VSS Compañía de Danza A.C. regresa a escena con la reposición de “Nahual”, obra significativa en la danza mexicana actual. Foto: Valeria Silvia Garza.

En medio de una mágica iluminación, surgen personajes misteriosos que, a través de sus movimientos, su inquietante danza sobre el escenario, buscan exaltar la grandeza del pasado y presente de un México enriquecido por su historia, su cultura y sus tradiciones.

Tal es la esencia del montaje “Nahual”, que ha regresado a la cartelera nacional para cautivar a nuevos espectadores y también para ofrecer una experiencia más íntima a quienes tuvieron la oportunidad de verlo antes. Se trata de una propuesta del reconocido bailarín, coreógrafo y maestro Vicente Silva Sanjinés, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

El Teatro Varsovia es el escenario que alberga este montaje desde el 14 junio, donde permanecerá hasta el 25 de esta mes, bajo la interpretación de VSS Compañía de Danza A.C., una de las agrupaciones emblemáticas de la danza nacional contemporánea en nuestro país, con más de tres décadas de trayectoria.

“Nahual” surgió a raíz de las visitas y recorridos que el maestro Silva Sanjinés realizó por diferentes entidades de nuestro país, admirando sus ruinas, sus códices y toda clase de manifestaciones artísticas, culturales e históricas; de estas experiencias nació su deseo por que mejore la situación de esta tierra.

Nuevo recinto, nueva experiencia escénica

El destacado coreógrafo, ganador en dos ocasiones del Premio Nacional de Danza, comparte el entusiasmo personal y el de su compañía de regresar con esta coreografía que ha sido tan significativa no sólo dentro del repertorio del grupo, sino de la historia actual de la danza mexicana.

Explicó que llegan al Teatro Varsovia con un montaje más depurado, con mayor conciencia del espacio y una experiencia más íntima: “En este recinto el impacto de la obra se magnifica. Se pueden ver mejor las expresiones de los intérpretes. Sin lugar a duda la cercanía con el público nos motiva más, logrando una conexión única. Me atrevo a decir que es la mejor puesta de ‘Nahual’”.

Más sobre “Nahual”

Es el maestro Silva Sanjinés quien busca adentrar al espectador en un universo mítico a través de la siguiente explicación: “Fuimos chamanes, casi dioses. Nuestro rugir se escucha aún perdido en la inmensidad de la noche oscura de este mundo que nos es ajeno, sin conmiseración. Somos mariposas nocturnas que vuelan torpes y chocan con estrellas que al poco se caen de tristeza. Lloran ellas, lloramos nosotros. No encontramos nuestros nahuales. Se han perdido ¿o ya no nos quieren? ¿Se avergüenzan de nosotros? Perdimos la ruta del delfín, somos como ballenas encalladas, acto suicida con el ojo abierto, contemplando el fin del mundo. Transfiguraciones sin esperanza. Un vuelo que nunca levantó, una carrera que nos alcanza. Somnolientos nuestros avances. Dopados de falsos paraísos que a menudo promueven banales alegrías y terminan desmembrando nuestras alas de búho, tecolote, murciélagos y de aves sin paraíso. Regresar el tiempo para enmendar, para aprender y recobrar el camino. Cada uno como deidad, entidad divina. Naturaleza acabada. Si pudiese dar giros y convertirme en recuerdo, haría mil o más hasta lograr encontrar mi animal, mi nahual. Nuestra guía”.

Sobre la idea de nombrar “Nahual” a su pieza y la connotación que busca darle, el coreógrafo explica que hay muchas teorías y creencias en torno a los nahuales, los buenos y los malos, pero él prefiere pensar en un nahual como el espíritu de cada persona, esa cosa invisible que te motiva a luchar, a pelear por lo que crees que es justo. Al respecto comenta: “En el montaje hay cantos y textos que lamentan nuestra suerte, movimiento de lucha, de fuerza, que no se conforma con el destino. Gente que cree que puede cambiar las cosas, que pelean, que son capaces de dar su vida por un ideal. Es mi manera de pensar, y si tuviese que dar la vida por un mundo mejor, lo haría, siempre y cuando se me permita luchar”.

Funciones

“Nahual”
Del 14 al 25 de junio
Miércoles, jueves y viernes, 20:00 horas
Sábados, 19:00 horas
Domingos, 18:00 horas
Sede: Teatro Varsovia (Calle Varsovia 9, colonia Juárez, alcaldía Cuauhtémoc. A unas cuadras del Ángel de la Independencia)

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“Cielos”, de María Brezzo, un solo interpretado por la bailarina Flor Bucio que marca una nueva etapa en la trayectoria de la coreógrafa. Foto: Gloria Minauro.

Su misma experiencia como migrante ya había sensibilizado a la maestra María Brezzo en torno a este fenómeno social. Tras varios años de vivirlo en carne propia (es originaria de Uruguay) la artista consideró que ya era tiempo de plasmar en el lenguaje escénico sus inquietudes en torno a la situación de las mujeres migrantes en México.

“Cielos” es el título de la obra donde su compañía Camerino 4 aborda el tema de la migración femenina. Se estrenará mundialmente en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque, donde ofrecerá cuatro funciones: jueves 30 y viernes 31 de marzo, 20:00 horas; así como el sábado 1 de abril, 19:00 horas y domingo 2 de abril, 18:00 horas.

Nueva etapa creativa

Brezzo, quien salió de Montevideo décadas atrás, llegó a México y contribuyó en el movimiento escénico con propuestas innovadoras que combinan la danza con otras disciplinas artísticas, comentó que el estreno de su pieza “Cielos” marca el inicio de una etapa de migración personal y profesional. Y es que, para obtener la beca del Sistema Nacional de Creadores de Arte, propuso un proyecto que consistirá en la creación de un tríptico coreográfico sobre la migración, siendo “Cielos” la primera obra.

Sobre este proceso de cambio explica: “Parte de mi proyecto de migración es justamente hacer varias migraciones performativas y autobiográficas. De hecho, mi primera migración fue dejar atrás mi nombre, Magdalena, y usar el segundo que es María. Durante tres años seré María Brezzo”.

Quien es fundadora, directora y coreógrafa de la compañía Camerino 4 se muestra agradecida de contar con el estímulo del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales (SACPC) de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México, ya que sólo de esta manera podrá investigar a fondo los temas que le preocupan, como el de la migración.

La obra

“Cielos” es un solo dancístico interpretado por la bailarina Flor Bucio a través del cual Brezzo busca hacer un homenaje a las mujeres que migran y a su acto de resistencia. Partió de la experiencia personal de la coreógrafa y de una investigación alrededor de este fenómeno en México. La coreógrafa explicó los aspectos que detonaron esta creación:

“Pensar una comunidad y pensar en comunidad, pensar al cuerpo como espacio lingüístico, pensar lo escénico y pensar el movimiento desde una mirada migratoria. Es una reflexión e investigación que me acerca a la filosofía política y al feminismo, ya que le da un marco teórico a la investigación de mi trabajo”, dijo la ganadora de cuatro ediciones del Premio Nacional de Danza INBAL-UAM.

Si bien la propuesta tiene una sola intérprete, está cobijada por el talento de varios artistas que colaboraron desde distintas disciplinas, por lo que “Cielos” es un trabajo transdisciplinario. Acerca de esta fusión de talentos Brezzo comentó: “En la actualidad me resulta fundamental buscar nuevas herramientas para la composición coreográfica, así como investigar en otras estéticas del pensamiento”.

El título, una metáfora

Sobre la idea de nombrar “Cielos” a su reciente trabajo coreográfico, quien egresó de la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, explicó que habla de lo que sucede en las migraciones que se dan por tierra comparándolas con las constelaciones del cielo: “Se intenta hacer un paralelismo y una metáfora entre lo que pasa en el país a nivel geográfico y político para colocarlo en el cielo, en sus constelaciones. La vía láctea planteada como una cartografía feminista que visibiliza las migraciones de mujeres en México”.

El mensaje

Brezzo señaló que “Cielos” es una obra que pretende influir para transitar hacia otro tipo de representaciones escénicas: más sutiles y empáticas con la realidad de muchas mujeres migrantes y familiares. También propone nuevas narrativas coreográficas que cuestionen el relato de la realidad que viven las mujeres en México:

“Se trata de un espacio escénico para una comunidad de mujeres migrantes en estado de ilegalidad. Es una pieza que propone una mirada luminosa frente al tema de la migración de mujeres en México”.

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El Cuerpo Mutable / Teatro de movimiento, dirigida por Lidya Romero, interpretará en el Munal “Vidrio obscurecido” una de sus más recientes creaciones. Foto gentileza INBAL.

La Secretaría de Cultura y el INBAL, a través de la Coordinación Nacional de Danza en colaboración con el Museo Nacional de Arte (Munal), han programado la presentación de la Compañía El Cuerpo Mutable / Teatro de movimiento, la cual interpretará una de sus más recientes creaciones coreográficas: “Vidrio obscurecido”, la cual cobrará vida en diferentes rincones de este inmueble, desde sus escalinatas y pasillos, hasta sus salas de exhibición.

La agrupación, fundada y dirigida hace casi cuatro décadas por la maestra Lidya Romero -miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte-, se presentará en este recinto de la calle de Tacuba del Centro Histórico de la Ciudad de México del 23 de octubre al 28 de noviembre (sábados y domingos, 13:00 h).

Sobre el simbolismo de regresar con funciones presenciales, quien es ganadora de la Medalla de Bellas Artes y Premio Nacional de Danza José Limón, comentó: “Estamos emocionados de hacer comunidad entre la obra y los espectadores. Recordemos que la danza se genera y se presenta en comunidad. Es importante la presencia del público y este tipo de espacios públicos permiten un contacto más cercano con el espectador, así como un diálogo único entre la obra y el inmueble, muy diferente al que ocurre en un espacio tradicional”.

Acerca de “Vidrio obscurecido” la destacada coreógrafa e intérprete explicó que es una propuesta que surgió de un proyecto artístico y social que llevó a cabo en salas de esperas de hospitales y que llevaba por título “Reconfortarte”. Antes del inicio de la pandemia, la creadora y los integrantes de su grupo impartieron talleres en estos espacios de los nosocomios, dando como origen una obra que parte de la evocación, la nostalgia y la memoria. Cabe recordar que esta propuesta forma parte del proyecto “Mutantia: irrupciones y disrupciones”, beneficiario del Programa MEGA, México en Escena Grupos Artísticos del Sistema de Apoyos a la Creación y Proyectos Culturales, del Programa de estímulos a la creación artística de la Secretaría de Cultura.

“Vidrio obscurecido” surgió de un proyecto artístico y social realizado en las salas de esperas de los hospitales. Foto gentileza INBAL.

Para las funciones en el Munal, la maestra Romero explicó que se hizo una versión trabajada a partir de la original y redimensionada como intervención al espacio de este inmueble: “Nos da mucha ilusión presentar una versión especial para este museo porque la hicimos pensando en sus espacios y en el tránsito del público. Es un montaje itinerante porque vamos a ocupar diferentes lugares del inmueble, como salas, pasillos y escaleras. Esto genera una expectativa muy grande porque no sabemos cuál va a ser la reacción del público”.

La maestra destacó el trabajo de experimentación en esta pieza desde un modo de producción distinto, el cual permite al intérprete / creador investigar individualmente para generar una propuesta, que en el concierto y la yuxtaposición con los diferentes materiales se entona para armar el entramado de la pieza. Diversas voces confluyen para abonar a una idea: el recuerdo, dijo.

Sobre la esencia del montaje, la coreógrafa describió: “La obra se articula alrededor de los recuerdos, la memoria y la nostalgia que vivimos en eta época de confinamiento. Todos, al estar recluidos en nuestras casas, hemos tenido la oportunidad de tener momentos de introspección, como ver álbumes fotográficos, leer cartas, revisar prendas de vestir. Venimos de un encierro forzado donde hemos revisitado y reflexionado sobre muchas cosas. Estamos rodeados de recuerdos y esta obra es un ejercicio de memoria. Así que queremos que la obra encuentre resonancia en el espectador”,

Los intérpretes/creadores que hacen posible este montaje son Ramsés Carranco, Rocío Flores, Max Flores, Luisa González, Cinthia Portes, Elisa Rodríguez, Emmanuelle Sanders, Luis Valderrabano y Martha Elena Welsh; todos cobijados con la música original, musicalización y diseño sonoro de Mauro Gómez.

Las presentaciones de la Compañía El Cuerpo Mutable / Teatro de movimiento darán inicio con el Taller Intersticios dirigido para todo público, seguida de la obra itinerante “Vidrio obscurecido”, para finalizar con un conversatorio que tiene la intención de intercambiar experiencias con los espectadores, así como compartir el proceso creativo de la obra.

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“IMAGINARIOS XP [de flamenco masculino]” integra una investigación coreográfica y etnográfica realizada por Ricardo Rubio. Foto: La Rueda. Casa Productora. Gentileza INBAL.

Tal es el planteamiento que motivó al reconocido bailaor y coreógrafo Ricardo Rubio para iniciar una interesante investigación coreográfica titulada “De flamenco masculino, femenino y humano”, que realizará durante tres años como miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte, Fonca 2019-2022, en la categoría de Coreografía /Danza folclórica, ética y/o tradicional.

La primera parte de esta investigación se centró en el estudio de la identidad masculina dentro del flamenco, dando como resultado la coreografía “IMAGINARIOS XP [de flamenco masculino]” que tendrá dos funciones: viernes 16 y sábado 17 de octubre, a las 19:00 horas, en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris, ubicado en la calle de Donceles 36, Centro Histórico.

Acatando las medidas de Contingencia Sanitaria emitidas por el Gobierno de la Ciudad de México, a través de las autoridades del sector Salud, el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris está listo para recibir tanto al público como a los artistas tras previos protocolos de sanitación, desinfección, limpieza y mantenimiento de infraestructura de todas las áreas de trabajo involucradas para un retorno exitoso a este recinto de arte.

En ese sentido, el aforo para las funciones será de 300 butacas. Los interesados podrán adquirir sus boletos a través del sistema Ticketmaster con un costo de 163 pesos por boleto. También habrá un streaming para quienes deseen seguir el espectáculo desde la comodidad de su hogar.

El aniversario

INTERflamenca en Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Foto: La Rueda. Casa Productora. Gentileza INBAL.

Las funciones que tendrá INTERflamenca en el recinto de Donceles son simbólicas, ya que esta compañía fundada y dirigida por el maestro Rubio celebrará dos décadas de vida, consolidándose como una de las máximas exponentes de este género en México.

Sobre lo que han sido estos 20 años de trabajo continuo, el creador escénico comentó: “Ha sido un gran camino recorrido, el territorio se ha expandido. El balance de la compañía tiene que ver con los procesos que hemos emprendido a nivel nacional e internacional. Lo más importante que he percibido es la riqueza de compartir y de trabajar con artistas de otras latitudes. Definitivamente compartir ha sido de lo más importante y no sólo en el terreno del flamenco sino en otros contextos culturales. Hemos establecido diálogos muy interesantes entre el flamenco y otras artes contemporáneas”.

Otro gran logro de INTERflamenca -continuó su creador- es que ha generado artistas y ha sido un puente para que otros talentos puedan profesionalizarse: “Me siento agradecido con los artistas que han pertenecido a la compañía, que han caminado con nosotros, creciendo mucho con un sello especial y ahora, después de ser semillas, dando grandes frutos. Me ha gustado caminar con todos ellos, ser una guía, darles dirección”.

En torno a los nuevos retos que enfrentan como agrupación, el maestro Rubio consideró que compartir con otros artistas seguirá siendo el principal desafío: “Conectarse con nuevas generaciones implica mucho trabajo. En estos veinte años he dialogado con tres generaciones de artistas y trabajado en la búsqueda de nuevos horizontes creativos. Así que el gran reto es mantener el diálogo constante entre la tradición y lo contemporáneo”.

Por lo que se refiere al estilo de INTERflamenca, su director destacó que éste se mantendrá porque le ha permitido establecer un estilo único, que le ha permitido alcanzar sus objetivos estéticos: “Hace mucho tiempo yo dejé de pensar en el flamenco como el único lenguaje de mi cuerpo. Ya estamos inmersos en un contexto de contemporaneidad, dialogando desde otros lugares con la juventud. En ese sentido otro reto es expandirse para romper las fronteras flamencas y hacer un arte actual que se enfoque en lo social y compartirlo con el público. Tenemos que pensar en el espectador, en qué le podemos ofrecer desde el corazón, desde las emociones. Y en esto el flamenco tiene mucho que dar”.

El detonador 

El bailaor y coreógrafo Ricardo Rubio lanza la primera parte de “De flamenco masculino, femenino y humano”, como parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Foto: La Rueda. Casa Productora. Gentileza INBAL.

Como se mencionó en un principio, el maestro Rubio como miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte del Fonca, realiza la investigación “De flamenco masculino, femenino y humano”, que consta de tres etapas que conformarán tres piezas coreográficas. Cada una de ellas son rutas de investigación etnográfica que permiten analizar los contenidos emocionales, históricos y culturales del flamenco, así como rasgos de identidad a través de las influencias ancestrales que existen en torno al cuerpo.

“IMAGINARIOS XP [de flamenco masculino]” es el resultado de la primera etapa de investigación, sobre esto el maestro Ricardo Rubio compartió: “Desde mis inicios como bailaor siempre se cuestionó el tema de la identidad en la danza. Me ha llevado más de 20 años tratar de entender las razones por las cuales uno elige cierta danza. Creo que uno entra a ciegas, dejándose llevar por la intuición y conforme vas caminando dentro de tu profesión te vas encontrando las razones por las cuales elegiste cierta actividad”.

Sobre el tema de género, el reconocido creador abrió su corazón para compartir momentos personales que lo hicieron reafirmar su decisión de bailar flamenco: “Siempre me gustó bailar, y me di cuenta de que el flamenco me resultaba social y culturalmente muy favorable porque podía expresarme a través del movimiento, pero también ocultar mi identidad sexual, mis preferencias sexuales y mis propios miedos hacia lo que es ser hombre”.

El director de INTERflamenca explicó que ponerse la etiqueta de “bailaor de flamenco” implicó ser nombrado de una forma que no lo hacía sentirse él mismo: “Muchas veces me preguntaron si yo era español porque me veía muy machito. Todas esas cosas tenían lógica y sentido en un principio por el contexto social y político que me tocó vivir, donde había una lucha de tradiciones y no sólo en el flamenco, sino en todas las disciplinas. Pertenezco a la generación de los ochenta y noventa, en la cual cuestionábamos mucho la identidad; ya no nos convencían los lenguajes tradicionales. Por fortuna, ahora en el 2020 el género se vive de una forma muy diferente, aunque hay muchos jóvenes bailaores que regresaron al flamenco tradicional y existe un debate en torno a la identidad del hombre”.

El maestro Rubio ha detectado que mucha gente en México baila flamenco con la finalidad de enmarcar sus preferencias sexuales dentro de un contexto masculino, panorama que difiere con lo que sucede en España, donde nació este género. Al respecto explicó: “En nuestro país aún estamos alejados de la evolución del flamenco en comparación a lo que sucede en España. Mientras nuestras aspiraciones consisten en vernos más flamencos, más masculinos, en aquel país hay una oleada de bailaores que se están preguntando qué es la identidad, qué es el género, qué es el cuerpo con relación a la danza y si el cuerpo tiene que estar cruzado por la sexualidad y la genitalización de la identidad. Frente a eso nos preguntamos ¿qué es verse hombre?”.

La propuesta 

Cabe destacar que dentro del montaje “IMAGINARIOS XP [de flamenco masculino]” los elementos prototípicos que se exaltan tienen que ver con el imaginario masculino dentro de este género: el sombrero, el bastón y el zapateado.

Sobre el escenario el público verá el trabajo de tres bailarines, es decir, tres formas de vivir el cuerpo, de utilizarlo y de formarlo. Es una propuesta escénica que permitirá cuestionar la imagen de los intérpretes más que la propia técnica: “A lo largo de la pieza los intérpretes nos van regalando información de ellos, lo mismo sensitiva que histórica: Nos dejarán verlos a través de su espejo y cómo dialogan con el lenguaje flamenco”, dijo el coreógrafo.

Si bien será hasta el próximo año cuando la investigación coreográfica se aboque a los imaginarios femeninos, para este primer montaje sí participan mujeres en el escenario como una forma de comparar las formas tradicionales de lo masculino y lo femenino.

Como ya es costumbre en el estilo de la compañía INTERflamenca, su montaje tendrá una fusión de disciplinas artísticas, sobresaliendo la música acústica en vivo intervenida con medios electrónicos.

El mensaje

Los elementos prototípicos que se exaltan en “IMAGINARIOS XP [de flamenco masculino]” son el sombrero, el bastón y el zapateado. Foto: La Rueda. Casa Productora. Gentileza INBAL.

“Considero crucial preguntarnos si es importante mantener la idea de masculinidad como la viven principalmente las danzas tradicionales, si estos imaginarios se tienen que renovar, y si acaso esta renovación brinda otras rutas de trabajo o nuevos campos expresivos para las danzas tradicionales que no tengan que ver con el género y cómo se ve el género en esta contemporaneidad”.

Para el creador, es fundamental que los bailarines se sigan cuestionando si realmente son ellos cuando bailan, si pueden conservar su esencia, si no pierden su identidad.

“El lenguaje corporal, en cualquiera de las modalidades de la danza, tiene la función de permitir que el sujeto se exprese. Y esto es curioso porque en las tradiciones el lenguaje se usa para reiterar lo que la propia tradición quiere decir. Así que la pregunta que nos tendríamos que hacer es cómo el lenguaje del flamenco habla de mí, de mi intimidad, y si puede admitir otras formas de utilizar el cuerpo que no necesariamente tengan que ver con esta imagen masculina”.

Protocolo sanitario

Los recintos pertenecientes a la Dirección del Sistema de Teatros de la Ciudad de México refuerzan acciones dirigidas a prevenir, así como evitar contagio y propagación del virus SARS-COV2 y siguen los protocolos establecidos por el Gobierno de la Ciudad en material de recintos teatrales. Para consultar las medidas sanitarias que se implementan, visitar la página:

https://medidassanitarias.covid19.cdmx.gob.mx/dHome/medidas_sanitarias/LINEAMIENTOS_TEATROS.pdf

GRADUAD@S 2020 contempla la participación de alrededor de 120 personas, entre estudiantes, maestros, directores, coreógrafos reconocidos y especialistas de danza. Foto gentileza INBAL.

Y después de terminar los estudios ¿Qué sigue? ¿Cómo ocurre el tránsito entre la vida académica y el mercado laboral? Más aún ¿cómo enfrentar esta realidad en medio de un confinamiento sanitario que ha sumergido al mundo en una pausa con miras a una nueva normalidad?

Estas fueron algunas de las reflexiones que motivaron al coreógrafo mexicano Jaciel Neri y su compañía Moving Borders a crear un proyecto especial: GRADUAD@S 2020, Encuentro de Estudiantes recién graduados de Escuelas Superiores de Danza Contemporánea, el cual se realizará de manera virtual del 20 de julio al 2 de agosto a través de la plataforma digital del Teatro Polivalente del CEARTSLP. (www.teatropolivalenteceart.mx/vivo-el-arte).

Se trata de una propuesta única porque reunirá por primera vez el talento de egresados de 16 de las mejores escuelas superiores dancísticas de nuestro país, quienes podrán interactuar de manera virtual con maestros directores, coreógrafos reconocidos y especialistas de danza nacionales e internacionales. Se calcula que serán alrededor de 120 personas las que protagonicen esta actividad.

Cabe destacar que este proyecto cuenta con el apoyo del Centro de las Artes de San Luis Potosí, a través del Teatro Polivalente del Centro de las Artes de San Luis Potosí Centenario y del programa “Vivo el Arte”.

Cómo se hará

GRADUAD@S 2020 estará conformado por tres ejes de acción: Presentaciones virtuales (cada grupo de graduados preparará un video inédito de 10 minutos y en cada presentación participarán 4 escuelas), Entrevistas (Previo a las presentaciones se transmitirán entrevistas live con los estudiantes de cada una de las escuelas para conocer sus inquietudes y expectativas profesionales), y Charlas con especialistas (Sesiones cerradas con bailarines y coreógrafos con trayectoria).

Algunas de las escuelas que participarán en este proyecto son la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, Escuela Superior de Música y Danza de Monterrey, la Universidad Veracruzana (Facultad de Danza), el Colegio Nacional de Danza Contemporánea (CENADAC), la Escuela Profesional de Danza de Mazatlán, la Universidad de las Américas Puebla, Universidad Autónoma del Estado de Hidalgo (Instituto de Artes), y la Universidad Autónoma de Chihuahua (Facultad de Artes), entre otras.

El detonador

La programación de GRADUAD@S 2020 incluye presentaciones virtuales, entrevistas y charlas con especialistas. Foto gentileza INBAL.

Neri, quien fue Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2015-2017), comentó que a raíz de su larga experiencia como tallerista y coreógrafo en diferentes instituciones educativas de la danza en México ha podido convivir con muchos jóvenes que llegan experimentar crisis ante la incertidumbre de su futuro laboral después de su formación en las aulas. Así que pensó en un proyecto como GRADUAD@S 2020 para contribuir anímicamente en un momento tan simbólico para ellos.

“He platicado con muchos jóvenes que buscan oportunidades laborales y profesionales —dijo—. Ahora, frente al panorama nacional que estamos viviendo con el problema del COVID19, me di cuenta que se encuentran en crisis porque no saben cómo resolver su futuro. Si de por si el panorama de la danza era complejo, ahora la situación se torna más porque se cancelan festivales, temporadas, giras, se cierran teatros. Observé un panorama anímico poco favorable para ellos, así que pensé en GRADUAD@S 2020 como un momento simbólico que motive a los jóvenes, ya que la salud emocional es fundamental. Tenemos que contribuir a fortalecer su estado emocional y este proyecto es un pequeño aliento para que sigan”.

Sobre la invitación a las escuelas, Neri explicó que al darse cuenta que estas instancias no contaban con los mecanismos inmediatos para enfrentar el confinamiento, los exhortó a ser parte de GRADUAD@S 2020 como una forma de acompañamiento.

“Nos acercamos generosamente a las escuelas para servir como un complemento a partir de nuestra experiencia como creadores —afirmó—. Queremos acompañar a estas escuelas en su esfuerzo educativo para que los alumnos puedan tener una transición llena de posibilidades en vez de ausencias. A los maestros también los vamos a acompañar anímicamente porque vamos a generar contenidos y detonaremos el imaginario para que los jóvenes vean que no sólo pueden presentarse en un teatro, sino en otras plataformas para generar acciones escénicas que fortalezcan su profesión”.

Los objetivos

GRADUAD@S 2020 es un proyecto que persigue cuatro objetivos. Uno es convertirse en una especie de vitrina laboral donde los egresados puedan mostrarle al mundo sus propuestas escénicas (se les exhortó a crear piezas inéditas para esta plataforma).

Otro es generar un movimiento simbólico de reconocimiento de los egresados, y es que, a decir de Neri, el proceso de graduación a veces es demasiado fugaz y austero. “Se trata de un momento tan importante para los estudiantes que queremos contribuir con GRADUAD@S 2020 para que sea una experiencia anímicamente buena y fortalecer su salud emocional”.

También se busca visibilizar el trabajo al interior de las escuelas, ya que generalmente se conoce más el trabajo externo de las nuevas generaciones y no la labor que se hace día con día al interior de las aulas.

Finalmente, se pretende contribuir en la generación de públicos para la danza, invitando al público a pagar un costo simbólico por las funciones virtuales que ofrecerán los egresados dentro de esta plataforma digital.

La danza contemporánea hoy y los que llegan

GRADUAD@S 2020 es una vitrina laboral que abre las puertas para mostrar nuevas propuestas escénicas. Foto gentileza INBAL.

Neri está convencido de que no sólo la situación actual del confinamiento sino el panorama actual de la danza contemporánea estaría generando una filosofía especial en torno al quehacer escénico y que tiene que ver con el término de “lo cercano”.

“Creo que en los últimos años nos hemos dado cuenta de que las artes tienen que estar más cerca y no me refiero a una cercanía física, porque también se puede tener una cercanía a la distancia. La presencia y la convivencia humana va a ser ya un privilegio, así que las estrategias artísticas tienen que propiciar una nueva oleada de público desde una cercanía especial. Los creadores tenemos que pensar en cómo hacer contacto con otro tipo de personas, geografías, perfiles para darnos una sensación de cercanía no obstante la distancia”.

Neri considera que esta nueva forma de crear detonará una gran cantidad de proyectos que ya han comenzado a revelarse a raíz de la pandemia, y que seguramente se mantendrán vivos aún después de esta emergencia sanitaria: “Los chicos se van a dar cuenta de las enormes posibilidades que puede haber en el campo profesional para ellos”.

Por otro lado, el coreógrafo destaca que este proyecto mostrará cómo hoy más que nunca existe un cruce de conocimientos y disciplinas en la danza contemporánea: “Hoy podemos ver que el chico que hacía Hip Hop ya tiene una licenciatura al igual que aquel que desde chico se dedicaba al folklor. Hoy la danza contemporánea está proponiendo un sinfín de posibilidades estéticas”.

GRADUAD@S a futuro

El coreógrafo visualiza su proyecto como una fructífera plataforma para los estudiantes de danza contemporánea de México, por ende, hará todo lo posible para que se realicen más ediciones en los próximos años. Incluso, que sean los mismos jóvenes quienes lo organicen con la asesoría de él y su equipo.

Insisto en la enorme proyección que puede darle la plataforma digital del Teatro Polivalente del CEARTSLP: “A través de esta herramienta los estudiantes pueden ser vistos por millones de personas en todo el mundo. Esto es lo fascinante porque hasta sus familiares que vivan en otro país podrán asistir a su graduación. Esta es la magia de los medios digitales”.

Finalmente, Neri dijo que también se contempla que en futuras ediciones se invite a participar a escuelas internacionales. Además, señala que sería satisfactorio que escuelas de otros géneros dancísticos se sintieran inspiradas por GRADUAD@S 2020.

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“Tratados de Lumínica”, de Óscar Ruvalcaba Pérez, ofrece una visión holística del ser humano. Foto: Lugo. Gentileza INBA.

¿En este momento histórico de revaloración general es posible seguir refiriéndonos a “mi cuerpo”, “mi mente”, “mi espíritu”, como entidades divorciadas?

Tal es la reflexión personal que llevó al maestro Óscar Ruvalcaba Pérez a crear la pieza “Tratados de Lumínica”, que busca reflejar lo absurdo de la tricotomía “mente-cuerpo-espíritu” y la necesidad de entender que no existe una mente o un espíritu divorciados de un cuerpo.

La propuesta del bailarín, coreógrafo y maestro se estrenó en La Caja de la Ex Esmeralda (San Fernando 14, colonia Guerrero) el 23 de mayo y continuará del 30 de mayo al domingo 2 de junio, a las 18:00 horas.

Ruvalcaba Pérez, quien fuera miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte en 2006 y 2015, comparte que el detonador de su pieza es la imagen errónea que se tiene de cuerpo, mente y espíritu como entidades divorciadas. Al respecto, explicó: “Prevalece la idea de que el cuerpo es mecánico, perecedero, pero que la mente y el espíritu son eternos. La danza nos ha hecho evidente que no es así. Creo que una visión holística parecería más adecuada, pues cuerpo y persona, hoy día, son una sola entidad”.

Así que, en “Tratados de Lumínica”intenta recuperar la dimensión metafórica y poética del cuerpo, a través de la evocación, soñándolo y ensoñándolo: “Tal vez podamos regresar a la inocencia primera, esa inocencia donde cuerpo, alma y espíritu aún no se dividían. Creemos que es en este estado de gracia, de beatitud, donde encontramos que somos polvo y sueño de estrellas. ‘Tratados de Lumínica’nos susurra que el cosmos está aquí, en nuestro cuerpo ensoñado”, dijo el artista.

En cuanto a la lectura particular que busca generar en el espectador, Ruvalcaba Pérez afirmó: “Quiero que amplíe su sentido de respeto y entendimiento hacia el cuerpo, que ya no se vea al cuerpo como una entidad inferior a la mente o al espíritu. Mente, cuerpo y espíritu son una entidad, es como el viejo adagio de: ¿Qué fue primero, la gallina o el huevo? Imposible de responder, absurdo pretender responderlo. Creo que el cuerpo es el gran campo de batalla del mundo contemporáneo: nos define, nos acota, nos da identidad, nos singulariza y nos hace reconocibles. Y la batalla ya no es por las almas de los individuos, es por sus cuerpos”.

Sobre el proceso creativo el maestro, quien ha presentado sus creaciones en foros internacionales y en los principales recintos culturales de México -entre ellos el Palacio de Bellas Artes-, comentó que los temas que aborda su compañía son cada vez más de corte filosófico mayor, casi religioso, y la madurez de los intérpretes es más evidente, lo que le ha permitido hacer de la danza una metáfora que busque la evocación poética.

Oscar Ruvalcaba, Cía., Danza Contemporánea, fue fundada en 1991 por el maestro, quien es su director general y artístico. Se ha presentado en el Palacio de Bellas Artes, Teatro de la Ciudad, Teatro de las Artes, Sala Miguel Covarrubias, Teatro de la Danza Guillermina Bravo, y ha sido invitada a varios de los principales festivales de danza de México. En 2011 recibió el Premio de la Crítica del XXXI Premio INBA-UAM por “Himnos de Ciudad” y en 2012 el EPRO Danza 2012 por “Los Reinos de Este Mundo”. En 2013 fue beneficiada por el FONCA en su programa “Rutas Escénicas” para apoyar su gira por España en el 2014. Entre sus obras, muchas ya desde su fundación, figuran “Himno”, “Carlota, la del jardín de Bélgica”, “Tres árboles altos contra un paisaje rojo”, “Personas desaparecidas”, “Héroes de guerra” y “Crónica desde mi cuerpo mutilado”. Se ha presentado en Europa, Centroamérica y EUA.

El maestro Óscar Ruvalcaba ha realizado obras para la Compañía Nacional de Danza del INBA, el CEPRODAC, Contempodanza, el Ballet Independiente, Nemian, Opus Nigrum, el Ballet del Nuevo Siglo, la ENDNyGC, entre otras. Ha colaborado con algunos de los coreógrafos más importantes de su generación y recibió la beca del FONCA en el rubro de ejecutante en el 2005 y la del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2006 y 2015. Igualmente, ha recibido numerosos premios y reconocimientos: del INBA por su trayectoria como Coreógrafo en 2010, el Premio de la Crítica del XXXI Premio INBA-UAM, 2011, el EPRO Danza 2012, etc. Ha sido invitado como jurado en diversos concursos de danza, de coreografía y de intérpretes, nacionales y estatales o locales, y ha sido miembro de las Comisiones de Dictaminación del FONCA en varios de sus programas. Actualmente es miembro del Consejo Artístico del CEPRODAC.

El Ensamble Al Mosharabía llega al Centro Cultural del Bosque con “Transatlántico / Damas del aire”, obra de Lila Zellet-elías sobre la violencia de género. Foto: Gerardo Catillo/www.isoptica.com.mx. Gentileza INBA.

Una travesía aérea transcontinental conducida por una tripulación enteramente femenina en la cual la danza es utilizada como un medio de sensibilización y reflexión en torno al empoderamiento de las mujeres.

Esta recreación la hace posible el Ensamble Al Mosharabía en el montaje “Transatlántico / Damas del aire”, que se presentará en el Teatro de la Danza Guillermina Bravo del Centro Cultural del Bosque el jueves 23 y viernes 24 de agosto a las 20:00, el sábado 25 a las 19:00 y el domingo 26 a las 18:00.

Se trata de una pieza creada por la maestra Lila Zellet-elías, artista escénico y visual de origen libanés y gitano, nacida en la Ciudad de México, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte y miembro activo del Conseil International de la Danse (CID) (UNESCO Danza). Es conocida a nivel internacional por la solidez de su trabajo coreográfico que reincorpora la raíz arabo-andalusí como parte sustancial de la identidad mexicana.

Los personajes de “Transatlántico / Damas del aire”, presentan a la mujer ante las distintas realidades que se plantea un viaje intercontinental. Foto: Gerardo Catillo /www.isoptica.com.mx. Gentileza INBA.

Zellet-elías explicó que “Transatlántico” es la segunda parte de la obra “Damas del aire”, estrenada en el 2016. Es un montaje coreográfico de perspectiva de género que reflexiona sobre la condición femenina por medio de la metáfora de los oficios del aire. Sus personajes presentan a la mujer como personaje activo y asertivo ante las distintas realidades que plantea un viaje intercontinental, protestando enérgicamente sobre la violencia de género.

Sobre lo que busca compartir con el espectador, su autora comentó: “Además de la reflexión en torno al género femenino, invitamos al espectador a reflexionar sobre su propia conducta de viaje. Específicamente sobre sus experiencias personales en los espacios ‘liminales’ como lo son el aeropuerto, el interior de un avión, sus salas de espera y de tránsito, donde no se está ni en un sitio ni en otro, sino en un umbral entre algo que se ha ido y algo que está por llegar; escenarios que se caracterizan por habitar la fase intermedia de un tiempo-espacio donde la experiencia humana sucede en la fisura, en el resquicio de dos mundos”.

Esta puesta en escena presenta un lenguaje coreográfico llamado danza morisca, expresión mexicana, étnica y contemporánea, resultante de una investigación coreográfica iniciada en 2003, la cual desarrolla actualmente como miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

Junto a Zellet-elías participan la bailaora mexicana Marién Luévano y la coreógrafa Dominga Martínez. La iluminación está a cargo de Xóchitl González y la multimedia de Fermín Martínez.

La obra de Lila Zellet-elías presentada por el Ensamble Al Mosharabía, es el resultado de una investigación coreográfica iniciada en 2003. Foto: Gerardo Catillo /www.isoptica.com.mx. Gentileza INBA.

Irene Martínez Ríos, en “Augurios”, obra que trabaja sobre cuatro temas principales: nacer, crecer, reproducirse y morir. Foto: Gloria Minauro. Gentileza INBA.

El tiempo es siempre relativo, lo que verdaderamente permanece son los afectos. De ahí la relevancia de hacer una pausa y reflexionar sobre este tema en una época de cambios. Tal es la reflexión personal que llevó a Irene Martínez Ríos, fundadora y directora de la compañía Mandinga Mar, a crear la pieza “Augurios” (Medir el tiempo), que ella misma interpretará del jueves 14 al domingo 17 de junio, a las 18:00 horas, en La Caja (San Fernando 14, colonia Guerrero).

Fue hace casi 20 años cuando la maestra creó esta pieza y que hoy retoma por la atemporalidad de la misma. Y es que, en su opinión, persiste la necesidad de medir el -tiempo por el cambio de milenio: “Esta pieza la estrené en el año 2000. La época vivida me llevó a explorar la más relativa de todas las nociones: el tiempo. Hoy en día el tiempo parece una corriente vertiginosa que nos arrastra. Así que considero que es de suma importancia detenernos y reflexionar acerca de él”.

La directora de Mandiga Mar -quien fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2014- 2016 y del Colegio de Coreógrafos de México- explicó que la necesidad de medir el tiempo nace esencialmente de dos inquietudes: la búsqueda del hombre por comprender los ritmos de la naturaleza para interactuar con ella y facilitarse la lucha por la supervivencia; y la posibilidad de encontrarse, de tener acuerdos y recuerdos con los otros.

También remarcó que “Augurios” ha funcionado como un homenaje permanente a la maestra Gladiola Orozco, a quien define como un “ser humano inmenso, sabio y generoso, quien dirigió mis primeros pasos en la danza profesional. Ha sido una mirada prodigiosa que ha guiado mi camino a lo largo de 40 años como un faro nítido de luz suave y amorosa sin importar la distancia” (Cabe destacar que la creadora empezó a bailar profesionalmente justamente con Orozco y Michel Descombey).

Son ocho las coreografías que integran esta pieza que trabaja sobre cuatro temas principales, nacer, crecer, reproducirse y morir: “En la línea del tiempo”, “Estudio de los meses y los años”, “El tiempo no se detiene”, “Caminos nuevos”, “Por la línea del tiempo”, “Alzar el vuelo” y “Danza del mediodía”.

¿Qué lectura busca generar en el espectador? “A través de mi exploración sobre el tiempo invito a los espectadores a su propia reflexión”, comentó quien fue asistente de Pina Bausch en las obras de nueva creación entre 1996 y 2001.

Finalmente, Martínez explica que “Augurios” forma parte de tres piezas coreográficas de exploración personal que ella realizó durante una pausa del trabajo de su grupo y que determinan todas las creaciones realizadas posteriormente.

Mandinga Mar es una compañía independiente que se ha caracterizado por la diversidad de sus propuestas, produciendo piezas coreográficas tanto para público infantil como para adultos, en teatros convencionales, espacios alternativos, plazas y jardines. Se ha presentado en los principales foros de danza de la Ciudad de México y participado en distintos festivales de la República mexicana, Alemania, España y Brasil. Ha recibido apoyo del Fonca, la Coordinación de Danza del INBA y México en Escena del Cenart. Organiza desde 2014, el Festival bienal de danza al aire libre para niñas y niños “Al din don de la dina de la danza”.

Las funciones de “El lenguaje de lo sutil” se realizaron en Santiago de Chile en M100 Espacio Bunster el 13 y el 14 de junio, y en Chiloe, el 16 de junio. Foto gentileza ASYC/El Teatro de Movimiento.

La obra “El lenguaje de lo sutil” está inspirada en la literatura de Roberto Bolaño. Dice Luis Villanueva: “Sentirse extranjero en la ciudad de origen, es como reconocerse ajeno en la propia piel”. Bolaño nació en Chile, vivió en México y murió en España.

Alicia Sánchez (miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte 2016-2019) y Luis Villanueva, mexicanos, son los coreógrafos de esta obra que nace en la Residencia de Creación que hicieron en Chile durante marzo de 2016 en PULSO Academia de Danza; con vinculación, gestión e idea original de Pablo Bello, chileno. Las funciones se realizaron en Santiago de Chile en M100 Espacio Bunster el 13 y el 14 de junio, y en Chiloe (Chile), el 16 de junio.

Como dijo una vez Bolaños “toda literatura, de alguna manera, es política”. Podría decirse también que toda danza, de alguna manera, es política. “El lenguaje de lo sutil” es política. En su desarrollo, sus intérpretes dejan que el público se vaya metiendo de manera estética en el espacio político de sus vidas.

Se mueven precisos, continuos, sin dudas. Hablan precisos, continuos y sin dudas. Se mezclan sus acciones con los parlamentos de manera sutil. Sorprenden con su dominio de la escena. Son cinco, diferentes. Personajes individuales perfectamente dibujados.

En “El lenguaje de lo sutil” cada uno de los intérpretes tiene su tiempo para contar su historia. Foto gentileza ASYC/El Teatro de Movimiento.

Sus relatos acercan al cotidiano de México, Chile y España. A las historias familiares, y a la vez a las historias de todos. Recorren en pocos minutos hechos determinantes en la personalidad de los contemporáneos.

Desde el inicio, reciben al público, como buenos anfitriones, con un trago y unos dulces “enchilados” que asombran a los desprevenidos. La música, de Antonio Blondel y Andrea García (Andah), introduce de inmediato en el clima y el sabor latino. Y paulatinamente van llevando al espectador por diferentes caminos.

La iluminación es de Luis Reynoso, el diseño de utilería, de Daniel Arce, mientras que la producción es de Primero Sueño AC, con el apoyo de Iberescena 2016, PULSO Academia de Danza y ASYC/El Teatro de Movimiento, dirigido por Alicia Sánchez. Este núcleo creativo, rodeado de colaboradores de diferentes disciplinas, utiliza el lenguaje del cuerpo como herramienta principal. Desde su formación en 1991, bajo la dirección de Sánchez, ha desarrollado su propio lenguaje a través del movimiento y la teatralidad, con dramaturgias  que incluyen la palabra, y la vinculación con otras disciplinas artísticas, la ciencia y la tecnología. Su definido estilo vanguardista, los ha llevado a representar a México en festivales internacionales en las ciudades de Nueva York, Montreal, Beijing, Praga, Santiago Medellín, Atlanta, y otros lugares, recibiendo positivas críticas de los especialistas.

Cada uno con tiempo para mostrarse, definirse y contar su historia. Alberto Munguía y Luis Villanueva, mexicanos; Irene Repeto, española, y Paz Barrientos y Daniel Arce, chilenos. Los objetos se transforman en metáforas. Los mueven y dejan su materialidad para convertirse en ideas. En fantasmas detonantes de sensaciones.

La dirección de Alicia Sánchez, como siempre, deja ver su talento y su riguroso disfrute al armar la obra, como un juego de rompecabezas, matemático y a la vez fantasioso. Como el guiño final a las botas picudas de Matehuala, como un recordatorio de que la historia es cíclica y a la vez nunca es idéntica. Y que el hombre sigue creando y recreándose.