, el Centro Nacional de las Artes, el Centro Cultural Helénico y el Sistema de Teatros. Ha realizado gira nacional por diferentes estados de la República Mexicana, y el año pasado develó la placa por sus 100 representaciones (este 2024 llegarán a las 110).

Desde su estreno hace cuatro años “Wilma” ha protagonizado una gira internacional en diferentes países, entre ellos Alemania, Estados y Uruguay. Foto: Carlos Alvar. Gentileza IR.

Historia atemporal

“Wilma”, descrito por la artista como un biodrama, narra la historia de una menor que crece como una extranjera en la tierra que la vio nacer: Yucatán. La pequeña es aislada por el racismo impuesto por su abuela de origen irlandés, quien le prohibió tener amigos mayas, convivir con los indígenas de la zona y hablar la lengua originaria. Durante la escenificación, el espectador es testigo de algunos momentos simbólicos de la infancia de la protagonista a través de anécdotas, fotografías y material audiovisual.

Razo, quien también se formó en la Universidad de Dankook en Corea del Sur y en la Universidad Andalas de Sumatra Occidental en Indonesia, considera que su obra difícilmente pasará de moda por la temática que aborda.

“Creo que es una propuesta atemporal porque toca heridas profundas y universales que conectan con cualquier persona del mundo -afirmó-. La obra habla de la educación clasista que me impartió mi abuela y del clasismo particular de Mérida, Yucatán, una sociedad que desde sus cimientos se fundó con un inmenso culto a lo blanco y fue llamada la blanca Mérida. Compartir este microcosmos hace que el público se conecte con sus historias personales, con sus vivencias, sus heridas y su memoria inquieta”.

Empatía internacional

Al preguntar a la artista yucateca, qué busca compartir con el público extranjero a través de su propuesta, respondió: “Dar valor a la cultura y a la lengua maya. Además de una crítica al culto a lo blanco y al clasismo insertado en las sociedades, al mismo tiempo que pone foco en las heridas familiares y la educación clasista de una abuela a su nieta”.

En cuanto a las expectativas sobre la respuesta del público internacional, Razo comentó que su objetivo es que logren conectar con la obra y pasar por diferentes estados. “Que atraviesen sus propias tormentas y huracanes”.

“Wilma” es un biodrama que narra la historia de una menor que crece como una extranjera en la tierra que la vio nacer: Yucatán. Foto: Carlos Alvar. Gentileza IR.

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El Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque será el primero en recibir a Óscar Ruvalcaba Cía. con el estreno mundial de “Center”. Foto: Octavio Amador. Gentileza ORC.

“Frente a una época donde se vive una ruptura de valores, es necesario buscar un equilibrio con la conciencia clara de lo importante que es encontrar nuestro centro para no ser presa fácil de una sociedad en crisis”. Tal es la reflexión personal del maestro Óscar Ruvalcaba Pérez, destacado bailarín y coreógrafo mexicano, la cual fue plasmada en su más reciente creación escénica: “Center”. La obra se estrenará mundialmente dentro de una gran temporada que cobijarán tres importantes instituciones culturales mexicanas.

“Center” llegará primero al Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque (del 10 al 13 de agosto). Después arribará al Salón de Danza de la UNAM en el Centro Cultural Universitario (8, 9 y 10 de septiembre). Y culminará funciones en el Teatro Raúl Flores Canelo del Centro Nacional de las Artes (28, 20 y 30 de septiembre, y 1 de octubre).

El origen

El maestro Ruvalcaba Pérez -miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte-, explica que “Center” forma parte de la trilogía que propuso para ser beneficiario de este estímulo federal. La primera coreografía fue “Periferia” y la segunda “Travesía”. Con “Center” cierra el ciclo de este proceso creativo.

Cabe destacar que las tres piezas surgieron de las reflexiones del coreógrafo tras la emergencia sanitaria vivida a nivel mundial: “Al principio todos nos sentíamos desplazamos a la periferia de nuestras vidas, lo que originó la primera obra. Después vino la travesía que habíamos de protagonizar para encontrar el centro. Para finalmente llegar a un centro distinto del que habitábamos, pero un centro igual”.

“Center” es el último eslabón de la trilogía que integran “Periferia” y “Travesía”, creadas por Óscar Ruvalcaba Pérez. Foto: Octavio Amador. Gentileza ORC.

La propuesta

El maestro Ruvalcaba Pérez explica que en “Center” aborda la importancia de encontrar un equilibrio. Desde su punto de vista, “se trata de una reflexión que es prioritaria en la vida de los seres humanos, ya que es vital para su existir. Por desgracia -continuó-, es hasta que se ven inmersos en situaciones extremas que deciden actuar”.

“Regularmente no hacemos ejercicios de introspección hasta que aparecen circunstancias extraordinarias (como la pandemia), para que reflexionemos y evaluemos las cosas cotidianas de nuestra vida. Es entonces que nos damos cuenta de lo extraordinario que es nuestro entorno, nuestro hábitat, nuestra cotidianeidad, nuestro existir”.

Al preguntarle por qué considera que sería un tema actual, el creador escénico respondió: “Porque vivimos un momento de ruptura de valores, en donde todo ha adquirido estatus de igualdad: lo bajo es igual que lo alto y es subjetivo. Si bien hay verdad en esto, es también necesario tener un equilibrio con las certezas que no dependan de las subjetividades. Es crucial saber cuál es nuestro centro, pues no tenerlo claro nos hace presa fácil de la dura sociedad de mercado y del espectáculo que nos define en este momento”.

El relato

“Center” cuenta con una dramaturgia que está conformada por cuatro secciones coreográficas que representan cuatro imágenes o universos ideados por el maestro Ruvalcaba Pérez: la montaña sagrada, el árbol del fin del tiempo, el ombligo del cielo y café con leche en un día lluvioso.

Su autor explicó que cada sección tiene que ver con el centro: el centro como lugar mágico y de poder, sea geográfico, social o espiritual. Además, se construye una pequeña historia con cada una de estas imágenes que se da a través de la danza. A su vez, hay personajes que son interpretados por los siete bailarines invitados por el coreógrafo: Yazmín Rodríguez, Ana Paula Oropeza, Yaroslav Villafuerte, Òscar Michel Pérez, Zurisaday González, Paulino Medina y Rafael Gómez.

La coreografía está cobijada por un collage sonoro creado por el maestro Ruvalcaba Pérez para generar un ambiente musical sui generis. En tanto que se recurre a elementos básicos de iluminación y video, a fin de que la danza por sí sola emita el mensaje que se desea transmitir.

Balance trilogía

Finalmente, el creador escénico hace un balance de lo que representa su trilogía dancística, la cual representa un punto crucial dentro de su vasta trayectoria: “Ha sido una experiencia que me ha ayudado a cerrar casi 40 años de trabajo coreográfico y a abrir un nuevo ciclo en visión, entendimiento y deseo de realización del mismo. Estoy convencido de que mi entendimiento en torno a la coreografía y al sucedo dancístico es otro después de esta trilogía. Asimismo, ha significado abrirme a una nueva operatividad: la de trabajar ya no con un colectivo fijo de artistas sino con equipos formados exclusivamente para la obra, lo cual ha sido tanto un reto como una liberación”.

“Center”

Temporadas de estreno

Teatro de la Danza Guillermina Bravo

Jueves 10 y viernes 11 de agosto, 20:00 horas

Sábado 12 de agosto, 19:00 horas

Domingo 13 de agosto, 18:00 horas

Ubicación: Centro Cultural del Bosque (Paseo de la Reforma y Campo Marte. Atrás del Auditorio Nacional)
Salón de Danza de la UNAM

Viernes 8 de septiembre, 20:00 horas

Sábado 9 de septiembre, 19:00 horas

Domingo 10 de septiembre, 18:00 horas

Ubicación: Centro Cultural Universitario (Insurgentes Sur 3000)

Teatro Raúl Flores Canelo

Jueves 28 y viernes 29 de septiembre, 20:00 horas

Sábado 30 de septiembre, 19:00 horas

Domingo 1 de octubre, 18:00 horas

Ubicación: Centro Nacional de las Artes (Río Churubusco y Tlalpan, colonia Country Club)

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El Ballet Folklórico Telpochcayotl® se presenta en el Centro Cultural del Bosque con danzas que representan la riqueza cultural de México.

Hace casi tres décadas surgió una agrupación que ha buscado contribuir con un granito de arena en la difusión de las tradiciones folklóricas mexicanas: el Ballet Folklórico Telpochcayotl®, que llegará con todo su ímpetu a la Plaza Ángel Salas para compartir una parte de su amplio repertorio.

“Sentimiento mexicano” es el título del programa que la agrupación presentará el sábado 30 de junio, a las 17:00 horas, en la plaza ubicada en el Centro Cultural del Bosque con entrada será gratuita.

La fundadora del ballet, la maestra Sandra Gabriela Martínez Suárez, explicó que, a través de este espectáculo, busca enaltecer la riqueza de México y mostrar sus distintas tradiciones, ceremonias y bailes, a través del movimiento de los cuerpos y el colorido de los vestuarios. El programa incluye danzas de Chihuahua, Veracruz (Ranchero y Sotavento), Yucatán, Guerrero y Sinaloa.

Desde 1990 el Ballet Folklórico Telpochcayotl® ha expresado esa sensibilidad innata de ser mexicanos, creando con ello un sentimiento artístico hacia nuestro folclor nacional mostrando a la gente nuestras raíces.

Bajo la coordinación de Jorge Antonio Román Acevedo, el ballet ha participado en el Festival Cultural Zacatecas, AIGP The World Cup of Motorsport, Festival Regional “Yucatán” en la CDMX, Feria Nacional de la Plata y Jornadas Alarconianas, Taxco, Guerrero, en el museo de la SHCP Antiguo Palacio del Arzobispado en el programa “La danza en el tiempo”, en la Expofonaes, Festival Internacional Quimera, Festival Internacional del Caribe en Cuba, Festival Cultural del Caribe Maya en Q. Roo, Día Internacional de la Danza para el INBA y la UNAM, Festival Patria Grande.

Realizando Ideas presenta “Alicia”, un espectáculo de danza para niños, con elementos audiovisuales, producido y dirigido por la coreógrafa Jessica Sandoval. Foto: Sandra G. Ordóñez. Gentileza INBA.

“Las cosas imposibles, resultan demasiado posibles. Sólo hay que saberse meter en la cabeza y el corazón de los niños y adultos”. Esta reflexión personal de la bailarina y coreógrafa Jessica Sandoval, la movió a crear su primer y único montaje infantil: “Alicia”, que ahora ha llegado al Teatro de la Danza del Centro Cultural del Bosque, para presentarse los sábados 19 y 26 de mayo, así como domingos 20 y 27, a las 13:00 horas, en el Teatro de la Danza.

La productora, y también gestora cultural y directora de la compañía Realizando Ideas explicó que se trata de un espectáculo audiovisual interdisciplinario basado en el clásico de la literatura infantil “Alicia en el país de las maravillas” de Lewis Carroll.

En la propuesta de Sandoval sobresale la fuerza de sus personajes y la libertad de sus espacios oníricos. La protagonista de esta historia se muestra irónica y viaja a un espacio ocupado por los grandes elementos simbólicos del cuento, donde se desarrollan momentos fantásticos e ingeniosos representativos de este clásico de la literatura.

La coreógrafa y directora -quien posee más de 20 años de trayectoria y ha colaborado con importantes coreógrafos de teatro y ópera a nivel nacional e internacional-, comentó que buscó montar una pieza accesible y no condescendiente, justo para estimular la imaginación y creatividad de los menores. Al mismo tiempo, intenta despertar ciertos valores como la conciencia de sus actos, el respeto a los demás y la libertad de pensamiento.

Si bien la narrativa de “Alicia” es por mucho llamativa al estar cimentada en el texto de Carroll, se trata de un montaje atractivo visualmente para el espectador, ya que es cobijado por el uso de la tecnología que hace lúdica la escenificación. En la propuesta se hace uso de recursos audiovisuales y en escena se presentan cinco actores (que a su vez son bailarines) que cuentan la historia.

La directora de Realizando Ideas señaló que la propuesta (creada por Kay Pérez), es fundamental en este montaje porque logra que el escenario se transforme en cada uno de los lugares por los que transita la protagonista. Así, el espectador se deslumbra con la proyección de imágenes sorprendentes como un sombrero, una tetera y un hongo gigante. A esto se suma la escenografía y el vestuario de la obra en blanco y negro, la cual busca simular un libro para colorear en el que cada niño decide cómo pintar las figuras.

Sandoval, también fundadora y directora del espacio Un Teatro Alternativa Escénica, está convencida de que el teatro y la danza contribuyen a que los menores pongan en práctica la imaginación, de ahí su interés de crear este espectáculo y llevarlo al mayor número posible de teatros y de espacios al aire libre, como plazas y parques.

Finalmente, la creadora -quien ha recibido apoyo para producciones y funciones de parte de la UNAM, INBA, Centro Multimedia del CENART, UNESCO-ASCHBERG, Fonca, Conaculta, la Cámara de Diputados, la SRE e Iberescena- se dice satisfecha de seguir escenificando “Alicia”, ya que es una forma de abrir la puerta a esa posibilidad de cambiar las cosas para tener el mundo que soñamos.

Realizando Ideas es una compañía autogestiva de creación escénica multidisciplinaria fundada en 2006 por Jessica Sandoval. La agrupación está dedicada a producir y difundir las diferentes manifestaciones del arte, principalmente teatro y danza contemporáneos. Se ha presentado en teatros y festivales en México, Costa Rica, Panamá, Colombia, Senegal, Estados Unidos, India y Finlandia.

En el 2011, se fundó Un Teatro Alternativa Escénica, la sede de la compañía. Este es un espacio dedicado a la cultura que presenta danza, teatro, música, performance, exposiciones de arte, talleres, conferencias y residencias artísticas. Dentro de sus actividades destaca que, cada año, la organización otorga el Premio a la Creación Escénica, el cual busca impulsar nuevos proyectos interdisciplinarios dentro de la comunidad artística.

Antares llega a la Ciudad de México con “Que no descubran tu nombre”, de Miguel Mancillas, producción dividida en dos actos. Foto: Edith Reyes Gentileza INBA.

“A veces ocultamos nuestras pasiones, nuestras ganas, nuestros deseos. A veces ocultamos nuestros miedos y queremos escapar del amor. A veces olvidamos que son sentimientos y emociones que van más allá de la edad. A veces olvidamos que al final todos los humanos los hemos vivido en algún momento de nuestra vida porque hay una enorme aspiración a seguir creyendo”, fue una de las reflexiones que planteó el grupo Antares antes y durante la creación de “Que no descubran tu nombre”.

Tal es la esencia del montaje coreográfico que la reconocida agrupación sonorense, dirigida por Miguel Mancillas presentará en la Ciudad de México los días 1, 2, y 3 de diciembre en la Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario de la UNAM.

Antares lleva 30 años cimbrando con su danza. Es una de las máximas agrupaciones de México en el género contemporáneo, y un ícono de la danza nacional. La compañía independiente de Hermosillo, Sonora, se ha caracterizado por una exigente preparación física al servicio de una expresividad intensa, por momentos inquietante. Encabezada por Miguel Mancillas, es una propuesta que ha sabido indagar, como pocas, en las pasiones y la animalidad del alma humana para derramarlas luego sobre el escenario, en una puesta en escena impecable.

“Que no descubran tu nombre” es una extraña visión de “Romeo y Julieta”, dividida en dos actos y con una duración de una hora. Más que una puesta en escena es un acto de amor, donde se entrelazan las ganas, los miedos, las posibilidades. Una propuesta que reta al espectador a cuestionarse cómo escapar del amor y sus arrebatos: crecer no salva, y aun con dudas e incertidumbres, a ojos cerrados, se da el paso y permanece el deseo de creer.

“Es una versión libre de la historia de amor de Shakespeare porque no se cuenta la historia. Sin embargo, el espectador sí podrá ver una estructura de dos bandos, donde quizá todos somos Romeo o Julieta en algún momento de la obra”, afirmó Mancillas.

Sobre la razón de traer a colación la historia de amor más famosa de todos los tiempos, Mancillas explicó que se fue dando de manera natural durante el proceso creativo de esta coreografía. Sobre todo, por la participación de bailarines jóvenes; así que, en vez de evitarlo, explotó las posibilidades de este clásico, pero en una versión libre, al estilo Antares.

En cuanto al mensaje que buscan dar a través de esta propuesta, Isaac Chau, bailarín de Antares y director académico del Núcleo-Antares, escuela de danza contemporánea, comentó: “Para mí es hablar del amor, de lo que es, de lo que pudo ser, de las pasiones primarias que sentimos, y de darnos cuenta de que, quizá cuando fue el momento no lo quisimos tomar”.

Esta pieza contó con el apoyo que recibe Antares del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes dentro del programa de apoyo a grupos profesionales México en Escena 7ª emisión.

Funciones

“Que no descubran tu nombre” cuenta con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes del programa México en Escena. Foto: Edith Reyes. Gentileza INBA.

“Que no descubran tu nombre”

Creación y dirección: Miguel Mancillas

Intérprete: Compañía Antares

Horarios:

Viernes 1 de diciembre, 19:00 horas

Sábado 2 de diciembre, 19:00 horas

Domingo 3 de diciembre, 18:00

Sede: Sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario de la UNAM

(Insurgentes Sur 3000)

José Rivera, director de La Cebra Danza Gay, homenajeado en el Festival Internacional de Cine Gay de la UNAM. Foto gentileza FICG de la UNAM.

El cinematógrafo del chopo se vistió cebra. José Rivera, fundador de La Cebra Danza Gay, agrupación creada en 1996, recibió junto con sus bailarines un merecido homenaje en el marco del Festival Internacional de Cine Gay de la Universidad Autónoma de México (UNAM) que se realizó del 6 al 15 de febrero. Este encuentro reúne 47 filmes de países como: México, Venezuela, República Checa, Argentina, Israel, Países Bajos, Cuba, España, Polonia  e Italia.

Bailarín, coreógrafo y maestro, defensor de los derechos de la comunidad LGBT y de la lucha contra el VIH. Nació el 9 de agosto de 1969 en San Luís Potosí. Inició su formación como bailarín en 1985 en el Instituto Potosino de Bellas Artes. Formó parte del Ballet Provincial de San Luis dirigido por la desaparecida Lila López, llegando a ser bailarín principal. En 1987, se incorporó como bailarín al Ballet Independiente, agrupación de la cual es director artístico desde 2012.

Visiblemente emocionado Rivera Moya expresó al subir al podio: “Me siento un poco raro porque si ya empiezan los homenajes a lo mejor ya no estoy tan chiquita… estoy grandecita. Estoy contento porque justo en este suelo que estoy pisando se encontraba el Foro del Dinosaurio de esta institución, y aquí fue la primer función de la compañía que dirijo y que ya va a cumplir 19 años en junio de 1996 en la semana cultural gay que llevaba José María Covarrubias”. 

Agradeció a quien nombró como su padrino/madrina Ignacio Toscano, que desde la fundación de la compañía lo apoyó. “Dijiste que vendrías vestido de Rosa Nacho”, comentó entre carcajadas. Lamentó que cinco ex bailarines de la compañía hubieran fallecido todos de SIDA. “Pero bueno, así es la vida, pero los que estamos aquí debemos seguir trabajando, porque la lucha continúa”.

La danza fue el medio que escogió para visibilizar la problemática estructural que atraviesa la comunidad gay en el país: la homofobia. Moya, sacó del closet a la homosexualidad de forma creativa, crítica y contestataria. Constructor de un discurso poderoso que explora una identidad marginada, sus bailarines ataviados con ropas femeninas, maquillados, con plumas, registran en su corporalidad las denuncias, las agresiones, los insultos, las vejaciones, el dolor… ese que solamente puede ser nombrado por quien lo ha sufrido. De esta forma, esos cuerpos masculinos se constituyen como mediación donde múltiples significados se inscriben.  Obligan a erosionar estereotipos, esos que pretenden condensar en una imagen, características sociales, culturales y anímicas de este grupo tan diverso. Rivera no acepta esta imposición. Con su propuesta resignifica, dignifica y empodera a la comunidad homosexual.

Su trabajo coreográfico se ha distinguido por la calidad técnica de sus ejecutantes. Sus temáticas recurrentes: el machismo, la prostitución, la violencia física, la discriminación y el SIDA.  

El documental “Animal de fantasía”, realización de la joven cineasta Olivia Portillo, egresada del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (cuec), quien acompañó con su lente por dos años a Rivera y sus bailarines tras bambalinas en giras, presentaciones y camerinos, muestra en pantalla el trabajo que realiza esta agrupación.

En el film, el histrión rememora cómo dio nombre a la compañía. Relató que de niño, un pequeño circo llegó a su pueblo, entre los animales que formaban parte del espectáculo se encontraba una cebra. Él nunca había visto un animal así, quedó seducido. Su mejor amigo le llamaba cebra, así que cuando el proyecto comenzó a tomar forma debía llamarse así. 

Admirador de mujeres como Frida Kahlo, Guillermina Bravo y Chavela Vargas, declaró sentirse cómodo trabajando sólo con hombres. A las mujeres no las entiendo, acotó. Apasionado de la fantasía, los juguetes y los colores; su personalidad camaleónica le permite operar como coreógrafo, bailarín, maestro, representante y vestuarista de la compañía. 

Con fragmentos de obras coreográficas que el bailarín interpretó a lo largo de su carrera, “Animal de fantasía” es un relato íntimo que muestra otra cara del artista.

“Mientras esas rayas curtidas me lo permitan, la cebra seguirá haciendo de las suyas” apuntó.

Alfonso Loranca.Licenciado en Pedagogía egresado de la Facultad de Filosofía y Letras de la unam. Profesional en educación dancística con especialidad en danza folclórica egresado de la Escuela Nacional de Danza “Nellie y Gloria Campobello“, del INBAL.

El Taller Coreográfico de la UNAM interpreta “Adagio” con coreografía de Gloria Contreras en homenaje a su creadora en la sala Miguel Covarrubias. Foto gentileza Coordinación de danza UNAM.

“Vivir para danzar” llevó por nombre el homenaje que recibió la coreógrafa mexicana Gloria Contreras en la sala Miguel Covarrubias del Centro Cultural Universitario de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), en el marco de la temporada de otoño septiembre-diciembre, 2014.

Como parte de los festejos por su octogésimo aniversario, la dirección de danza de la UNAM, organizó un programa con actividades múltiples que incluyó una conferencia dictada por Gregorio Luke, “Los secretos de Gloria Contreras” y la presentación del Taller Coreográfico acompañado por la Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata de la universidad.

Esta casa de estudios –proyecto cultural más importante de la nación–, alberga desde 1970 al Taller Coreográfico. Concebido como un laboratorio de experimentación para la danza, es posible comprender una trayectoria de 44 años con una labor que alberga más de trescientas obras coreográficas, sólo a la luz de uno de sus principios fundamentales: “el arte es un derecho, tan importante como el acceso a la educación o a la salud”.

Gloria Contreras recibió una ovación por parte del público. Foto Alfonso Loranca.

La de Contreras, es una danza formativa. A lo largo de 92 temporadas, el Taller Coreográfico ha logrado consolidar una amplia audiencia. Adoptó al Teatro Carlos Lazo de la Facultad de Arquitectura y a la Sala Miguel Covarrubias como su morada. Miles de espectadores han atestiguado las 3.300 funciones brindadas por esta compañía universitaria. Además, se suman los talleres de contrología –sistema de ejercicios que proporciona flexibilidad y fuerza a todos los músculos– destinados a niños, jóvenes y adultos. Y en forma paralela, Contreras es responsable de las publicaciones “What I from Balanchine. Diary of a Choreographer”, “Contrología: un sistema completo de ejercicios para hombres y mujeres” y “Ballet paso a paso”, todos de su autoría.

La Orquesta Juvenil Universitaria Eduardo Mata bajo la dirección de Iván López Reynoso y el Taller Coreográfico, en una mancuerna extraordinaria, emocionaron al público asistente que llenó la sala.

El programa incluyó cuatro coreografías de la artista. “Danzón”, con música de Arturo Márquez, muestra un claro interés de la coreógrafa por los géneros populares. “Concierto en Re”, con música de Johann Sebastian Bach, coreografía donde la búsqueda y la experimentación por el movimiento revelan al espectador el disfrute de los bailarines. “Adagio K.622” de Mozart, un pas de deux hermosamente ejecutado y “Huapango”, musicalizada con una emblemática pieza del legado musical del desaparecido José Pablo Moncayo, compositor mexicano y uno de los principales exponentes del nacionalismo mexicano en la música.

Al término de la función, la homenajeada salió al escenario recibiendo una ovación que estuvo acompañada por las “mañanitas” interpretadas por el público asistente que, de pie, no dejó de aplaudir. Visiblemente emocionada, agradeció a los asistentes y a sus bailarines.

Angélica Kleen, Directora de Danza de la máxima casa de estudios, anuncio que para el año entrante, la unam entregará la medalla “Gloria Contreras”, presea que llevará su nombre como reconocimiento a su ardua labor en la institución. Esta distinción será entregada a personalidades del gremio de la danza que con su trabajo han logrado contribuir al desarrollo de este arte en la escena nacional.

Esta celebración no hubiera sido posible sin la visión y el compromiso de una institución que apostó a consolidar los sueños de una mujer sensible y brillante. Danza con sangre azul y piel dorada.

“La leyenda de Milano”, de Katia Garza, integró el espectáculo “Danzando a Márquez”, en la UNAM. Foto gentileza UNAM.

“Danzando a Márquez”, es el último espectáculo estrenado para celebrar los 85 años de la autonomía de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Este espectáculo, que se estrenó 16 de octubre y se repitió el 17 y el 18, volverá a presentarse el 24, 25 y 26 de octubre, con música grabada, y después se verá en varios planteles de la UNAM, principalmente de bachillerato y facultades para convocar a los estudiantes al arte de la danza y la música.

El espectáculo, tiene como objeto de homenajear al músico Arturo Márquez, que fueron la plataforma e hilo conductor para reflejar, a través de la danza, algunos de los momentos más emblemáticos de la vida cultural de México.

Las primeras funciones se realizaron en la Sala Miguel Covarrubias, con “música en vivo”, con la participación de la Orquesta Juvenil Universitaria “Eduardo Mata”, dirigida por Iván López Reynoso, algo muy poco acostumbrado en las representaciones coreográficas.

Este acontecimiento, dirigido artísticamente por Angélica Kleen, titular de la Dirección de Danza, y Horacio Lecona, secretario Técnico de Planeación y Programación de la UNAM, reunió siete piezas del laureado compositor sonorense Arturo Márquez y se invitó a seis reconocidos coreógrafos nacionales y uno internacional para crear los segmentos coreográficos.

En “Danzando a Márquez”, hay un hilo conductor que muestra facetas del México de ayer y de hoy, y está integrado por “La leyenda de Milano”, de Katia Garza (Orlando/ Estados Unidos); “De Juárez a Maximiliano”, Evoé Sotelo (Hermosillo, Sonora); “La conga del fuego nuevo”, de Mauricio Nava (Guanajuato); “Goyas”, de Mark Godden (Canadá), “En torno a Frida y Diego”, de Montserrat Payró (Distrito Federal); “Nereidas de Dimas”, de  Javier Torres (Helsinsky, Finlandia), y “Marcha de duelo”, de Rosario Murillo (Monterrey).

Rosario Murillo presentó su obra “Marcha de duelo”,para homenajear al músico sonorense Arturo Márquez y celebrar los 85 años de la UNAM. Foto gentileza UNAM.

La interpretación contó con 25 bailarines profesionales de danza clásica y contemporánea seleccionados por medio de audiciones. Far Alonso, Nayeli Caballero, Fernanda Cervantes, Camilo Collado, Rodrígo Fuentes, Valeria Gaona, Patricia Caloca, Gabriela Guerra, Jorge Guillén, Cynthia Hamm, Paulina Hernandez, Shelia Hernádez, Lorelei Islas, Priscilla Hernández, Guillermo IV Obele, Eliana Jiménez, Karla Falcon, Ireri Mugica, Pablo Patiño, Eduardo Pérez, Emmanuel Ramírez, Jonathan Rodríguez, Carlos Ruiz, Raúl Tamez y Patrick Trigoso, integraron este ejército de danzantes.

El montaje se efectuó en 15 semanas, y fueron asistentes coreográficos Far Alonso, Alejandro Anguiano, Carmen Correa, Mitzy Dávalos y Jacqueline López.

Un espectáculo ilustrado con proyecciones y efectos lumínicos de gran impacto.