Hugo Layer y Allegra Vianello en “La Chambre d’Amour”. Foto: Olivier Houeix

Cuenta la leyenda que la hija de un pastor adinerado llamada Saubade y Laorens, un joven pescador huérfano, se enamoraron profundamente con la férrea oposición de la familia de la protagonista de la historia. En la costa vascofrancesa, una gruta entre las playas de Anglet y el faro de Biarritz era el escenario para los encuentros de los jóvenes amantes. Un buen día, una tormenta hizo elevarse a gran velocidad el nivel del Golfo de Vizcaya y las olas arrastraron a los enamorados, quienes murieron ahogados. La historia de Saubade y Laorens se popularizó gracias a la obra “L’Hermite en Province” (1817) de Étienne de Jouy, quedando la cueva como un símbolo del amor, de donde toma el nombre de La Chambre d’Amour.

En el año 2000, esta leyenda sirvió de fuente de inspiración a Thierry Malandain para crear un ballet de temática vasca, un par de años después de haber sido nombrado director del recién creado Centro Coreográfico Nacional-Ballet Biarritz. Pensado como una gran carta de presentación ante su nuevo público, la ambición del proyecto incluyó la composición original del músico vascofrancés Peio Çabalette. Todo aquel despliegue en un momento en el que el Ballet Biarritz aspiraba a tener una presencia estable en el País Vasco se tradujo en un apoyo institucional de gran calado a ambos lados de la frontera natural del Bidasoa. En aquel momento, la apuesta no obtuvo el resultado esperado y “La Chambre d’Amour” sólo ofreció nueve funciones, lo que le empujó a Malandain a buscar títulos más comerciales.

Irma Hoffrén y Raphaël Canet como Dido y Eneas. Foto: Stéphane Bellocq.

Curiosamente, el próximo relevo de Thierry Malandain en la dirección del Ballet Biarritz ha vuelto a poner de actualidad esta obra creada con tanto ímpetu, ilusión y apoyo hace un cuarto de siglo. El coreógrafo normando ha decidido recuperar “La Chambre d’Amour” para su adiós de la compañía biarrota. Concebido originariamente como un ballet para 14 bailarines, parte del reto actual de Malandain ha consistido en adaptar su coreografía original para 22 intérpretes. Aparte del acomodo numérico, lo más interesante de revisitar una obra antigua como ésta reside en el hecho de que permite visualizar con nitidez la evolución de Thierry Malandain como coreógrafo: mientras que en el año 2000 aún estaba inmerso en una fase de definición de su estilo y por ello, en la pieza conviven con total naturalidad en la escritura coreográfica frases neoclásicas con otras más contemporáneas, posteriormente, se ha caracterizado por el estilo neoclásico y ha hecho bandera de ello.

A nivel temático, el argumento de la obra hilvana seis historias de amores -y desamores- mitológicos o literarios con desenlace trágico, en la misma línea que la leyenda de Saubade y Laorens. La Biblia (Adán y Eva; Caín y Abel), las obras de Shakespeare (Otelo y Desdémona; Romeo y Julieta), “La Eneida” de Virgilio (Dido y Eneas) o la mitología clásica (Orfeo y Eurídice) proporcionan las parejas de personajes para escenificar el pecado original, el primer fratricidio de la historia, los celos, el amor trágico, la traición y la duda. A ellos añade un capítulo adicional con aire vasco protagonizado por los seres mitológicos Ura y Ederra. Viéndolo con la perspectiva que da el paso del tiempo, “La Chambre d’Amour” avanza algunas líneas temáticas que fueron posteriormente desarrolladas en sucesivas obras de Malandain como “Creation” / “Les Créatures” (2003) -espectáculo que se estrenó con el primer título y luego fue rebautizado con el segundo- y “Lucifer” (2011), producciones en las que incide en los episodios de Adán y Eva y en el fratricidio de Caín sobre Abel, y “Romeo y Julieta” (2010).

Claire Lonchampt y Michaël Conte como Desdémona y Otelo. Foto: Olivier Houeix.

En el plano de la interpretación, la comparación de las versiones de 2000 y de 2025 también deja conclusiones diferentes. Probablemente más vitales, imprecisos y con un cierto aire de ingenuidad -aunque el tiempo difumina el contorno de sus actuaciones-, gracias al trabajo de los catorce miembros del Ballet Biarritz de principios del siglo XXI se pusieron los cimientos para la actual compañía profesional. El momento ilusionante de poner en pie una compañía poco tiene que ver con la estabilidad de los componentes del ahora denominado Malandain Ballet Biarritz y esto hace que el calado de sus interpretaciones sea diferente. Con mucha inteligencia, Thierry Malandain ha sabido distribuir los roles de los siete cuadros escénicos para destacar las cualidades de sus bailarines actuales, una plantilla que aúna juventud con experiencia, ejerciendo de pareja fetiche en esta producción los veteranos Hugo Layer y Allegra Vianello en la piel de las duplas de Adán y Eva-Ura y Ederra. Aunque los dúos están depurados, donde mejor mano demuestra el coreógrafo es en los movimientos corales, lo que también se ha convertido en una de las señas de identidad de su trabajo.

Esta producción ha sido la única que ha contado con música original a lo largo de la dilatada carrera creativa de Malandain. La partitura de Peio Çabalette combina los sonidos de la abrupta naturaleza del Cantábrico con su lluvia ligera o sirimiri y su embravecido mar con otros más metálicos, resultando, en ocasiones, no muy confortable para el oído del espectador. La escenografía de Jorge Gallardo mantiene la postal cantábrica aderezada con algunas piedras lunares en tonos plateados y la nueva iluminación de François Menou potencia la paleta de los grises y sepias, para evocar tiempos de antaño.

Thierry Malandain podía haber escogido para despedirse su programa más exitoso, “Homenaje a los Ballets Rusos” (2001), compuesto por sus lecturas sobre las piezas “Pulcinella”, “L’Après-midi d’un faune”, “La mort du cygne” y “Bolero”, o su obra más personal construida con los retazos de sus recuerdos infantiles, “Magifique” (2009), pero ha optado por lo que a priori fue un traspié con escaso número de funciones, “La Chambre d’Amour” (2000). Las razones de esa elección son todo un misterio que sólo se pueden llegar a intuir: desde un deseo de resarcirse del tropezón hasta el sentimiento nostálgico de cerrar un círculo que le transporta a un tiempo de juventud. En cualquier caso, convertido en toda una institución para la localidad vascofrancesa de Biarritz, Thierry Malandain afronta su última temporada al frente del Ballet Biarritz y el prólogo de su adiós materializado en la nueva versión de “La Chambre d’Amour” consiguió una cálida ovación de más de cinco minutos en la Gare du Midi durante la inauguración de la trigésima quinta edición del festival Le Temps d’Aimer la Danse.

El Malandain Ballet Biarritz inauguró la 35ª edición del Festival Le Temps d’Aimer la Danse. Foto: Olivier Houeix.

La compañía Malandain Ballet Biarritz y la Escuela Nacional de Ballet Fernando Alonso mostraron un nuevo proyecto de formación. Foto: Dubrosky. Gentileza ENBFA.

El resultado enriquecedor de esta novedosa experiencia pedagógica entre una compañía francesa, Malandain Ballet Biarritz y la Escuela Nacional de Ballet Fernando Alonso, ejecutada durante una semana en su sede de La Habana, fue presentada en el multidisciplinario espacio denominado Fábrica de Arte Cubano con tres representaciones nocturnas abiertas al público.

La prensa especializada fue invitada por los organizadores a la tercera y última de las representaciones de este particular intercambio entre dos instituciones con perfiles estéticos diferentes pero no excluyentes. La experiencia pedagógica fue ejecutada por miembros de la compañía francesa fundada y dirigida por el coreógrafo Thierry Malandain, según el proyecto curatorial de Xavier D´Arthuys y la participación de la coreógrafa Sandra Ramy, responsable de los proyectos s en el mencionado complejo cultural capitalino conocido popularmente como “la FAC” (una antigua fábrica de aceites comestibles abandonada, hace un lustro rediseñada y restructurada inteligentemente para el disfrute de la juventud y los turistas en la isla).

Esta oportunidad nos permitió calibrar lo positivo del evento participativo, para el desarrollo artístico y ético de la veintena de estudiantes de ballet del nivel medio elegidos por los directores de la ENBFA. La total participación de ellos  en las clases y ensayos, casi seis horas diarias en una semana, bajo la coordinación profesional de Wendy Ferrer, una de las primeras bailarinas de Danza Contemporánea de Cuba, quien imparte cursos de técnica contemporánea en los niveles avanzados, fue satisfactoria, y de esto dan fe dos notables bailarines-coreógrafos del conjunto de Biarritz: Gilles Schambert  y Frederick Deberdt.
El público cubano conoció por vez primera el trabajo artístico del MBB en ocasión de sus primeras presentaciones en la isla en 2004. Considerado uno de los centros coreográficos nacionales más importantes de Francia – entre los 19 que funcionan actualmente en todo el “Hexagon”-, regresa a La Habana con estos dos artistas con destacada trayectoria en la escena europea. Ellos nos mostraron – en el desbordado espacio Nave 3 de la FAC-, mediante el programa de 70 minutos, las 4 diversas obras seleccionadas donde se evidencia “la esencia renovadora” de una agrupación que se distingue por nutrirse del ballet como corriente estética principal, en tanto que se implica en la sensualidad que genera “la sinergia entre el hombre y la danza”.

Creada en 1998 por iniciativa del Ministerio francés de cultura y de la ciudad de Biarritz, este conjunto bajo la dirección de Malandain, estableció sus cimientos en “profundos valores humanos”, exhibiendo un estilo intemporal a la vez que musculoso, enérgico y sobrio, “que extrae su riqueza de la propia danza y de una visión dinámica del arte”.

El programa ofrecido estas tres noches en la FAC estaba conformado con dos solos por los invitados galos y dos piezas bailadas por los estudiantes de la ENBFA.  Abrió el espectáculo Frederick Debert, cráneo rasurado, espléndido torso atlético desnudo, con mallas grises y encerrado literalmente en un cuadrilátero de barras metálicas de una clase de ballet, que las manipula con destreza en el transcurso de la sobria escritura coreográfica,  donde nos muestra sus notables habilidades  en “Silhouette”, un solo de concebido por Malandain con el apoyo musical de la última sonata escrita para piano por Beethoven, según dicen, poco antes de su muerte – siempre bajo un minimalista diseño de luces.
Luego le tocó el turno a Gilles Schambert, intérprete y coreógrafo del solo “Corps de Soi”, con el místico soporte musical proporcionado por la pieza de John Taverner “Prayer of the Heart”, interpretada en latín por la afamada cantante nórdica  Bjork.  El espigado bailarín inicia sus movimientos desde la posición fetal, vestido únicamente con un slip negro, ejecutando un encrescendo gestual, a partir del cual nos transmite una patética gama de impulsos y emociones, a partir de la serie de elementos coreográficos subliminales de su cuerpo, el cual sobrepasa los límites en el proceso de recordar sus humanas experiencias. Sin duda un talentoso artista que comenzó su carrera como bailarín integrando el Ballet del Siglo XX, bajo la dirección entonces del célebre marsellés Maurice Béjart.  Sendos intérpretes fueron afortunados con la ejecución inteligente del diseño de luces creado in situ por Christian Grossard. Una mayor contribución para las ovaciones en pie de la numerosa audiencia que asistió la misma noche de este cronista.

Finalmente, tocó el turno a las demostraciones de los aprendices de la ENBFA. Primeramente, intervino una juvenil pareja (16 años, María Luisa y Yasiel) ganadora del Grand Prix en el recientemente celebrado Concurso internacional de Academias de Ballet de La Habana, para ofrecernos su interpretación del dúo de amor “Mozart á 2” -en el repertorio activo del conjunto de Biarritz desde 2010-, que con justeza se apoya musicalmente en un hermoso concierto para piano y orquesta del genio de Salzburgo. En escasos cinco días aprendieron y asimilaron, merced a su sólida formación académica, una escritura y estilo que les era ajena, por las complejas frases neoclásicas del heterodoxo movimiento creado por  Malandain.

Igualmente, podemos confirmar los notables resultados conseguidos -siempre con el riguroso trabajo de Wendy Ferrer- en la interpretación del “Bolero” de Ravel, una difícil pieza coral sui generis para seis chicas y 11 chicos de físicos envidiables y con visible multiracialidad, los cuales se esforzaron en vencer la gestualidad marcada por los acentos del ostinatto  en la partitura; así como las posturas “en dédans”, opuestas a su habitual posición “en dehors”. Eso sí:  aquí no hubo giros virtuosos o cargadas desafiantes. Pero sí disfrutamos el despliegue de gracia y juvenil belleza de estos prometedores talentos.
Lo visto consolida un convenio de toma y daca, una especie de viaje cultural permanente entre los dos países, que mantienen por mucho tiempo relaciones amistosas y diplomáticas. Tanto Schambert como Deberdt se ocuparon, en esta oportunidad, de la transmisión de saberes a los alumnos caribeños,  quienes confesaron que era “la primera vez que trabajaban en una experiencia didáctica con una escuela de ballet de tan algo nivel como la cubana”,  subrayando que  “se entregaron con fervor a una técnica y estilo diferentes a su formación académica”.

Según afirma Wendy Ferrer, sus estudiantes se concentraron en aprender lo que les impartían los  maestros invitados, “no fue nada difícil compartir saberes con Frederick (Deberdt) , además los chicos tienen la disciplina y disposición necesarias para aceptar  nuevas experiencias”. Por su parte, la reconocida maestra Ramona de Sáa, Pemio Nacional de Danza y directora de la ENBFA, expresó su adhesión a este intercambio, al cual nunca se mostró reticente ante una posible lesión muscular en los dúctiles cuerpos de sus juveniles estudiantes al acometer ejercicios de la danza moderna o contemporánea, como demanda el estilo neoclásico de Malandain. “Me siento satisfecha con los resultados, y espero que este puente cultural con Francia tenga una continuidad fructífera”, concluyó.

La Compañía Nacional de Danza finalizó el espectáculo con “Minus 16″, una explosión de energía que conquistó al público de Biarritz. Foto: Jacobo Medrano. Gentileza de CND.

El primer espectáculo de la temporada 2015/16 llevó a la Compañía Nacional de Danza (CND), a la localidad vascofrancesa de Biarritz, que, estos días, apura las últimas jornadas de la vigésimo quinta edición del Festival Le Temps d’Aimer la Danse. Habiendo sido su actual director José Carlos Martínez étoile del Ballet de la Ópera de París durante quince años, las estrechas relaciones con todo el mundo de la danza francés son consustanciales, por eso, a nadie extraña que la primera actuación en el extranjero de la etapa de Martínez fuera en Biarritz o que Thierry Malandain, director del Ballet Biarritz y del Festival Le Temps d’Aimer la Danse, invitara a la CND en la edición de las bodas de plata del certamen.

Para esta ocasión, Martínez se decantó por un programa triple de corte contemporáneo, compuesto por piezas del coreógrafo norteamericano William Forsythe y de los creadores israelíes Itzik Galili y Ohad Naharin. Comenzó la velada con la obra “Sub” (2009) de Galili, una especie de enérgico combate masculino que reúne a siete bailarines en escena, ataviados con largas faldas y torsos desnudos. Las piezas del coreógrafo israelí suelen nutrirse de un lenguaje muy físico, casi cercano a una batalla campal o a una lucha de un arte marcial. De extremada exigencia física, requiere intérpretes con buen fondo físico para su correcto desarrollo. Por otra parte, concibe el dibujo escénico del movimiento de forma muy geométrica, tendiendo a las líneas cardinales puras, todo ello muy subrayado por una iluminación de mínimos y certera, que acentúa el dramatismo y derroche energético de los intérpretes.

Considerado uno de los coreógrafos clave del último cuarto del siglo XX, el neoyorquino William Forsythe redefinió y exprimió la técnica clásica con modos muy contemporáneos, durante su etapa al frente del Ballet de Frankfurt (1984-2004). “Herman Schmerman” (1992), creada para el New York City Ballet, es un buen ejemplo de cómo emplear la técnica clásica y que su apariencia diste mucho del almibarado prototipo de tutú y zapatillas de punta. Se trata de una pieza sin argumento, más que la pura diversión de los intérpretes, en palabras del propio Forsythe. Construida en dos escenas, comienza con lo que podría ser el cuerpo de baile y finaliza con un paso a dos.

El espectáculo finalizó con la divertidísima “Minus 16” (1999) de Ohad Naharin, creada para Nederlands Dans Theater II. El israelí es el padre de la técnica gaga, gracias a la que los bailarines ganan autoconciencia de su cuerpo y aprenden a escuchar su propio movimiento, de forma que consiguen mayor fluidez. En el caso de la pieza con la que la CND finalizó su actuación, la nota más característica es su eclecticismo tanto en la calidad y estilo de movimiento como en el collage musical que acompaña a la obra: desde “Stabat mater” de Vivaldi a una versión tecno de “Somewhere over the rainbow”. La obra se compone de varias escenas, alternando fragmentos de mayor seriedad, con otros más desenfadados, en los que incluso los bailarines suben a escena a varios espectadores.

El público biarrota recibió con ganas a la CND, tras la buena imagen dejada en su actuación de 2012. Hace días que las entradas se agotaron y no cabía ni un alma más en la Gare du Midi. Siendo el primer espectáculo de la temporada para el grupo de Martínez, la compañía demostró profesionalidad y oficio en unas obras en las que se destacó su vertiente contemporánea. Muy aplaudidos en cada pieza, el final con la entretenida interacción con los espectadores, provocó muchas situaciones cómicas y consiguió una destacada salva de aplausos, con gran parte del patio de butacas en pie. Para la temporada 2015/16, el gran caballo de batalla de José Carlos Martínez es la puesta en escena de un ballet clásico íntegro, habiendo sido el escogido “Don Quijote”, que subirá a las tablas del Teatro de la Zarzuela, el 16 de diciembre. Visto que en los programas mixtos -de corte más clásico, neoclásico o contemporáneo- la CND se desenvuelve con soltura, queda abordar ese gran clásico que sería deseable que no quedara en una quijotada.

El Ballet de Biarritz presentó una coreografía del francés Thierry Malandain en el 23 Festival Internacional de Ballet de La Habana. Foto gentileza FIBLH.

Hacer un resumen panorámico valorativo de este mega festival de ballet, el más longevo del planeta con más de 50 años de existencia ininterrumpida, que transcurrió del 28 de octubre al 7 de noviembre en la capital cubana, es un verdadero reto para cualquier observador especializado.

Si mostramos la situación exhibida por el programa general de esta vigésima tercera edición del evento dancístico más importante y diverso del continente americano, podrán tener una percepción epidérmica de la labor titánica que realizamos cada día para cubrir todos los eventos, ya sea las representaciones desarrolladas en cuatro sedes principales, algunas distantes unas de otras y con espectáculos diarios tarde y noche en algunas de ellas.

Además de las presentaciones del Ballet Nacional de Cuba(BNC), las entregas por compañías foráneas llegaron a la cifra de diez, el número de bailarines extranjeros provenientes de 27 países de cuatro continentes alcanzó la cifra de 19. Se estrenaron mundialmente ocho coreografías (tres de ellas con autoría de la propia Alicia Alonso, directora general del festival y del BNC), igualmente fueron apreciadas 35 obras por primera vez en Cuba, también el número de coreógrafos invitados con los locales se equiparó a cuatro, el acompañamiento musical fue asegurado por tres orquestas sinfónicas y una de cámara, y bajo la batuta de 6 directores musicales, entre los cuales el insigne maestro australiano Richard Bonynge (invitado especial de la Alonso para conducir su desventurado estreno de una controvertida y experimental ópera-ballet “Acis y Galatea” de G. F. Haendel).

Clásicos y contemporáneos

“Giselle´, con dos brillantes bailarines en los roles protagonistas, Anette Delgado y Dani Hernández. Foto: Nancy Reyes.

Teniendo en cuenta el canon que primó para esta edición, a partir del lema escogido por Alicia Alonso: la tradición y los nuevos caminos, podemos aventurarnos a señalar que dos de las más notables producciones ofrecidas dentro del ámbito más clásico del género  fueron las de “Giselle´, con dos brillantes bailarines en los roles protagonistas, Anette Delgado y Dani Hernández – este último necesitado de un énfasis en los detalles histriónicos-,ambos apoyados por un cuerpo de baile femenino impecable en su desempeño, e igualmente lo fue la deslumbrante representación de “Coppélia”, con la virtuosa interpretación en el titular por la primera bailarina Viengsay Valdés, con una de las revelaciones del festival, el joven solista Osiel Gounod, quien seguramente pronto conquistará todos los matices necesarios para una cabal interpretación dramática de Franz.

Galas

Por supuesto que hubo varias “funciones de gala” con el objetivo expreso de rendir merecido  tributo a grandes personalidades  de la literatura, la danza y las artes plásticas que celebraban sus centenarios,  lo cual permitió admirar un diverso muestrario de obras nuevas y en reposición,  mayoritariamente dormidas en el repertorio pasivo del BNC (nuevas generaciones en la audiencia las desconocían, y ahora las valoraban con nuevas generaciones de bailarines). Entre las novedades, las menos, exhibieron atisbos de ir “por los nuevos caminos” (las nuevas tendencias que dominan esta manifestación en el mundo fueron las menos).

En general, las programaciones fueron desiguales en valías, no obstante resaltó alguna “perla rara”, como por ejemplo el dúo “Double Bounce” (Doble rebote) de Peter Quanz; o el “Tango Tonto” de Jimmy Gamonet para el Ballet de Cámara de Puerto Rico; “Muerte de Narciso” de Alicia Alonso, con la interpretación del italiano Luca Giaccio; o la breve pieza “Memorias” del bailarín cubano Miguel Altunaga, espectacular solo creado para un bailarín excepcional y polémico como es Carlos Acosta (hasta último momento  fue anunciada su presentación), y el “Tributo al arte del fútbol”, una “non-danse” ejecutada con agresiva comicidad por tres atléticos bailarines y una chica, del grupo noruego del coreógrafo Jo Stromgen, quien logró introducir  una escena de desnudos cuando los jugadores-bailarines van a las duchas al final de la pieza (algo nunca visto en un festival de ballet habanero). También destacaríamos la versión coreográfica del francés Thierry Malandain del “Amor Brujo” de Manuel de Falla para su Biarritz Ballet, una deslumbrante producción por la fisicalidad de sus bailarines y el inteligente diseño de luces y vestuario, y la producción cubana del ballet “Luminous”, que el canadiense Peter Quanz creara originalmente para el Ballet de Hong Kong, una espléndida interpretación por ocho bailarines del cuerpo de baile del BNC basada en la estructura tipo  ”La Ronde”, con tintes románticos y musicalmente eficaz.

Alicia Alonso subió a escena para homenajear a Ernesto Lecuona, acompañada por Lázaro Carreño y Jorge Vega. Foto: Nancy Reyes.

Dos de las mencionadas funciones de gala, siempre en el escenario de la Sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana, que mostró mayor coherencia en cuanto a los niveles de las piezas elegidas, fueron las dedicadas al centenario del célebre partenaire de Alonso en los 50 y 60 del pasado siglo, el ucraniano Ygor Youskévitch (con la presencia de su hija María, y de su reemplazante, el argentino Rodolfo Rodríguez, después 46 años de ausencia de este país). Detalle a mencionar, fue la sorpresiva aparición de la nonagenaria Alonso, “bailando” en su pieza homenaje al gran músico cubano Ernesto Lecuona,  en su centenario, “Vals de las mariposas”, junto a otras notables figuras de la danza cubana actualmente dedicadas a labores pedagógicas. Sin duda,  quedará en los anales de la danza como un acontecimiento controvertido,  antológico e histórico demostrativo del coraje y la audacia que posee la eximia prima “ballerina assoluta” del Caribe.

Memoria

Las otras funciones de gala organizadas para los centenarios de los artistas René Portocarrero y Mariano Rodríguez, el mencionado Lecuona y el dramaturgo Virgilio Piñera, adolecieron de desigualdades, incluso en los desempeños interpretativos. En cambio, fue relevante la soberbia  entrega de la música de Mussorgsky para el ballet “Cuadros en una exposición” de la Alonso, por la Orquesta Sinfónica del Gran Teatro debido a la conducción experimentada de la maestra cubana Elena Herrera, quien se mantiene residente en el exterior invitada por varios teatros de ópera de Europa y de América del Sur. Estos programas resucitaron obras como el “Grand Pas de Quatre”(Pugni-Alonso), “Flora” (de Gustavo Herrera), “Tarde en la Siesta” (Lecuona-Alberto Méndez) , “Poema del fuego” (de Alberto Méndez y Scriabin, con una soberbia presencia de Javier Torres) y “Canto Vital” (Mahler-Plisétski), ahora bailados con nuevas generaciones de brillantes solistas. Aunque, para este cronista testigo de los parangones precedentes, no han superado los listones marcados por aquellos. Estas cuatro últimas obras necesitaban de la presencia de sus creadores, junto a los repositores del BNC, durante los ensayos.

Por otra parte, con el estreno de su  ”Contraconcierto”, Eduardo Blanco,  el más joven de los coreógrafos del BNC, decidió acometer una obra coral con los miembros masculinos más jóvenes y atléticos del cuerpo de baile , “jugando” con una sola bailarina en puntas , con el soporte de la maravillosa música del archiconocido concierto para piano y orquesta de Edward Grieg, procediendo a partir de una más seria concepción de la estructura musical y coreútica, al elegir un camino menos superficial exhibido en sus trabajos precedentes. Sin embargo, todavía adolece de una consistencia intelectual demostrativa del anhelado desarrollo hacia la madurez artística.

Seguimos, pues, en la espera de que aparezcan nuevos talentos locales en la creación de ballet que enriquezcan el repertorio del BNC, o que surja una posibilidad financiera que permita invitar a los más sobresalientes coreógrafos de la escena internacional a colmar las evidentes carencias en el repertorio de las compañías cubanas de ballet.

La tradición, del período más efervescente del siglo XX con la existencia de los Ballets Russes, estuvo bien representada, esta vez, con las reposiciones de “L´aprés midi d´un faune” de Nijinski, según la versión de Fokine, bien interpretada por el solista Alejandro Silva, bajo el cuidado de uno de sus excepcionales intérpretes, el italiano Toni Candeloro, e igualmente “El espectro de la rosa”, en un exultante debut  del solista Yanier Gómez (con la asesoría de María Youskétitch, primera obra que su padre bailó la noche fundacional del Ballet de Cuba, en 1948). Igualmente, “La fille mal gardée”, el ballet más antiguo en el repertorio del BNC, el cual lució una revisada producción, ejecutada con frescura y comicidad: ingredientes necesarios en la noche inaugural del festival.

De aquí y de allá

Nuevamente,  Alicia Alonso, en tanto que coreógrafa, nos sorprendió con una miniatura solística de audacias insospechadas, al utilizar como base literaria un poema olvidado y negado por su autor: Virgilio Piñera., como tributo a su centenerio.  Con “La destrucción del danzante” la Alonso se adentra en la metáfora plástica para evitar la traslación simplista del poema de este hiperbólico e irónico escritor cubano. Para ello eligió la desconstrucción y la fragmentación de las frases y encadenamientos de pasos del ballet para tal “destrucción”, y también supo elegir a un bailarín mulato de afinada y poderosa técnica con solo 22 años de edad, Osiel Gounod.

Entre las agrupaciones visitantes, como las francesas de Angeljn Preljocaj (con un memorable dúo femenino, “La Anunciación”, fragmento de una obra mayor) y de Thierry Malandain, otras lograron también conseguir el favor del público aficionado, como los conjuntos ad hoc aglutinados por el ex bailarín y  coreógrafo norteamericano Tom Gold, donde descollaron dos estelares solistas provenientes de la filas del New York City Ballet, Tiler Peck y Robert Fairchild, y el conjunto conformado por el bailarín cubano José Manuel Carreño, donde incluyó una constelación de bailarines miembros del ABT en su mayoría, provocando sonoras ovaciones en sus presentaciones sobre la escena del Teatro Mella, particularmente aquellos que desplegaron una alta dosis de técnica acrobática, sin caer en el mal gusto, con sus grandes saltos y múltiples giros, tales como el pequeño y elástico Daniel Ulbricht, de Paloma Herrera, Xiomara Reyes, Viengsay Valdés, Osiel Gounod, Carlos López, y así como el propio Carreño junto a su pareja Melanie Hamrick, por su elegancia y contención.

Españolísimo

La danza española se hizo sentir con fuerza en varios momentos, particularmente con las presentaciones de dos personalidades de gran poderío comunicativo, fuste y garbo como la consagrada Lola Greco y el  estelar joven Sergio Bernal. Igualmente lo fue  la cubana Irene Rodríguez, protagonista de plante e intensidad dramática en su premiada obra sobre la muerte de Federico García Lorca. Entre los clásicos, siempre en el teatro Karl Marx –el de mayor aforo de Cuba-, resultaron prometedores de un fulgurante ascenso los desempeños de Yanela Piñera,  Amaya Rodríguez  y  Gretel Morejon, aunque con carencias visibles en las aristas dramáticas.

No terminaré sin sugerir a los organizadores de futuras ediciones, no descuidar la curaduría (término utilizado en las muestras de las artes plásticas). Aplicando el método de la decantación con mayor exigencia, lo cual evitaría que lo mediocre apareciera en vecindad con los altos niveles artísticos. Así lograrían una mayor coherencia artística en los programas generales. Ciertos artistas, grupos o piezas pudieran ser presentados en eventos colaterales.

El BANCH estrena una obra ecológica en el Teatro Universidad de Chile. Foto gentileza BANCH.

Basado en un tema ecológico, “La sangre de las estrellas”, obra que presenta el Ballet Nacional Chileno (BANCH) hasta el 25 de junio, fusiona música de Gustav Mahler, Johann Strauss, Emile Waldteufel y Ludwig Minkus con la mitología. El ballet que dirige Gigi Caciuleanu. hace su debut en el Teatro Universidad de Chile.

La obra es una creación del coreógrafo francés Thierry Malandain, director del Ballet de Biarritz,  que llega a Chile invitado por el Instituto Francés de Chile y el Centro de Extensión Artística y Cultural de la Universidad de Chile, CEAC.

La música de esta pieza coreográfica será interpretada en vivo por la Orquesta Sinfónica de Chile y la contralto Pilar Díaz, bajo la dirección del maestro Nicolás Rauss.

“La Sangre de las Estrellas”  fue estrenada el año 2004 por el Ballet de Biarritz con gran éxito y excelentes críticas. Luego se presentó en importantes escenarios internacionales.

Malandain viajó a Chile junto al equipo que trabaja con él en Francia: sus asistentes Giuseppe Chiavaro y Francoise Dubuc, quienes comenzaron a trabajar el montaje con los bailarines del Ballet Nacional Chileno a principios de mayo. El diseñador del vestuario es Jorge Gallardo, chileno que ha triunfado con sus trabajos en importantes teatros como el Metropolitan Opera House y el diseñador de iluminación Jean-Claude  Asquié.

Para el coreógrafo francés “La Sangre de las Estrellas” es “un baile cósmico realizado en honor a la naturaleza, pero también una plegaria que pretende que el hombre detenga la indiferencia para acoger a la naturaleza  como una madre, entre sus brazos”.

Malandain eligió La Marcha Egipcia de Johann Strauss para la apertura que “podría ser un baile”, dijo, para seguir con dos de los cuatro leaders del Ciclo Canciones de un Compañero Errante de Gustav Mahler que, junto a otras dos canciones y un movimiento de la Segunda Sinfonía del compositor, se  van alternando con marchas, polkas y valses de Strauss como el Danubio Azul.

“La música de Gustav Mahler me permite explicar el mito a la humanidad y  la de Strauss expresar cómo el hombre se evade de lo que pasa a su alrededor y de la naturaleza, porque cuando uno escucha la música de Strauss se olvida de lo malo que pasa afuera”, dice Malandain.

Para  el cierre escogió el tercer acto  de La Bayadera de Ludwig Minkus, “un muy buen final con una melodía simple, pero hermosa y muy sensible”, afirmó el director de orquesta Nicolás Rauss, quien agrega que  en general la música de esta obra refleja dos aspectos del alma austriaca: el brillo y la pomposidad vienesa  a través de Strauss y la sentimentalidad de la soledad y amores desdichados por medio de las creaciones de Gustav Mahler. .

“La sangre de las estrellas” tiene un sentido ecologista, al que el coreógrafo alude a través del relato de la creación mitológica de la Osa Mayor y la Osa Menor que narra Ovidio en La Metamorfosis donde relata que Zeus sedujo a la ninfa Calisto, la que nueve lunas después da a luz un hijo. Al enterarse de esto Hera, la celosa esposa del Señor del Olimpo, la convierte en osa y la condena a errar por el bosque. Es parte del mito grecolatino en que se basa Malandian para dar forma y sentido a su creación.

Pero lejos de la mitología, el coreógrafo francés hace referencia a la relación del hombre y el oso. “En la actualidad se sabe que en la blancura inmaculada del polo norte, situado en un extremo de la cadena alimentaria, este animal absorbe en su sangre los rechazos de nuestra despreocupación. Como ocurre con otras especies. Su supervivencia se ha convertido en la parábola  de nuestro futuro”, apuntó Malandain.

 Thierry  Malandain

Se ha destacado en la escena francesa como un coreógrafo capaz de poner en diálogo la tradición clásica y los lenguajes contemporáneos, fusión que está presente  en “La sangre de las estrellas”  a través de un tema cargado de simbolismo, que es a la vez un homenaje a la naturaleza y una oración del ser humano a ella.

Desde su estreno en 2004, la obra ha cosechado los mayores elogios de la prensa francesa e internacional por su vitalidad, su humor y emotividad. También impactó el uso de la música, que mezcla lo clásico y lo irónico con una fuerte carga de sensualidad.

Thierry Malandain (1959) bailó en el Ballet de l´Opéra de París y en el Ballet de Nancy del que se retiró en 1986, cuando tenía sólo 26 años porque ya a los 23 había iniciado su labor como coreógrafo y obtuvo  varios premios. Luego, fundó su propia compañía “Temps Present”. Su trabajo se destaca por inscribir la tradición clásica de la danza en un registro contemporáneo.