Herman Cornejo, en movimiento, mediante el Sistema Sebring Revolution en una imagen capturada en 360 grados. Foto gentileza Steven Sebring.

Cuando en 1912 Vaslav Nijinsky, la estrella de Los Ballet Russes de Sergei Diaghilev, conmocionó al público de París con el estreno de “Siesta de un fauno” y “Consagración de la primavera”, hubo un antes y un después. La danza ya no fue la misma, y los conceptos estéticos tradicionales empezaron a reconstruirse desde otra perspectiva.

Hoy, Herman Cornejo, a caballo entre los dos siglos, plantea, al igual que Nijinsky, una nueva y renovadora manera de ver y vivir la danza. En este período de confinamiento obligado por una pandemia que se adueñó del mundo, el primer bailarín del American Ballet Theatre (ABT) se animó a poner en marcha un proyecto que venía diseñando desde hacía tiempo: Dancelive.

La primera presentación filmada en diciembre 2020 se transmitió en las redes el 30 de enero de este año, con Skylar Brandt, bailarina principal del ABT, y Cornejo como protagonistas. Una propuesta que rompe con las estructuras preestablecidas y se afianza en una perspectiva de futuro donde la danza adquiere perfiles diferentes sin desentenderse de su esencia.

Esta idea, que empezó con apuntes en borrador, logró plasmarse con la colaboración de Sebring Revolution, la empresa estadounidense de medios multidimensionales que crea contenido visual-artístico interactivo a través de plataformas holográficas. Las imágenes se proyectan en Sebring House Platform, una plataforma multimedia navegable creada por el reconocido fotógrafo, cineasta y productor Steven Sebring,

Dancelive transita entre la realidad virtual y la concreta, entre la escena y el detrás de la escena, y explora el mundo tridimensional a través de una lente que captura el movimiento en 360 grados. De esta forma, bailarines y público se instalan en un proceso de inmersión en el que la danza en vivo se presenta con mayor intimidad y cercanía.

El espectáculo virtual está diseñado con la arquitectura de un motor de juegos, y tiene la particularidad de ser accesible en todos los dispositivos, desde móviles a computadoras de escritorio y cine en casa. La presentación proporciona una óptica envolvente en la cual el espectador se siente integrado a la experiencia creativa desde la concepción hasta el ensayo y la actuación.

Herman Cornejo en un ensayo con Joshua Beamish en modo virtual. Foto gentileza Steven Sebring.

Danzahoy: ¿Cómo se fue gestando esta idea de fundir lo real y lo virtual? 

Herman Cornejo: Empecé a escribir este proyecto hace dos años. Sin embargo, como la danza fuera de escena no tiene mucha conexión con el público, seguí trabajando en eso para encontrar la forma de canalizarlo mejor. Durante la pandemia, y a raíz del rol que ha tenido la tecnología en este período, esta idea empezó a hacerse más real. Incorporar esta plataforma hizo que el proyecto tuviera una interacción tridimensional. La intención es que, lo que se ve en los videos se convierta en realidad virtual, lo cual permitirá que los espectadores intervengan en el show virtualmente.

D: ¿Qué es lo que agrega esta tecnología al concepto del espectáculo tradicional?

HC: Que el espectador puede ver el proceso de la creación, porque eso es algo que siempre se lo perdió. Creo que es importante mostrar que cuando un bailarín profesional llega al escenario es porque hubo mucho trabajo previo. La intención es también educativa. Es decir, hay un aspecto pedagógico que consiste en desarrollar la secuencia de un paso de baile desde un plano tridimensional. De esta manera el bailarín puede ver el movimiento del cuerpo desde distintos ángulos. La idea es que esa creación en vivo sin cortes se lleve al teatro y se filme. Y a partir de ahí aparece un tercer eslabón, que es el plano tridimensional.

D: Parecería que éste es un momento clave para lanzar un proyecto como éste.

HC: En 2020 hemos tenido emociones variadas, y este proyecto fue uno de los “up”. Sin esta pandemia no lo hubiera hecho. Esta desgracia, durante la que se paró el mundo y murió mucha gente, me dio el tiempo, tan preciado, para crear otra cosa. Lo interesante es que, si bien es virtual, todas estas coreografías también se pueden hacer después en el teatro. Por otra parte, la danza siempre evoluciona y la tecnología es el presente y el futuro.

D: ¿De qué manera funcionará esta compañía?

HC: Dancelive se creó con este proyecto virtual, y si bien no va a ser una compañía permanente, se organizará en función de cada proyecto. Vamos a seleccionar bailarines de distintas compañías internacionales para cada propuesta, y trabajaremos durante un mes hasta filmar todo el proceso. Luego, buscaremos otros bailarines para encarar un nuevo proyecto. El objetivo es hacer un promedio de seis durante todo el año. En este equipo cada uno tiene su función y como siempre, el patrocinio es muy difícil de encontrar, especialmente para proyectos nuevos. Y habrá que abrir otras puertas.

Un nuevo rumbo

Apenas tenía 8 años cuando quedó deslumbrado por la danza. Era la primera vez que veía al bailarín Maximiliano Guerra. La obra: “Espartaco”, uno de los grandes clásicos del siglo XX. A los 14 años, integró Ballet Argentino dirigido por Julio Bocca, y dos años más tarde, ganó la medalla de oro en la VIII Competencia Internacional de Danza de Moscú. Fue el bailarín más joven en la historia del concurso. Y si bien no cumplía con la edad mínima requerida, fue el mismo Bocca quien pidió una excepción para que lo aceptaran. Hoy, con más de 20 años en el ABT es el único hispano con la categoría de primer bailarín en la compañía.

Llegó al ABT con su hermana Erica -ex bailarina del ABT y del Boston Ballet-, y los dos experimentaron el famoso “sueño americano”. “Mi madre se quedó los primeros tres meses con nosotros para confirmar que estuviéramos bien ubicados, y seguros de que era eso lo que queríamos –recordó–. A pesar de ser muy joven cuando llegué, siempre fui muy responsable, aún hoy tomo clases como si fuera un principiante. Y no me dejé tentar por lo que ofrece una ciudad como Nueva York. Soy muy casero, y no me gusta ir de fiesta”.

Con voz firme y calidez mesurada, Cornejo invita a imaginar otras dimensiones estéticas y emocionales. Salta entre el presente y el futuro con la magnificencia y la magia que lo hace en escena. Desde su apartamento en Nueva York, con una niña de pocos meses, el bailarín argentino que nació en la provincia de San Luis abre nuevas puertas a la danza.

D: ¿Este proyecto implica tu separación del ABT?

HC: ABT es mi casa, estoy desde los 17 años, y pienso ser su director en el futuro. Conozco todo: burocracia, repertorio, y sé lo que puede ser ABT conmigo como director. Pero antes de eso, el primer paso es mostrar lo que puedo hacer. Por otra parte, si ABT se caracteriza por algo, es justamente por la variedad de nacionalidades que integran la compañía.

D: ¿De qué manera afectó la pandemia al ABT?

HC: Fue devastador económica, física y emocionalmente para todos porque al ser una compañía privada, dejó de pagar y, a pesar de la ayuda financiera que recibimos los bailarines, todavía estamos en el paro. Si bien hemos tomado clases virtuales, nos va a llevar un tiempo volver al nivel que todos teníamos antes de la pandemia. No creo que podamos hacer las coreografías a las que estábamos acostumbrados, como los ballets completos, por ejemplo. La clase que uno hace en la casa es más para la salud mental que para el físico, porque es imposible sin los elementos necesarios para nuestro trabajo como lo son el piso o la barra.

D: ¿Cuál fue tu reacción durante este año que pasó?

HC: Para mí, bailar no es moverme, es interpretar algo, contar una historia. En julio 2020 cerré mi estudio -una habitación que diseñé como gimnasio- porque me sentía atrapado sin tener nada que hacer. Cuando lo cerré empecé a mejorar emocionalmente. De igual manera, todos los bailarines pasamos por ese momento, y nos preguntamos qué hacer. A mí me sirvió escuchar a mi cuerpo porque era una lucha conmigo mismo.

D: ¿En algún momento te planteaste dejar de bailar?

HC: Voy a cumplir 40 años, y si bien en el momento en que empezó la pandemia me sentía bien, en forma y planeaba que podía bailar hasta los 45, tener que parar me hizo pensar si realmente podría recuperarme para volver al escenario. Y especulé con mi retiro. Pero poner este proyecto en pie me dio las energías para seguir. Y aquí estoy.

Skylar Brandt y Herman Cornejo a través de multiples camaras en el primer proyecto de Dancelive. Foto gentileza Steven Sebring.

Dancelive Series

Acto I-Acceso ilimitado: El espectáculo detrás del espectáculo

Experiencia interactiva de transmisión en vivo que muestra el proceso creativo de los artistas entre bastidores. Entrenamientos, ensayos, trabajo cotidiano. Entrevistas a los bailarines y equipos creativos.

Acto II-In Motion (En movimiento): Dance on Film

Todos los componentes del proceso de DANCELIVE, además de transmitirse en vivo, se integrarán en una biblioteca de películas, disponible para su visualización bajo demanda, dirigida por el cineasta Steven Sebring (Patti Smith: Dream of Life), lo cual permitirá que el público haga una exploración cinematográfica múltiple de la expresión artística de los bailarines.

Acto III-El Foco: Actuaciones en vivo

Las presentaciones de Dancelive se presentarán en el Revolution Theatre, la casa histórica del Clinton Star Theatre en el centro de Manhattan, durante reuniones íntimas VIP (con distancia social), disponibles en casa a través de su transmisión en vivo.

https://sebringrevolution.com/dancelive

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El Ballet Estable del Teatro Colón, dirigido por Paloma Herrera, repuso “La bella durmiente del bosque”, una producción del Teatro Colón. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colon.

Celebración, magia, alegría, hadas, encanto, virtuosismo y fastuosidad y un Ballet Estable del Teatro Colón, con dirección de Paloma Herrera, que volvió a demostrar una vez más su excelencia en “La bella durmiente del bosque” que se estrenó el 29 de septiembre y cerró su última función el 8 de octubre. La puesta, tuvo como protagonistas de la primera noche y del 1 de octubre a los primeros bailarines de la casa, Nadia Muzyca y Juan Pablo Ledo. Un segundo reparto estuvo a cargo de Camila Bocca, en su debut en el papel principal en un ballet completo, junto a Federico Fernández, bailarín que bailó también en el tercer elenco con la primera bailarina invitada del Royal Ballet de Londres, Marianela Nuñez.

La obra incluye un prólogo y tres actos. La coreografía estuvo a cargo del argentino, Mario Galizzi, basado en el libreto de Iván Vsevolovsky y Marius Petipa de 1890, inspirada en el cuento homónimo de Charles Perrault.

Nadia Muzyca y Juan Pablo Ledo interpretaron los roles principales en “La bella durmiente del bosque”. Foto: Arnaldo Colombaroli. Gentileza Prensa Teatro Colon.

En la versión de Galizzi el Hada Lila y Carabosse tienen un rol destacado con algunos cambios respecto al original de Petipa, como la utilización de puntas para Carabosse, dejando de lado los zapatos de tacos de la primera versión. Otro cambio fue la elección de una mujer en la interpretación de Carabosse, cuando generalmente es un hombre quien actúa. En la primera versión, Petipa estrenó el ballet con Enrico Ceccheti en el rol del hada maléfica. En la versión de Galizzi, Natalia Pelayo fue la elegida en el primer reparto y lo hizo de forma regia, desplegando bruscos y desdibujados movimientos, contrapuestos a los dulces y delicados port de bras del hada Lila, caracterizada por Ayelén Sánchez.

Los decorados que utilizó Galizzi fueron confeccionados siguiendo los diseños del pintor Nicola Benois (diseñador que dejó su huella en la Scala de Milán y en Les ballets Russes de Sergei Diaghilev), y el vestuario según Norman McDowell del London Festival Ballet. La música del genial Piotr Ilych Tchaikovsky fue interpretada por la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, y se invitó para dirigirlos al suizo, Emmanuel Siffert, quien condujo a la orquesta con solvencia y carisma.

El Hada Lila y Carabosse

El prólogo comienza con el bautismo de la princesa Aurora. Galizzi, introduce en su versión a dos sequitos, el del hada Lila, la reina de las hadas de las más altas y nobles cualidades, y al del hada Carabosse, quien representa al mal. El del Hada Lila aparece en escena con sus dulces y alegres danzas. Las hadas solistas, Manuela Rodríguez Echenique, Paula Cassano, Stephanie Kessel, Camila Bocca y Eliana Figueroa, ofrecen sus gracias y despliegan un vestuario de colores: celeste, turquesa, rosa, amarillo, verde y rojo que se suceden; ofreciendo a la recién nacida generosidad, encanto, alegría, elocuencia y temperamento.

Mientras las hadas buenas ofrecían sus dones a la princesa, Carabosse junto a su sequito irrumpe furiosa, en reclamo por no haber sido invitada a la celebración. Galizzi destaca este duelo entre el bien y el mal con rasgos definidos de las protagonistas. Sánchez interpreta con autoridad y suaves port de bras el enfrentamiento para con los malos augurios de Carabosse, quien decide castigar con un hechizo de muerte a la pequeña princesita. La Carabosse de Pelayo emula con enérgicos, tajantes y cortantes movimientos, y pequeñas inclinaciones de la cabeza, como a un pájaro furioso y despechado. De esta manera, el Hada Lila, enfrenta a Carabosse y alivia a los reyes, asegurando que la princesa no morirá, pero dormirá cien años hasta que un noble príncipe la despierte con un beso de amor.

Camila Bocca y su gran desafío

Camila Bocca hizo su debut como la princesa Aurora junto a Federico Fernández en el papel del príncipe Desirée. Foto: Máximo Parpagnoli. Gentileza Prensa Teatro Colon.

El segundo reparto estuvo conformado por Camila Bocca en su primer rol protagónico en un ballet completo quien hiciera su debut el 30 de septiembre junto al primer bailarín, Federico Fernández. Bocca demostró estar a la altura de las circunstancias e hizo su aparición triunfal muy firme demostrando frescura en sus movimientos con magistral precisión. La bailarina, en el baile de presentación a los príncipes se mostró segura y en buen equilibrio junto a sus principescos partenaires.

En el segundo acto, en el baile de la ensoñación, Fernández, quien con su experiencia (en los días sucesivos también partenaire de la bailarina invitada, Marianela Nuñez) dio contención y seguridad a la bailarina en sus primeros pasos en este exigente rol, y fue un perfecto partenaire.

El hada Lila fue interpretado por Paula Cassano con certeras expresiones de carácter y autoridad, así como una gran línea corporal. Por su parte, en este reparto, Carabosse fue interpretado por Ayelén Sánchez con graciosos movimientos maléficos, emulando a una personalidad desequilibrada que sirvió al papel, en contraposición a la certeza y temple de Cassano, que vistió de brillo a su personaje.

Los tres actos

En el primer acto, en su fiesta de cumpleaños, la joven princesa Aurora, interpretada por Nadia Muzyca con sólidos equilibrios hace su gran entrada con pasos menudos y rápidos en despliegue de gracia y dulzura juvenil. Como princesa casadera, sus padres, los reyes, le presentan a los príncipes del reino. Muzyca, con buena línea en el attitude en arrière hace su presentación con cada uno de sus partenaires. Instantáneamente, una viejecita (Carabosse encapuchada) le regala un ramo de flores que oculta una aguja con la que se pincha y cae.

En el segundo acto, hace su aparición nuevamente Sánchez como el hada Lila quien logra transmitir la magia, con sutileza actoral, cuando se encuentra con el joven príncipe Desirée -un correcto Juan Pablo Ledo-, y le presenta a la princesa Aurora como a una visión.

En el tercer acto, en el marco de las bodas de Aurora con el príncipe Desirée se suceden los divertissements, y Galizzi invita al casamiento al Pájaro azul y la princesa Florisse y a Pulgarcito.

Maximiliano Iglesias se lució en Pájaro azul con saltos a gran altura y precisión. Se destacó también Georgina Giovannnoni como la princesa Florisse con buenas líneas de piernas y brazos. Asimismo, Williams Malpezzi sobresalió por su gracia traviesa como Pulgarcito por sus cabrioles y saltos como su grand jeté à la seconde.

Les Ballets Trockadero de Monte Carlo abrió en el Kennedy Center con el segundo acto de “El lago de los cisnes”, una marca registrada de la troupe. Foto: Sascha Vaughan. Gentileza JFKC.

Una compañía de ballet clásico formada solo por hombres. Hombres que bailan en zapatillas de punta con tutús y tocados. Hombres que adoptan nombres rusos que podrían sonar familiares, aunque simplemente se parezcan o evoquen a las grandes divas del ballet de principios del siglo XX, cuando Sergei Diaghilev y Colonel Wasily de Basil lideraron las grandes troupes de ballet clásico. Con todo eso, hay un solo nombre: Les Ballets Trockadero de Monte Carlo.

La compañía, que se presentó en el Opera House del Kennedy Center de Washington DC el 21 y 22 de marzo, en parte, hace homenaje con su nombre a aquel memorable ensamble que desde 1932 hasta 1952 creó el Colonel de Basil, llamado Ballets Russes de Monte Carlo. Aquí, las divas son los hombres que asumen roles femeninos con una asombrosa destreza y un especial sentido del humor que deja translucir la trastienda del ballet.

Desde su fundación en 1974 en Nueva York, los Trocks, como suele llamarse a este ensamble dirigido por Tory Dobrin, han logrado rescatar con humor y tono de parodia casi la mayoría de los clásicos. Dotados con un asombroso virtuosismo técnico sobre las puntas, estos hombres que han logrado combinar belleza, humor y perfección, transitan con naturalidad sus roles y dejan surgir su teatralidad a flor de piel, y con casi arrogante desenfado exageran las secuencias narrativas, los accidentes, y las incongruencias de las coreografías.

“Don Quijote”, con Chase Johnsey como Kitri y Paolo Cervellera en el rol de Basilio fueron los protagonistas de esta versión de los Trocks. Foto: Zoran Jelenic. Gentileza JFKC.

Ya en el programa de mano los Trocks comienzan a dar un panorama claro de lo que se puede esperar del show. Una descripción alucinante de las biografías de cada una de las integrantes, cuyos dramas personales ya son parte de la sátira, antes de comenzar a bailar. Y una voz en off que anuncia los cambios en el repertorio, anticipa al público que “todas las bailarinas están de buen humor hoy”, en referencia a los constantes cambios de ánimo que, según los mitos y estereotipos populares, suelen y solían tener las “prima ballerinas”.

El programa abrió con un clásico de los clásicos: el segundo acto de “El lago de los cisnes”. Cisnes con guantes blancos y en tutús románticos. Odette, magnífica Nadia Doumiafevya (Philip Martin-Nielson) y un Sigfrido, Boris Mudko (Giovanni Ravelo) que solo acompaña a la arrasadora Odette, quien termina escapando con Von Rothbart, Jaques d’Aniels (Joshua Thake). Von Rothbart mata a Sigfrido y Benno, Innkenti Smoktumuchsky (Carlos Hopuy) queda desconsolado en el medio del bosque.

Otro de los hits de los Trocks, que se repite a lo largo de los años, y que cada vez es diferente, es la estupenda caricatura de los “Cuatro cisnes” con sus movimientos de cabeza, sus discordancias, sobreactuaciones y hasta el refinado detalle que muestra la psicología estereotipada de las bailarinas que, aun en un cuadro de conjunto, tratan de sobresalir a toda costa. Fantástico.

Tras “Lago…”, en la segunda parte, se presentaron otros dos súper clásicos: el pas de deux de “El Corsario” y el pas de six de “La Esmeralda”. En el primero, hubo más perfección que parodia, si bien es una pieza que se presta para las exageraciones. Nina Enimenimynimova (Long Zu), como Medora, hizo un trabajo extraordinario con perfectos equilibrios y fouettes dobles que hicieron bramar al público. Y en Esmeralda, Nina Immobilashvilli (Alberto Pretto) y Jacques d’Aniels hicieron una graciosa parodia, rodeados de gitanas que adivinaban la suerte. Y aunque no figuraba en el programa de mano, esa segunda parte cerró con otra de las cartas de presentación de los Trocks, “La muerte del cisne”. Primero, un haz de luz busca infructuosamente a la gran “diva” que, finalmente aparece desparramando plumas por todos lados. Plumas que caen como una lluvia constante desde su tutú. Duane Gosa, bajo el nombre de Helen Highwaters hace un muy buen trabajo, quizás, demasiado perfecto y sobrio, tratándose de un clásico de esta naturaleza.

Para el final quedó “Don Quijote”, nada más ni nada menos. Una versión resumida y sintetizada con algunos cambios de personajes. El padre de Kitri, por ejemplo, se convierte en madre, y Don Quijote y Sancho Panza no aparecen. Esta Kitri (Chase Johnsey) de los Trocks encontró el encanto y la picardía para manejar la escena con habilidad y gracia, junto a un simpático Basilio (Paolo Cervellera). Kitri, Yakatarina Verbosovich, captó la escena con sus equilibrios perfectos, su dominio corporal, sus cuidados brazos, y sus deslumbrantes dobles fouettes. Un final a toda pompa.

Los Trocks, una compañía de hombres que bailan en punta y hacen una parodia del ballet y sus grandes estrellas. Foto: Zoran Jelenic. Gentileza JFKC.

Una serie de fotos y documentos relacionados con la legendaria bailarina rusa Ana Pávlova, se exhiben en La Habana. Foto: archivo Danzahoy.

El Museo Nacional de la Danza de Cuba exhibe desde el 13 de marzo una serie de documentos relacionados con la legendaria bailarina rusa Ana Pávlova, a fin de conmemorar los 100 años de su debut en la isla.

Un vestuario original (una capa negra de terciopelo ornamentada con pieles de zorrillo, no vestuario de escena), esculturas, óleos, programas autografiados por la diva, revistas y otras publicaciones que hablan de ella, integran la exposición abierta al público hasta finales del próximo mes de abril.

Además, el propio día de apertura de la muestra, el Ministerio de Comunicaciones de  Cuba puso en circulación un sello postal que reproduce una imagen de la danzarina.

Pávlova estudió en el Ballet Imperial de San Petersburgo, compañía en la cual llegó a primera figura en 1906, y brilló con la misma categoría dentro del llamado Ballet Russes de Diaghilev, creado por Sergei Diaghilev, y reconocido como uno de los conjuntos artísticos más respetables de la primera mitad del siglo XX.

Después, creó su propia compañía y con ella llevó la danza clásica a diversas partes del mundo, incluyendo esta capital caribeña. Como artista Pávlova fascinó también a otros bailarines, músicos, pintores, poetas y coreógrafos de la talla de Mijaíl Fokin, quien la incluyó en el elenco del estreno de una de sus más delicadas piezas, “Las Sílfides”.

Según refería el coreógrafo, en esa obra la artista “volaba por el escenario”. Fokin creó para ella varios ballets, pero “La muerte del cisne” se impregnó de inmediato en la memoria histórica de la danza como la más exquisita miniatura coreográfica de  principios del siglo XX y una de las interpretaciones más complejas y completas, por la fragilidad y la verosimilitud de su único personaje. La imagen poética del cisne herido que agoniza y muere trascendió gracias al ingenio del creador y a la espiritualidad de la danzante.

El carácter de esta bailarina fue otro de sus citados “encantos” por lo extraño, quienes la conocieron la describen como nada modesta y bastante celosa de sus compañeros de  baile y de los aplausos del público.

Aún se desconoce por qué guardó el secreto del matrimonio con su representante, por varios años, y la muerte de la artista, demasiado temprana, ha sido descrita muy similar a la agonía de su cisne. Momentos antes del fallecimiento, a los casi 50 años, a causa de un resfriado, Pávlova susurró sus últimas palabras a quien la atendía. Pidió que le preparasen su traje de cisne, y al poco rato, murió.

Curiosamente, en 1931, el año de la muerte de la rusa, una niña cubana llamada Alicia Alonso realizaría su debut artístico con “La bella durmiente”, el mismo ballet que había inspirado a Pávlova en su infancia a ser bailarina. La obra que mayor fama dio a Pávlova, “La muerte del cisne”, fue la última pieza que Alonso interpretó en Cuba antes de emigrar momentáneamente a los Estados Unidos en 1956, en protesta por el retiro de la escasa subversión concedida por el gobierno de aquella época a su academia de ballet.

Martha Sánchez. Licenciada en Periodismo en la Universidad de La Habana. En la actualidad dirige la redacción de Cultura de la Agencia Informativa Latinoamericana Prensa Latina y publica en distintos medios de prensa dentro y fuera de su país.

“La consagración de la primavera”, de Vaslav Nijinsky , basada en la pieza de Igor Stravinsky, rompió todos los cánones en 1913. Fopto: Natasha Razina. Gentileza JFKC.

“Llamen a un doctor”, “llamen a un dentista”, gritaban desde la platea los espectadores enfurecidos que ya comenzaban a establecer dos frentes de batalla en el Theâtre Champs Elysées de París en 1913 cuando se estrenó por primera vez “La consagración de la primavera”. Sergei Diaghilev ordenó a la orquesta que siguiera tocando y los bailarines continuaron con la función en medio de silbidos, gritos y protestas que convirtieron la sala en un verdadero pandemónium.

Nada de esto ocurrió el martes 27 en el Opera House del Kennedy Center cuando el Mariinsky Ballet, dirigido por Valery Gergiev, subió a escena este emblema de la modernidad y la osadía coreográfica. Aunque también hoy hubiera podido generar escándalos. Lo que aparentemente irritó al público de entonces fue la brutalidad del tema y la violencia de la música de Igor Stravinsky que se lanzaba con audacia en el campo de las disonancias.

El guión, escrito por el mismo Stravinsky y Nicholas Roerich, también responsable de la escenografía y el vestuario retrataba el sacrificio de una doncella en una danza tribal, ancestral, primaria, con la que Vaslav Nijinsky rompió todos los cánones del estilo clásico de la danza para trasladar el lenguaje coreográfico a un plano primitivo. Los pies vueltos hacia adentro, los brazos quebrados, las rodillas dobladas casi constantemente, posiciones primarias y una gran exuberancia rítmica caracterizaron este rito pagano de celebración de la fertilidad. Luego de la adoración de la tierra, deviene el sacrificio.

“El espectro de la rosa”, obra de Mikhail Fokine, estrenada en 1911 por los Ballet Russes de Diaghilev. Foto: N. Razina. Gentileza JFKC.

Una de las doncellas será la elegida para el sacrificio, la que danzará con total desenfreno hasta morir para cumplir el rito. Con el subtítulo de “Escenas de la Rusia pagana”, la obra violó todas las reglas y estableció las pautas para la renovación del ballet del siglo XX. En una conjunción casi mágica, Nijinsky logró que cada uno de los bailarines se convierta en un instrumento que ejecuta, nota tras nota, esa asombrosa partitura de Stravinsky.

El Mariinsky Ballet, inscribió esta pobra en su repertorio, luego de que la repositora Millicent Hodson la recuperara, pieza por pieza, a través de fotos, recueros, testimonios, imágenes que habían quedado dormidas durante cien años. Hasta que el Joffrey Ballet decidió revivirla en 1985. Magnífica interpretación, de la compañía rusa, que trajo al Kennedy Center  obras que formaron parte de los Ballets Russes de Diaghilev. Visionario audaz que impuso un nuevo estilo renovador a través de la convocatoria permanente de artistas de diferentes disciplinas.

El Mariinsky también trajo a escena dos joyas del ballet romántico del siglo XX, “El espectro de la rosa”, obra de Mikhail Fokine, estrenada en 1911, también por los Ballet Russes de Diaghilev, y “La muerte del cisne”. La primera de esta segunda parte, tuvo como protagnistas a una exquisita Kristina Shapran y a Vladimir Shklyarov. En esta historia onírica, una joven que vuelve a su casa después de un baile cae presa de su ensoñación, y en sus sueños, el espectro de la rosa que posee en sus manos aparece por la ventana arrastrándola en una danza encantada.

Ambos bailarines conforman una bella pareja. Shklyarov, con saltos intensos, y delicados movimientos, logra un buen ensamble con su partenaire, aunque no alcanza el tono justo para el encantamiento. Shapran, una bailarina delicada, etérea, sutil, liviana y ligera como el aire, perfila a esa joven subyugada por su percepción onírica.

Inmortalizado por Ana Pavlova, “La muerte del cisne”, trajo a una sublime Ulyana Lopatkina. Con sus maravillosas piernas y sus bazos que parecen alas, la bailarina mostró a la artista sensible y delicada que siempre habitó en ella. Esa arista que en este siglo XXI ya es un “rara avis”. Lopatkina, reapareció en la tercera parte del programa en el Grand Pas de “Paquita”, un emblema del clasicismo en el que la bailarina mostró, una vez más, su magnificencia.

Ulyana Lopatkina, una de las grandes estrellas del Mariinsky Ballet en “Paquita”, de Marius Petipa. Foto: N Razina. Gentileza JFKC.

Si algo caracterizó siempre a Lopatkina fueron sus maravillosas piernas y sus extensiones, su precisión, su delicadeza, y su impecable técnica. Cada una de estas cualidades se ponen en evidencia, cuando se la ve ante un elenco de jóvenes bailarines. Más magnífica que nunca, Lopatkina es el emblema de una generación de bailarines que parece estar extinguiéndose. Como también se han extinguido los visionarios como Diaghilev, que lograron revolucionar la danza con su aporte de belleza e insolencia.

El Mariinsky Ballet sube a escena “La consagración de la primavera”, de Nijinsky, una de las gemas recuperadas por los investigadores Millicent Hodson y Kenneth Archer. Foto: Naralia Razina. Gentileza JFKC.

Cuatro obras que forman parte de la historia del ballet del siglo XX, y una de las compañías más antiguas de la historia, el Mariinsky Ballet, llegan al Opera House del Kennedy Center desde el 27 de enero al 1 de febrero. En este programa mixto la troupe de la Rusia imperial trae a escena “La consagración de la primavera”, de Vaslav Nijinsky; dos obras de Mikhail Fokine, “El espectro de la rosa” y “La muerte del cisne”, y un clásico de Marius Petipa, el grand pas de “Paquita”.

La compañía, fundada en 1740, luego de la creación de la Escuela Imperial de Ballet en 1738, tendrá en el foso a la Kennedy Center Opera House Orchestra. Con la dirección artística de Valery Gergiev, el Mariinsky Ballet apuesta a una memorable propuesta en la que incluye una reconstrucción de la primera versión de “La consagración de la primavera”. Una de las gemas del ballet recuperada por los investigadores ingleses Millicent Hodson y Kenneth Archer.

Estrenada el 29 de mayo de 1913 por los Ballets Rusos de Diaghilev en el Téâtre du Champs Elysées de París, la obra, basada en la pieza del mismo nombre de Igor Stravinsky, causó una revolución en aquel momento. Una combinación explosiva entre Stravinsky y Nijinsky, hizo peligrar las butacas del teatro, cuando el público, indignado, comenzó a arrojar elementos contundentes contra los bailarines, al tiempo que abandonaban la sala. Sólo quedaron los vanguardistas. Después de pocas funciones en París y en Londres, la coreografía no se volvió a representar hasta que el 1 de octubre de 1987 el Joffrey Ballet la estrenó en Los Ángeles.

Hodson y Archer, tras casi 17 años de dedicación, lograron reconstruir la obra a partir de fotografías, documentos, cartas y escasos testimonios. Entre ellos, los de Marie Rambert, estrella del ballet británico, contratada entonces por Diaghilev para colaborar con Nijinsky en el montaje. El Mariinsky Ballet estrenó esta “remake” en 2003, y forma parte del pequeño grupo de casi 12 compañías de ballet que incluyen “La consagración…” en su repertorio. “Los pasos y las posiciones propuestas por Nijinsky son lo opuesto a la tradición académica del ballet”, apuntó Hodson, quien también contó con la colaboración de la hija de Bronislava Nijinska, hermana del bailarín y coreógrafo, que en aquel momento ensayaba el protagónico. Un rol en el que la doncella que sería sacrificada por la tribu, tenía que hacer 126 saltos hasta

“El espectro de la rosa”, obra emblemática de los Ballet Russes de Diaghilev, creada por Mikhail Fokine. Foto: Natalia Razina. Gentileza JFKC.

caer extenuada. Por entonces Nijinska, advirtió su embarazo, y la reemplazó María Piltz.

“El espectro de la rosa”, es otra de las obras emblemáticas de los Ballet Russes de Diaghilev, creada por Fokine con música de Carl María Von Weber, y estrenada el 19 de abril de 1911 por Tamara Karsavina y Vaslav Nijinsky. Fue el primer ballet presentado por Diaghilev en el Teatro de Monte-Carlo. Está basado en el poema de Théophile Gautier, “Después del Baile”, con coreografía de Jean-Louis Vaudoyer y escenografía de León Bakst.

A esta pieza corta se suma “La muerte del cisne”, también de Fokine, sobre un fragmento de “Carnaval de los animales” de Camille Saint-Saëns. Anna Pávlova la estrenó en Buenos Aires en 1928. Luego, también la inmortalizaron Galina Ulánova, Alicia Markova, Margot Fonteyn, Natalia Makárova y Maya Plisétskaya, entre otras.

El Mariinsky Ballet también sube a escena el Grand Pas de “Paquita”, de Petipa, que tuvo su debut en San Petersburgo en 1881. Con música de Ludwig Minkus, compositor oficial de los Teatros Imperiales, y autor de la música de “Don Quijote” y “La Bayadera”, “Paquita” tiene como punto distintivo las posibilidades de lucimiento del virtuosismo de los bailarines.

Calendario:

Mariinsky Ballet
Martes 27 al sábado 31 a las 7:30 pm
Sábado 31 de enero y domingo 1 de febrero a la 1:30 pm

Informes:
www.kennedy-center.org
Tel.: (202) 467-4600
(800) 444-1324