Britney Coleman como Bobbie (Ctro.) y el elenco de “Company” en el Kennedy Center de DC. Foto: Matthew Murphy para MurphyMade. Gentileza JFKC.

Bobbie cumple 35 años, y sus amigos se preguntan, y le preguntan, algo que quizás ya no tenga importancia: ¿Por qué no se ha casado? Y tras ese cuestionamiento, llega la batería formal e inquisidora: ¿qué pasa que no encuentra al hombre adecuado? ¿Cómo no forma una familia? Planteos de rigor en todo entorno tradicional y conservador del siglo XX. Hoy, quizás estén fuera de lugar.

“Company” se estrenó en Broadway en 1970 y está considerado uno de los máximos exponentes del musical conceptual en el que la teatralidad y los diálogos cobran más importancia que lo habitual. La producción que llegó al Opera House del Kennedy Center y seguirá en cartel hasta el 31 de marzo, dirigida por Marianne Elliott, es una reposición de 2018 que reapareció en Broadway en 2021. Esta vez, la pieza cambió el género del protagonista. Ya no se trata de un solterón indomable, sino de una mujer independiente que se pregunta el sentido de estos obligatorios tabúes sociales.

Elliott, ganadora de tres premios Tony (War Horse, The Curious Incident of the Dog in the Night-Time, Angels in America), dirige esta nueva propuesta con acabado criterio estético y claridad estructural. Con la magnífica música de Stephen Sondheim y libro de George Furth, incluye memorables canciones premiadas como “You Could Drive a Person Crazy”, “The Ladies Who Lunch”, “Side by Side by Side” y “Being Alive”.

Un reparto de gran talento histriónico, voces excelentes y una exquisita puesta en escena componen esta trama ambientada en la ciudad de New York. La obra es una sucesión de viñetas que plantean situaciones cuya estructura se basa en la exploración de la protagonista, Bobbie (Britney Coleman), como testigo y observadora de la vida, las relaciones de pareja y los conflictos de sus amigos. Las escenas ponen al desnudo los temores, las incertidumbres y los comportamientos del ser humano, y las contradicciones que provocan el amor y el desamor.

(De Izq. a der.) Jacob Dickey, David Socolar y Tyler Hardwick junto a Britney Coleman en “Company”. Foto: Matthew Murphy para MurphyMade. Gentileza JFKC.

Todo se desarrolla en medio de una escenografía geométrica con marcos de neón diseñados por Bunny Christie, que encajonan a Bobbie en estrechos cubículos asfixiantes por momentos. Cada uno de ellos representa determinados espacios, o bien, permiten que la protagonista recorra los apartamentos de uno y otro amigo, vivencie los conflictos subyacentes y los expuestos, y reflexione sobre lo que gana o pierde en esta decisión de romper con las estructuras sociales ya caducas.

Sin embargo, en una época en la que las mujeres están cada vez menos limitadas por los estereotipos sociales, quizás estas reflexiones sean innecesarias. No obstante, el cambio en el género del protagonista suena casi reivindicatorio. Muestra a una mujer libre, independiente, sin prejuicios ni condicionamientos. En este contexto, tal vez la inquietud de sus amigos de verla casada y con hijos, suene fuera de lugar. Y si Elliott tuvo la intención de dejar en evidencia la necesidad del “clan” de incorporarla como un “miembro más”, de hacerla cómplice de sus decisiones, no lo deja explícito en la trama ni en los diálogos.

Pero sí deja en evidencia las contradicciones de la mujer moderna. Una mujer que ya no está sujeta a los mandatos impuestos por la sociedad y que, al mismo tiempo, sigue perseguida por tradiciones ancestrales como el matrimonio y la maternidad. De esta manera, “Company”, no es un musical a secas, sino que induce a pensar y a reflexionar sobre las decisiones que cada uno toma en la vida.

Neil Austin, diseñador de iluminación, logra generar espacios y climas interesantes, atractivos y bellos que incitan a reflexionar sobre la temática propuesta en este musical. La coreografía de Liam Steel eleva la apuesta visual a lo largo de todo el espectáculo, y permite que el elenco se deslice a través de cada uno de los cuadros y situaciones. El resultado: un musical fuera de lo común que deja una puerta abierta para preguntarse sobre el rol de cada uno en la sociedad actual.

“West Side Story”, un musical con partitura de Leonard Bernstein, coreografía de Jerome Robbins, canciones de Stephen Sondheim y libro de Arthur Laurents, en el National Theatre. Foto: Carol Rosegg. Gentileza NT.

El musical de los musicales, “West Side Story”, cierra el ciclo de giras que comenzó en 2008 con la reposición de la primera versión que se estrenó en 1957. Desde el 3 al 8 de junio, en el mismo escenario donde se presentó en su lanzamiento, el National Theatre, de Washington DC, este drama musical hará su despedida en esta ciudad.

Cuando en agosto del ‘57 “West Side Story” hizo su estreno mundial en la capital de los Estados Unidos, los grandes nombres de la política de entonces formaron parte del público privilegiado que presenciaba este hecho histórico. La música de Leonard Bernstein, la coreografía de Jerome Robbins, las canciones de Stephen Sondheim y el libro de Arthur Laurents se convirtieron en un éxito que arrasaba la taquilla.

Washington fue, entonces, el primer desafío para esta obra que luego, tal como lo dijo Robbins, fue “el musical estadounidense por excelencia”. Las canciones de Bernstein y Sondheim se hicieron famosas en la historia de Broadway, y “Something’s Coming”, “Tonight”, “America”, “I Feel Pretty” y “Somewhere”, aún hoy son clásicos insuperables.

En Broadway, “West Side Story” tuvo a Chita Rivera, una hija de puertorriqueños, en el rol de Anita. Y fue la primera vez que se escuchó un mambo en escena. La versión actual, con dirección de David Saint, tiene a otra puertorriqueña encarnando a Anita: Michelle Alves, que trabajó en “Rent”, “Hair”, “Nine”, “Hairspray”, “Chicago” y “Dirty Dancing 2″, entre otras.

“Este musical todavía tiene vigencia en todo el mundo porque los problemas sociales que aparecen en la historia están pasando ahora mismo —remarcó Alves—. El racismo, la inmigración, la discriminación, están vigentes hoy”.

Después del primer estreno en Broadway, en septiembre del ’57, el suceso fue tal, que en 1962 la obra llegó al cine protagonizada por Natalie Wood en el rol de María, y la puertorriqueña Rita Moreno encarnó a Anita. Conocido como “Amor sin barreras” en América latina, el film, dirigido por Robert Wise y Robbins, tuvo a Richard Beymer, George Chakiris y Russ Tamblyn en los papeles masculinos principales.

Y ganó diez Oscars: mejor película, mejor director, mejor actor de reparto (George Chakiris), mejor actriz de reparto (Rita Moreno), mejor dirección artística, mejor música, mejor fotografía, mejor sonido, mejor vestuario, y mejor montaje, y además fue candidata al mejor guión adaptado.

La trama era y es un tema de actualidad, inspirado en “Romeo y Julieta”, de Shakespeare. Y pone en escena conflictos raciales candentes: discriminación y resentimiento social. En Nueva York, dos bandas de jóvenes, los Sharks, inmigrantes puertorriqueños, y los Jets, estadounidenses de origen irlandés, se enfrentan continuamente. No obstante, dos jóvenes, María, hermana del jefe de la pandilla puertorriqueña, y Tony, un ex miembro de los Jets, se enamoran. Y la sucesión de rencillas callejeras termina con la muerte de uno de los enamorados.

La reposición coreográfica del original de Robbins es de Joey McKneely (“The Boy from Oz” y “The Life”). “La coreografía es un desafío —apuntó Alves—. En los primeros tiempos terminaba extenuada y me faltaba el aire. La forma en que Jerry (Robbins) hacía sus trabajos es extremadamente difícil y compleja. Pero es una bendición poder bailar la coreografía de uno de los grandes creadores de este país”.

Michelle Alves (Ctro.) es Anita en esta “remake” de “West Side Story”. Foto: Amy Boyle. Gentileza NT.

Desde niña Alves empezó a bailar, y a los 16, salió de su país en giras. Trabajó para diferentes artistas, y hace tres años decidió instalarse definitivamente en Nueva York. Cuando la contrataron, confesó que dejó de ver los videos de “West Side Story” porque buscó crear su propia Anita. Alves lleva representadas 450 funciones en este rol.

Con un elenco que va cambiando casi todos los años, esta “remake” tiene la particularidad de que sus protagonistas han incorporado el español como parte de sus modismos y diálogos. Laurents en varias entrevistas mencionó que su principal objetivo con el uso del español fue que las pandillas de los Jets y los Sharks quedaran al mismo nivel, que se vieran las dos como “los malos” y que los puertorriqueños tuvieran una presencia diferente a la original del primer musical.

El encargado de adaptar los ritmos y las letras de las canciones de esta reposición fue un hijo de puertorriqueños, el compositor Lin-Manuel Miranda, ganador de un premio Tony y creador de “In the Heights”, un éxito de Broadway basado en los conflictos entre vecinos dominicanos y puertorriqueños en un barrio de Manhattan.

La primera María de esta “remake” estrenada en 2008 fue la argentina Josefina Scaglione, a quien Laurents encontró en un video de YouTube, luego de una infructuosa búsqueda en numerosas audiciones en Nueva York, Los Ángeles y Chicago.