Arturo O’ Farrill, Premio Nacional de Danza 2024, actuación especial en estreno de “Comunidad” por el CFNC. Foto gentileza CFNC.

Por sus inmensos méritos artísticos, logrados durante tres décadas como bailarín y otra treintena de años dedicados a la docencia como jefe del departamento de danza folklórica de la habanera Universidad de las Artes, un jurado de expertos locales instalado por el ministerio de cultura el mes pasado, después de analizar los expedientes de las otras distinguidas nominaciones, decidió otorgar el Premio Nacional de Danza 2024 al maestro, músico y bailarín Alfredo O ́Farrill Pacheco, quien ya su público lo había bautizado como “Papá Shangó”, por su excelencia en la interpretación de la deidad yorubá sincretizada con la católica Santa Bárbara, encarnación erotizada del fuego, el trueno, la guerra, con una inimitable emotividad comunicativa, en tanto que primer bailarín estelar del Conjunto Folclórico Nacional de Cuba (CFNC).

Este máximo galardón nacional anual lo han merecido varias luminarias vinculadas al CFNC en ocasiones precedentes, y el laureado presente, con particular modestia asimila la integración de su nombre en tal memorable lista, donde estará compartiendo con algunos de sus profesores y colegas que contribuyeron a su excelsa formación profesional. De un chico bailarín urbano pasó a ser discípulo de Alberto Alonso, Sonia Calero, Santiago Alfonso, Ramiro Guerra, Eduardo Rivero, Isidro Rolando, entre otros. De ellos, admitió O ́Farrill en una entrevista a raíz de recibir este trofeo, que “la danza es una sola”. Para él, “la danza es el nombre propio, y sus apellidos son clásica, contemporánea, folclórica, y hay que estudiarlas todas como entrenamiento, para luego especializarse”. Confesó a su vez que, a partir del aprendizaje de las técnica clásica y moderna llegó a ser un mejor bailarín de folclor.

O ́Farrill bebió de todo aquello que pudiera aportarle en su superación artística, y esa fue su motivación primera para aprender a tocar los tambores rituales. A sus alumnos del Instituto Superior de Arte (ISA) les aconseja que el bailarín no tiene que convertirse en músico, pero sí debe conocer la percusión para saber cuándo cambia el ritmo en las diferentes danzas de los orishas. Fue así que el maestro de danza se convirtió en ejecutante de los tambores batá, de otros que acompañan la rumba, el guaguancó o la música carabalí, aprehendidos de fuentes directas por los más respetados practicantes del gremio religioso de ascendencia africana.

Con más de 70 años de vida profesional, Alfredo O ́Farrill deviene en una biblioteca viviente para sus discípulos, a los que siempre ha estado dispuesto a ayudar y a transmitirles sus saberes (algunos de ellos residentes en varias tierras lejanas).

Una antropología de la danza

“Los bailarines tienen que conocer la historia de la danza, las diversas culturas de lo africanos importados al trabajo esclavo- procedentes de varias regiones de África -que llegaron a la mayor de las Antillas en siglos pasados, así como sus orishas.

 ́De esos orishas, primero hay que conocer sus características para después darles movimiento; pero la religión no es obligatoria. Tengo alumnos que son católicos o no profesan religión alguna… eso forma parte del sincretismo cubano: sincretizar a los orishas con las figuras del santoral católico”.

Para O ́Farrill, hablar de folclor no debe circunscribirse al tópico de las danzas africanas y darlo por antonomasia que se trata de “santería”. El folclor nacional, apuntó, también lo conforman el danzón, el danzonete, el chachachá, la rumba, el zapateo cubano, entre otros bailes tradicionales vigentes por todo el país.  ́ ́El folclor, por ende, lo hace el pueblo y el pueblo siempre está en evolución… y creando”.

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El Conjunto Folclórico Nacional de Cuba recuperó y revisó obras de reconocidos coreógrafos cubanos. Foto gentileza CFNC.

El Conjunto Folclórico Nacional de Cuba, una de las cuatro emblemáticas compañías de danza del país con poco más de seis décadas, se propuso como objetivo esencial, contribuir “al rescate y revitalización de las tradiciones dancísticas y musicales” de la mayor de las Antillas. El compromiso fue seleccionar las más notables por su intrínseco valor cultural, para luego organizarlas de acuerdo con las más modernas exigencias escénicas -modélicas entonces las afamadas agrupaciones homólogas de los países de la Europa oriental-, empero sin traicionar “su esencia popular”.

En su andadura ininterrumpida de seis décadas, con sus lógicas altas y bajas, este conjunto ha desarrollado un particular estilo de arte folclórico teatral, el cual ha demostrado su “gran efectividad escénica y estética” -según la crítica internacional- , que consigue reflejar de manera espléndida las diversas raíces culturales nacionales, tanto de origen europeo como las de poderosos antecedentes africanos, provenientes de las sucesivas olas migratorias, involuntarias (el régimen esclavista) o voluntarias.

Así podríamos considerar este espectáculo multiétnico como una mirada retrospectiva y conmemorativa de este conjunto fundado en 1962. Con la reposición de varias coreografías icónicas de su repertorio pasivo, de cuatro de sus creadores locales, y se convierte en una especie de “diálogo desde el movimiento”, a partir de la participación de “los elementos antropológicos necesarios para una mejor comprensión de los procesos que conforman la identidad del cubano”, como expresa el programa de mano.

Hitos del repertorio: re-visitados

Pudimos apreciar, en poco menos de dos horas, una serie de piezas representativas que constituyeron historia en los últimos tiempos, concebido por el juvenil nuevo director general y artístico, Leiván García, bailarín solista que remplazó hace solo unos meses al veterano bailarín y coreógrafo Manolo Micler. García ha tenido el coraje de trabajar con un cuerpo de baile bisoño -un buen número de sus miembros ingresaron recién diplomados de la Escuela Nacional de Danza-, para cubrir las plazas vacantes por jubilaciones y éxodos hacia otros horizontes (algo similar ocurre con otras agrupaciones artísticas de la isla). El resultado en la escena mostró las potencialidades emergentes, con la ayuda de los entrenadores bajo la pericia de la veterana bailarina Julia Fernández González, responsable de una loable puesta en escena en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba.

En esta ocasión, Fernández asumió con valentía la entrega de una docena de obras recuperadas y revisadas, creadas para esta compañía por reconocidos coreógrafos cubanos, tales como Santiago Alfonso y Roberto Espinosa, y del predecesor director, Manolo Micler, seis piezas. También incluyó un exuberante divertimento de Pancho González, donde la patrimonial rumba rindió tributo a don Luis Carbonell, paradigmática personalidad de las artes escénicas cubanas en el centenario de su nacimiento.

En poco menos de dos horas intensas e inmersivas -el gran final carnavalesco provocó la participación bailable del público entusiasta-, el espectáculo consiguió la aprobación unánime de esta heterogénea audiencia, conformada por los fieles seguidores del CFNC y los nuevos aficionados, así como un buen número de visitantes foráneos curiosos por ser introducidos en la ritualidad de los sincretismos cubano-africanos.

Con la primera parte del programa disfrutamos de un desfile de las deidades fundamentales del panteón yorubá y con la segunda, repasamos los más identitarios ritmos bailables de nuestro acervo cultural popular. De la primera serie debo señalar el soporte musical en vivo dominado por la percusión canónica de los tres tambores batá auténticos, ejecutados por dignos herederos de otrora cultores rituales de pura sangre.

En general, las puestas en escena recibieron un tratamiento respetuoso de modernidad, desde el punto de vista producción, con el cuidado de no desvirtuar las conocidas ortodoxias, si bien en ciertas ocasiones se desvelaron contaminaciones, aceptables, de técnicas dancísticas más contemporáneas, ajustadas a la destreza del cuerpo de baile actual: un hic et nunc del CFNC.

Algunas de las obras de los destacados coreógrafos estuvieron beneficiadas con brillantes solistas (solos y dúos por parejas mixtas), fue el caso con “Olokun” y “Danzón Barroco” de Santiago Alfonso, Premio Nacional de Danza 2006; o en “Oguere” y “Oyá” de Roberto Espinosa, o el “Ave María a la Rumba” de Pancho González, así como las seis miniaturas firmadas por Micler: “Cautivos”, “Okún”, “Ayanu”, “Habanera”, “Isora Club” y “Carnavaleando”.

Afiche promocional de “Yuli”, film que marca la tercera participación de la directora catalana Icíar Bollaín y que compite por la Concha de Oro. Gentileza Acosta Danza.

Con ovaciones y lágrimas de los espectadores fue recibida, la película “Yuli”en la 66 edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián. El filme, inspirado en la vida del bailarín cubano Carlos Acosta, fue dirigido por la cineasta catalana Icíar Bollaín, a partir de un guion de Paul Laverty; cuenta con la fotografía de Alex Catalán, la música de Alberto Iglesias y las actuaciones estelares de Carlos Acosta, Laura De la Uz, Santiago Alfonso, Kevin Martínez y el niño Edilson Manuel Olbera, junto a la participación de la Compañía Acosta Danza. Esta presentación marca por tercera ocasión la participación de la directora en la competencia por la Concha de Oro. La película se estrenará comercialmente en España el 14 de diciembre.

La producción, que compite por la Concha de Oro, ha sido calificada por la prensa especializada como “luminosa”, “emotiva” y “deslumbrante”.  El periodista Carlos Pumares del periódico ”La Razón” asegura que, de lo visto hasta ahora en el Festival, la película de Icíar Bollaín es ”Lo mejor, sin ninguna duda”. Para Pumares, la directora “intercala la infancia y el estrellato, yendo hacia adelante y hacia atrás con enorme sencillez”. El crítico concluye afirmando que “Si el festival terminase hoy, la Concha de Oro sería para esta sólida directora”.

Para Luis Martínez de “El Mundo”, la película de Iciar Bollaín que el domingo se llevó los focos del Festival de San Sebastián (…) tiene algo de espejo. A él se asoma el bailarín Carlos Acosta para contar su vida. Y lo hace sin precisar exactamente el lado, desde el que se mira. ¿Qué le empuja a contemplar su reflejo al protagonista: la certeza del éxito, la vanidad, o se trata sólo del simple pavor, o vértigo, de haber podido ser otro? En efecto, y para situarnos, Yuli es como de niño en las calles de La Habana llamaban a Acosta. Y Yuli es como se llama la película en la que Acosta narra y baila, en primera y dolorosa persona, su propia vida”.

Las periodistas Pepa Blanes y María Guerra en su reseña Icíar Bollaín y su retrato de Carlos Acosta, el bailarín negro que triunfó, para la Cadena SER, comentan que “En una mezcla de flashblack, Bollaín se apoya en tres edades de Acosta. De niño, cuando empieza a bailar. De joven, cuando sale de Cuba, primero a Suiza y luego a Inglaterra. Por último, en la actualidad, donde Carlos Acosta dirige una escuela de ballet en su país”.

Carlos Acosta llegó a San Sebastián para presentar la película que habla sobre su vida en cuba y de sus éxitos como bailarín internacional. Gentileza Acosta Danza.

Carlos Loureda de la revista Fotogramas considera que “‘Yuli’ contiene los ingredientes necesarios para triunfar en taquilla: el lado social de la escritura de Paul Laverty (guionista habitual de Ken Loach), mezcla de emoción y alguna carcajada, números de danza insertados en la narración y un ida y vuelta continuo (…) entre el pasado y presente”.

El comentario de Loureda, titulado “Yuli”, de Icíar Bollaín, deslumbra con la fotografía de Alex Catalán, analiza los valores contrastantes de los escenarios y las atmósferas en la visualidad de la película. Según el periodista «El sublime fotógrafo dota a cada espacio de una personalidad distinta. Cuba resulta luminosa, atractiva, acogedora y maternal. Europa es fría, sepulcral, hacia tonos azules o grises, casi al borde de la claustrofobia”.

El Diario de Sevilla también publicó una reseña de Magdalena Tsanis, periodista de la agencia informativa EFE. Tsanis comenta que el relato fílmico sobre Carlos Acosta transcurre “en paralelo entre el pasado y el presente, salta de su infancia y juventud ficcionada, con los actores Kevin Martínez y el niño Edilson Manuel Olbera poniéndose en su piel, a su vida adulta, como bailarín y coreógrafo. Las coreografías, de María Rovira, sirven de enlace entre el pasado y el presente y traducen en movimiento y emoción los episodios más dramáticos de la vida de Acosta, escenas en las que Bollaín alcanza altas cotas estéticas”.»

Nacido en La Habana en 1973, Carlos Acosta bailó en compañías como el Houston Ballet, el Ballet Nacional de Cuba o Royal Ballet de Londres donde fue primer bailarín durante más de 15 años. En 2015 fundó en La Habana su compañía Acosta Danza.

El Festival de San Sebastián está catalogado como uno de los eventos culturales más prestigiosos de España y de los países de habla hispana. En su más de medio siglo de existencia, ha sido testigo de importantes acontecimientos en la historia del cine internacional como el estreno de “Vértigo” y de “Con la muerte en los talones”, ambas películas de Alfred Hitchcock.

El proyecto creado por Las Danzas del Futuro, de Chile, salió a las calles de La Habana durante la edición 23 del Festival de Danza en Paisajes Urbanos. Foto gentileza DTR.

Del 11 al 15 de abril se desarrolló en el Centro Histórico de La Habana Vieja la edición 23 del Festival de Danza en Paisajes Urbanos con la participación de unos mil danzantes provenientes de 18 países de tres continentes, junto a 30 agrupaciones nacionales. Colateralmente se realizó, la XIII edición del Festival internacional de video danza, en cuyo ámbito sesionó el Tercer Encuentro de la Red Iberoamericana de VideoDanza, y cabe señalar que la capital cubana ha sido elegida sede del congreso mundial de la REDIV en 2019.

Este evento, realizado anualmente desde 1996 en el sector habanero, proclamado por la UNESCO -en 1982- Patrimonio Cultural de la Humanidad, es organizado por la compañía Danza Teatro Retazos, la Oficina del Historiador de la Ciudad y apoyado por el Centro de Teatro de La Habana. Reconocido como una contribución valiosa al enriquecimiento del acervo cultural de la capital cubana, el Festival fue incluido desde 1999 en el Circuito Internacional Ciudades que Danzan, red constituida en Barcelona en 1992, y que incluye a importantes urbes de Europa y América.

La fundadora en Cuba de estos “festivales callejeros”, como lo han bautizado popularmente los residentes-participantes de este municipio habanero, fue la coreógrafa chileno-ecuatoriana y cubana por adopción, Isabel Bustos, premio nacional de danza. Por allá por los 90s del siglo pasado y en medio de una crisis económica grave, Bustos buscaba espacios donde representar sus obras, y las salas formales escaseaban. Entonces se dedicó a la tarea de concebir alternativas informales. ¿Qué pasó entonces? “Pues me enamoré de esta ciudad, de sus portales, de sus patios interiores -confesó-. No teníamos sede, éramos nómadas, y teníamos una necesidad urgente de espacio, entonces decidimos trabajar cada día en un palacio-museo del patrimonio colonial. Todas encerraban un encanto. Allí se fueron creando diferentes obras con la visión de la calle hacia el teatro. (…) Queríamos recuperar el valor artístico de la danza, que a veces se le trata como un arte menor y realmente en ocasiones responde como tal”.

Y recordó: “La Oficina del Historiador entendió que nosotros (Retazos) queríamos apoyar el trabajo del Dr. Eusebio Leal, su eminente director, lo que el sueña y trata de construir. Nuestra propuesta de festival callejero no era algo que iba a restarle a su visión de la cultura, sino a sumarle. Mi idea primaria fue siempre contribuir a su misión y enriquecer espiritualmente esta ciudad (…)”

Así fue como Retazos y este festival se integraron al Centro Histórico: soñando, sintiendo como suyo este sitio, la naturaleza, trabajando con la arquitectura, apuntó.

El festival que se realiza desde 1996 y ofrece una diversidad de propuestas y estilos, fue proclamado por la UNESCO -en 1982- Patrimonio Cultural de la Humanidad. Foto gentileza DTR.

Redes de colaboración
“Hay que pensar -comentó-, que lo más interesante de este encuentro es solidificar esta unión, un encuentro entre creadores para fortalecer el espacio artístico. Tal vez debamos generar una especie de red para crear juntos, los cubanos con los artistas de Colombia, Uruguay, Argentina, entre otros. Pienso que debemos rescatar la posibilidad de mantenernos unidos, tener lazos para sobrevivir a una etapa difícil que sobreviene para la región. Creo que la mejor manera de defender el arte es pensar juntos y mantener la unidad entre nosotros”.

En una entrevista a la coreógrafa, publicada en el boletín distribuido por el equipo organizador del evento, con la contribución de Thais García, aparecen los siguientes interrogantes:

¿Piensan los organizadores mantener esta apertura y pluralidad?

“Soy bastante lírica y tengo una tendencia a lo trágico, aunque pudiera hacer obras de otro tipo. Pero el mundo está compuesto de muchas tendencias, y es importante defender la pluralidad y la diversidad. Por ejemplo, asistir al evento un grupo chileno para teorizar sobre el movimiento y las diferentes maneras de pensar el trabajo, es un intercambio positivo. Pienso, que todo lo que pueda enriquecer nuestra labor creativa, tanto intelectual como física, va a beneficiar a la danza”.

¿Quiénes integran el público que asiste a las jornadas diarias del festival? Acaso se ha ganado espectadores habituales en más de 20 años?

“Por supuesto. Los moradores del Centro Histórico habanero apoyan, los niños de la comunidad se suman. Al principio la gente no entendía nada. En una coreografía puedes tener una parte estructurada, pero si de repente en la calle pasa un perro, o sucede algo imprevisto, lo tienes que integrar. De alguna manera las piezas que se apropian del espacio público hacen que la gente se ponga a pensar también en los espacios que ocupamos y habitamos, se interesen en quiénes han pasado por allí y cómo por esos espacios han transitado personas que han hecho historia. (…) Con el paso de los años la gente se ha ido sumando. La constancia que hemos tenido ha hecho que se difunda esta propuesta. Los artistas que participan aquí tienen que integrarse al espíritu de la ciudad. El teatro crea otra situación: las luces, el escenario, la escenografía, el vestuario. Mientras que en la calle tienen que inspirarse en lo que está sucediendo en ese sitio específico y en ese instante, el hic et nunc. Es un gran reto, empero creo que todos deben asumirlo y no llegar con algo preparado previamente. Nosotros los invitamos a soñar en esta pequeña parte de La Habana”.

Resultados de esta edición

Una de las cosas más relevantes este año ha sido la alta cifra de instituciones de varios países, particularmente de América Latina, que han observado en el festival posibilidades de participación y superación enriquecedoras; Universidades de México y Colombia trajeron a buen número de sus alumnos como parte de su formación y compartieron con los participantes cubanos esta aventura gigante por las calles de la Habana Vieja.

Hubo casos excepcionales, como las clases de danza africana, típicas de Ghana y Guinea, impartidas por una compañía chilena; un profesor de tango argentino de origen suizo; una compañía mexicana que baila cumbia y merengue, son aspectos curiosos que motivan a los públicos de estos encuentros, “donde el arte abre las más insólitas puertas”, al decir de Eugenio Chávez, coordinador general del festival.

Las escenificaciones agresivas muy directas provocan, en buena parte del público virgen ante las improvisaciones directas, la intimidación, pero para los bailarines de foros como “Traspaso de las prácticas”, del proyecto creado por Las Danzas del Futuro (de Chile) o de la agrupación cubana Danza Teatro Retazos -y algún que otro cuerpo que quiso improvisar-, es motivación para desarrollar las dinámicas propias, explorarse a sí mismos, y darle una mayor posibilidad al espacio.

El festival que se realiza desde 1996 y ofrece una diversidad de propuestas y estilos, fue proclamado por la UNESCO -en 1982- Patrimonio Cultural de la Humanidad. Foto gentileza DTR.

El director musical del Ensamble Interactivo de La Habana, José Víctor Gavilondo, que aportó el soporte musical de esta improvisación en la hermosa Plaza de San Francisco de Asís, describió este tipo de arte libre como “el verdaderamente puro, ese que está fuera de cualquier paradigma, cualquier clisé o dogma. Ojalá todos los días se pudieran producir cosas así”.

Como un encuentro abierto a todas las manifestaciones, las artes visuales -aparte del DVdanza- estuvieron muy presentes, con los lienzos del llamado “cronista del caos”, Yohy Suárez, joven artista de 29 años que expresa con imaginación exuberante “sucesos que tal vez nunca ocurrieron…solamente es testigo de paisajes de la memoria, de esas falsas crónicas de la capital que son tan ficticias como reales”. Y el soporte fotográfico estuvo brillantemente representado por Jessica Angel, al mostrar oficialmente su iniciativa Liquid Heat, en la galería principal de la Casa museo Guayasamín, con la colaboración del coreógrafo Santiago Alfonso, Premio Nacional de Danza, pues sus diez fotos a tamaño real impresas en tela muestran la secuencia coreográfica de una pareja de bailarines. “Liquid Heat” es fluidez, movimiento, algo que se transforma”, explicó Angel.

La artista de la lente -ahora residente en Londres-, primeramente se dedicó al cine. Su actual proyecto fotográfico involucra a tres ciudades: La Habana, New York y Río de Janeiro. “Existe una cultura de danza muy fuerte en estos sitios, una transculturación que se traslada al baile. Yo he realizado un camino con el baile cubano que no ha sido solamente de aprender los pasos, sino que cuando te enseñan estás aprendiendo de la cultura de un país, de su gente, de cómo se mueven. Aprendes de su historia a través del movimiento. Quería mostrar este aprendizaje”.

En agosto próximo, Angel, la trasladará al barrio neoyorquino de Harlem, donde se estarán celebrando los vínculos culturales entre Cuba y esta gran metrópoli estadounidense.

Gabriela Mesa, alumna de la Escuela Nacional de Ballet en La Habana. Foto gentileza de ENB.

El Centro Nacional de Escuelas de Arte y la Escuela Nacional de Ballet iniciaron el sábado 16 de abril la edición decimoctava del Encuentro Internacional de Academias para la Enseñanza del Ballet, dedicado al medio siglo de la creación de la Escuela Elemental de Ballet de Ciudad de La Habana “Alejo Carpentier”, y el III Concurso Nacional de Ballet. El encuentro terminará el 30 de abril.

Esta edición significa una continuidad a más de veinte años de una saludable y enriquecedora confrontación entre niños, adolescentes y jóvenes amantes del ballet, los cuales, bajo la tutela de sus maestros y profesores muestran su quehacer año tras año, con selecciones del valioso repertorio de la danza universal.

El evento precedente resultó un importante referente para el momento presente: entonces hubo más de 600 delegados extranjeros de 15 países. Fue sobresaliente la presencia de México, con una numerosa delegación con más de 250 participantes, y fue muy provechoso el arribo de unas 60 academias de prestigio y de gran exigencia profesional.

Se calcula que este año habrá unos 400 delegados de 15 países, con 50 escuelas, que expresaron su interés en participar activamente en las más de 10 acciones de superación previstas entre conferencias, talleres o clases magistrales. Los organizadores destacaron igualmente que esta vez se suma al encuentro una representación de la República de Sudáfrica, país con el cual la ENA sostiene un fructífero intercambio académico, similar al de México, Brasil e Italia.

Para prestigiar la tercera edición del concurso nacional, el jurado estará integrado por el gran maestro Fernando Alonso, Premio Nacional de la Danza y de la Enseñanza Artística; la profesora Ramona de Sáa, directora de la ENB y Premio Nacional de la Danza y la Enseñanza Artística; Tania Vergara, directora del conjunto de danza Endedans, residente en Camaguey; Santiago Alfonso, bailarín y coreógrafo director de su propia compañía de danza; Bárbara Balbuena, Decana de la Facultad de Arte Danzario; Bárbara García, primera bailarina del Ballet Nacional de Cuba y Zuria Salmón, directora del Ballet de Santiago de Cuba.

También estarán impartiendo clases y talleres, maestros de proyección internacional, provenientes de Venezuela, México, Perú y Bulgaria (Roumen Rachev, destacado maestro de danzas de carácter en la Fundación Ballet de Las Américas con sede en Caracas).

En este curso lectivo, la matrícula de la Escuela Nacional de Ballet asciende a la cifra de 306 alumnos. De su nivel medio, participaron con gran éxito en el Youth American Grand Prix de Nueva York el pasado marzo, dos parejas: Gabriela Mesa, Cynthia González, Víctor Manuel Estévez y Miguel Anaya.

Informó la maestra de Sáa que, en la actualidad, Cuba cuenta con once escuelas provinciales, dos de ellas de nivel profesional, con un total de más de 900 alumnos matriculados, además reveló que la matrícula para el nivel elemental será ampliada en el próximo curso, siempre con carácter vocacional desde su ingreso a los 9 años de edad. En cambio, la matrícula de nivel medio se mantendrá limitada como hasta hoy, confirmó.