“Mayday”, de Trey McIntyre, abrió el programa presentado por BODYTRAFFIC en el Eisenhower Theater del Kenndy Center. Foto: Kevin Parry. Gentileza JFKC.

El debut de BODYTRAFFIC con “This Reminds Me of You” la posiciona como una de las compañías de danza contemporánea más versátiles de la última década. La cita fue en Esenhower Theater del Kennedy Center entre en el Kennedy Center entre el 29 y el 30 de octubre. Bajo la dirección artística de Tina Finkelman Berkett -quien fundó la compañía en 2007-, el programa se propone explorar la memoria y sus detonantes, y también, las emociones. Tres coreógrafos: Trey McIntyre, Matthew Neenan y Juel D. Lane, y tres propuestas diversas que inducen a reflexionar y a sentir.

“Mayday”, de Trey McIntyre, fue la primera obra del programa. Con música de Buddy Holly la pieza examina la fragilidad de la vida y el impulso de seguir a pesar de la certeza de la finitud. Entre el humor y la melancolía, McIntyre construye un universo donde los bailarines ejecutan una coreografía precisa y vibrante, marcada por percusiones corporales y desplazamientos enérgicos que captan la energía del rock and roll. El pequeño avión rojo que pasa de mano en mano introduce un símbolo de mortalidad que contrasta con la ligereza del movimiento. El resultado es una realización vital, dinámica y ocurrente.

“I Forgot the Start”, de Matthew Neenan, propone una reflexión diferente sobre el ciclo vital. A partir de una partitura que combina música de Sufjan Stevens, Sinéad O’Connor, Heather Christian & The Arbonauts, Ozzie Kotani & Daniel Ho y Broken Social Scene, Neenan dibuja un paisaje emocional suspendido en la naturaleza, en la esperanza de un revivir constante. Sobre proyecciones, bellas y bucólicas, los bailarines se integran y desintegran con sus cuerpos para mostrar lo que nace y lo que muere, al igual que esas flores y arbustos que se mueven detrás de ellos. La coreografía, más contenida y de gran refinamiento plástico, se despliega en un espacio de penumbra donde los bailarines parecen flotar como si reprodujeran los ciclos de la vida. Un vestuario sugerente de Márion Talán De La Rosa, y una interpretación que capta la profundidad del mensaje, confluyen en un resultado impecable.

La obra de Matthew Neena, “I Forgot the Start”, se estrenó en 2024 en el Annenberg Center de la Universidad de Pensilvania. Foto: Guzman Rosado. Gentileza JFKC.

El programa cerró con “Incense Burning on a Saturday Morning: The Maestro”, de Juel D. Lane, un tributo visual y emocional al pintor Ernie Barnes. La pieza combina danza, proyección y voz en off, con sorprendente y conmovedora originalidad. A través de una pantalla translúcida, el intérprete principal, Chandler Davidson, en una actuación intensa y contenida, encarna al artista. Sus movimientos “pintan” trazos de color que se proyectan como si su pintura fuera construyéndose delante del público. Las figuras que aparecen, inspiradas en la célebre obra “Sugar Shack”, cobran vida en el escenario hasta fundirse con la imagen del propio Barnes.

Lane transforma el proceso creativo en una puesta en escena casi teatral. La danza pinta y la pintura danza. La fusión entre el ritmo afro-cubano de la música de Munir Zakee, el diseño lumínico y la precisión gestual de los intérpretes da como resultado un cierre de una potencia visual extraordinaria.

“This Reminds Me of You” es un programa que respira. Las tres piezas dialogan en torno a un mismo eje: la memoria y los ciclos vitales. A su vez, esta propuesta intenta trascender los límites y expandirse más allá de la danza en sí misma.

BODYTRAFFIC trajo en su debut en el Kennedy Center un toque diáfano de originalidad con el que demuestra su capacidad para habitar planos diferentes. El teatro, la danza, la música, la plástica se funden en un lenguaje casi abstracto que dispara directo hacia el espectador. Y con ello, un dominio técnico impecable y una presencia escénica que combina frescura, rigor y emoción genuina que toca las fibras más profundas y obliga a pensar con el alma.

Una mirada social sobre la tecnología en “Bound To”, pieza de Christopher Wheeldon que integra “Unbound”. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Indiscutible. El San Francisco Ballet (SFB) es una de las mejores compañías del mundo, sin lugar a duda. La excelencia de sus bailarines llega a niveles técnicos poco frecuentes. Y la pluralidad en la selección de las obras apunta, constantemente, a nuevos desafíos. Esta compañía, pionera en la Costa Oeste del país, bajo el comando de Helgi Tomasson desde hace más de 30 años, volvió al Kennedy Center de Washington DC desde el 23 al 28 de octubre, con dos programas mixtos integrados por obras que forman parte de lo que Tomasson llamó “Unbound”.

Un proyecto, que convocó 12 de los jóvenes coreógrafos del momento, para la creación de 12 nuevos ballets para la compañía, y su estreno fue durante la temporada de primavera 2018 del SFB en California. A Washington, la troupe trajo seis. El primer programa estuvo integrado por “Your Flesh Shall Be a Great Poem”, de Trey McIntyre; “Bound To”, de Christopher Wheeldon, y “Anima Animus”, de David Dawson. El segundo, que abrió el jueves 26, trajo a escena “The Infinite Ocean”, de Edwaard Liang; “Snowblind”, de Cathy Marston, y “Hurry Up, We’re Dreaming”, de Justin Peck.

“Your Flesh Shall Be a Great Poem”, de Trey McIntyre abrió la noche del San Francisco Ballet el 23 de octubre en Washington DC. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

El SFB tiene como características principales, el gran refinamiento en las líneas y en los estilos, elegancia, limpieza en los movimientos y sofisticación. Cada uno de esos elementos se conjugan en el ensamble, no importa la propuesta. Algo que quedó claro nuevamente en estas dos presentaciones.

La obra de McIntyre, “Your Flesh Shall Be a Great Poem”, un homenaje a su abuelo, convoca a nueve bailarines que, en secuencias diferentes, bailan sobre la música del cantautor Chris Garnneau, canciones de su álbum “El Radio”. Un juego coreográfico sentimental por el que transitan secuencias de conjuntos, solos, dúos, marcados por cada uno de esos temas musicales. Un excelente trabajo de Benjamín Freemantle en sus solos.

Wheeldon, en cambio, en “Bound To”, su décimo trabajo para el SFB, hace una reflexión, con humor y dramatismo en relación a la tecnología. Con este fin, los bailarines comienzan la obra cargando en sus manos pantallas iluminadas como teléfonos celulares, incomunicados y enajenados. Con un diseño escenográfico casi futurista de Jean-Marc Puissant en el que se van proyectando frases y mensajes para reflexionar sobre un tema que se acentúa a través de la presencia de la tecnología: la incomunicación y los intentos de suicidio.

En su primera obra encargada en los Estados Unidos, David Dawson, trajo “Anima Animus”, con música de Ezio Bosso, una obra minimalista y atractiva. Los bailarines ganan el espacio con giros y saltos como si fueran pájaros, con un bello vestuario, también minimalista y abstracto que retrotrae a diseños de Piet Mondrian, en tonos blancos, negros y amarillos. Y un diseño de luces brillante, creado por James F. Ingalls.

“Anima Animus”, de David Dawson con música de Ezio Bosso, obra minimalista presentada por el SFB en el Kennedy Center. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Una segunda vuelta

El segundo programa llevó a escena “The Infinite Ocean”, de Edwaard Liang. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

El jueves 26, el segundo programa trajo tres piezas totalmente diferentes entre sí. Liang, con “The Infinite Ocean”, una obra de gran belleza estética, abre la escena con un inmenso sol. Dos parejas principales: Sofiane Sylve, una bailarina expresiva y de sólida técnica, y Tiit Helimets, de notables cualidades, y una de las estrellas principales del SFB desde hace varios años, Yuan Yuan Tan, con Victor Luiz, ambas parejas lograron momentos insuperables en cuanto a técnica e interpretación, mientras el resto de la coreografía fue oscilando entre dúos, solos y escenas de conjunto.

Sarah Van Patten, la esposa; Mathilde Froustey, la amante y Ulrik Birkkjaer en “Snowblind”, de Cathy Marston. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

Quizás la más distinta de las obras, la más intimista, la más contundente desde lo emocional haya sido “Snowblind”, de Marston, basada en la novela de Edith Wharton, “Ethan Frome”. Una pieza de gran intensidad, con música de Arvo Part y otros compositores, en la que el triángulo amoroso, la infidelidad, el castigo por la infidelidad, y la condena, determinan la narrativa. Una danza emocional, estilizada, en la que la escena marca dos niveles a través de una tarima más elevada en donde domina la esposa (Sarah Van Patten) -como símbolo de la jerarquía establecida socialmente- y en el nivel más bajo, la amante (Mathilde Froustey). Mientras el hombre (Ulrik Birkkjaer) transita, por ambos y queda entrampado en lo formal. Conmovedora pieza de la coreógrafa inglesa. Excelentes, Van Patten, en su frialdad y su obsesión, y Froustey, en su frescura, su inocencia y su vitalidad.

El final llegó en zapatillas para la pieza de Peck, “Hurry Up, We’re Dreaming”. Una obra juvenil, plena de energía y espíritu colectivo, sin una estructura demasiado consistente, pero que solo reafirma la calidad de estos bailarines que, ante cualquier circunstancia, siguen demostrando su técnica y su solidez.

Dores André y Wei Wang en “Hurry Up, We’re Dreaming”, de Justin Peck. Foto: Erik Tomasson. Gentileza JFKC.

“Incomitable Waltz” es el título de la pieza concebida por Aszure Barton para esta exitosa agrupación cubana. De solo 27 intensos minutos, fue realizada por ella en colaboración con los ocho bailarines que ejecutan con brillantez y pasión los encadenamientos de pasos que recrean las formas básicas del vals vienés, en su mayor parte con figuras predominantemente en la vertical, asistidos por su compatriota Jonathan E. Alsberry.

Es una pieza coral con hermosos movimientos líricos abstractos, que entrelazan una buena variedad de combinaciones genéricas, que alternan dúos, tríos o solos, hasta un final de todos, apoyados por un eficaz soporte musical aportado, que incluye fragmentos seleccionados a partir de obras de tres compositores: Alexandre Balonescu, Michael Nyman y Nils Frahm. Además, la puesta en escena fue concebida por diseñadores escénicos foráneos de reconocida experiencia, como Fritz Masten (vestuario, en los que predominan los amarillos, fucsia y bermellón), y en las luces Nicole E. Pearce (bombillas incandescentes colgantes sobre los danzantes). Esta obra ha sido posible merced al patrocinio del Proyecto de Danza de New England Foundation for the Arts.

Otras dos obras del repertorio completaron el primer programa, ambas concebidas por autores foráneos especialmente para este conjunto: “Bad Winter”, dúo de 13 minutos, del polifacético coreógrafo estadounidense Trey McIntyre, pensado sobre una intrigante y dinámica cinta musical interpretada por The Cinematic Orchestra & Arthur Tracey. Tanto los dúos como los solos fueron ejecutados con notable hondura emocional por Carla Araújo y Manuel Durán. El diseño de luces de Travis Richardson se mostró como un factor importante para el éxito de esta miniatura coreográfica.

Para el cierre de este programa, eligieron una coreografía del mediático afroamericano Ronald K. Brown, siempre interesado en validar las culturas ancestrales afro-norteamericanas, partiendo siempre de su formación en la danza contemporánea para luego elaborar una particular escritura coreográfica. En su pieza “Why You Follow” -de unos 24 minutos de duración-, Brown despliega con agudeza sus saberes de una manera diáfana en la manipulación de estos nueve dúctiles bailarines cubanos. Su inspirada creación tiene el eficiente soporte musical brindado por Open Hart “Looklit Africa” (Zap Mama); The Path “Yoruba Road” (Allenko Brotherhood); Commintment “En route to Motherland” (Godheaven and Juliano); Faithfully Forward “Kusase Mnandi”(Godheaven and Juliano).

Segunda vuelta

El coreógrafo Ronald K. Brown, presentó su obra “Why You Follow”, cuyo foco apunta a las culturas ancestrales afro-norteamericanas. Foto: Beatriz García. Gentileza Malpaso.

En el segundo programa, Malpaso ofreció la más reciente creación de Delgado: “Leones en las largas playas doradas”, una pieza de 60 minutos para toda una noche sin pausas, y como es regla, la escritura coreográfica de Delgado está desarrollada en colaboración con los bailarines. Esta producción fue originalmente comisionada por el Festival de Arte Luminato de Toronto, con patrocinio privado de Joan y Jerry Lozinski.

Una lograda puesta en escena minimalista, donde los altos niveles profesionales de la producción constituyen un valor fundamental para conseguir sus propósitos narrativos y de la dramaturgia. Entre ellos, el importante soporte musical con la partitura original y su dirección en vivo por el autor, el multipremiado (varios Grammy) Arturo O´Farrill; los diseños austeros y creativos del vestuario y de las luces por los afamados artistas Reid and Harriet y Al Crawford, respectivamente.

El amplio foso de orquesta de la Sala Lorca acomodó una formidable banda todos estrellas que incluyó instrumentistas excelentes, tales como Yasek Manzano (trompeta y fiscorno), Alejandro Falcón (piano), Michel Herrera (en los tres saxos), Héctor Quintana (guitarra clásica), entre otros jóvenes talentos de la percusión cubana.

En esta obra, Osnel Delgado se inspiró en la novela “El viejo y el mar” de  Ernest Hemingway, cuya acción se desarrolla en el ámbito de un pueblo pesquero, Cojímar, en las inmediaciones de la capital cubana, y cuya coreografía, la mayor parte del tiempo horizontal, está atenida a los principios de creación colectiva que definen a Malpaso. No se trata, aquí, de ilustrar la conocida novela, explica la nota al programa, sino de revisitar la anécdota en una aproximación metafórica a la mística y a sus temas fundamentales que atraviesan la poética de Hemingway: el triunfo de la voluntad, la defensa de la dignidad y el honor, la inutilidad de la victoria; y el espanto ante el carácter efímero.

El personaje protagonista, el viejo Santiago encarnado con pasión y carisma por Delgado, se afana en recrear los esencial con su coreografía y su estructura dramática que muestra la lucha de este veterano pescador “a solas en el mar inexorable con un pez enorme y esquivo”. Este mítico personaje está arropado todo el tiempo por nueve entregados y disciplinaos  bailarines de ambos sexos.
Malpaso es una compañía vinculada al Centro de Danza de la ciudad de La Habana y a la Fundación Luwig de Cuba, así como asociad al Joyce Theater Productions, una iniciativa del The Joyce Theater Foundation (NYC)  y el  Sunny Artist Management de Toronto, Canadá.

Danza Contemporánea de Cuba presentó la premiere de una obra de contenido político, “Heterodoxo”, de Annabel López-Ochoa. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

La danza contemporánea acapara las carteleras de la capital cubana estos dos primeros meses del año que comienza. Primeramente, una compañía norteamericana residente en Minnesota y, luego, dos compañías locales con sede en La Habana conquistaron el entusiasmo de un público heterogéneo, mayoritariamente juvenil, ávido de  novedosas propuestas. Los programas que se presentaron fueron acometidos con vigor, profesionalidad y pasión en cada uno de los variados títulos presentados. Ya sea por sus estilos coreográficos como por el discurso de los temas abordados en esta ocasión.

La compañía Zenon Dance, fundada y dirigida desde 1983 por Linda E. Andrews en Minneapolis, Minesota, pudo presentarse en el rescatado teatro Martí, poseedor de una hermosa sala de estilo italiano decimonónico. Esta agrupación estadounidense cuenta con un variado repertorio.

La presentación surgió a raíz del éxito de la obra “Coming Home” (Volver a casa), del coreógrafo cubano Osnel Delgado en agosto de 2014 en Minnesota. La compañía, a su vez, aprovechó su estancia habanera para “profundizar la conexión artística y cultural” con Delgado y su compañía Malpaso, como también con el público cubano.

La pieza de Osnel Delgado fue la más relevante (y aplaudida) del programa presentado aquí. En este “proceso creativo” entre un creador cubano y bailarines foráneos que recién se conocían, en solo diez días, fue acertado utilizar el pretexto de “jugar a la pelota”, es decir el baseball. Juego que, si bien nació en los Estados Unidos llegó a enraizarse en la isla a mitad del siglo XIX. Sin embargo, no constituye el tema central de “Coming Home”. En este desafío personal de Delgado, las tradiciones están presentes en las articulaciones del fraseo coreográfico, de enorme exigencia física, a la pasar del lirismo y lo vertiginoso, con la intención de recrear metafóricamente las posturas arquetípicas en la práctica del  béisbol. Delgado utiliza un soporte musical elaborado por él mismo.

En este programa se destaca también el dúo “My Very Empty Mouth” (Mi boca muy vacía), con coreografía de Wynn Fricke en colaboración con los bailarines, sobre música original de David Lang. Fricke entrega una pieza de claras referencias erótico-lésbicas de gran fuerza dramática, no exenta de una hermosa sensualidad y dominio corporal. El diseño de luces de Mike Grogan, mostró las astucias necesarias para delinear, en la brevedad de la obra, las sugestiones de Fricke.

La última obra fue una coreografía grupal de Danny Buraczeki, de 1999, con el sugerente título bíblico de “La Rueda de Ezequiel” (Ezekiel´s Wheel),  donde deslumbró la solista Mary Ann Bradley por su interpretación dramática y ejecución precisa al recrear corporalmente la voz icónica del poeta James Baldwin. La pieza se basa en una grabación en off de su elegía “Another Country”, apoyada por la banda sonora de Peter Jones a partir de los “Baldwin Blues” de Philip Hamilton. A pesar de los esfuerzos, las debilidades técnicas del cuerpo de baile no lograron hacer trascender la imagen bíblica sugerida por el coreógrafo. El movimiento circular de lucha y la búsqueda de la tolerancia en el discurso de Baldwin no llegó en toda su elocuencia.

Zenon Dance, de MInnesota, Estados Unidos, llevó a Cuba “Coming Home” de Osnel Delgado. Froto: Buby. Gentileza Buby.

Compañía de danza Malpaso

Nuevamente, el teatro Martí acogió el siguiente fin de semana a la compañía Malpaso, fundada hace menos de un lustro por el bailarín y coreógrafo Osnel Delgado. La agrupación, de corta andadura, ya es reconocida allende los mares, a tenor de la buena repercusión en los medios de comunicación especializados, dentro y fuera del país. Está auspiciada por la filial cubana de la germana Fundación Ludwig, por la Embajada de Noruega en Cuba, y otras entidades afincadas en la isla.

De las tres obras programadas para esta la primera temporada del grupo en 2016, “Bad Winter” del coreógrafo invitado Trey McIntyre era la novedad. McIntyre se formó como bailarín en la Academia de Ballet de Houston, pero muy pronto, en 1989, se desempeñó como coreógrafo aprendiz en esta misma institución. Después, al integrarse de lleno a la coreografía, desde 1995 logró estrenar piezas en compañías profesionales importantes de los Estados Unidos, hasta que decidió fundar en 2005 el Trey McIntyre Project. Actualmente,  ha enfocado su carrera hacia la experimentación en las artes visuales como documentalista.

La producción del dúo llamado “Bad Winter” estuvo encargado a un equipo estadounidense de experiencia y dominio de las nuevas tecnologías, eligiendo como soporte musical eficaz creaciones del The Cinematic Orchestra Arthur Tracy. Lo cual contribuyó a otorgar la adecuada relevancia a una serie de reiterada gestualidad, y así potenciar la interpretación de los solistas, a pesar de la brevedad de la pieza en cuestión.

Ha sido muy gratificante para los numerosos aficionados como a los especialistas rencontrarse y disfrutar de “Ocaso”, uno de los primeros dúos creados por Osnel Delgado para su agrupación, donde se lo vio en todo su potencia como intérprete. Junto él, la juvenil Daite Carrazana, elegante y precisa, sin menoscabo de su fuerza expresiva en su baile. Como cierre del espectáculo, otra obra apreciada de Delgado (con la colaboración de sus bailarines), “24 horas y un perro”, con el estupendo soporte musical del laureado pianista y compositor Arturo O´Farrill junto a su ensamble jazzístico, con arreglos de conocidos ritmos cubanos. Esta obra, estructurada en siete momentos rítmicos, es el resultado de una colaboración y complicidad artística entre el coreógrafo y el músico.

Danza Contemporánea de Cuba

El director de DCC, George Céspedes, recuperó para el repertorio su creación “Matria Etnocentra”. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

Después de poco más de tres años ausentes de su escenario habitual, la Sala García Lorca del Gran teatro de La Habana Alicia Alonso  -por los motivos conocidos de su restauración y renovación-, la compañía Danza Contemporánea de Cuba (DCC), siempre bajo la  exigente dirección general del ex bailarín Miguel Iglesias, retorna con un atractivo programa. En esta primera temporada presentaron dos estrenos mundiales y tres reposiciones. Así como también, una nueva hornada juvenil de bailarines recién egresados de la Escuela Nacional de Danza, que -con urgencia- cubren las plazas abandonadas por una docena de antiguos miembros.

La joven coreógrafa colombo-belga Annabel López-Ochoa (actualmente requerida por varias importantes compañías de las cuatro esquinas del planeta), estuvo invitada para el montaje de una nueva pieza, e invirtió parte de su tiempo en el rescate de su precedente título, “Reversible”, asistida por la cubana Yoerlis Brunet. Esta última trabajó, igualmente, junto al coreógrafo George Céspedes en la recuperación para el repertorio de dos de sus creaciones: “Identidad – 1″ y “Matria Etnocentra”. Ambas con diseños grupales articulados matemáticamente, los cuales trascienden los tópicos al uso de los avatares de género, los juegos entre rivales, o las concepciones acerca del sentido de pertenencia nacional.

“Heterodoxo” (estreno mundial), según su autora López-Ochoa, es una pieza motivada por los recientes ataques cometidos en París, el pasado diciembre, por los grupos islamistas radicales vinculados al ISIS, que están insertados en la sociedad civil francesa, u otras de Europa.

Sobre la escena iluminada, están en pose 16 bailarines solistas de ambos sexos uniformados con vestimenta militar de camuflaje, los cuales se agitan vertiginosamente, luego en cámara lenta o con pasos marciales, diseñados por Vladimir Cuenca. En apenas 27 minutos, la atmósfera creada mantiene en vilo al espectador, con una mezcla de emociones angustiosas e inquietantes en desarrollo, hasta su desenlace imprevisible. El eficaz soporte musical resultó de un collage que incluyó piezas corales en creole, cubanas, y temas de películas, entre otras. La respuesta del público fue positiva, mas con un evidente acento de desconcierto.

El segundo estreno anunciado, “Cenit” de Laura Domingo –egresada de la Escuela nacional de ballet y dotada de un real talento para la escritura poética-, logra convencer con su talento para la creación de este trío de sólo siete minutos. Los tres bailarines, un hombre y dos mujeres, desarrollan coherentemente su discurso cual un ménage á trois. Si bien la paleta de su vocabulario revela su formación clásica, no se muestra encorsetada, y consigue explayarse a la hora de comunicar sentimientos, pasiones íntimas en esta concentrada miniatura coreográfica cargada de virtuosismo. Un punto a su favor ha sido la elección de la pieza para guitarra “La catedral”, del desaparecido genio paraguayo Agustín Barrios “Mangoré”.

“Under Fire”, de Trey McIntyre, obra que abrió la función de Malpaso en el Teatro Martí . Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

Con el apoyo corporativo de dos fundaciones extranjeras sobre basamentos artístico-culturales similares –la alemana Fundación Ludwig a partir de su filial afincada en La Habana hace dos décadas, y otra norteamericana, la The Joyce Foundation, con sede en NYC–, facilitaron al joven Proyecto cubano de danza Malpaso entregarse, en la misma función, a un díptico de poéticas coreográficas dialogantes.

En 70 minutos en los cuales los bailarines se sometieron, primeramente, al lenguaje y el estilo discursivo del reconocido coreógrafo estadounidense Trey McIntyre, en “Under Fire/Bajo fuego”, donde trata de expandir el vocabulario del ballet adquirido en su formación primigenia. Y en la segunda parte, ejecutaron el estreno “Despedida”, de su mentor y fundador el virtuoso y carismático bailarín Osnel Delgado, quien utilizó el poema homónimo del notable bardo argentino Jorge Luis Borges (ver recuadro).

Por su parte, McIntyre, con una carrera creativa internacionalmente consolidada, desde sus primeros veinte años hasta logar estrenar un centenar de coreografías en múltiples compañías del orbe, fue formado en las técnicas clásicas en la academia del Houston Ballet con el inglés Ben Stevenson. Aquí entrega nítidas frases para iluminar las claves poéticas, de sus propósitos metafóricos de su discurso.

En la segunda parte, Malpaso interpretó el estreno de “Despedida”, de su mentor y fundador, Osnel Delgado. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza Malpaso.

A partir de unos papeles o documentos calcinados por el fuego, al hurgar en sus cenizas, vio que algunos se mantuvieron “prístinos”, logrando descubrir en ellos “como una metáfora elegante de la vida humana”. Y añade: “Cuanto más intentamos quemar y cambiar nuestro exterior, más evidentes se hacen ver nuestras esencias”.

Cuatro impetuosas parejas de ambos sexos bailan sobre el acertado soporte musical aportado por Grandma Kelsey –enfatizados con los impactantes diseños de luces de Al Crawford–, donde interpretan una bien estructurada pieza que atinadamente conjuga los encadenamientos balletísticos con la gestualidad posmoderna de la danza actual más competitiva. Sin evadir los recursos de la contact y del terre á terre, aunque sólo como elementos puntuales para otorgar fluidez a su fraseo. Entonces revela la madurez alcanzada por el autor invitado en su oficio coréutico.

Después de una pausa necesaria –como para limpiar “el paladar” después de degustar el primer plato de una suculenta cena–, llegó el “segundo plato” elaborado sobre ocho afiatados bailarines de Malpaso. Siempre liderados por Osnel Delgado, quien debió construir su “Despedida” sin la música, hasta que el afamado compositor de latin-jazz, Arturo O´Farrill, la enviara espléndidamente ejecutada por su octeto neoyorquino.

La obra de Delgado también se benefició con los inteligentes diseños de luces de Crawford, logrados con los recursos instalados en el centenario Teatro Martí (donde estrenan su escenario), aunque el inventivo vestuario de Jennifer Yanes no siempre facilitó la tarea de algunas bailarinas en particular.

Para entender y gozar a plenitud  la urdimbre de entretejidos, donde se alternan los sentimientos contrastantes de tristeza, nostalgia y de felicidad efímera con los reencuentros.

 Jorge Luis Borges

Entre mi amor y yo han de levantarse
Trescientas noches como trescientas paredes
y el mar será una magia entre nosotros.

No habrá sino recuerdos.
Oh tardes merecidas por la pena,
Noches esperanzadas de mirarte,
Campos de mi camino, firmamento
que estoy viendo y perdiendo…

Definitiva como un mármol
Entristecerá tu ausencia otras tardes.

Trey McIntyre, coreógrafo invitado
Nacido en Wichita, Kansas´, estudió en la North Carolina School of the Arts por dos años y, en 1987, ingresó en la Academia de Ben Stevenson del Houston Ballet. En la primavera de 1989, McIntyre fue nombrado aprendiz de coreografía de esta compañía, una categoría creada por Stevenson especialmente para él. Pasó a ser miembro del cuerpo de baile del Houston Ballet en 1990, y ese mismo año creó su primera obra para dicha agrupación, “Skeleton Clock”, con solamente cumplidos sus 20 años de edad. Desde temprana edad, sus destrezas creativas fueron evidentes para la crítica de danza y los aficionados. En 2005, fundó su propio grupo de danza, el Trey McIntyre Project (TMP), pero fue dispersado recientemente –el pasado junio de 2014-, porque, según el mismo ha expresado a la prensa, deseaba enfocarse más como freelance en la coreografía, la fotografía y el cine, siempre bajo la marca TMP. No obstante, permanecerá asentado en Boise, mantendrá un equipo reducido que le ayudará a reponer los más de 30 ballets realizados para el TMP, en otras compañías y escuelas que lo han solicitado.
En 2009, dirigió la grabación de un vídeo para The Sun Road, una multimedia sobre ballet, filmada en Glaciar National Park, que fue mostrada el pasado mayo en el Festival de Arkansas. Actualmente, está procesando documentales sobre dos de sus más exitosos trabajos: “Ma Maison” y “The Sweeter End”, inspirados en las consecuencias sufridas por New Orleáns tras el paso del huracán Katrina. Igualmente, montó en pasado año su ballet para toda una noche, “Peter Pan” (de 2002), con el Queensland Ballet, así como también fue comisionado para crear una instalación en el Segerstrom Center for the Arts, situado en la localidad californiana de Costa Mesa.

The Washington Ballet estrena “The Jazz/Blues Project” en el Harman Center, Sidney Harman Hall de DC. Foto: Steve Vaccariello. Gentileza TWB.

Un homenaje a la tradición musical más representativa de los Estados Unidos. Una conjunción de coreógrafos que rescata esos ritmos y esos sonidos. Un grupo de bailarines con el sello de la ciudad capital del país: el Washington Ballet, bajo la batuta de Septime Webre.

La compañía con sede en Washington DC, lleva a escena “The Jazz/Blues Project”, como una forma de ponerle movimiento y honrar a esa música que tuvo orígenes populares y diferentes. El espectáculo, que convoca a tres coreógrafos, Trey McIntyre, Val Caniparoli y Annabelle Lopez Ochoa, se presentará en el Harman Center, Sidney Harman Hall de DC, desde el 29 de enero al 2 de febrero.

El programa incluye “Blue Until June” de McIntyre, “Bird’s Nest”, de Caniparoli, y “PRISM”, un estreno mundial de López Ochoa. Sobre las canciones de Etta James, “Blue Until June” explora de qué manera el concepto del amor está influenciado por el cancionero americano.

La obra de Caniparoli, “Bird’s Nest”, utiliza la música de Charlie “Bird” Parker, músico emblemático del jazz, y explora las relaciones entre hombres y mujeres. A su vez, “PRISM”, basada en “The Köln Concert”, de Keith Jarrett, refleja los diferentes modos y atmósfera de la música de la misma manera que un prisma proyecta la luminosidad. Esta obra intenta dar a la audiencia una sensación más intensa de libertad coreográfica, como un tributo a la música, especialmente al jazz, cuya base de sustentación y evolución ha sido y es la improvisación.

“Blue Until June”es un ballet en un acto que captura el espíritu más acabado del blues a través de la exageración del lenguaje corporal. Fue estrenado por TWB en el año 2000 y también se presentó durante la histórica gira de la compañía a La Habana, Cuba, en octubre de ese mismo año. La música de Etta James, interpretada por Faye Butler, incluirá canciones emblemáticas como “St. Louis Blues”, “At Last”, “One For My Baby” y “Fool That I Am”.

“Trey McIntyre nos cuenta una historia sobre las complicaciones de la vida, pero finalmente triunfa el espíritu humano”, comentó Webre.

Caniparoli, en su obra “Bird’s Nest”, estrenada también en el año 2000 por TWB, tendrá música en vivo a cargo de la Howard University Jazz ensemble. “La obra captura maravillosamente la era de exuberante ansiedad de la posguerra, conocida por los genios de la improvisación musical en los night clubs de Nueva York que estaban abiertos hasta las cuatro de la madrugada”, apuntó el director de la compañía.

Caniparoli reconocido como uno de los más importantes coreógrafos de los Estados Unidos, se formó en las filas de San Francisco Ballet, dirigido entonces por el legendario Lew Christensen, y actualmente sigue vinculado a la principal compañía del área de la Bahía como coreógrafo y como bailarín de carácter.

“Estoy muy entusiasmado con el retorno de ‘Bird’s Nest’ a la compañía. Un encargo del Vail International Dance Festival cuya premier estuvo a cargo de TWB”, dijo Caniparoli.

El estreno mundial de este programa viene de la mano de López Ochoa, coreógrafa belga-colombiana, de quien recientemente el Ballet Hispánico presentó en el Kennedy Center una de sus obras y que en la temporada anterior de TWB presentó su obra “Sueño de Mármol”. “Mi inspiración fue el mismo Keith Jarrett, y su vibrante energía que nos envuelve. Esta obra es una fusión entre neoclásico y jazz, y los integrantes de TWB se divierten ante la propuesta de improvisación”.

Calendario de funciones: The Jazz/Blues Project

Miércoles 29 a las 7:30PM (Previa)
Jueves 30, a las 7:30PM (Estreno)
Viernes 31, a las 7:30PM
Sábado 1 de febrero a las 1:30PM y a las 7:30PM
Domingo 2 de febrero a las 1:30PM y a las 6:30PM

En The Harman Center, Sidney Harman Hall
Informes:
202-547-1122
www.washingtonballet.org
www.shakespearetheatre.org

Erin Yarbrough-Stewart y Aaron Thayer en el estreno de Amy Seiwert’s, "Soon These Two Worlds", presentado por el Smuin Ballet en Nueva York. Foto: Scot Goodman. Gentileza SB.

Michael Smuin bailaba en el American Ballet Theatre (ABT) años ha, después de haber pertenecido al San Francisco Ballet, y aparecido también en Broadway y en shows de la televisión. Después de su retiro, estableció en 1994, en el área de San Francisco, su propio conjunto que llamó Smuin Ballet, dándole a la compañía su vasta experiencia en obras clásicas, así como en estilos modernos y populares.

Después de su inesperada muerte ocurrida en 2007, la compañía es dirigida desde entonces  por Celia Fushille, en su doble función de directora artística y ejecutiva, quien ha mantenido el estilo original del pequeño grupo –quince miembros de ambos sexos en total–, al igual que abriendo nuevos horizontes con obras de innovadores coreógrafos como Trey McIntyre, coreógrafo invitado, y Amy Seiwert, coréografo-en-residencia.

La programación neoyorquina, ofrecida en el íntimo Joyce Theatre del barrio Chelsea de Manhattan, fue variada e interesante. El primer ballet de la noche, “Oh, inverted world” se debe a McIntyre, con el acompañamiento musical del conjunto The Shins. Los bailarines (un total de cuatro parejas) igual caminan graciosamente que bailan, introduciendo de vez en cuando algunos pasos clásicos (muy pocos) y otros que llevan ímpetus modernos al estilo hip-hop. Por supuesto que los bailarines calzan zapatillas de media punta, y el vestuario de Sandra Woodall es totalmente casual o deportivo, especialmente para los hombres, que llevan simples “shorts”, con los torsos al aire. Las mujeres lucen trajes cortos y sencillos, de atractivos diseños.

Si hay historias, cada cual en el público puede formar la suya. Entradas, salidas y solos componen la coreografía. Dos bailarines se destacan especialmente en sus solos: Jane Rehm, intensa y ligera, y John Speed Orr, este último simplemente estupendo, en una variación que incluye alguna mímica. Hay momentos en que las parejas igual bailan por su lado, que se unen en momentos que sugieren románticos encuentros; todo cabe en la imaginación del coreógrafo y en la interpretación del conjunto, pero no obstante, la obra es entretenida, y la interpretación de los bailarines aquí es interesante. Un agradable momento de danza contemporánea, diseñada por McIntyre y realizada en todo su potencial, por este joven grupo.

La segunda obra de la noche fue la famosa tragedia mitológica de Medea, que ya ha sido llevada a las  tablas en distintas momentos de gran arte. Entre los más recientes intentos hay que recordar a la gran diva Maria Callas, quien dejando su maravillosa garganta en silencio, intentó el drama en cinta fílmica con gran éxito. En 1977, Smuin resucitó “Medea” para hacerla ballet, aunque ya muchos años antes, en 1946, la gran sacerdotisa de la danza moderna, Martha Graham, la había escenificado en su inigualable estilo propio (“Cave of the Heart”), utilizando la música de Samuel Barber, que Smuin también emplea en su obra, con  diseños de vestuario de Andy Kay.

En realidad, esta obra lleva muy poco vestuario: Medea, en un rol trágico que carga mucho veneno, estuvo magníficamente interpretado por Susan Roemer, luciendo un leotard rojo, con zapatillas de punta del mismo color. Cresusa, su rival, a cargo de Terez Dean, viste también leotard, pero éste en color blanco, igual que las zapatillas de punta. Su personificación es atractiva, con insinuaciones coquetas y seductoras hacia Jason.

En el vestuario de los tres hombres, Jason lleva manillas de clavos dorados, igual que un ancho cinturón al frente, mientras se convierte en una tonga entre la parte más baja de la anatomía trasera, dejando totalmente expuesta esas dos partes. Los hijos de él y Medea, lucen igualmente tongas y suspensores al frente, rematados también por un ancho cinturón.
La historia mitológica ha sido adaptada para esta obra como el coreógrafo mejor la necesitó. Esta Medea, que no pudo dejar de cargar la enorme capa que la envuelve al comienzo y al final de la obra, es un personaje que solo parece querer venganza, y para lograr su obsesionante deseo, inmiscuye a sus dos hijos en el delito de asesinar a su rival Cresusa, a quien los dos chicos amarran con sogas, hasta que su madre le quita la vida, propinándole fuertes tirones. Episodio trágico y muy bien actuado, tanto por parte de Medea como de Cresusa; no obstante, los dos hijos, a cargo de John Speed Orr y Christian Squires, son sobresalientes, tanto por su dramatismo, como por su técnica, esta última de superior ejecución. No sucedió lo mismo con el Jason de Jonathan Dummar, que lo único que sobresale en él es su alta estatura, ya que su baile deja bastante que desear.

Para cerrar la noche, subió a escena una agradable pieza bailable coreografiada por Amy Seiwert, que se titula “Soon these two worlds”, estrenada por la compañía en San Francisco, en 2009, sobre música seleccionada de los discos Nonesuch, titulado “Pieces of Africa”, que es interpretada por el Kronos Quartet. A decir verdad, salvo por el uso de algunos tambores, muy poco recuerda la música o los ritmos de ese continente, e igual sucede con la coreografía, totalmente neo-clásica, incluyendo el trabajo en punta de las mujeres.
Estas visten largas y ligeras túnicas de distintos colores, para interpretar solos o bailes acompañadas. ¿Son acaso los ritmos que se escuchan tonadillas de países específicos que no son precisamente africanos? Muchas veces recuerdan la música folclórica irlandesa, u otros folclores similares, pero nunca africanos, e igualmente sucede con la coreografía, totalmente académico-moderna. Por otra parte, Susan Roemer con Jonathan Dummar, Terez Dean y Jonathan Powell, Erin Yarbrough y Jared Hunt, así como Janica Smith y Shannon Hurlburt, acometen sus variaciones al frente de los grupos con total gracia y precisión. Sin embargo, en esta pieza, las mujeres ponen de manifiesto poseer mejores técnicas que los hombres.

Un final alegre que parece traer consigo rayos de sol que iluminaron la noche e hicieron que los espectadores se marcharan del teatro totalmente complacidos. No es vano desear que el Smuin Ballet pronto repita su visita.

Jonathan Jordan, de The Washington Ballet, en "High Lonesome" de Trey McIntyre. Foto: Steve Vaccariello. Gentileza de TWB.

Clásico, zapatillas de punta, glamur y rock furioso se entrelazan en este nuevo programa que el Washington Ballet presentó desde el 16 hasta el 20 en el Sidney Harman Center for the Arts, de DC. Tres obras con sello diferente, pero con intenciones similares; dejan de lado las etiquetas del ballet y se arriesgan al desafío de lo nuevo.

Septime Webre, director de la compañía por más de 10 años, ha logrado romper con esquemas clásicos, sin alejarse de lo clásico. Esta vez reunió obras de Trey McIntyre, “High Lonesome”; de Christopher Bruce, “Rooster”, y una creación propia que se estrenó por primera vez en 1996, “Fluctuating Hemlines”, para un programa que llamó “Rock & Roll”.

En “High Lonesome”, con música de Beck, McIntyre mostró un atractivo retrato de una época en la que se rompían las estructuras tradicionales. Con movimientos casi eléctricos, dinámicos y atléticos, los bailarines fundieron su energía en una pieza de alta exigencia física.

Excelente trabajo el de Sona Kharatian, que de manera simbólica cumplía el rol de madre en esta propuesta coreográfica que, según apunta el programa de mano, es una suerte de retrato de la propia familia del coreógrafo. Jared Nelson, un bailarín capaz de transitar de lo clásico a lo contemporáneo sin dificultades, permitió confirmar, una vez más su compromiso interpretativo y su calidad como bailarín. Mientras el atlético Jonathan Jordan, en su rol de adolescente, logra momentos interesantes, tanto desde su desempeño físico como en su caracterización.

Webre, y su “Fluctuating Hemlines”, no deja de lado su humor y su osadía en esta obra que comienza con caricaturas de una sociedad artificiosa. Mujeres con ridículas pelucas entran y salen de la escena, por momentos se transforman, se quitan los atuendos ficticios y quedan al descubierto.

Música en vivo de Tigger Benford, interpretada magníficamente por el grupo Native Tongue, la obra va adquiriendo una gran intensidad rítmica en la que los bailarines ponen a prueba su energía y sus habilidades actorales.

Con una mueca, los hombres, con sacos de terciopelo, se desplazan de un lado a otro del escenario, mientras las mujeres, de negro, establecen una especie de diálogo con distintas intencionalidades e intensidades. En “Rooster”, la música de los Rolling Stones se convierte en el eje de esta obra en la que se suceden situaciones de encuentros y desencuentros entre las parejas.

Con un humor sutil, esta pieza no sólo requiere destreza y sensualidad, sino también una fuerte habilidad para la mímica en la que parecería que los gallos (tal es la traducción de rooster) estuvieran al acecho de las gallinas. Sin embargo, Christopher Bruce, logra ensamblar los momentos de lirismo y de intensidad musical con claridad y consistencia.

Pero más allá de las obras, los que brillaron en este “Rock & Roll” fueron los bailarines, quienes mostraron no sólo un alto nivel físico sino también una clara comprensión de la propuesta coreográfica de cada uno de los creadores. Sólidos y precisos, lograron cautivar al público con la calidad de danza y con la cohesión del grupo. Sin duda, otro logro más de Webre.