Cuerpo de baile del ABT en “Crimen y castigo”, obra que se presenta en el Kennedy Center. Foto: Emma Zordan. Gentileza JFKC.

¿Cómo llevar a escena, con absoluta fidelidad, una pieza crucial y aguda como “Crimen y Castigo” de Fyodor Dostoevsky? Quizás, acercarse a una obra de esta envergadura y llevarla a otros campos ajenos a la literatura, incluido el teatro, requiera una disociación y un desprendimiento absoluto del original. Pretender encontrar esos personajes atormentados que transitan en la novela que el autor ruso escribió en 1866, es ardua tarea. Sin embargo, Helen Pickett intentó fundir imágenes, diálogos, personajes y crear lo que podría llamarse “una obra basada en Crimen y Castigo”. También podría considerarse una suerte de “recreación coreográfica” de este clásico de 600 páginas.

El 12 de febrero el American Ballet Theatre se lanzó a ese riesgo en el que a veces se pierde o se gana, y presentó esta obra, que permanecerá en cartel hasta el domingo 16, en el Opera House del Kennedy Center. Su estreno mundial fue el 30 de octubre de 2024 en el David H. Koch Theater del Lincoln Center de New York, y tuvo como protagonistas a Cassandra Trenary (Raskolnikov), Christine Shevchenko (Dunya), Calvin Royal III (Razumikhin), SunMi Park (Sonya), Roman Zhurbin (Marmeladov), Claire Davison (Katerina), Joseph Markey (Luzhin), James Whiteside (Svidrigailov) y Thomas Forster (Porfiry).

Esta obra maestra de la literatura es una historia policial, escrita y estructurada de tal manera que, no sólo se entrecruzan las tramas, sino que deja al desnudo la condición humana. Dostoevsky narra el asesinato de una vieja prestamista perpetrado por Raskólnikov, un joven que tuvo que resignar sus estudios de abogado por falta de recursos económicos. Pero más allá del hecho en sí, el autor se adentra en un drama psicológico y moral que trasciende la época y se convierte en un conflicto universal. La culpa arrastra a Raskólnikov a una torturante desesperación hasta que finalmente confiesa su crimen y recibe su castigo. Como fiel exponente del realismo ruso (1830-1880), Dostoievski describe las desigualdades sociales de la época con absoluta crueldad.

Catherine Hurlin y Aran Bell, como Razumikhin y Dunya en el Segundo acto de “Crimen y castigo”. Foto: Emma Zordan. Gentileza JFKC.

Frente a esta catedral literaria, la coreógrafa Helen Pickett, que ya había incursionado con éxito en “Crucible” (Las brujas de Salem) para el Scottish Ballet y “Emma Bovary” para el National Ballet of Canada, armó su propia catedral moderna, minimalista y por momentos, despojada de emoción. Pickett propone una forma narrativa interesante, que es una suerte de danza-teatro, danza contemporánea y ciertos guiños al neoclásico. La coreógrafa, quizás demasiado pegada a la gestualidad de los ballets clásicos en algunas secuencias, tiene logros coreográficos de peso, especialmente en las escenas de conjunto donde se ve un cuerpo de baile sólido y convincente.

La apertura, con proyecciones oníricas, llega a su momento de mayor esplendor cuando sube el telón y aparece el cuerpo de baile como una masa uniforme, opresiva y coordinada al segundo. No obstante, fue en el discurso corporal de los personajes principales donde la coreógrafa se debilita y, por ende, frena la fluidez de la obra y la le quita emoción. La puesta, además, se apoya en la proyección de subtítulos que le soplan al espectador lo que está ocurriendo. Un recurso que pudo tener su particular atractivo, pero que, sin embargo, el texto es demasiado obvio y no ayuda a adelantar la escena. Como si el espectador necesitara que lo lleven de la mano para comprender mejor.

El protagonista, Raskólnikov, interpretado en la primera noche por Herman Cornejo, marcó una enorme diferencia con el resto en el plano interpretativo. Cornejo no sólo ejecutó las marcaciones y las secuencias coreográficas con solvencia, sino que se convirtió en ese Raskólnikov atormentado por la culpa. Un bailarín impecable y un gran artista, inteligente, sensible e intuitivo.

Skylar Brandt y Herman Cornejo en “Crimen y castigo” de Helen Pickett. Foto: Emma Zordan. Gentileza JFKC.

Sonya, interpretado por Skylar Brandt con delicadeza angelical, encarna a la joven obligada a prostituirse para mantener a su familia. Es ella quien incita a Raskólnikov a confesar su crimen para lograr su redención. Brandt es una bailarina exquisita, pero la coreografía y el hilo dramático delineado por Pickett, no logran sacar a la luz las virtudes de Brandt, ni tampoco plasman la profundidad del personaje.

Aran Bell y Catherine Hurlin encarnaron a Razumikhin y a Dunya, el amigo y la hemana de Raskólnikov. Ambos lograron su mejor momento en el pas de deux del segundo acto. Una de las pocas secuencias en las que la coreografía logró fundirse con la emoción.

Joseph Markey interpretó a Luzhin, el prometido Dunya. Su trabajo fue excelente, no obstante, la coreografía tuvo secuencias de gran ambigüedad que oscilaba entre la pantomima de Gamache en “Don Quijote” y la delicadeza de Paris en “Romeo y Julieta”.

Desde lo técnico, el American Ballet Theatre hizo un trabajo impecable. Los bailarines, que a su vez eran los encargados de mover los módulos de madera que recreaban distintos espacios, trabajaron con una convicción absoluta. Aunque en esta enorme catedral creada por Pickett la emoción sólo apareció de manera intermitente.

Es importante y hasta necesario que el ballet se acerque a la literatura, y se abran nuevas puertas para contar historias semejantes a las de “Onegin”, “Don Quijote” o “Giselle”. Hoy, narradas con un lenguaje coreográfico diferente y con recursos técnicos, también diferentes.

Herman Cornejo, primer bailarín del ABT, en el rol de Raskólnikov. Foto: Emma Zordan. Gentileza JFKC.

Skylar Brandt (Tita) y Herman Cornejo (Pedro) en la obra de Christopher Wheeldon “Como agua para chocolate”. Foto: Emma Zordan. Gentileza: ABT

Mujeres que tejen, quizás, las intrincadas tramas de la vida. Mujeres que observan como testigos silenciosos. Mujeres que acompañan los destinos de una casa sumergida en tristezas y resentimiento, en opresión y en deseos ahogados.

Christopher Wheeldon abre la primera escena de “Como agua para chocolate” con estas mujeres solas sometidas a una madre que oculta su furia y sus postergaciones. El coreógrafo, con una gran sensibilidad narrativa, logra captar la esencia de esas mujeres que describe la autora mexicana Laura Esquivel en su novela del mismo nombre. Una suerte de semejanza a “La casa de Bernarda Alba” pintada por Federico García Lorca en las primeras décadas del siglo XX al igual que la temporalidad en la que se sitúa esta obra fantástica, desbordante, donde explotan los sentidos hasta romper los límites imaginables.

En su temporada en el Metropolitan Opera House, el American Ballet Theatre (ABT) presentó en Nueva York esta obra que ya había tenido su estreno mundial en 2023 en Costa Mesa, California, y que debutó a nivel mundial con el Royal Ballet en 2022. Wheeldon se animó al tremendo desafío de competir con la película estrenada en 1992 que dejó una huella indeleble en la memoria. Más allá de las diferencias entre el cine y el ballet, esta propuesta encuentra momentos de gran belleza y logra distanciarse de la película con vuelo propio.

Catherine Hurlin interpreta a Gertrudis en la pieza de Christopher Wheeldon en el Met de Nueva York. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Wheeldon desgrana con solvencia una trama en la que transitan varias generaciones, e incorpora magníficos elementos sobrenaturales de manera efectiva y convincente. Va creando la narrativa con fluidez y gran capacidad de síntesis. Con un lenguaje que se funde entre la danza-teatro y el ballet, describe las complejas situaciones por los que transita el argumento de esta novela. A eso se suma el aporte adicional de la partitura de Joby Talbot, que incorpora instrumentos tradicionales del folclore mexicano y a su vez, recoge ciertos elementos y efectos sonoros utilizados con frecuencia en la música de películas, y alcanza a crear climas sugerentes. Pero quizás lo más impactante de esta puesta en escena descanse en la magnífica escenografía de Bob Crowley, quien también recreó un vestuario adecuado para describir a los personajes y sus personalidades.

Pero por sobre todo, “Como agua para chocolate” propone un elenco impecable. Skylar Brandt y Herman Cornejo, como Tita y Pedro, reviven esos personajes cuyo amor y apasionamiento trascienden los límites puramente humanos. Brandt, hizo un estupendo y delicado trabajo actoral, y su interpretación logró mostrar la maduración de Tita a través del paso de los años. Cornejo, por su parte, un bailarín con una técnica impecable, compuso un Pedro intenso y, una vez más, se mostró como un magnífico partenaire, cuidadoso y atento. Ambos construyeron una adorable pareja protagónica.

Christine Shevchenko interpretó a la autoritaria, intransigente y violenta Mamá Elena con solvencia y convicción. Excelente su caracterización y su expresividad. Catherine Hurlin (Gertrudis) también hizo un magnífico trabajo, lanzó su sensualidad y su potencia en el primer acto cuando la comida de Tita despertó sus más profundos deseos, y en el segundo acto, ya convertida en revolucionaria.

Conmovedora y refinada Luciana Paris como Nacha, una pieza clave en la vida de Tita, tuvo un solo sublime en el primer acto, el cual mostró, a flor de piel, a esta estupenda bailarina cuya técnica y delicadeza le permiten transitar por todos los géneros y personajes. La ovación del final dio muestra del impacto de su actuación.

Mamá Elena, interpretada por Christine Shevchenko en “Como agua para chocolate”. Foto: Marty Sohl. gentileza ABT.

Chloe Misseldine, como Rosaura, encontró la frialdad justa para caracterizar a esta mujer cargada de represiones, sumisa y resentida. Casi secundario, pero igualmente importante, el rol de Thomas Forster como el Dr. John Brown que, en esta trama intrincada y compleja, adquiere mayor presencia en el desenlace. Wheeldon, con intuición narrativa, logró transitar con acierto esta novela compleja donde lo sobrenatural y lo terrenal se encuentran de manera constante. Sin embargo, cuando se trató de los protagonistas, sus pas de deux no alcanzaron a transmitir la verdadera esencia de la danza, ni esa pasión contenida de los amantes secretos, y se perdieron en poses, a veces, vacías.

Mientras, el cuerpo de baile solo acompaña algunas secuencias grupales como la boda de Rosaura y Pedro, la llegada de los revolucionarios y escenas callejeras. Cada elemento incorporado en esta puesta donde se mezclan imágenes audiovisuales y efectos lumínicos, tiene un simbolismo especial. Tal como ocurre en las escenas en las que las marionetas -mujeres que tejen- adquieren diferentes alturas, se acercan y se alejan de los personajes. O quizás, cuando las mujeres de blanco con las caras pintadas como calaveras en el Día de los muertos, se dan vuelta y sus vestidos son negros.

“Como agua para chocolate” propone un expedición al mundo de las emociones y las contradicciones humanas. Su puesta en escena es impactante y contundente para narrar esta inolvidable historia de amor y sufrimiento, cuya magia reside en la verdad oculta y en esa explosión de los sentidos y el deseo.

Celebrando los 25

Herman Cornejo en el saludo final de la función del 19 de julio. Foto: Emma Zordan. gentileza ABT.

El 19 de julio fue el día elegido para celebrar los 25 años con el ABT de Herman Cornejo. Antes de empezar la función, un cortometraje sobre el bailarín, testimonios de sus colegas y sus propias reflexiones marcaron el comienzo de una noche memorable.

El bailarín argentino, que se incorporó al ABT en 1998, se llevó el primer premio en el Octavo Concurso Internacional de Moscú cuando tenía 16 años, y fue el ganador más joven en la historia del concurso. Un año después se incorporó al ABT Studio Company como aprendiz, y en 1999 fue elegido para el papel del Ídolo de Bronce en la producción de “La Bayadera” de Natalia Makarova en Japón. Poco después, en 2000, fue ascendido a solista y en 2003 se convirtió en primer bailarín de la compañía. Después llegaron más reconocimientos: premio Bessie en 2013 y el Prix Benois de la Danse en 2014, entre otros.

Al terminar la función, una ovación de aplausos y de estupor resonó en la sala del Met. Los espectadores de cada uno de los rincones del teatro de pie celebraron a este magnifico bailarín. Sus compañeros, cargados de emoción también ovacionaban a Cornejo. Sin embargo, el bailarín, con una generosidad conmovedora, dejó sola a Skylar Brandt para que el público reconociera su magnífico trabajo. Pero quizás lo más emocionante de esa noche fue su abrazo y su reconocimiento a Luciana Paris, su amiga, su compañera de escenarios, su compañera en el ABT. Cornejo también la dejó sola, fue hacia atrás, mientras disfrutaba esa ovación que recibía la bailarina argentina.

Lágrimas, abrazos, flores, y por sobre todo, una enorme emoción ante un público que se resistía a abandonar el teatro y sacaba fotos en un intento de plasmar un momento irrepetible.

El ABT presenta “El lago de los cisnes” hasta el domingo 29 de enero en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

Más allá del paso del tiempo, más allá de sus múltiples intérpretes y versiones, “Lago de los cisnes” es una de esas obras indiscutibles del repertorio. Combina una trama sumamente atrapante, elementos mágicos poderosos, dilemas morales y psicológicos, un gran despliegue escenográfico, danza pura, y belleza absoluta.

La versión de Kevin McKenzie -sobre la de Marius Petipa y Lev Ivanov- de este clásico en dos actos y dos escenas, que el American Ballet Theatre (ABT) trajo al Opera House del Kennedy Center de Washington DC desde el 25 al 29 de enero, reúne todos esos elementos y, sobre todo, muestra un cuerpo de baile sólido y refinado. Quizás, después de la partida de las tres grandes estrellas femeninas, Paloma Herrera, Julie Kent y Xiomara Reyes, la compañía todavía pasa por una etapa de transición en la que se advierte aun la ausencia de verdaderas “etoiles” para estos roles en los que héroes y heroínas deben devorar la escena.

Gillian Murphy, una de las siete protagonistas de la versión de “Lago de los cisnes” que trae el ABT a Washington DC, y junto a ella, Roman Zhurbin. Foto: Hidemi Seto. Gentileza JFKC.

Mckenzie, en su prólogo, narra la secuencia en la que Odette cae en las manos del malvado hechicero von Rothbart quien, al no obtener el amor de la princesa, la embruja y la convierte en cisne, dejándola atrapada en sus dominios. Un punto en el que difiere de otras puestas en las que no siempre describen el secreto de ese hechizo. La función de apertura, protagonizada por Hee Seo como Odette/Odile, y Cory Stearns como Sigfrido, tuvo momentos logrados, que indudablemente se refuerzan por una estupenda coreografía y la música sublime de Piotr Illych Tchaikowsky.

Seo y Stearns hicieron un excelente trabajo en pareja, especialmente en el pas de deux del acto blanco, en el que Odette se encuentra con Sigfrido y le cuenta su tragedia. Ambos se prometen amor eterno y queda pendiente la esperanza de romper el maleficio a través del amor. No obstante la profunda emoción que genera ese pas de deux estuvo ausente. También estuvo ausente por parte de Seo ese refinamiento y perfección en el suave braceo del cisne. No obstante, la bailarina logró encontrar el movimiento de cuello acertado semejante al de un verdadero cisne. Mientras, Stearns, quien ha crecido como bailarín y se lo ve más sólido, logró crear un personaje atractivo, con buenos saltos y prolijos cierres.

Magnífico el cuerpo de baile en el bello acto blanco donde los cisnes, en la penumbra del lago, salen durante la noche bajo la luz de la luna. Un despliegue casi sublime y encantador, que deja perplejo, y permite ver un ensamble sólido.

El segundo acto situado en el palacio, en el gran baile destinado a que Sigfrido encuentre a la princesa para casarse, incluye danzas folclóricas tradicionales como zardas, mazurcas, danzas napolitanas y españolas. Allí aparece Odile, con su maleficencia, instigada por Von Rothbart, desdoblado aquí en un atractivo y maquiavélico personaje. Thomas Forster, un bailarín con fuerte personalidad y atractiva presencia, encarna a ese von Rothbart. Con la interpretación adecuada, Forster realizó una estupenda variación y mostró su calidad como bailarín solista de la compañía. Por su parte, Patrick Ogle cubrió el rol de von Rothbart en su verdadera y repulsiva forma de “animal” o monstruo del bosque. Impresionante.

El pas de trois de “Lago de los cisnes” con Devon Teuscher, Joseph Gorak y Christine Shevchenko. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Sin duda, la llave maestra de este acto es el famoso pas de deux del Cisne Negro, encarnado por Odile, una suerte de Alter Ego de Odette. Una coreografía que pone a prueba a cualquier bailarina, dado que plantea una combinación de actuación exigida y técnica superlativa. Aquí aparecen los famosos fouettés, clave de esta coreografía. Seo comenzó con sus doble giros, y en la mitad de los 32 fouettes que tiene esta coreografía se fue levemente de eje. Por otra parte, en el rol de este personaje, le faltó la malicia que requiere. Por su parte, Stearns terminó sus difíciles variaciones con total brillantez.

Joseph Gorak, como Benno, amigo del príncipe, se destacó con su actuación con su entusiasta personalidad y por su ajustada técnica. Su personaje fue sencillamente brillante, al igual que en el pas de trois con Sarah Lane y Skylart Brandt.

Quedan aún cinco funciones, una de las cuales será protagonizada por Herman Cornejo y Misty Copeland, funciones que están totalmente vendidas.

Isabella Boylston, Joseph Gorak y Stella Abrera, del ABT, en “Monotones I y II”, de Frederick Ashton. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Con la caída de las hojas otoñales, también llegaron al teatro Koch del Lincoln Center de Nueva York, las obras prometidas para esta temporada del American Ballet Theatre (ABT). Desde el 21 de octubre hasta el 1 de noviembre, la compañía dirigida por Kevin McKenzie comenzó el ciclo de presentaciones con obras nuevas en su repertorio.

Una de las primeras piezas que subió a las tablas del Koch, fue nada más ni nada menos que “The Brahms-Haydn Variations”, compuesta por la clásico-moderna coreógrafa Twyla Tharp, que muchos galones ha ganado con su excelente trabajo. La obra cerró la gala del 21 de octubre y formó parte de los programas de las semanas subsiguientes.

Marcelo Gomes como la muerte en uno de los íconos de Kurt Jooss, “La mesa verde”. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Las magníficas variaciones de Haydn sirvieron para que Brahms lograra un precioso trabajo musical. Partitura que desde el año 2000, sirvió de base para esta estupenda creación de Tharp, en donde aparecen siete parejas. Entre ellas, se destacan grandemente la formada por Maria Kochetkova y el maravilloso bailarín clásico Herman Cornejo; Christine Shevchenko y el elegante Joseph Gorak, y la graciosa Sarah Lane junto a Daniil Simkin, entre otras.

El programa continuó con la maravillosa y diminuta pieza original del grandioso coreógrafo Frederik Ashton (1904-1998) que tituló “Monotones I and ll” con música de Erik Satie. Misteriosa y emotiva. Un delicioso regalo para el espíritu.

“Monotones I”, compuesto primeramente, lleva dos bailarinas Stella Abrera con Isabella Boylston y un bailarín, Joseph Gorak. Mientras en “Monotones II”, los intérpretes son una bailarina (la eterna Veronika Part) y dos bailarines, Thomas Forster y Cory Stearns. Ambos trabajos pueden llamarse fascinantes.

Esa noche la velada terminó con un ballet de una época muy parecida a la actual,” La Mesa Verde”. Danza de muerte en ocho escenas. En la primera, la mesa aparece rodeada de personajes europeos que cada uno discute sus responsabilidades para evitar lo indeseable: la guerra y hambruna. Ambas situaciones amenazantes. Sin embargo, no parece que logren el triunfo.

Pronto aparece en escena el personaje principal, la muerte. Rol que encarna con total dominio Marcelo Gomez, tan buen bailarín como actor. Parecía que sus enormes pisadas y total dominio de sus pasos imponen.

Cuando esta pieza fuera estrenada (1932), Europa estaba sufriendo aun lo que la Primera Guerra Mundial había dejado atrás. Se anunciaba la llegada del holocausto que era imposible de detener. Por ese entonces Kurt Jooss, autor de la coreografía creada para su propio grupo bailable, partió de Europa hacia América.

Con Gomes de cabecilla en tan duro papel, ha sido el que ha cargado con bien merecidos aplausos, sin posible diferencias. La música, de la que es autor F.A. Cohen fue interpretada a dos pianos por David LaMarche y Daniel Waite.

Gillian Murphy y James Whiteside en “The Brahms-Haydn Variations”, de Twyla Tharp. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Un estreno

“After you”, el único estreno de la temporada, integró otro de los programas del ABT en el teatro Koch. Con coreografía de Mark Morris y la exquisita música del “Septeto en Do mayor, N° 2 Op. 114″, original de Johann Nepomuk Hummel, y los diseños de vestuario de Isaac Mizrahi, la obra es una bella puesta desde distintos aspectos.

La ropa que visten las seis parejas, de tela fina y transparente, promueven una composición única y delicada. Los principales Isabella Bollston y Herman Cornejo, hicieron un magnífico trabajo. El bailarín argentino se destaca especialmente por su finura y su expresividad que ha comenzado a aflorar de una manera notoria.

Con orquesta de cámara en vivo, y al piano, Barbara Bilach, quien acompañó las atractivas danzas creadas por Morris. No podía faltar un conjunto de violín, cello, bajo, flauta, clarinete y trompeta, que con gran ritmo lograron enaltecer la obra.

Entre los coreógrafos más conocidos no podía faltar la representación de Paul Taylor, representado por el conocido “Company B”, sobre música de las Hnas. Andrews. Sumamente divertido.

“After you”, el único estreno de la temporada, integró otro de los programas del ABT en el teatro Koch. Con coreografía de Mark Morris. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

El programa finalizó con el coreógrafo en residencia ABT Alexei Ratmansky, que escogió su arreglo del “Piano Concerto N° 1″ de Shostakovich. Bailado con especial brillantez por el conjunto  y muy en especial por las dos parejas solistas: Gillian Murphy con Cory Stearns, y Maria Kochetkova con Daniil Simkin. Dos parejas magníficas, que siempre producen lo mejor. El vestuario a cargo de Keso Dekker es sencillamente estupendo. Bilach, al piano, puso lo mejor de su arte en su interpretación de la hermosa y difícil música de Shostakovich.

El ABT anunció cambios y ascensos en sus filas, y promociones de Solistas y Principales. Foto: Rosalie O’Connor. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Al finalizar la temporada primavera-verano de 2015, Kevin McKenzie, director artístico del American Ballet Theater (ABT) anunció varias promociones que sucederán a partir de septiembre de este mismo año.

Después de 25 años con el ABT, Julie Kent se despidió de la compañía el 20 de junio en el Met. Foto: Marty Sohl. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Dos privilegiadas subieron un escalón para convertirse en Principales, e igualmente, hubo varios nuevos Solistas. Las Principales son Stella Abrera, y Misty Copeland. Otros dos nombres se incorporan a la compañía como principales, Maria Kochetkova, que acaba de dejar el San Francisco Ballet, y Alban Lendorf, hasta ahora, Principal del Royal Danish Ballet.

Y entre los Solistas,  además de Skylar Brandt, Thomas Forster, Arron Scott y Cassandra Trenary, el nombre de Luciana Paris brilla por lo que siempre muestra en el escenario, que la hace  merecedora de la promoción, y que a esta altura de su carrera, ya deberían haberla ascendido a principal hace varios años. No por antigüedad sino por méritos propios y por tesón de trabajo.

Luciana Paris, ascendida a Solista del ABT, brilla por lo que siempre muestra en el escenario. Foto: Lucas Chilczuk. Gentileza Luciana Paris.

Copeland ha sabido aprovechar muy bien su futuro estrellato apareciendo constantemente en la televisión, en medios gráficos y en la radio. Una campaña publicitaria que comenzó el año pasado, casi al final de la temporada del ABT en el Metropolitan Opera House, con el lanzamiento de su autobiografía, “Life in Motion” (Ver Danzahoy ) y su aparición en varios medios de prensa. Momento que sirvió también para que Copeland reciba varios premios y distinciones por su trayectoria y su esfuerzo por vencer la adversidad de una vida azarosa.

Se ve muy bien que tiene una-un agente que sabe qué puerta tocar, pues no solamente estuvo en  las  noticias de última hora anunciando su ascenso, sino también en programas como “The View” dirigido por Whoopie Goldberg. Allí le echó mano a la muy usada y peligrosa carta racial, que no necesita comentario ni entra en discusión.

A los 36 años, Misty Copeland, asumirá roles de Principal en el ABT a partir de la temporada 2015-2016. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Copeland ha llegado a la categoría de Principal a los 36 años, una edad en la que ya muchas bailarinas empiezan a pensar en el retiro. Y poco es el tiempo que le queda para ser considerada “estrella”. Algo diferente a lo que ella ha conseguido.

Por lo contrario, Abrera no ha buscado publicidad sino que parece se ha quedado tranquila,  esperando poder gozar de su nueva posición cuando comience la corta temporada del próximo otoño. Si bien es cierto que hace largo tiempo que la bailarina viene esperando este ascenso.

Por ese tema viene a la mente una bailarina Rusa, Veronica Part, de alta estatura y bastante peso que sorprendió a todos los que les interesa el ballet cuando la hicieron Principal. Muy pocos bailarines del elenco podían cargarla, pero hay que recordar un dicho que explica lo siguiente: “Suerte te de  Dios porque  el saber nada te vale”. Part tuvo un magnífico padrino en Sergei Ratmansky, coreógrafo y artista en residencia del ABT, y ruso como ella.

Las que se fueron

Este final de temporada marcó también el retiro de tres bailarinas Principales que hicieron época en la compañía y colaboraron para darle el brillo y el prestigio internacional que hasta hoy tiene. Dos de ellas fueron “casi” obligadas a colgar las zapatillas: la cubana Xiomara Reyes y Julie Kent. Paloma Herrera ya había anunciado su retiro al cumplir sus 20 años con el ABT. Y si bien no le dejaron escoger la obra para su despedida, la bailarina optó por una función de “Giselle”, en la matiné.

Paloma Herrera anunció su retiro en 2014 y se despidió del Met y del ABT el 27 de mayo de 2015. Foto: Gene Schiavonne. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

“Yo no soy un ballet, yo no soy una función. Yo soy toda una carrera -manifestó en una entrevista-. Por eso dije: ¿no hay otra opción? Pues tengo que cerrar con ‘Giselle’”. Es una ética, es una forma de vida”. Y también remarcó durante varias entrevistas: “Si yo no doy el ejemplo, ¿quién lo va a dar? Uno hace una carrera así por lo verdadero que uno quiere, no por el glamur, por la fiesta, por estar en los medios o por querer ser famoso. Yo amo lo que hago y es lo único que me importó siempre. Así me voy a ir”.

La bailarina argentina fue la primera latina en llegar a ser principal a los 19 años. Y en aquel momento, no hubo un campaña publicitaria, ni agente de prensa que la llevara a todos los canales de televisión, ya que por entonces los latinos eran minoría y también tenían un espacio relegado.

Herrera formó parte de la generación de José Manuel Carreño y Ángel Corella, a los que se sumaron luego Xiomara Reyes, Marcelo Gomes, Herman Cornejo, Carmen Corella, Erica Cornejo, la uruguaya María Riccetto y Luciana Paris. Todos ellos compartieron escena con otros grandes como Ethan Stiefel, Vladimir Malahkov, Nina Ananiashvili, Alessandra Ferri. Y el ABT era “la Meca” de muchos bailarines del mundo.

Una de las favoritas del público, Xiomara Reyes, dejó el ABT, el 27 de mayo. Junto a Herman Cornejo en “Don Quijote”. Foto: MIRA. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

El mismo día de la despedida de Herrera, y con el mismo ballet, “Giselle”, Reyes dejó el ABT por la noche. Con dolor y resignación.

Una mano muy fuerte dio el empujón final también a Kent, que aunque tenía la edad como para retirarse, y ya estaba pensando en cuándo sería el momento, aun lo que bailaba lo hacía con extrema gracia y seguridad. Respecto a Reyes, aun le faltaban unos años para decir adiós a un público que la adoraba.

Pero citando otro dicho: “así son las cosas y basta”. Ya el tiempo lo dirá qué pasará con este barco al que la directora ejecutiva, y capitana, Rachel Moore, acaba de abandonar para convertirse en la CEO del The Music Center de Los Ángeles, California. Un cambio que podría resultar oportuno para ella, y de dudoso beneficio para el ABT que ahora tendrá que navegar con menos tripulantes y muy pocos avezados.

La presentación de Marianela Núñez junto a James Whiteside en el Metropolitan Opera House de Nueva York, cerró la temporada del ABT: Foto: MIRA. Gentileza ABT.

Con música de Sergei Prokofiev y con la sutil y minuciosa coreografía de Frederick Ashton, basada en el cuento tradicional de Charles Perrault, “La Cenicienta”, cerró la temporada primavera-verano del American Ballet Theatre (ABT) en el Metropolitan Opera House. La compañía dirigida por Kevin McKenzie presentó la obra desde el 29 de junio al 4 de julio con distintos repartos.

Tres principales del ABT, Hee Seo, Gilliam Murphy y Stella Abrera (recién ascendida) compartieron protagónicos con la bailarina invitada del Royal Ballet of London, la argentina Marianela Núñez, cuya trayectoria es más conocida en Europa y Sudamérica que en los Estados Unidos. Como pez en el agua, Núñez retomó una obra que forma parte del repertorio de la compañía a la que pertenece y en el que ha incursionado en varias temporadas en el Coven Garden de Londres.

En esta versión tan especial Frederic Ashton, visionario en su época, utilizó un elemento simbólico importante: hombres interpretando el rol de las hermanas de Cenicienta. Esta puesta realizada en 1948, y estrenada por el Sadler’s Wells Ballet en el Coven Garden, tuvo como protagonistas a Moira Shearer y a Michael Sornes, y el mismo Ashton, junto con Robert Helpman, cubrió el papel de las hermanastras.

James Whiteside del ABT y Marianela Núñez del Royal Ballet of London en los protagónicos de “La cenicienta” de Frederick Ashton. Foto: MIRA. Gentileza ABT.

Para el ABT, Mikhail Baryshnikov montó su coreografía en 1983, y le siguieron otras dos producciones, la de Ben Stevenson (1996) y la de James Kudelka (2006). Esta puesta de Ashton comenzó a integrar el repertorio de la compañía en junio de 2014.

La presentación de Marianela Núñez en el rol de Cenicienta creó cierta expectativa, ya que fue la primera presentación con la compañía estadounidense. Junto a ella, James Whiteside, que fue quien estrenó esta versión para el ABT en 2014.

Núñez, dueña de una gran plasticidad y musicalidad, brilló en el segundo acto, en la escena del palacio, con sus magníficos giros, sus pirouettes y sus sólidas puntas. Pero a la impecable y sutil técnica se suma una encantadora personalidad que se ajusta al rol y la convierte en un personaje real. Su delicado trabajo actoral permite descubrir cada uno de sus estados de ánimo, especialmente en las escenas en las que debe defenderse de sus brutales hermanastras, o en las que se aferra a la protección de un padre debilitado y sometido a sus hijas adoptivas.

Ashton, con sus delicadas coreografías y ambientaciones, tiene una paleta mágica para pintar personajes y delinear situaciones. La armonía de los pasos que ha creado, son dibujados por Núñez y Whiteside con perfección y fortaleza.

El resto del reparto contó con Veronika Part como el hada madrina, prolija y discreta. Sarah Lane, cubrió el rol del hada de primavera; Stephanie Williams, el hada de verano; Luciana Paris, fue el hada de otoño, y el hada de invierno, April Giangeruso, miembro del cuerpo de baile. Las cuatro hadas, entre ellas Paris, recién ascendida a solista, después de un desempeño más que meritorio durante largas temporadas, hicieron un estupendo y delicado trabajo en cada una de las variaciones.

El Bufón que animó la fiesta del palacio, interpretado por Craig Salstein, hizo un excelente desempeño. Brillante en sus “split-jetés” y en su graciosa gestualidad.

Y un capítulo especial merecen Kenneth Easter y Thomas Forster que tejieron maravillas en la composición de las hermanastras. Ambos dejaron fluir sus cualidades de clowns y construyeron dos personajes magníficos, divertidos y atractivos. Imperdibles.

Ormsby Wilkins, al frente de la orquesta, logró hacer maravillas con la intrincada partitura de Prokofiev. Con maestría, hizo sonar la orquesta con brillantez y precisión.

El alto nivel de danza de la última noche de la temporada y el magnífico vestuario de David Walker, se amalgamaron con una bella escenografía, creada por Brad Fields, en la que cada escena adquiere personalidad propia.

Una lluvia de flores, lágrimas, abrazos y reverencias para la despedida de Paloma herrera del ABT en el Met. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Cuando Paloma Herrera anunció el año pasado que 2015 sería su último año como bailarina, quedó un profundo silencio contenido. Y de alguna manera, dio paso a pensar que se estaba extinguiendo una generación de bailarines que hicieron honor a la profesión y a la cultura del trabajo, más allá del arte y de los dones naturales.

A teatro lleno, Herrera dejó su último suspiro en el escenario del Metropolitan Opera House de Nueva York el 27 de mayo, y se fue, quizás, en el mejor momento de su carrera. También cerró su última temporada con el American Ballet Theatre (ABT), compañía donde creció y se formó como profesional desde los 15 años.

La audiencia, vio la última “Giselle” de Paloma Herrera, junto al italiano Roberto Bolle. Una “Giselle” que quedará en la retina, en el corazón y debajo de la piel de cada uno de los espectadores.

Así como en 2007 Bolle acompañó en su despedida del Metropolitan a Alessandra Ferri, y como hace pocas semanas fue partenaire de Aurelie Dupont en su adiós al Ballet de la Opera de París, esta vez, fue el elegido de Herrera.

Paloma Herrera y Roberto Bolle, protagonistas de “Giselle”, en la función del 27 de mayo, matiné. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Y si la “Giselle” del año anterior con Cory Stearns fue memorable, la “Giselle” con Bolle fue, sencillamente, gloriosa. De esas funciones que se convierten en algo inolvidable, y donde las emociones, también son inolvidables. Una bella y sutil mezcla de arte, perfección técnica y talento.

En su Giselle, Herrera supo encontrar la frescura de una campesina enamorada, y la locura más desoladora cuando advirtió, a través de Hilarion, el engaño de su amado. Terrenal, y etérea al convertirse en espíritu, la bailarina se sumergió dentro de su alma y desde allí dejó surgir a su Giselle.

El Albrecht de Bolle jugó como un adolescente en la primera parte hasta tomar conciencia del drama de la muerte de su amada. Y en la segunda, magnífico partenaire y hombre desesperado por la pérdida, cargó su culpa hasta la tumba de Giselle. Herrera y Bolle parecían respirar juntos en cada movimiento, en cada pasaje del pas de deux del acto blanco. Si hubiera una palabra que superara a “perfección”, ésa sería la que más se adaptaría a una descripción verbal.

Las imágenes que ambos bailarines lograron juntos, se quedarán en la memoria para siempre. Y más aún, los intensos y conmovedores sollozos de Bolle al caer desolado sobre las flores blancas que había depositado ante la tumba de su amada.

Bolle es uno de esos intérpretes que posee el porte justo para este personaje. Es un actor intenso, y un bailarín con estilo, líneas admirables, y técnica es impecable. Particularmente en aquella tarde, hizo un despliegue técnico asombroso con su serie de seis entrechats, que difícilmente haya superado algún otro bailarín.

Herrera deslizó con sutileza su delicada musicalidad, su cuidadoso trabajo de puntas con esos maravillosos pies, así como su indeleble port de bras. Su escena de la locura logró una intensidad veraz y arrolladora. Y sus variaciones, tanto en el primer acto como en el segundo, despertaron ovaciones sostenidas. Tierna y enamorada, Herrera, mostró, una vez más su impecable técnica, cuidada, depurada al máximo. Sólida, y casi transparente, en el acto blanco marcó sus perfectos equilibrios.

Bolle parece ser el elegido por las grandes bailarinas al retirarse. Hace algunas semanas acompañó a Aurelie Dupond en su despedida del Ballet de la Opera de Paris, y en 2007, lo hizo en el Met con la inolvidable Alessandra Ferri. Bailarín impecable, limpio, con un porte atractivo y una madurez actoral importante para este tipo de roles.

Ambos se robaron la escena con su magnetismo y su impecable trabajo. De haber bailado más tiempo juntos, se hubieran convertido en una de las inolvidables parejas de la historia de la danza. Y si existiera la pareja perfecta, ésta lo sería.

La versión del ABT, con puesta en escena del director de la compañía, Kevin McKenzie, permite un desarrollo especial de sus personajes secundarios, que no siempre aparece en otras versiones. Sin embargo, en aquella tarde, la intensidad de los protagonistas obnubiló el resto de una puesta equilibrada y bella.

Hilarion, encarado en esta oportunidad por Thomas Forster, al igual que en la función de 2014 con Herrera-Stearn, combina con acierto la actuación sin exageraciones y su calidad como bailarín.

No obstante, hubo otros bailarines que quisieron compartir esta última función de “Paloma”, como le gritaba, incansable, el público desde la platea. La argentina Luciana Paris, que a la noche hizo Moyna, en la función de despedida de Xiomara Reyes, fue Bathilde, la prometida de Albrecht que descubre, con indignación, la traición del conde con Giselle. Paris, además de ser una excelente bailarina –que merecería salir alguna vez de cuerpo de baile, ya que asume desde hace tiempo roles de solista–, también es una magnífica actriz. Y puso indignación y arrogancia a esta Bathilde, que generalmente, aparece desdibujada.

La indiscutible ballet mistress Susana Jones, también dio el presente en esta despedida como Berthe, la madre de Giselle. Al igual que Victor Barbee (Príncipe de Courland), director artístico asociado de la compañía y esposo de Julie Kent, otra de las tres grandes del ABT que se retira este año.

El cuerpo de baile hizo un bello acto  blanco, especialmente en la escena en que las Willis se desplazan al unísono, en arabesque penche. Skyliar Brandt, una joven y delicada bailarina, protagonizó un interesante pas de deux en el pas de paisanos. No así Arron Scott, su compañero, que marcó ciertas desprolijidades en los cierres.

Cuando terminó la función, el teatro se vino abajo en aplausos, flores que volaban desde la platea al escenario, pétalos que caían desde el techo, mientras cada una de las bailarinas del cuerpo de baile llevaba una flor blanca a los pies de Herrera. Uno a uno, sus compañeros, sus partenaires de muchos años, su preparadora, Irina Kolpakova, Natalia Makarova, y su entrañable compañero de ruta, Ángel Corella, actual director del Pennsylvania Ballet, depositaron un enorme ramo de flores a los pies de la bailarina que, a esa altura, no podía contener su emoción. Y para el final, su madre, con un ramo de rosas blancas.

Detrás de la escena

Hee Seo y Marcelo Gomes, del ABT, en el Koch del Lincoln Center de Nueva York. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

El comienzo no pudo ser más atractivo: un estreno y dos reposiciones modernas, con trazos de ballet clásico, — del cual son autores coreógrafos muy bien cotizados en el momento actual— , más un estreno mundial y ya con  eso no podía pedirse más.

La corta temporada del American Ballet Theater (ABT) en el amplio teatro Koch del Lincoln Center de Nueva York, para comenzar este programa, presentó una obra  original de Jiri Kylian, titulada “Sinfonietta· sobre música de Leos Janacek dividida en siete movimientos. La obra lleva un vasto coro de hombres y dos bailarinas; no obstante, son los bailarines los que se llevan la gloria al comenzar, lanzándose al tablado con extrema facilidad y elegancia, que mereció un fuerte aplauso.

En los movimientos que continuaron, aparecieron Julie Kent, próxima a retirarse, con magnifica sutileza, al bailar secundada por el varonil y elegante Marcelo Gomes, mientras prosiguieron en solos, el dinámico Daniil Simkin con la exquisita Luciana Paris —que ya merece tener una promoción—, y la pareja formada por Craig Salstein y Cassandra Trenary. A esto siguió un magnífico grupo en el que se destacaron James Whiteside, la exelente giradora Gillian Murphy, con Alexei Aboudine, José Sebastián y un pequeño grupo del cuerpo de baile que dieron a la obra un contexto muy especial  y relevante, sobre todo al sonido de las trompetas impuesto por su potente sonoridad.

La premier mundial de la pieza llamada “With a Chance or Rain” (Quizás haya lluvia) se debe al bailarín inglés Liam Scarlett, sobre música de Rachmaninoff, (diferentes Preludios y una Elegía) que tuvieron a su cargo cuatro parejas: Isabella Boylston con Cory Stears, Sarah Lane y Thomas Forster, Luciana Paris con Eric Tamm., y Stephanie Williams acompañada de Sterling Baca. Algunos con escasa ropa y otros con el vestuario regular de bailarines, que respondieron a la magnífica interpretación de Emily Wong al piano, con ardor y apasionamiento.

Poco se sabía del coreógrafo en estos lares, pero según notas del programa, se ha entrenado con excelentes profesores y coreógrafos. Ha recibido infinidad de premios, y ya, retirado de sus labores como bailarín desde 2012, ocupa la importante posición de Artista en Residencia del Real Ballet de Londres.

Fue importante denotar a los nuevos intérpretes, si bien no es de dudar con los cambios que ha sufrido la compañía, con el retiro de tres de sus mejores bailarinas principales — Paloma Herrera, Xiomara Reyes y Julie Kent— , no sea factor de duda que pronto, algunos de ellos, pasarán a principales, pues bien se lo merecen.

La noche terminó con “Fourteen Diversions”, de Wheeldon, otro de los nuevos y magníficos coreógrafos del momento actual. En esta pieza apareció en rol de importancia Misty Copeland, además de Joseph Gorak, Hee Seo, Marcelo Gomes, Stella Abrera, Thomaas Forster, DevonTeuscher. Calvin Royal III y un nutrido grupo del cuerpo de baile, en interesantes y muy buena interpretación sobre música de Benjamin Britten para mano izquierda, con la relevante maestría de Barbara Bilach al piano, y la orquesta bajo la batuta de Charkes Barker. Todo fue bello e interesante, como para no olvidarlo jamás.

Otro de los programas ofrecidos esa noche, comenzó con “Raymonda Divertissements”, en el cual, como pareja principal, se distinguieron por su excelente trabajo Hee Seo y James Whiteside.

“Bach Partita” de la muy moderna Twyla Tharp, que siguió, es un trabajo clásico a la vez que moderno, con una novedosa pareja principal, Misty Copeland y James Whiteside, y otra formada por la Gillian Murphy y el no menos excelente Marcelo Gomes.

El programa dio fin con una reliquia del pasado: “Gaité Parissienne”, sobre música de Offenbach y coreografí de Leonide Massine para el Ballet Russe de Montecarlo, hace ya varias décadas. Un ballet de mucho colorido para divertir. Los muchos personajes que incluyen tuvieron esa noche a Veronica Part como The Flower Girl (La Joven de las Flores). Part es una bailarina que le da a los roles que interpreta cierta calidad dramática muy acertada, sin caer en melodrama.

El simpático papel del Peruano estuvo a cargo del estupendo Herman Cornejo, muy simpático, como el rol y la obra requerían. Hubo un Can Can, por el excelente coro femenino que el ABT posee. La temporada resultó demasiado corta, de solamente dos semanas. Ahora los amantes de ese divino arte que es la danza clásica, tendrán que esperar ansiosamente a la primavera para ver al ABT en el Met del Lincoln Center.

El Ballet Hispánico presentó “Sombrerísimo” en el ciclo Fall for Dance. Foto gentileza FFD.

Celebrando su décimo aniversario, “Fall for Dance” volvió a traer a la escena del teatro City Center de Nueva York, programas diversos que durarán hasta el 5 de octubre, todos a precios reducidos.

Días antes, en el teatro Delacorte del Parque Central de N.Y. , se vieron dos programas respaldados por el Public Theatre de la ciudad, totalmente gratis para todo público.  En todos ellos aparecieron infinidad de pequeños grupos, procedentes de importantes compañías locales y del extranjero, que llegaron a Nueva York a cooperar con el magnífico esfuerzo de atraer a un nuevo y joven público a conocer y gozar de la danza, en cualquiera de sus manifestaciones (clásica, neo-clásica, moderna, contenporánea o folklórica (incluido el hip-hop).

El éxito esperaba entre bastidores a cada uno de los trabajos que subieron a la escena,  en especial los presentados en el City Center. Allí actuaron  grupos disímiles provenientes de otras tantas compañías. Los programas, en su mayoría, no resultaron ser muy largos, abrigando en ellos a cuatro conjuntos en cada uno.

Al abrirse la cortina el primer día que asistí al City Center, estaban en escena cuatro intérpretes,  representando al reputado American Ballet Theatre (ABT), para danzar “La Pavana del Moro”, obra de José Limón que data de 1949, sobre música de Henry Purcell. En ella actuaban Julie Kent, bailarina principal del ABT, en el rol de Desdémona; Otelo, viril y dominante, fue Francisco Ruvalcaba, en préstamo de la compañía de Limón, seguido de Iago, a cargo de Thomas Forster, miembro del ABT, cuya interpretación no sresultó ser tan demoníaca como la escribiera Shakespeare con su inimitable pluma.

El ABT y Francisco Ruvalcaba de la compañía José Limón, bailaron “La Pavana del Moro”, del coreógrafo mexicano. Foto gentileza FFD.

Stella Abrera, solista también del ABT, fue la esposa de Iago, quien precipita la tragedia con el pañuelo blanco que causa el fin de la vida de la infeliz Desdémona.  El vestuario, original de Pauline Lawrence, lucía muy apropiado para le época: brillantes tafetanes en las enorme faldas de las dos mujeres.

En el segundo turno, apareció en escena un solitario intérprete, el atractivo Colin Dunne, a quien acompañaban en la escena también,  cuatro músicos (dos violines, una viola y un cello), en una pieza titulada “The Turn” (La vuelta),  tocando ritmos totalmente irlandeses en las cuerdas. Dunne, subido en una mesa sobre la que a veces extendía una alfombra, zapateó a su gusto en estilo “Riverdance” (compañía de la cual procede), deteniéndose algunas veces después de los largos compases, para recobrar su aliento. Interesante para los que especialmente gustan de este llamativo arte.

Despés del único intermedio, el Ballet Hispánico hizo su aparición en una movida y hechizante pieza titulada “Sombrerísimo”, con coreografia de Annabelle López Ochoa, que utiliza música electrónica de la Banda Iónica, en las voces de Macao Loco y Titi Robin, además de varios artistas más

La novedosa coreografía, que incluía pasos de ballet, danza contemporánea y folklore latino, en especial (salsa), estuvo a cargo de ocho magníficos bailarines que jugaban con sus sombreros, tirándoselos unos a los otros, mientras desplegaban sus cualidades y habilidades para la danza. El premio fue una serie de numerosos aplausos, que deben ir dedicados no solo a la coreógrafa, sino en gran parte al flamante director de la compañía, Eduardo Vilaró. Y junto a él, también hay que destacar la labor del equipo de profesores, quienes han logrado adelantos estupendos en sus alumnos.

“Sombrerísimo” fue “lo mejor de la noche”, según opinión que se escuchó repetitivamente entre gran parte del público.

Para terminar, le llegó el turno al grupo Introdans, procedente de Holanda, con una larga y reconocida trayectoria a nivel internacional, y pieza clave en su país. El ensamble fue responsable de una coreografía del español Nacho Duato, ex director de la Compañía Nacional de Danza de España.

Compañías internacionales como la holandesa Indrodans, llegaron a Nueva York para celebrar la danza. Foto gentileza FFD.

La obra, titulada “Sinfonía India”, de 1984, lleva música de Carlos Chávez. Las diez parejas mixtas que lo interpretaron, dieron lo mejor de sus respectivos estilos,  convirtiendo la pieza en un buen cierre de programa.

La obra, basada en los rituales de sacrificio de los indios mexicanos, en la ofrenda al Sol de un corazón humano, tiene una fuerte demanda física y se presenta con códigos abstractos, sin un argumento específico.

“Fall for Dance” ya pronto termina sus funciones, dejando al público (joven en su mayoría)  preparado para lo que se avecina en los próximos otoño e invierno, ambas estaciones muy prometedoras  en materia de danza en Nueva York.

Con estos cinco programas y esta conunción de estilos, este encuentro con la danza merece celebración.  Y, sin dudas, cabe felicitar a los patrocinadores y a todos los artistas, bailarines y coreógrafos,  que brindaron su trabajo gratis para este loable esfuerzo conocido como “Fall for Dance”, que ya prepara una nueva programación para 2014.