Skylar Brandt (Tita) y Herman Cornejo (Pedro) en la obra de Christopher Wheeldon “Como agua para chocolate”. Foto: Emma Zordan. Gentileza: ABT

Mujeres que tejen, quizás, las intrincadas tramas de la vida. Mujeres que observan como testigos silenciosos. Mujeres que acompañan los destinos de una casa sumergida en tristezas y resentimiento, en opresión y en deseos ahogados.

Christopher Wheeldon abre la primera escena de “Como agua para chocolate” con estas mujeres solas sometidas a una madre que oculta su furia y sus postergaciones. El coreógrafo, con una gran sensibilidad narrativa, logra captar la esencia de esas mujeres que describe la autora mexicana Laura Esquivel en su novela del mismo nombre. Una suerte de semejanza a “La casa de Bernarda Alba” pintada por Federico García Lorca en las primeras décadas del siglo XX al igual que la temporalidad en la que se sitúa esta obra fantástica, desbordante, donde explotan los sentidos hasta romper los límites imaginables.

En su temporada en el Metropolitan Opera House, el American Ballet Theatre (ABT) presentó en Nueva York esta obra que ya había tenido su estreno mundial en 2023 en Costa Mesa, California, y que debutó a nivel mundial con el Royal Ballet en 2022. Wheeldon se animó al tremendo desafío de competir con la película estrenada en 1992 que dejó una huella indeleble en la memoria. Más allá de las diferencias entre el cine y el ballet, esta propuesta encuentra momentos de gran belleza y logra distanciarse de la película con vuelo propio.

Catherine Hurlin interpreta a Gertrudis en la pieza de Christopher Wheeldon en el Met de Nueva York. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Wheeldon desgrana con solvencia una trama en la que transitan varias generaciones, e incorpora magníficos elementos sobrenaturales de manera efectiva y convincente. Va creando la narrativa con fluidez y gran capacidad de síntesis. Con un lenguaje que se funde entre la danza-teatro y el ballet, describe las complejas situaciones por los que transita el argumento de esta novela. A eso se suma el aporte adicional de la partitura de Joby Talbot, que incorpora instrumentos tradicionales del folclore mexicano y a su vez, recoge ciertos elementos y efectos sonoros utilizados con frecuencia en la música de películas, y alcanza a crear climas sugerentes. Pero quizás lo más impactante de esta puesta en escena descanse en la magnífica escenografía de Bob Crowley, quien también recreó un vestuario adecuado para describir a los personajes y sus personalidades.

Pero por sobre todo, “Como agua para chocolate” propone un elenco impecable. Skylar Brandt y Herman Cornejo, como Tita y Pedro, reviven esos personajes cuyo amor y apasionamiento trascienden los límites puramente humanos. Brandt, hizo un estupendo y delicado trabajo actoral, y su interpretación logró mostrar la maduración de Tita a través del paso de los años. Cornejo, por su parte, un bailarín con una técnica impecable, compuso un Pedro intenso y, una vez más, se mostró como un magnífico partenaire, cuidadoso y atento. Ambos construyeron una adorable pareja protagónica.

Christine Shevchenko interpretó a la autoritaria, intransigente y violenta Mamá Elena con solvencia y convicción. Excelente su caracterización y su expresividad. Catherine Hurlin (Gertrudis) también hizo un magnífico trabajo, lanzó su sensualidad y su potencia en el primer acto cuando la comida de Tita despertó sus más profundos deseos, y en el segundo acto, ya convertida en revolucionaria.

Conmovedora y refinada Luciana Paris como Nacha, una pieza clave en la vida de Tita, tuvo un solo sublime en el primer acto, el cual mostró, a flor de piel, a esta estupenda bailarina cuya técnica y delicadeza le permiten transitar por todos los géneros y personajes. La ovación del final dio muestra del impacto de su actuación.

Mamá Elena, interpretada por Christine Shevchenko en “Como agua para chocolate”. Foto: Marty Sohl. gentileza ABT.

Chloe Misseldine, como Rosaura, encontró la frialdad justa para caracterizar a esta mujer cargada de represiones, sumisa y resentida. Casi secundario, pero igualmente importante, el rol de Thomas Forster como el Dr. John Brown que, en esta trama intrincada y compleja, adquiere mayor presencia en el desenlace. Wheeldon, con intuición narrativa, logró transitar con acierto esta novela compleja donde lo sobrenatural y lo terrenal se encuentran de manera constante. Sin embargo, cuando se trató de los protagonistas, sus pas de deux no alcanzaron a transmitir la verdadera esencia de la danza, ni esa pasión contenida de los amantes secretos, y se perdieron en poses, a veces, vacías.

Mientras, el cuerpo de baile solo acompaña algunas secuencias grupales como la boda de Rosaura y Pedro, la llegada de los revolucionarios y escenas callejeras. Cada elemento incorporado en esta puesta donde se mezclan imágenes audiovisuales y efectos lumínicos, tiene un simbolismo especial. Tal como ocurre en las escenas en las que las marionetas -mujeres que tejen- adquieren diferentes alturas, se acercan y se alejan de los personajes. O quizás, cuando las mujeres de blanco con las caras pintadas como calaveras en el Día de los muertos, se dan vuelta y sus vestidos son negros.

“Como agua para chocolate” propone un expedición al mundo de las emociones y las contradicciones humanas. Su puesta en escena es impactante y contundente para narrar esta inolvidable historia de amor y sufrimiento, cuya magia reside en la verdad oculta y en esa explosión de los sentidos y el deseo.

Celebrando los 25

Herman Cornejo en el saludo final de la función del 19 de julio. Foto: Emma Zordan. gentileza ABT.

El 19 de julio fue el día elegido para celebrar los 25 años con el ABT de Herman Cornejo. Antes de empezar la función, un cortometraje sobre el bailarín, testimonios de sus colegas y sus propias reflexiones marcaron el comienzo de una noche memorable.

El bailarín argentino, que se incorporó al ABT en 1998, se llevó el primer premio en el Octavo Concurso Internacional de Moscú cuando tenía 16 años, y fue el ganador más joven en la historia del concurso. Un año después se incorporó al ABT Studio Company como aprendiz, y en 1999 fue elegido para el papel del Ídolo de Bronce en la producción de “La Bayadera” de Natalia Makarova en Japón. Poco después, en 2000, fue ascendido a solista y en 2003 se convirtió en primer bailarín de la compañía. Después llegaron más reconocimientos: premio Bessie en 2013 y el Prix Benois de la Danse en 2014, entre otros.

Al terminar la función, una ovación de aplausos y de estupor resonó en la sala del Met. Los espectadores de cada uno de los rincones del teatro de pie celebraron a este magnifico bailarín. Sus compañeros, cargados de emoción también ovacionaban a Cornejo. Sin embargo, el bailarín, con una generosidad conmovedora, dejó sola a Skylar Brandt para que el público reconociera su magnífico trabajo. Pero quizás lo más emocionante de esa noche fue su abrazo y su reconocimiento a Luciana Paris, su amiga, su compañera de escenarios, su compañera en el ABT. Cornejo también la dejó sola, fue hacia atrás, mientras disfrutaba esa ovación que recibía la bailarina argentina.

Lágrimas, abrazos, flores, y por sobre todo, una enorme emoción ante un público que se resistía a abandonar el teatro y sacaba fotos en un intento de plasmar un momento irrepetible.

Herman Cornejo, en movimiento, mediante el Sistema Sebring Revolution en una imagen capturada en 360 grados. Foto gentileza Steven Sebring.

Cuando en 1912 Vaslav Nijinsky, la estrella de Los Ballet Russes de Sergei Diaghilev, conmocionó al público de París con el estreno de “Siesta de un fauno” y “Consagración de la primavera”, hubo un antes y un después. La danza ya no fue la misma, y los conceptos estéticos tradicionales empezaron a reconstruirse desde otra perspectiva.

Hoy, Herman Cornejo, a caballo entre los dos siglos, plantea, al igual que Nijinsky, una nueva y renovadora manera de ver y vivir la danza. En este período de confinamiento obligado por una pandemia que se adueñó del mundo, el primer bailarín del American Ballet Theatre (ABT) se animó a poner en marcha un proyecto que venía diseñando desde hacía tiempo: Dancelive.

La primera presentación filmada en diciembre 2020 se transmitió en las redes el 30 de enero de este año, con Skylar Brandt, bailarina principal del ABT, y Cornejo como protagonistas. Una propuesta que rompe con las estructuras preestablecidas y se afianza en una perspectiva de futuro donde la danza adquiere perfiles diferentes sin desentenderse de su esencia.

Esta idea, que empezó con apuntes en borrador, logró plasmarse con la colaboración de Sebring Revolution, la empresa estadounidense de medios multidimensionales que crea contenido visual-artístico interactivo a través de plataformas holográficas. Las imágenes se proyectan en Sebring House Platform, una plataforma multimedia navegable creada por el reconocido fotógrafo, cineasta y productor Steven Sebring,

Dancelive transita entre la realidad virtual y la concreta, entre la escena y el detrás de la escena, y explora el mundo tridimensional a través de una lente que captura el movimiento en 360 grados. De esta forma, bailarines y público se instalan en un proceso de inmersión en el que la danza en vivo se presenta con mayor intimidad y cercanía.

El espectáculo virtual está diseñado con la arquitectura de un motor de juegos, y tiene la particularidad de ser accesible en todos los dispositivos, desde móviles a computadoras de escritorio y cine en casa. La presentación proporciona una óptica envolvente en la cual el espectador se siente integrado a la experiencia creativa desde la concepción hasta el ensayo y la actuación.

Herman Cornejo en un ensayo con Joshua Beamish en modo virtual. Foto gentileza Steven Sebring.

Danzahoy: ¿Cómo se fue gestando esta idea de fundir lo real y lo virtual? 

Herman Cornejo: Empecé a escribir este proyecto hace dos años. Sin embargo, como la danza fuera de escena no tiene mucha conexión con el público, seguí trabajando en eso para encontrar la forma de canalizarlo mejor. Durante la pandemia, y a raíz del rol que ha tenido la tecnología en este período, esta idea empezó a hacerse más real. Incorporar esta plataforma hizo que el proyecto tuviera una interacción tridimensional. La intención es que, lo que se ve en los videos se convierta en realidad virtual, lo cual permitirá que los espectadores intervengan en el show virtualmente.

D: ¿Qué es lo que agrega esta tecnología al concepto del espectáculo tradicional?

HC: Que el espectador puede ver el proceso de la creación, porque eso es algo que siempre se lo perdió. Creo que es importante mostrar que cuando un bailarín profesional llega al escenario es porque hubo mucho trabajo previo. La intención es también educativa. Es decir, hay un aspecto pedagógico que consiste en desarrollar la secuencia de un paso de baile desde un plano tridimensional. De esta manera el bailarín puede ver el movimiento del cuerpo desde distintos ángulos. La idea es que esa creación en vivo sin cortes se lleve al teatro y se filme. Y a partir de ahí aparece un tercer eslabón, que es el plano tridimensional.

D: Parecería que éste es un momento clave para lanzar un proyecto como éste.

HC: En 2020 hemos tenido emociones variadas, y este proyecto fue uno de los “up”. Sin esta pandemia no lo hubiera hecho. Esta desgracia, durante la que se paró el mundo y murió mucha gente, me dio el tiempo, tan preciado, para crear otra cosa. Lo interesante es que, si bien es virtual, todas estas coreografías también se pueden hacer después en el teatro. Por otra parte, la danza siempre evoluciona y la tecnología es el presente y el futuro.

D: ¿De qué manera funcionará esta compañía?

HC: Dancelive se creó con este proyecto virtual, y si bien no va a ser una compañía permanente, se organizará en función de cada proyecto. Vamos a seleccionar bailarines de distintas compañías internacionales para cada propuesta, y trabajaremos durante un mes hasta filmar todo el proceso. Luego, buscaremos otros bailarines para encarar un nuevo proyecto. El objetivo es hacer un promedio de seis durante todo el año. En este equipo cada uno tiene su función y como siempre, el patrocinio es muy difícil de encontrar, especialmente para proyectos nuevos. Y habrá que abrir otras puertas.

Un nuevo rumbo

Apenas tenía 8 años cuando quedó deslumbrado por la danza. Era la primera vez que veía al bailarín Maximiliano Guerra. La obra: “Espartaco”, uno de los grandes clásicos del siglo XX. A los 14 años, integró Ballet Argentino dirigido por Julio Bocca, y dos años más tarde, ganó la medalla de oro en la VIII Competencia Internacional de Danza de Moscú. Fue el bailarín más joven en la historia del concurso. Y si bien no cumplía con la edad mínima requerida, fue el mismo Bocca quien pidió una excepción para que lo aceptaran. Hoy, con más de 20 años en el ABT es el único hispano con la categoría de primer bailarín en la compañía.

Llegó al ABT con su hermana Erica -ex bailarina del ABT y del Boston Ballet-, y los dos experimentaron el famoso “sueño americano”. “Mi madre se quedó los primeros tres meses con nosotros para confirmar que estuviéramos bien ubicados, y seguros de que era eso lo que queríamos –recordó–. A pesar de ser muy joven cuando llegué, siempre fui muy responsable, aún hoy tomo clases como si fuera un principiante. Y no me dejé tentar por lo que ofrece una ciudad como Nueva York. Soy muy casero, y no me gusta ir de fiesta”.

Con voz firme y calidez mesurada, Cornejo invita a imaginar otras dimensiones estéticas y emocionales. Salta entre el presente y el futuro con la magnificencia y la magia que lo hace en escena. Desde su apartamento en Nueva York, con una niña de pocos meses, el bailarín argentino que nació en la provincia de San Luis abre nuevas puertas a la danza.

D: ¿Este proyecto implica tu separación del ABT?

HC: ABT es mi casa, estoy desde los 17 años, y pienso ser su director en el futuro. Conozco todo: burocracia, repertorio, y sé lo que puede ser ABT conmigo como director. Pero antes de eso, el primer paso es mostrar lo que puedo hacer. Por otra parte, si ABT se caracteriza por algo, es justamente por la variedad de nacionalidades que integran la compañía.

D: ¿De qué manera afectó la pandemia al ABT?

HC: Fue devastador económica, física y emocionalmente para todos porque al ser una compañía privada, dejó de pagar y, a pesar de la ayuda financiera que recibimos los bailarines, todavía estamos en el paro. Si bien hemos tomado clases virtuales, nos va a llevar un tiempo volver al nivel que todos teníamos antes de la pandemia. No creo que podamos hacer las coreografías a las que estábamos acostumbrados, como los ballets completos, por ejemplo. La clase que uno hace en la casa es más para la salud mental que para el físico, porque es imposible sin los elementos necesarios para nuestro trabajo como lo son el piso o la barra.

D: ¿Cuál fue tu reacción durante este año que pasó?

HC: Para mí, bailar no es moverme, es interpretar algo, contar una historia. En julio 2020 cerré mi estudio -una habitación que diseñé como gimnasio- porque me sentía atrapado sin tener nada que hacer. Cuando lo cerré empecé a mejorar emocionalmente. De igual manera, todos los bailarines pasamos por ese momento, y nos preguntamos qué hacer. A mí me sirvió escuchar a mi cuerpo porque era una lucha conmigo mismo.

D: ¿En algún momento te planteaste dejar de bailar?

HC: Voy a cumplir 40 años, y si bien en el momento en que empezó la pandemia me sentía bien, en forma y planeaba que podía bailar hasta los 45, tener que parar me hizo pensar si realmente podría recuperarme para volver al escenario. Y especulé con mi retiro. Pero poner este proyecto en pie me dio las energías para seguir. Y aquí estoy.

Skylar Brandt y Herman Cornejo a través de multiples camaras en el primer proyecto de Dancelive. Foto gentileza Steven Sebring.

Dancelive Series

Acto I-Acceso ilimitado: El espectáculo detrás del espectáculo

Experiencia interactiva de transmisión en vivo que muestra el proceso creativo de los artistas entre bastidores. Entrenamientos, ensayos, trabajo cotidiano. Entrevistas a los bailarines y equipos creativos.

Acto II-In Motion (En movimiento): Dance on Film

Todos los componentes del proceso de DANCELIVE, además de transmitirse en vivo, se integrarán en una biblioteca de películas, disponible para su visualización bajo demanda, dirigida por el cineasta Steven Sebring (Patti Smith: Dream of Life), lo cual permitirá que el público haga una exploración cinematográfica múltiple de la expresión artística de los bailarines.

Acto III-El Foco: Actuaciones en vivo

Las presentaciones de Dancelive se presentarán en el Revolution Theatre, la casa histórica del Clinton Star Theatre en el centro de Manhattan, durante reuniones íntimas VIP (con distancia social), disponibles en casa a través de su transmisión en vivo.

https://sebringrevolution.com/dancelive

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En el bosque de las Willis, el cuerpo de baile del ABT y Devon Teuscher (ctro.) en el rol de Mirtha en el Kennedy Center. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

“Giselle” es una de las obras clave de la historia del ballet, emblemática, y un desafío técnico y de interpretación. Cada bailarín pone su impronta personal, y quizás en ese punto se pueda distinguir esa sutil barrera que separa a los grandes bailarines de los verdaderos artistas.

A su vez, la pieza presenta una trama intrincada, con connotaciones psicológicas que ponen en juego los valores morales, la pasión y la entrega, deviene en un debate emocional entre el perdón, la justicia y el amor en todas sus aristas.

La versión que subió a escena el American Ballet Theatre (ABT) en su breve temporada -del 11 al 16 de febrero- en el Kennedy Center de Washington DC, con puesta en escena del director de la compañía, Kevin McKenzie, permite un desarrollo especial de sus personajes tanto principales como secundarios. Pero básicamente, abre una puerta para que los intérpretes se internen en lo más profundo de esos seres que, como Albrecht y Giselle crecen a través de la historia.

La noche del estreno de “Giselle” por el American Ballet Theatre tuvo como protagonista a la bailarina principal Hee Seo como Giselle. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Estrenada en 1841 en la Ópera de París, “Giselle” es un ballet en dos actos con música de Adolphe Adam, coreografía de Jules Perrot y Jean Coralli, y libreto de Théophile Gautier y Jules-Henri Vernoy. Basado en la obra “De l’Allemagne” (1835) de Heinrich Heine, la obra introduce a las Willis, esos personajes sobrenaturales que representan el espíritu de las doncellas que fueron traicionadas antes de su boda y murieron inmersas en la locura y la desolación.

El ABT presentó por primera vez este ballet en 1940 en el Center Theatre de Nueva York. Una segunda producción en 1946 en el Brodway Theatre, puso a Alicia Alonso en la cima de la danza de Nueva York. Finalmente, la compañía tuvo su sexta producción en 1987, estrenada en Los Ángeles con Marianna Tcherkassky como Giselle y McKenzie como Albretch.

La historia se centra en tres personajes fundamentales: Giselle la campesina enamorada de Albretch, un noble que pretende ser campesino para conquistar su amor; Hilarion, el joven aldeano que, despechado por el rechazo de Giselle, descubre el engaño de Albretch y provoca que la joven enloquezca y muera.

La noche del estreno tuvo en los protagónicos a Hee Seo como Giselle y Cory Stearns, como Albretch. Ambos impecables en la técnica y en la precisión. Hilarion, encarado en la noche del estreno en Washington por Roman Zhurbin se mostró como un bailarín sólido y expresivo. Al igual que Andrii Ishchuck, que cubrió el mismo rol en la noche del 13 de febrero en la que los protagonistas fueron Herman Cornejo y la solista Skylar Brandt. Ambos en una interpretación conmovedora e intensa.

En el primer acto, Seo y Stearns, hacen una pareja agradable, con un impecable despliegue técnico, y en el segundo, el acto blanco, cuando Albrecht, arrepentido, llega hasta la tumba de Giselle y juega con el espíritu de la doncella muerta, ambos muestran una gran solvencia. No obstante, la intensidad de la comunicación entre ambos bailarines estuvo ausente.

Una composición diferente, con otra óptica, fue la encarada por Cornejo para su Albrecht. Mientras Stearns parece acercarse a Giselle solo como una diversión y con sus gestos asegura a Mathilde, su prometida, que fue solo una locura, Cornejo no puede ocultar su enamoramiento hacia Giselle.

Luciana Paris mostró su calidad como bailarina en el Pas de Paisan del primer acto en la primera noche, y como Moyna el 13 de febrero. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

El cuerpo de baile de la compañía, atractivo y dinámico en el primer acto, fue sublime y bello en el acto blanco, donde las Willis, en arabesque, se desplazan, en ese bosque hechizado en el que los hombres que osan entrar en él mueren atrapados por las Willis vengativas. Devon Teuscher y Christine Shevchenko (el 11 y el 13 respectivamente), como Mirtha, hicieron un excelente trabajo, al igual que Katherine Williams y Luciana Paris (Moyna) y Stephanie Williams y Cassandra Trenary (Zulma). Paris también volvió a mostrar su calidad como bailarina y su habitual vitalidad en el primer acto (el 11 de febrero) cuando junto a Gabe Stoine Shayer interpretó el Pas de Paisan.

Brandt, quien reemplazó a Misty Coopeland debido a una lesión, conformó una dupla entrañable con Cornejo en el primer acto el 13 de febrero. Frescos, jóvenes, enamorados, ambos bailan juntos con enorme soltura. Partenaire impecable, Cornejo puso especial cuidado en la joven bailarina con potencial para estos roles. Brandt se sumergió en el acto de la locura, clave en este primer acto, con intensidad y fuerza expresiva.

Cornejo, en una interpretación memorable, deja fluir la danza con precisión, cuidado, perfección y gozo. En el acto blanco, Brandt y Cornejo transitaron con sutileza impecable el pas de deux y cada una de las escenas en el reino de las Willis.

Ver a Cornejo en escena confirma, una vez más, que los verdaderos artistas, los que dejan huella, los que son capaces de despertar las emociones más profundas de iniciados y neófitos, son pocos. Y Cornejo es uno de ellos.

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La gala de apertura del ABT llevará a escena la reposición de un clásico de Twyla Tharp, “The Brahms-Haydn Variations”. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Con la circular que el American Ballet Theatre (ABT) acaba de enviar  a la prensa sobre la temporada otoñal que ofrecerá en el Koch Theatre del Lincoln Center de Nueva York, se descorre la cortina de un nuevo ciclo. Desde el 21 de octubre hasta el 1 de noviembre, la compañía arremeterá con una troupe renovada. Aunque posiblemente se noten las ausencias de las tres principales que se retiraron en el verano, Julie Kent, Xiomara Reyes y Paloma Herrera.

La presencia de obras de afamados coreógrafos actuales y de algunos que ya forman parte de la historia de la danza y que han dejado su valioso  legado, forman parte de una programación compuesta por una diversidad de estilos. Muchas de las piezas que llegan al Koch son de “colección”, y tienen un valor incalculable

A esto se suman las promociones anunciadas al finalizar la temporada de verano, que abren un nuevo abanico de solistas y bailarines principales. Aunque el director de la compañía, Kevin McKenzie, también optó por conservar a algunas de las estrellas. Ese es el caso de Marcelo Gomes, partenaire como pocos, que ahora también está fijando su interés en la coreografía.

“Aftereffects”, con música de Peter I. Tchaikovsky, es una de las creaciones de Gomes incluida en la programación. Tampoco faltará en esta temporada otra de las estrellas del ABT, el argentino Herman Cornejo, que también está incursionando en la coreografía.

La argentina Luciana Paris, solista del ABT, en “Company B” de Paul Taylor. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

La gala de apertura llevará a escena la reposición de un clásico de Twyla Tharp, “The Brahms-Haydn Variations”, que tendrá como protagonista a Sarah Lane, Daniil Simkin, Gillian Murphy y Cornejo. Y también marca el debut en esta obra de Isabella Boylston, Alban Lendorf, Maria Kochetkova, James Whiteside, Christine Shevchenko y Joseph Gorak. Misty Copeland, Sterling Baca, Luciana Paris, Arron Scott, Stephanie Williams, Blaine Hoven, April Giangeruso, Calvin Royal III, Skylar Brandt y Craig Salstein interpretarán por primera vez la pieza de Tharp el 24 de octubre.

En la primera noche también suben a escena, de Frederick Ashton, “Monotones I and II”, con música de Erik Satie, y un estreno de Mark Morris, con música de Johann Nepomuk Hummel.

George Balanchine, con su “Valse Fantasie”, estará representado en esta temporada. A la lista de trabajos sobresalientes que componen la corta programación, un infaltable: “Espectro de la Rosa”, de Michel Fokine, con música de Carl Maria von Weber.

No obstante, hay más clásicos, y Alexei Ratmansky aparece entre estos con “Piano Concerto #1”, una coreografía sobre  el  Concierto de Piano No. 1 de Dmtri Shostakovitch.  Y entre los contemporáneos, se destaca  por derecho propio, Paul Taylor, con la simpática y entretenida obra “Company B”, que lleva el acompañamiento del trio de las Hermanas Andrews, quienes fueron famosas durante los años de la segunda guerra mundial.
Una pieza antibélica por excelencia, “La mesa verde”, del incuestionable director y coreógrafo alemán, Kurt Jooss, vuelve a la escena. Ganadora de grandes aplausos y buenas críticas, en el momento en que fue estrenada, 1932, su argumento hizo clara referencia a la complicada situación de la desigualdad entre los países de Europa, que no lograban ponerse de acuerdo, mientras los Nazis comenzaban a cobrar cierto protagonismo.

En 1933, la obra se presentó por primera vez en Nueva York. En 1940, Jooss llevó “La mesa verde” a La Habana, bajo contrato con Pro-Arte Musical; luego, volvió a los Estados Unidos en 1967 a través del Joffrey Ballet. Y en la temporada 2005, pasó a integrar el repertorio del ABT. En el rol principal, La Muerte, que en su estreno mundial fue interpretado por el mismo Jooss, en el teatro Koch aparecerá Gomes.

Las entradas ya están a la venta y muchos de los balletómanos ocuparon los primeros puestos en la fila frente a la taquilla.

Informes
www.abt.org.
212-496-0600

El ABT anunció cambios y ascensos en sus filas, y promociones de Solistas y Principales. Foto: Rosalie O’Connor. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Al finalizar la temporada primavera-verano de 2015, Kevin McKenzie, director artístico del American Ballet Theater (ABT) anunció varias promociones que sucederán a partir de septiembre de este mismo año.

Después de 25 años con el ABT, Julie Kent se despidió de la compañía el 20 de junio en el Met. Foto: Marty Sohl. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

Dos privilegiadas subieron un escalón para convertirse en Principales, e igualmente, hubo varios nuevos Solistas. Las Principales son Stella Abrera, y Misty Copeland. Otros dos nombres se incorporan a la compañía como principales, Maria Kochetkova, que acaba de dejar el San Francisco Ballet, y Alban Lendorf, hasta ahora, Principal del Royal Danish Ballet.

Y entre los Solistas,  además de Skylar Brandt, Thomas Forster, Arron Scott y Cassandra Trenary, el nombre de Luciana Paris brilla por lo que siempre muestra en el escenario, que la hace  merecedora de la promoción, y que a esta altura de su carrera, ya deberían haberla ascendido a principal hace varios años. No por antigüedad sino por méritos propios y por tesón de trabajo.

Luciana Paris, ascendida a Solista del ABT, brilla por lo que siempre muestra en el escenario. Foto: Lucas Chilczuk. Gentileza Luciana Paris.

Copeland ha sabido aprovechar muy bien su futuro estrellato apareciendo constantemente en la televisión, en medios gráficos y en la radio. Una campaña publicitaria que comenzó el año pasado, casi al final de la temporada del ABT en el Metropolitan Opera House, con el lanzamiento de su autobiografía, “Life in Motion” (Ver Danzahoy ) y su aparición en varios medios de prensa. Momento que sirvió también para que Copeland reciba varios premios y distinciones por su trayectoria y su esfuerzo por vencer la adversidad de una vida azarosa.

Se ve muy bien que tiene una-un agente que sabe qué puerta tocar, pues no solamente estuvo en  las  noticias de última hora anunciando su ascenso, sino también en programas como “The View” dirigido por Whoopie Goldberg. Allí le echó mano a la muy usada y peligrosa carta racial, que no necesita comentario ni entra en discusión.

A los 36 años, Misty Copeland, asumirá roles de Principal en el ABT a partir de la temporada 2015-2016. Foto: Marty Sohl. Gentileza ABT.

Copeland ha llegado a la categoría de Principal a los 36 años, una edad en la que ya muchas bailarinas empiezan a pensar en el retiro. Y poco es el tiempo que le queda para ser considerada “estrella”. Algo diferente a lo que ella ha conseguido.

Por lo contrario, Abrera no ha buscado publicidad sino que parece se ha quedado tranquila,  esperando poder gozar de su nueva posición cuando comience la corta temporada del próximo otoño. Si bien es cierto que hace largo tiempo que la bailarina viene esperando este ascenso.

Por ese tema viene a la mente una bailarina Rusa, Veronica Part, de alta estatura y bastante peso que sorprendió a todos los que les interesa el ballet cuando la hicieron Principal. Muy pocos bailarines del elenco podían cargarla, pero hay que recordar un dicho que explica lo siguiente: “Suerte te de  Dios porque  el saber nada te vale”. Part tuvo un magnífico padrino en Sergei Ratmansky, coreógrafo y artista en residencia del ABT, y ruso como ella.

Las que se fueron

Este final de temporada marcó también el retiro de tres bailarinas Principales que hicieron época en la compañía y colaboraron para darle el brillo y el prestigio internacional que hasta hoy tiene. Dos de ellas fueron “casi” obligadas a colgar las zapatillas: la cubana Xiomara Reyes y Julie Kent. Paloma Herrera ya había anunciado su retiro al cumplir sus 20 años con el ABT. Y si bien no le dejaron escoger la obra para su despedida, la bailarina optó por una función de “Giselle”, en la matiné.

Paloma Herrera anunció su retiro en 2014 y se despidió del Met y del ABT el 27 de mayo de 2015. Foto: Gene Schiavonne. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

“Yo no soy un ballet, yo no soy una función. Yo soy toda una carrera -manifestó en una entrevista-. Por eso dije: ¿no hay otra opción? Pues tengo que cerrar con ‘Giselle’”. Es una ética, es una forma de vida”. Y también remarcó durante varias entrevistas: “Si yo no doy el ejemplo, ¿quién lo va a dar? Uno hace una carrera así por lo verdadero que uno quiere, no por el glamur, por la fiesta, por estar en los medios o por querer ser famoso. Yo amo lo que hago y es lo único que me importó siempre. Así me voy a ir”.

La bailarina argentina fue la primera latina en llegar a ser principal a los 19 años. Y en aquel momento, no hubo un campaña publicitaria, ni agente de prensa que la llevara a todos los canales de televisión, ya que por entonces los latinos eran minoría y también tenían un espacio relegado.

Herrera formó parte de la generación de José Manuel Carreño y Ángel Corella, a los que se sumaron luego Xiomara Reyes, Marcelo Gomes, Herman Cornejo, Carmen Corella, Erica Cornejo, la uruguaya María Riccetto y Luciana Paris. Todos ellos compartieron escena con otros grandes como Ethan Stiefel, Vladimir Malahkov, Nina Ananiashvili, Alessandra Ferri. Y el ABT era “la Meca” de muchos bailarines del mundo.

Una de las favoritas del público, Xiomara Reyes, dejó el ABT, el 27 de mayo. Junto a Herman Cornejo en “Don Quijote”. Foto: MIRA. Archivo Danzahoy. Gentileza ABT.

El mismo día de la despedida de Herrera, y con el mismo ballet, “Giselle”, Reyes dejó el ABT por la noche. Con dolor y resignación.

Una mano muy fuerte dio el empujón final también a Kent, que aunque tenía la edad como para retirarse, y ya estaba pensando en cuándo sería el momento, aun lo que bailaba lo hacía con extrema gracia y seguridad. Respecto a Reyes, aun le faltaban unos años para decir adiós a un público que la adoraba.

Pero citando otro dicho: “así son las cosas y basta”. Ya el tiempo lo dirá qué pasará con este barco al que la directora ejecutiva, y capitana, Rachel Moore, acaba de abandonar para convertirse en la CEO del The Music Center de Los Ángeles, California. Un cambio que podría resultar oportuno para ella, y de dudoso beneficio para el ABT que ahora tendrá que navegar con menos tripulantes y muy pocos avezados.