“Fronterizas”, obra que se estrenó en Cantabria en 2022, es el final de una trilogía creada por la coreógrafa Mari Paula. Foto: Aureo Cuneo. Gentileza Teatros del Canal.

La bailarina y coreógrafa brasileña Mari Paula vuelve su mirada sobre sí misma en “Fronterizas”, una obra que surge después de dos piezas anteriores que fueron críticas con aspectos como el consumismo y la intolerancia.

Afincada en Cantabria, Mari Paula estrena en la Comunidad de Madrid esta obra que cierra una trilogía de sobre el desarraigo que abrió en 2017 con “Retrópica”, Premio Nacional de Danza en Brasil, y siguió en 2019 con “Devórate”. La Sala Negra de Teatros del Canal acoge dos presentaciones, el 24 y 25 de febrero.

La artista llegó a crear “Fronterizas”, presentada en Cantabria en 2022, después de experimentar su condición de inmigrante, ahondando en su personalidad mediante la exploración de su cuerpo para abordar temas como la lucha, el cansancio y la aceptación del fracaso.

En Brasil estrenó en 2017 “Retrópica”, la primera de las piezas de la trilogía. Con un trasfondo de crítica política, como el resto del proyecto, Mari Paula construyó una obra con las músicas más significativas de su país (samba, bossa nova) para censurar el miedo, la intolerancia y el modo en que Brasil es mirado desde Europa.

En “Devórate” giró hacia la ecología para denunciar los desechos plásticos que yacen en el océano Pacífico como una consecuencia del consumismo y de la superabundancia tecnológica.

De esas dos incursiones en la sociedad de su tiempo, Mari Paula saltó al interior de sí misma para hacer su tercera obra, “Fronterizas”, “la pieza de mi vida”, como ha declarado la propia artista. Una especie de diario bailado de su vida y de su relación con la danza. Aquí, el campo de experimentación es su cuerpo y la idea de frontera. “El cuerpo no pertenece a un espacio concreto sino que es fronterizo”, como subrayó una de las críticas publicadas con motivo del estreno de esta obra en Santander. En este montaje, la coreógrafa ha contado con elementos fundamentales como el texto, la luz (que aporta Carlos Molina) y el sonido (de Jaime Peña) que, junto a la danza, conforman una obra interdisciplinar.

Durante su trayectoria en su país, Mari Paula, integrante de importantes compañías de danza, comenzó a hacer sus propias producciones desde 2016, y es Premio Nacional Funarte, Klauss Vianna de Danza.

Desde 2015, los trabajos realizados con su propia compañía se caracterizan por incluir textos, elementos escenográficos perecederos, sintéticos, bandas sonoras originales, música en directo y la construcción de espacios escenográficos a través del cuerpo y la luz. Sus obras tocan temas como el amor, la antropofagia cultural, el género, la inmigración, la interculturalidad y el medio ambiente.

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La Compañía Antonio Ruz presenta “Pharsalia” basada en el único texto que sobrevivió de los escritos de Lucano hace más de veinte siglos. Foto: Alperi. Gentileza: Teatros del Canal.

El Premio Nacional de Danza de 2018 adapta el poema épico inacabado del cordobés Marco Anneo Lucano, nieto de Séneca, escrito en el siglo I. “Pharsalia” es la primera producción de gran formato de la Compañía Antonio Ruz, en coproducción con los Teatros del Canal, y llega en un momento relevante de su trayectoria con su estreno absoluto en la Sala Roja el 21, 22 y 23 de octubre.

Basada en el poema épico inacabado del escritor cordobés Marco Anneo Lucano, nieto de Séneca, Ruz ha concebido “Pharsalia” como un “canto antibelicista a la danza como arma de liberación y de energía salvadora”, en un tiempo en el que, de nuevo, la guerra, esta vez en Ucrania, se hace presente.

Como recuerda el propio Ruz, “la guerra nos acompaña desde el comienzo de las civilizaciones, está en la naturaleza humana el deseo y la ambición, lo que induce a la inseguridad colectiva y a la lucha. Es un proceso brutal y peligroso pero que forma parte de nuestra especie”.

No sabía entonces, cuando esbozaba las líneas de este proyecto a principios de 2021, que el conflicto bélico sorprendería al coreógrafo, Premio Nacional de Danza en 2018, en medio del proceso creativo. Había escogido una obra de un cordobés como él, pero que vivió en el siglo primero de nuestra era. Es el único texto que ha sobrevivido entre los que escribió Lucano hace más de veinte siglos, en cuyos diez cantos aborda la guerra civil entre Julio César y Pompeyo Magno.

De la dramaturgia de “Pharsalia” se ha encargado la actriz, bailarina, coreógrafa escénica Rosabel Huguet, quien ha concebido la obra en tres momentos: antes de la guerra, durante la guerra y tras la guerra, en los que plasma los sentimientos que suscita la contienda: del miedo al caos, de la amenaza a la anarquía, el exilio y la esperanza.

A partir de esta dramaturgia, el trabajo coreográfico de Ruz, según explicó, indaga en la idea de la guerra desde un enfoque alegórico, poniendo al cuerpo al servicio de conceptos cotidianos como el conflicto, la crisis, la resistencia, la tensión o la evasión.

“Pero el ser humano no se conforma con su estado de guerra -comentó-, y es ahí, cuando aparecen en escena los vestigios de la belleza, de nuestra esperanza. La violencia del mundo, el desasosiego y la constante lucha por la supervivencia, por un refugio ante la adversidad, se vuelven aquí una experiencia estética elevada y sublime”.

“Pharsalia” es una obra concebida en tres momentos: antes, durante y después de un conflicto bélico. Foto: Alperi. Gentileza: Teatros del Canal.

El coreógrafo cordobés ha querido plantear “una reflexión crítica y comprometida sobre la crueldad y la barbarie en la sociedad contemporánea. Un alegato a favor de la concordia, el respeto y la compasión”.

Con una propuesta escénica y de vestuario contundente y una creación musical original que viaja entre lo épico y lo electrónico, once intérpretes transitarán coreografías cargadas de violencia, sutileza y teatralidad lanzándose, con toda su fisicidad, a una fiesta del combate.

Una música envolvente compuesta por Aire y marcada por elementos electrónicos y acústicos, rodeará al espectador despertándole, según explica su autor, “sensaciones más propias de una película que de una pieza de danza”, con sonidos que evocan “una batalla, la muerte, la reconciliación, el éxtasis y la conexión espiritual”.

Un lenguaje singular 

Al concederle a Antonio Ruz (Córdoba, 1976) en 2018 el Premio Nacional de Danza 2018 en la categoría de Creación, el jurado valoró especialmente su “lenguaje singular” como resultado de una amplia investigación personal. Ruz aterrizó en el Ballet del Gran Teatro de Ginebra en 2001, después de formarse en su Córdoba natal y en la Escuela de Víctor Ullate en Madrid.

Su etapa en el extranjero se consolidó en el Ballet de la Ópera de Lyon y en 2006 regresó a España para formar parte del elenco de bailarines de Nacho Duato en la Compañía Nacional de Danza. En la búsqueda de su propio universo creativo destacó especialmente su relación con la prestigiosa coreógrafa Sasha Waltz.

En 2009 Ruz fundó su propia compañía con un estilo característico abierto a las influencias internacionales, las preocupaciones de sus obras son eclécticas: filosóficas, humanísticas, psicológicas o simplemente musicales, todas se caracterizan por una poética que inunda sus movimientos.

“De Sheherazade”, un espectáculo con coreografía de María Pagés y dramaturgia de El Arbi El Harti. Foto: David Ruano. Gentileza MP.

La reciente ganadora del Premio Príncipe de Asturias de las Artes María Pagés (junto a Carmen Linares) presenta su nuevo espectáculo, “De Sheherazade”, en la Sala Roja de Teatros del Canal del 22 al 26 de junio. Un recorrido por el universo femenino, que reivindica la realidad poliédrica de la cotidianeidad de las mujeres a partir de una lectura contemporánea de la esencia de los personajes femeninos que han marcado el mundo de la cultura universal.

Basada en el personaje de los cuentos de “Las mil y una noches”, el de una mujer que urde la estratagema de contar relatos seductores con que atrapar la atención de un rey para evitar que la mate, María Pagés lleva al flamenco el mito de ese personaje en un espectáculo compuesto por once escenas coreografiadas por ella. La música creada por Rubén Levaniegos, junto a Sergio Ménem y David Moñiz, explora el repertorio popular musical, y hace hincapié en la tradición marroquí. Pagés adapta fragmentos clásicos en clave flamenca e incluye un cuarteto de cuerdas y percusión, una voz árabe y dos voces flamencas que se encargan de ejecutar la partitura de “De Sheherazade”.

La obra da continuidad al planteamiento de “Yo Carmen”, espectáculo que la coreógrafa estrenó en 2015, y que tomaba como origen el personaje de la ópera de Bizet para descomponer los estereotipos femeninos con los que se ha silenciado durante siglos a las mujeres reales.

En “De Sheherazade”, Pagés y El Arbi El Harti, codirector del montaje y autor de la dramaturgia y las letras, profundizan en la empatía de las mujeres situando la sororidad como fundamento de una voz femenina que se alza para expresar y reivindicar la realidad poliédrica de la cotidianeidad de las mujeres.

Así, “De Scheherazade”, como un personaje colectivo, relata la intrahistoria sentimental de las mujeres, con la voluntad de desarmar, de nuevo, esos estereotipos femeninos. “Las mujeres sheheradianas -señala la presentación de este espectáculo- son las amas de casa, las creadoras, las obreras, las investigadoras… mujeres bellas e imprescindibles como la vida misma”.

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Daniel Doña Compañía de Danza presenta “Hábitat” el 21 y el 22 de noviembre en Teatros del Canal, durante el Festival Internacional Madrid en Danza. Foto gentileza DDCD.

El coreógrafo y bailarín Daniel Doña será el encargado de levantar mañana martes, 21 de noviembre, el telón de la 32ª edición del Festival Internacional Madrid en Danza, con el espectáculo “Hábitat”, que fue galardonado con el Premio El Ojo Crítico de Danza 2016. La presencia de Daniel Doña Compañía de Danza está programada también para el día siguiente, miércoles 22 de noviembre, a las 20 horas, en la Sala Verde de los Teatros del Canal. Sobre el escenario, bajo la dirección escénica de Jordi Vilaseca, el artista granadino estará acompañado por el bailarín Cristian Martín y por los músicos Alfredo Valero y David Vázquez, quienes junto a Héctor González son los creadores de la composición musical original de Hábitat. El festival se desarrollará desde el 21 de noviembre hasta el 17 de diciembre.

Doña ha querido poner en orden su danza e investigar sobre sus conceptos en torno a la tradición y la vanguardia artísticas. El fruto de esta reflexión es este espectáculo experimental que ahora se presentará en Madrid en Danza. El propio artista confiesa que en su quehacer creativo cotidiano necesita construir su propio hábitat, un lugar en el que depositar sus huellas, rastros, señales y vestigios: “Necesito crear un entorno que plantee nuevas formas de convivencia, un cruce de lenguajes entre diferentes expresiones artísticas que respondan a los criterios de la diversidad, la singularidad y la pluralidad. En definitiva, un paisaje donde proponer nuevas estructuras, donde poner orden a mi danza y profundizar sobre los límites de mi discurso coreográfico”.

“Hábitat” fue finalista en los Premios Max de las Artes Escénicas de 2017, que organiza la Fundación SGAE, con dos nominaciones: Mejor Espectáculo de Danza y Mejor Intérprete Masculino de Danza.

Doña, que los días 20 y 21 de septiembre pasado estrenó en los Teatros del Canal la coreografía “Cuerpo a cuerpo”, es uno de los máximos exponentes de la danza española actual, capaz de aunar en sus trabajos la esencia artística de diversos lenguajes y de moverse con absoluta naturalidad entre una danza española renovadora, el flamenco y la expresión más contemporánea, esquivando cualquier límite disciplinario. Premio El Ojo Crítico de Danza 2016, Premio HEBE de Honor 2016 y Premio MAX de las Artes Escénicas en 2009 por “De Cabeza”, entre otros muchos galardones, Daniel Doña Compañía de Danza se ha convertido en uno de los referentes más renovadores de la escena nacional e internacional, con espectáculos que combinan la tradición con las nuevas tendencias de la danza española y el flamenco.

El bailarín granadino ha bebido de distintas fuentes y ha forjado, a partir de esa multiplicidad de influencias, una personalidad artística expresada a través de la claridad en el movimiento, una técnica segura, la sobriedad, la musicalidad, la calidad y las buenas ideas resueltas con sobrada solvencia.

New Adventures presenta “The Infernal Galop”, un retrato de la Francia tradicional creado por Matthew Bourne se presenta en Madrid en Teatros del Canal. Foto: Johan Persson. Gentileza NA.

Danza-teatro, ironía, desenfado, irreverencia, humor. Pero por sobre todo, uno de los coreógrafos favoritos del Reino Unido. Todos esos elementos dejan imaginar un solo nombre: Matthew Bourne. Y esta vez, estará en Madrid, España con el apoyo del British Council y el estreno de “Early Adventures”, una de las obras más esperadas de la temporada en el marco del ciclo Dance Dance Dance UK. La cita será en Teatros del Canal, Sala Roja, del 15 al 18 de marzo y para el 16, está previsto un encuentro con el público después de la función.

En “Early Adventures”, Bourne apuesta por un programa que incluye las obras que lanzaron su carrera, marcada por la innovación, la ruptura de estereotipos, el ingenio y la imaginación. En este espectáculo se presentarán: “The Infernal Galop”, un retrato de la Francia tradicional desde la visión conservadora inglesa; “Watch with Mother”, una evocación particular de los juegos infantiles que vuelve a escena después de 25 años, y “Town and Country”, una evocación del pasado a través de un collage musical de ídolos británicos. El estreno en España forma parte de las celebraciones del trigésimo aniversario de la compañía New Adventures, y cuenta con el apoyo del Arts Council de Inglaterra.

“Watch with Mother”, con coreografía de Matthew Bourne subirá escena por primera vez después de 25 años. Foto: Johan Persson. Gentileza NA.

Bourne, bailarín y coreógrafo londinense muy discutido por romper los esquemas tradicionales del mundo del ballet al reinterpretar los grandes clásicos como “Lago de los cisnes” o “Cascanueces”, comenzó su revolución con un grupo al que llamaron Adventures in Motion Pictures (AMP), formado en 1987 por un grupo de estudiantes del London’s Laban Centre. Bourne se convirtió rápidamente en el líder y coreógrafo de AMP, y transformó las estrategias de la troupe presentando espectáculos de danza contemporánea con grandes dosis de ironía y dramatismo. Su primera producción, “Spitfire” (1988), sobre Pas de quatre de Jules Perrot, es una parodia sobre los roles del ballet romántico, así como “Deadly Serious” es un homenaje al genio del cine de suspenso, Alfred Hitchcock.

En 1993, Opera North le encargó una nueva coreografía de “Cascanueces”, la primera de las grandes producciones de AMP. “Me gusta hacer grandes espectáculos para grandes audiencias”, dijo Bourne en una reciente entrevista en el periódico “Sunday Times”. Cinco veces ganador del premio Olivier y único director británico que ha recibido el premio Tony al mejor coreógrafo y al mejor director de musical, es la primera vez que se presenta en España. Tras Margot Fonteyn Bourne es el segundo ganador del mundo de la danza en recibir el premio Hamburg Shakespeare de las Artes y el primer ganador en la categoría de arte del premio

El diseñador Lez Brotheston (Premio Olivier, Premio del Círculo de la Crítica de Los Ángeles, y Premio Tony, entre otros), es responsable del vestuario y la escenografía de este espectáculo que sintetiza el estilo del coreógrafo.

En 2004 codirigió con Richard Eyre el musical “Mary Poppins” en el West End, mientras que su particular versión de “Lago de los cisnes” forma parte de la icónica película “Billy Elliot”, dirigida por Stephen Daldry. Diez años más tarde Bourne recibió el premio De Valois por sus extraordinarios logros al tiempo que inauguraba el Matthew Bourne Theatre en su antigua escuela de East London. En 2015 se conviertió en la primera personalidad del mundo de la danza en recibir el premio The Stage en los Premios UK Theatre por su extraordinaria contribución al teatro británico. Al año siguiente fue nombrado Caballero por la Reina y recibió el Queen Elizabeth II Coronation Award en reconocimiento a sus servicios a la danza. También en 2016 New Adventures estrenó su último trabajo, “The Red Shoes”, basado en el clásico de Powell y Pressburger con música de Bernard Herrmann.

En “Early Adventures” Matthew Bourne hace una evocación del pasado a través de un collage musical de ídolos británicos en “Town and Country”. Foto: Johan Persson. Gentileza NA.