Los protagonistas, Cenicienta y el Príncipe, serán interpretados por Laura Rauber y Fabio Roblejo. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza GDBdanza.

La historia del príncipe que busca a la bella joven que ha perdido un zapato de cristal, tan pequeño que no cabe en ningún otro pie, ha quedado en la memoria de quien haya escuchado o leído esta historia durante su niñez. Una trama que, no solo ha servido para elaborar las más sofisticadas teorías psicológicas y sociológicas, sino que ha transitado por todos los géneros artísticos: el teatro, el cine, el musical, el ballet, la pintura.

El 21 y 22 de septiembre en el Teatro Avenida (Av. de Mayo al 1200, CABA), a las 20 horas, se estrenará “Cenicienta”, ballet tradicional en tres actos con coreografía de Guido De Benedetti y música de diferentes compositores. La obra será interpretada por el GDBdanza y contará con invitados especiales como Liliana Belfiore en el rol del Hada, Edgardo Trabalón como el Concellieur , Sol Infer y Aldana Jiménez las Hermanastras, Sofía Sciaratta en la Madrasta , Rodrigo Maplpezzi en el rol de Perro.

Los protagonistas, Cenicienta y el Príncipe, serán interpretados por Laura Rauber y Fabio Roblejo. Acompañados por un elenco de 26 bailarines dirigidos por De Benedetti.

Coreógrafo de 37 obras, entre ellas “Sueño de una Noche de Verano”, “Luz Cámara Baile!”, “Romeo y Julieta”, “Giselle”, “Spartacus”, “Ladislao y Camila”, “Otello”, “Dama de las Camelias”, De Benedetti recibió el premio Ruanova como Maestro de Danzas, y tres premios Konex. Fue bailarín principal y luego codirector del Ballet Estable del Teatro Colón entre 2000 y 2001 y, después de dirigir varias compañías, actualmente es presidente de la Asociación ArteXXI y codirector de la Escuela de Danza Contemporánea ArteXXI.

“El cuento de ‘Cenicienta’ es una historia antigua que se repite en diferentes culturas desde hace siglos -comentó De Benedetti-. A lo largo del tiempo, ha habido muchas versiones con variaciones en los personajes y en la resolución, pero todas comparten un subtexto importante. Este cuento, al igual que otros, través de sus enseñanzas sobre el amor, la superación y la justicia, sigue siendo relevante en la educación y en la formación psicológica y moral de los niños”.

La primera versión escrita y publicada de este cuento tradicional es la del italiano Giambattista Basile ”La Gatta Cenerentola”, escrita en napolitano. El relato, publicado en 1634 formó parte de la obra “Pentamerón”. Luego llegó una de las más conocidas, la del francés Charles Perrault con el título “Cendrillon ou La petite pantoufle de verre” (Cenicienta o El zapatito de cristal), que escribió en 1697 y que tenía grandes similitudes con la de Basile.

GDBdanza y sus 26 bailarines protagonizan “Cenicienta” en esta versión del director de la compañía, Guido De Benedetti. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza GDBdanza.

Casi dos siglos más tarde, en 1812, apareció la versión de los hermanos Grimm, que es parte de la colección de cuentos de hadas que se conocen como “Cuentos de la infancia y del hogar”. Si bien esta “Cenicienta” varía bastante de la italiana y de la francesa, tiene ciertos elementos que la acercan a las anteriores.

Aquí también juegan un rol importante la madrastra y las dos hermanastras, malvadas al fin, que ofician como oponentes del personaje principal. Y, sin duda, aparecen las transformaciones mágicas creadas, en este caso, por el hada buena y el príncipe infaltable.

“En el cuento encontramos enseñanzas sobre la importancia de discernir entre lo justo e injusto -agregó De Benedetti-, la valoración de las conductas, la importancia de la familia, la superación de la adversidad y la aceptación de uno mismo. Además, el cuento nos muestra que la magia transformadora y superadora es posible a través del amor”.

Ya en 1817 “la Cenicienta” tuvo su primera versión musical, un drama jocoso en dos actos con música de Gioachino Rossini y libreto en italiano de Jacopo Ferretti, basado en el cuento de Perrault. Y a mediados del siglo XX, a través de Jorge Peña Hen se presentó como ópera infantil hasta que llegó, en 1945 la versión musical para ballet de Serguéi Prokófiev, transitada por coreógrafos clásicos y contemporáneos.

“A pesar de las diferentes versiones, el cuento también denuncia la desigualdad de género y muestra cómo las mujeres eran limitadas en su educación y herencia. En resumen, el cuento de Cenicienta es una historia atemporal que nos enseña lecciones valiosas sobre la vida”, aseguró el director.

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El coreógrafo Oscar Araiz duante la filmación de la película “Escribir en el aire” de Paula de Luque. Foto gentileza TP.

Desde el 6 de noviembre hasta el 13 del mismo mes la película “Escribir en el aire” está disponible por la pantalla de Cine.Ar TV. Este es el sexto largometraje de la directora Paula de Luque, y la producción es de Barakacine.

Concebida como una experiencia sensorial y musical, “Escribir en el Aire” escapa a la simplificación de los rótulos y se interna de forma audaz en el proceso de elaboración y creación de un artista. De este modo, la directora reflexiona y construye una mirada sobre el mundo creativo del coreógrafo Oscar Araiz. De esta forma la película se convierte en una mirada dentro de otra mirada, en ese reflejar infinito de los espejos, y paulatinamente va organizando su propia trama.

“Me interesa especialmente el proceso de creación en Araiz —comentó Paula de Luque—, el de un universo deshilvanado que súbitamente asume la materialidad y solidez del cuerpo, revelando sus estructuras internas físicas y mentales. La teatralidad de las situaciones, la concentración, los interrogantes, el límite entre lo manifestado y el vacío, la acumulación y el derrumbe, conducen a una conclusión paradigmática. La obra se independiza, el autor se elimina, y de todo ello queda un residuo anímico intemporal. Como algo escrito en el aire”.

Afiche promocional de “Escribir en el aire”. Gentileza TP.

Con los testimonios de Oscar Araiz, de las escenógrafas y vestuaristas Renata Schussehim y María Julia Bertotto, de la coreógrafa Ana María Stekelman y del bailarín Miguel Angel Elías, el filme incluye también a las bailarinas Antonella Zanutto, Magali Brey y al cuerpo de bailarines y bailarinas de Araiz.

Araiz, uno de los más destacados coreógrafos argentinos, y uno de los pioneros de la danza contemporánea en su país, estudió danza moderna y composición con Dore Hoyer y Renate Schottelius. También estudió con María Ruanova y Tamara Grigorieva. Creó el Ballet del Teatro San Martín en 1968, compañía para que que creó obras como “Symphonia”,“Magnificat”, “Romeo y Julieta” y “La consagración de la primavera”, entre otras. y recibió el Konex de Brillantes en 2019.

Desde 1979 a 1980 fue director del Ballet Estable del Teatro Colón donde creó el ballet “Estancia”, con música de Alberto Ginastera, “El mandarín maravilloso” y “Sueño de una noche de Verano”. Estuvo a cargo las coreografías de las óperas“Bomarzo” y “Moisés y Aarón”. Y desde de 1980 hasta 1988, fue director de la Danse del Grand Théâtre de Genève, Suiza. Dos años después de su regreso a la Argentina, Araiz, dirigió el Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín junto a Renate Schottelius y Doris Petroni.

Sus obras forman parte del repertorio de numerosas compañías internacionales como el Ballet Nacional Chileno (BANCH), el Royal Winnipeg Ballet de Canadá, el Ballet del Teatro Municipal (Río de Janeiro, Brasil), el Ballet del Teatro Municipal de Sao Paulo (Sao Paulo, Brasil), entre otros. Y fue coreógrafo y mentor del Grupo Corpo de Belo Horizonte, Brasil.

En Europa, su trabajo como coreógrafo llegó al Stockholm Opera Ballet (Suecia), al Finnish Ballet (Finlandia), al Ballet de la Opera de París (Francia), el Ballet du Grand Théâtre (Ginebra, Suiza), el Berlín Opera Ballet, así como al Het National Ballet (Ámsterdam, Holanda). Todos ellos forman parte de la larga lista de compañías que montaron sus obras.

En los Estados Unidos, sus coreografías integran los programas del Joffrey Ballet y del Group Motion Multimedia Dance Theater de Filadelfia, entre otros.

Paula de Luque es realizadora de cine y televisión, guionista, bailarina, coreógrafa y directora escénica. Obtuvo numerosos premios y distinciones nacionales e internacionales. Algunas de sus obras destacadas son “Juan y Eva”, la reciente “La forma de las horas” y la serie “La verdad”. Es directora del Festival FICSUR y de la plataforma de contenidos audiovisuales OCTUBRE TV.

“Escribir en el aire” cuenta con la participación de las bailarinas Antonella Zanutto, Magali Brey y al cuerpo de baile de Oscar Araiz. Foto gentileza TP.

El Ballet de Camagüey llevó a La Habana “Carmen”, en version de Peter Breuer, una producción multidisciplinaria de danza-teatro. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza BC.

El primer día de diciembre de 2017 el Ballet de Camagüey, la segunda compañía clásica en importancia de la Mayor de las Antillas, cumplirá su primer medio siglo de existencia desde la fundación de su sede en esta capital provincial a poco más de 300 kilómetros de la capital cubana. Y para celebrar esta trascendental efemérides decidieron realizar una gira nacional con una novísima versión de “Carmen”, con coreografía del coreógrafo alemán Peter Breuer, actual director del Ballet de Salzburgo.

La primera estación donde recaló este conjunto, antes de visitar otros teatros del país, fue en el Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso en su sala principal Federico García Lorca, que lograron llenar a tope durante las tres representaciones programadas el primer fin de semana de junio.

La bailarina Regina Balaguer, directora general por dos décadas de esta entidad, ha expresado públicamente que “es imposible hablar de 50 años sin agradecer, en primer lugar, a la maestra fundadora Vicentina de la Torre, por su empeño para que Camagüey tuviera su propia compañía de ballet; al maestro Joaquín Banegas (ex primera figura del BNC) y al maestro de maestros Fernando Alonso, artífice principal de la reconocida Escuela cubana de ballet”, los cuales, por supuesto, la antecedieron en su presente ejecutoria.

Durante junio el Ballet de Camagüey presentó “Carmen” en la capital del país, Santa Clara y Cienfuegos. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza BC.

Esta producción multidisciplinaria de danza-teatro de “Carmen” requirió de una compleja carga de recursos escénicos: figurines, diseño de luces, proyecciones audiovisuales o equipamiento high-tech. Para lograrlo, no sólo hubo apoyo estatal, sino un fuerte patrocinio de la Fundación ONG europea Camaquito, una organización sin fines de lucro fundada en Suiza (2001). Esta entidad independiente y laica de ayuda a la infancia, apoya este sector poblacional local en los ámbitos de la educación, deporte, cultura, salud y acceso al agua potable.

Su representante en la isla es el suizo Mark Kuster, su fundador, radicado en la ciudad sede del Ballet de Camagüey. Kuster confirma su vocación al colaborar ampliamente en este proyecto cultural en una carta publicada en el lujoso programa de mano, cuando dice: “En los últimos 10 años pudimos apoyar diferentes proyectos y acciones del Ballet de Camagüey y, también, mejorar el desarrollo artístico de estos jóvenes y dotados bailarines. (…) una agrupación prestigiosa y reconocida en los escenarios mundiales. Nuestro soporte al BC, es una expresión de la admiración y del agradecimiento al pueblo cubano que ha sabido vivir y promover la cultura”.

Sobre la “Carmen” de Peter Breuer

La “Carmen” de Breuer recibió en 2005 el premio de la Fundación Maya Plissetskaya – Rodión Shedrin, y en 2015 recibió el Premio nacional de danza de Alemania. Foto: Alfredo Cannatello. Gentileza BC.

El coreógrafo alemán Peter Breuer fue invitado por Regina Balaguer a montar para su conjunto esta versión sui generis de la archiconocida tragedia literaria del francés Merimée. Puesto que muchos se preguntarán por qué otra “Carmen” en Cuba, cuando le anteceden notables versiones foráneas y locales como las de Roland Petit, Alberto Alonso, Carlos Acosta y más recientemente la homoerótica de Víctor Ullate.

Breuer nació en Tegernsee (Alemania) y tuvo como padre al pianista y director de orquesta Peter Bruno Breuer. Empezó con 11 años a tomar clases de ballet con Gustav Blank en el espíritu de la antigua “escuela de San Petersburgo”. Con 15 años ingresó en el cuerpo de baile de la ópera nacional bávara en Munich, y con 17 Erich Walter lo llamó a Dusseldorf como solista, luego, en 1967 es promovido al rango de primer solista. En los años 70 de la pasada centuria fue un miembro del London Festival Ballet, así como del American Ballet Theater y el Ballet del teatro alla Scala de Milán. En la década de los 80, surgieron sus primeros encargos coreográficos provenientes de entidades alemanas y húngaras.

Desde el inicio de la temporada 1991-92, Breuer es el director del Ballet de Salzburgo (Austria), donde estableció una tradición de grandes ballets narrativos y creó celebradas piezas tales como “Peer Gynt”, “Orfeo y Eurídice”, “Medea”, “Sueño de una noche de verano”, “Bolero”, entre otros con éxito de crítica y de público.

Por su coreografía de “Carmen” recibió en 2005 el premio de la Fundación Maya Plissetskaya – Rodión Shedrin, y en 2015 recibió el Premio nacional de danza de Alemania de ese año. Esta creación bailada por cubanos está concebida en 14 cuadros o escenas para toda una noche, con una duración aproximada de dos horas, donde domina el tema de la muerte, con anuncios premonitorios explícitos en el prólogo. Luego, vendrá como un “déja vu”: la codicia, la intimidación del poder, las infidelidades, el triángulo amoroso, los celos y la desesperación. Todos preceptos que rigen el micro mundo gitano-flamenco de la acción dramática de la protagonista titular, indomable defensora de su libertad ante la seducción de los rivales amantes.
Breuer, en su lógico interés por desmarcarse de las creaciones precedentes de esta misma trama, se hunde en un posmodernismo a ultranza contaminado con cierta incoherencia dramatúrgica. Imposible negar sus habilidades artísticas para mantener “en vilo” a la audiencia hasta el desenlace de “una muerte anunciada”. No obstante, las imágenes proyectadas en el telón de fondo catalizaron la intensidad trágica del final, actuando como un distanciamiento brechtiano. Tampoco estuvo felizmente resuelta la incorporación de la escena con los ingleses y la música de Elgar (Variaciones Enigma) no fue un aporte positivo.

En cambio, fue un acierto el empleo del grupo musical español Radio Tarifa, el cual ” mezcla en su obra varios estilos como el flamenco, ritmos andaluces y el jazz, con el empleo de instrumentos y elementos musicales de otras latitudes, como el Caribe”. Igualmente lo fue el soporte musical de la obra homónima de George Bizet, en la eficaz orquestación del ruso Rodión Shedrin (creada para la pieza del cubano Alonso), usado inteligentemente, aunque muy referencial.
Los intérpretes, en particular los protagonistas –las chicas sin puntas-, ofrecieron una loable entrega, tanto en el baile como en la actuación, en este caso Sarah de Miranda, Yanny García, Jonathan Pérez, y el resto del colectivo afiatado pero bisoño en esta concepción genérico estilística, donde aparecen en su material elementos influidos por ese icono  de la danza alemana que es Pina Baush.

Sin duda, un enriquecedor ingreso al repertorio activo del juvenil cuerpo de baile de esta compañía provincial de ballet: un reto necesario para alcanzar nuevos triunfos en el próximo aniversario número 50.

El Washington Ballet presentó en el Kennedy Center el estreno mundial de “Frontier”, de Ethan Stieffel, en homenaje al ex Presidente Kennedy. Foto: Theo Kossenas. Gentileza TWB/media4artists.

“La exploración del espacio continuará, más allá de que nosotros participemos en ella o no, y es una de las grandes aventuras de todos los tiempos”, JFK. Casi como reflejada en un cielo imaginario, la frase de John F. Kennedy se adueñó del escenario con una magnificencia especial. Mientras, la música minimalista de Adam Crystal resonaba como una invitación hacia lo desconocido, y una troupe de bailarines con trajes que se parecían a los de los astronautas, comenzaban a hacer pequeños movimientos acompasados. Después: la atmósfera.

El estreno mundial de “Frontier”, de Ethan Stieffel, ex primer bailarín del American Ballet Theatre, en homenaje al centenario del nacimiento del ex Presidente Kennedy, trajo una propuesta multimedia cautivante, en la que la escenografía de funde con un elaborado video cuyos efectos se asemejan a los juegos lumínicos que se producen en el espacio. Dmitri Simkin, a cargo de esa bella creación, logró incorporar una esfera de cristal en la que la mujer astronauta (Sona Kharatian) traspasa los límites de la tierra. Una puesta sublime, en la que la danza es un elemento más que contribuye a la propuesta integral de la obra.

En este final de la temporada 2016-2017 el Washington Ballet, dirigido por Julie Kent, cerró su ciclo con cuatro funciones desde el 25 al 28 de mayo en el Opera House del Kennedy Center de Washington, DC. Con un programa ecléctico en el que rescata joyas del ballet del siglo XX, Kent llevó a escena, además de la nueva realización de Stiefel, “Jardin aux Lilas”, de Anthony Tudor y “The Dream”, de Sir Frederick Ashton. Tres obras diferentes, que contaron con música en vivo -, algo que pasa a ser una suerte de “marca registrada” de la flamante directora- a cargo de la Washington Ballet Orchestra, dirigida por Martin West.

En “Jardin aux Lilas”, Tudor, ese mago de la gestualidad y la delicada intensidad, pone en escena esos conflictos universales del amor y el desamor, el deber y el querer. La obra, estrenada por el Ballet Ramber en Londres en 1936, época en la que se reafirmaban los ballets con ciertas connotaciones psicológicas, lleva música de Ernest Chausson, “Poema” para violín. Cada uno de los elementos de esta obra, más allá del paso del tiempo, la hacen absolutamente vital y apasionante.

“The Dream”, de Sir. Frederick Ashton, creada en 1964, está basada en “Sueño de una noche de verano” de Shakespeare. Foto: Theo Kossenas. Gentileza TWB/media4artist.

Tudor expone los conflictos amorosos de una pareja en vísperas de contraer matrimonio, cuando ella se reencuentra con su verdadero amor, y al futuro esposo se le presenta un antiguo romance. Venus Villa, delicada y conmovedora, hizo una excelente interpretación de la novia, mientras su contrafigura, Francesca Dugarte, se impuso con su personalidad en este drama existencial. La cuidada reposición, a cargo de Amanda McKerrow y John Gardner, permitió que cada uno de los cuatro personajes de esta historia logre momentos conmovedores y bellos.

Kent eligió, como cierre del programa, un clásico de Ashton. Una obra mágica, encantadora, a la luz de la luna, basada en “Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare. “The Dream”, creada en 1964 para Anthony Dowell, ex bailarín y director artístico del Royal Ballet of London, es una de esas obras inolvidables en las que se mezcla lo terrenal con lo mágico.

Andile Ndlovu, como el duende Puck, parece realmente un ser de otro mundo, su velocidad, sus giros, su dinámica y su gracia, muestran a un bailarín completo, capaz de asumir uno de los roles más difíciles del ballet. Samuel Wilson, en su papel del campesino que se convierte en asno, hace un magnífico trabajo, no solo al bailar en puntas sino en la composición del personaje.

Fresca y traviesa, Titania, la reina de las hadas, protagonizada por Eunwon Lee, cautivó con su delicadeza y su gracia. Mientras que Gian Carlo Pérez, se plantó estupendamente en escena con su caracterización de Oberon. Un bailarín sólido, con buenos saltos y con una interesante veta actoral. El cuerpo de baile femenino, especialmente las hadas del bosque, mostró un grupo compacto, con filas cuidadas y una ajustada coordinación. Una obra tan deliciosa que es siempre bienvenida y una compañía que lentamente va tomando otros rumbos.