Aran Bell y Devon Teuscher del American Ballet Theatre en la escena del balcón de “Romeo y Julieta” de Sir Kenneth MacMillan. Fotos: Rosalie O’Connor.

Sir Kenneth MacMillan, un minucioso narrador de historias y un mago para delinear personajes complejos, creó “Romeo y Julieta”, con música de Sergei Prokofiev, para una de las parejas memorables en la historia del ballet. En 1965 la pieza, basada en la obra de William Shakespeare, subió a escena en Londres interpretada por el Royal Ballet con Margot Fonteyn y Rudolf Nureyev en los papeles principales. Veinte años más tarde, el American Ballet Theatre (ABT) incorporó esta obra en su repertorio.

Hoy, en el año de las celebraciones del cincuentenario del Kennedy Center de Washington D.C., la compañía volvió con este clásico del siglo XX. Del 15 al 19 de febrero, con dirección de Susan Jaffe, presentó elencos diferentes en cada una de las siete funciones. Un vestuario suntuoso y una escenografía deslumbrante, ambas de Nicholas Georgiadis, envuelven una historia de amor adolescente, apasionada y trágica. Sin dudas, este ballet lleva el sello indiscutible del coreógrafo: una trama bien narrada y resoluciones coreográficas de una enorme intensidad en las que, a través del movimiento, devela los conflictos internos de los personajes.

Si bien la compañía y el cuerpo de baile cubrió maravillosamente las escenas de esta obra compleja, cada función tuvo su impronta personal. En la noche del estreno, el 15 de febrero, los protagonistas de los roles principales fueron Aran Bell y Devon Teuscher, dos bailarines que lograron captar la esencia de los personajes y mostraron una buena formación. A medida que avanzaba la trama y los conducía al dramático final, ambos fueron dejando aparecer a sus personajes. Teuscher, una bailarina delicada, con gran musicalidad, compuso una Julieta atractiva y fresca en su amor juvenil, con largas extensiones y delicados brazos.

Mercucio (Carlos González) y Benvolio (Joseph Gorak), los amigos de Romeo, lograron cautivar con sus actuaciones desinhibidas, graciosas, y especialmente dramáticas en el momento de la muerte de Mercucio, el nudo crucial de este drama.

Herman Cornejo y su Romeo

Herman Cornejo interpretó a Romeo en la función del viernes 17 de febrero en el Kennedy Center. Fotos: Rosalie O’Connor.

El viernes 17, el argentino Herman Cornejo fue Romeo. Un bailarín cuyo magnetismo en escena adquiere dimensiones impredecibles. Temperamental y a su vez impecable en su técnica, Cornejo es de esos bailarines que cuando salta parece que una mano invisible lo sostiene y lo deja caer como si acariciara el suelo. Frasea como su propia respiración, a tempo, mientras se lanza por los aires, gira y se desliza, intrépido y avasallante. Su Romeo es encantador y tierno y, al mismo tiempo, logra tocar el dramatismo necesario para las escenas que van desencadenando el final. Su musicalidad capta el ritmo de una compleja partitura y es allí donde surgen el artista y la magia.

Un excelente partenaire, capaz de contener a su bailarina y sacar lo mejor de ella. Al igual que en las escenas callejeras, especialmente con Luciana Paris, la más dinámica de las tres rameras, Cornejo logra desplegar una energía que se percibe desde la platea.

Un maravilloso y vibrante trío compone con sus amigos Mercucio (Tyler Maloney) y Benvolio (Luis Ribagorda). Los tres, subyugan en todas las escenas por su gracia, su atletismo y su perfección técnica.

Julieta, Cassandra Trenary, una bailarina interesante que va desarrollando su personaje con acierto, es infantil, cristalina y chispeante, hasta que luego su semblante se va transformando.

En ambas funciones, la inefable Susan Jones como la nodriza. Adorable desde el primer momento que aparece en escena, en un rol que compone con su maestría habitual y se queda pegada en el corazón del espectador. Mientras, las imágenes de “Romeo y Julieta” quedan pegadas en la retina y los compases de la música reiteran ese drama de amor que se repite a lo largo de los siglos.

American Ballet Theatre en el Kennedy Center de Washington D.C presentó “Romeo y Julieta”. Fotos: Rosalie O’Connor.

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Viengsay Valdés (en “Carmen”), ganó el Premio Positano de la Danza Léonide Massine por su técnica virtuosa e intensa presencia escénica. Foto: Nancy Reyes. Archivo Danzahoy.

El sábado 5 de septiembre a las 8 pm hora de Italia, el Premio Positano de la Danza Léonide Massine tuvo una nueva edición en medio de una pandemia mundial que quebró tradiciones, festejos en vivo y expectativas. No obstante, y más allá de COVID-19, en la Iglesia de Santa Maria Assunta se celebraron algunos actos en directo y otros virtuales.

En esta edición 2020, la tradicional gala en la gran playa con vistas a la isla de Li Galli, amada por Léonide Massine y Rudolf Nureyev, no encontró su espacio, pero de igual manera la danza siguió en pie en una suerte de abrazo virtual desde Nueva York a Moscú, desde Cuba a Londres. Los organizadores recopilaron mensajes en videos de cada ganador y un clip con algunos momentos de actuaciones relevantes.

Los premios principales de la danza fueron para el inolvidable Anthony Dowell y para la cubana Viengsay Valdes, sucesora de Alicia Alonso en la dirección del Ballet Nacional de Cuba (BNC).

Al anunciar la decisión, el jurado de este galardón -uno de los más antiguos y prestigiosos del mundo- consideró a Valdés heredera artística de la prima ballerina asssoluta Alicia Alonso.

Bailarina de alto nivel académico, de técnica virtuosa e intensa presencia escénica, intérprete de los grandes roles del repertorio clásico, fueron las razones argumentadas por el tribunal presidido por el director de la revista internacional BALLET2000, Alfio Agostini.

También el jurado reconoció que durante un tiempo Valdés se unió a Alicia Alonso en la dirección del BNC y, a partir de 2019, asumió el cargo de directora artística. Este galardón es también un homenaje a la memoria de Alicia Alonso, leyenda del ballet mundial hasta su muerte en octubre del año pasado, a los 99 años, apuntó el texto oficial.

Entre los bailarines hispanos que recibieron este premio en la edición 2020 figuran el cubano Alejandro Virelles, actualmente primer bailarín del Staatsoper de Berlín, Alemania, y el español Roger Cuadrado, solista del Ballet Nacional Checo.

El Premio Positano de la Danza “Léonide Massine” es uno de los máximos reconocimientos a los que puede aspirar un bailarín y se originó en la costa de la ciudad italiana de Positano por ser un destino que cautivó a muchas celebridades del ballet del siglo XX.

Figuras excepcionales fueron distinguidas con este premio, entre ellas, Carla Fracci, Margot Fonteyn, Rudolf Nureyev, Maurice Béjart, Vladimir Vasiliev, Natalia Makarova, Alessandra Ferri, Mats Ek y Ana Laguna. Igualmente lo obtuvieron Eleonora Abbagnato, Manuel Legris, Roberto Bolle, Uliana Lopatkina, Tamara Rojo, Ivan Vassiliev, Natalia Osipova, Yuri Grigorovich, Vladimir Vassiliev y Alicia Alonso.

Este año, el jurado decidió conceder el premio especial por trayectoria a Sir. Anthony Dowell, a quien describen como “danseur” noble por excelencia y el más grande bailarín clásico inglés de su generación. Dowell fue director artístico del Royal Ballet de Londres durante 15 años hasta 2001 y se mantiene activo como maestro y asesor artístico.

El jurado estuvo integrado por Nina Loory (directora artística del Premio Benois de la Danse, Moscú), Brigitte Lefèvre (ex directora del Ballet de la Ópera de París y directora artística del Festival de Danza de Cannes), Laura Valente (directora general del  Premio Positano de la Danza). Lo completaron los críticos de danza Roger Salas, de El País, España; y Valeria Crippa, del diario Il corriere della Sera, editado en Milán, Italia.

The National Ballet of Canada cerró su primera noche en el Kennedy Center con “Piano Concerto #1” de Alexei Ratmansky. Foto: Karolina Kuras. Gentileza JFKC.

“The Vertiginous Thrill of Exactitude” de William Forsythe fue lo primero que irrumpió en el escenario del Opera House del Kennedy Center de Washington DC el martes 28 de enero cuando The National Ballet of Canada hizo su debut en esta temporada. Pero un segundo Forsythe siguió a esta obra cuya exactitud, como lo dice su título no deja de ser “vertiginosa” y atractiva. “Approximate Sonata 2016″ puso nuevamente la impronta indiscutible del coreógrafo estadounidense radicado en Alemania desde hace casi 50 años: belleza, armonía, estructura.

Esta obra, que intercala efectos audiovisuales y se interna en la música electroacústica con absoluta profundidad, muestra un grupo de bailarines convertidos en instrumentos de una partitura que se integra en una propuesta conceptual en la que cada elemento tiene una razón de ser.

Spencer Hack y Tina Pereira en “Petite Mort” de Jiří Kylián. Foto: Karolina Kuras. Gentileza JFKC.

En la segunda parte, un “casi” clásico de Jiří Kylián, “Petite Mort”. Una obra de fina construcción, filosófica y reflexiva, en la que esa pequeña muerte en el momento del sexo se convierte en una mirada sobre la condición y la belleza humana. Creada en 1991, para el Festival de Salzburgo con motivo del segundo centenario de la muerte de Wolfgang Amadeus Mozart, la pieza coquetea con el humor incorporando vestidos de miriñaque negros detrás de los cuales los bailarines juegan y se desplazan como en una “subtrama” de una historia paralela.

Para el final, “Piano Concerto # 1″ de Alexei Ratmansky. La última parte de una trilogía creada por Ratmansky en homenaje a Dmitri Shostakovich, que se impone como una metáfora sutil a las prohibiciones a la Avant-garde perpetradas en la época stalinista.

De hecho, en el diseño de escenografía, Ratmansky incorpora símbolos soviéticos pendiendo del techo, mientras los bailarines, con impecable precisión y técnica van desplegando estados emocionales controvertidos.

Con este caleidoscopio de obras contemporáneas abstractas e intensas, The National Ballet of Canada se planta en la escena como una compañía de sólida técnica y grandes bailarines.

“The Vertiginous Thrill of Exactitude”, de William Forsythe abrió el programa mixto de The National Ballet of Canada. Foto: Karolina Kuras. Gentileza JFKC.

Un cuento de hadas

“La bella durmiente” fue el segundo programa que trajo a Washington la compañía dirigida por Karen Kain. Este ballet, versión de Rudolf Nureyev sobre la original de Marius Petipa con puesta en escena de Kain, está ambientado en una corte que, perfectamente podría asociarse con la Francia de los Luises. Nureyev creó esta versión en 1966 para La Scala de Milán, y en 1972 tuvo su estreno con The National Ballet of Canada.

Una escenografía lujosa y vestuario, también lujoso, creados por Nicholas Georgiadis, caracterizan a esta puesta con desafíos coreográficos importantes tanto para los protagonistas como para el cuerpo de baile y solistas. En esta “Bella durmiente” el diseñador recurre a incontables plumas, oropeles, miriñaques, zapatos con taco y hebilla, pedrería y pelucas pomposas para dibujar, con sutil ironía, una corte opulenta y diferente a las que habitualmente se describen en este clásico.

Heather Ogden como Aurora y Harrison James en el rol del príncipe Florimund en “La Bella durmiente”. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

Pero más allá de la puesta y el diseño esta Bella y su séquito adquieren también características diferentes. La protagonista se aleja en parte de esa personalidad inocente y etérea que caracteriza a la princesa Aurora en este ballet y adquiere perfiles distintos en cuanto a su personalidad y actitud. Si bien la trama no escapa al clásico.

Radiante y segura de su rol, Heather Ogden hace una atractiva interpretación de Aurora. Con una línea clara, buenos equilibrios y musicalidad, la bailarina osciló entre los pas de deux y las escenas de conjunto con absoluta naturalidad.

Harrison James, como el Príncipe Florimund, fue un excelente partenaire y un bailarín sólido en sus variaciones, con buenos saltos y giros precisos. Ambos hicieron una interesante y atractiva dupla. Emma Hawes, en el rol del hada principal, mostró su solvencia y precisión técnica, y a su vez logró el tempo justo para la sexta variación del prólogo del Acto I.

El hada Lila, interpretada por Tanya Howard, adquirió un perfil más enigmático, casi como el demiurgo que entrelaza todos los hilos. Y para el final, en las bodas de Aurora con el príncipe, la compañía encuentra el lenguaje y los bailarines justos para un final de fiesta a toda pompa.

Los protagonistas Heather Ogden y Harrison James con el cuerpo de baile de The National Ballet of Canada en “La bella durmiente”. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

Zenaida Yanowsky y Federico Bonelli en la producción del Royal Ballet of London de “Marguerite y Armand” con coreografía de Sir. Frederick Ashton. Foto: Tristram Kenton. Gentileza Royal Opera House / ArenaPAL.

El miércoles 7 de junio el Royal Ballet of London mostrará la gran visión creativa de Frederick Ashton, coreógrafo fundador de de la compañía que actualmente dirige Kevin O’Hare. Con  un magnífico programa mixto de tres ballets cortos en directo en cines de España, la cita es a las 20:15 horas. Las tres obras, “The Dream”, “Symphonic Variations” y “Marguerite y Armand” forman, por tradición, parte del legado más querido del Royal Ballet.

“The Dream” es la adaptación de Frederick Ashton del desenfrenado “Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare. Esta breve obra de ballet captura las confusiones que sufren los desaventurados amantes. La ingeniosa y famosa partitura de Felix Mendelssohn se convierte en la compañera perfecta para esta encantadora coreografía interpretada por los bailarines principales Sarah Lamb y Steven McRae. Ambos se pondrán a las órdenes de Emmanuel Plasson, quien dirigirá este programa mixto, para interpretar los roles principales de Titania y Oberón, reyes de las hadas. Tanto Lamb como McRae han compartido escenario más de una vez. Ambos bailarines fueron protagonistas de “Jewels” en la anterior producción de la temporada de la Royal Opera House que se transmitió en directo en cines españoles.

“Symphonic Variations”, primer trabajo de Ashton para la compañía, tendrá entre sus intérpretes a Marianela Núñez y a Vadim Muntagirov. Foto: Tristram Kenton. Gentileza Royal Opera House / ArenaPAL.

“Symphonic Variations”, por su parte, es una pieza fundamental del repertorio de Ashton. Una obra maestra que se centra en la belleza del movimiento. La obra fue el primer trabajo de Ashton creado para la compañía cuando ésta se mudó a su nuevo escenario en el Covent Garden luego de la Segunda Guerra Mundial. Creado únicamente para seis bailarines la coreografía se acelera y ralentiza, manteniendo una sensación de serenidad y amplitud. Entre los intérpretes, se destacan la argentina Marianela Núñez, quien ha sido merecedora de las mejores críticas con la comprensión única del estilo de Frederick Ashton. Núñez, junto al bailarín ruso Vadim Muntagirov, protagonizarán este trabajo abstracto, inspirado por las cuatro estaciones.

La tercera obra de este programa es “Marguerite y Armand”, una hermosa y emotiva versión de Ashton de una historia conocida tanto desde la literatura y el cine como desde la ópera. Famosa a través de la creación de Giuseppe Verdi, “La Traviata” es una de las piezas indiscutibles en el mundo de la ópera.

Ashton creó esta obra para Margot Fonteyn y Rudolf Nureyev en 1963, un apasionado ballet que cuenta la historia de Marguerite, una cortesana parisina que, desde su lecho de muerte, recapitula su trágico romance con Armand en una serie de recuerdos febriles. El poderoso pas des deux y la famosa “Sonata para piano en B Menor” de Franz Liszt, aseguran un final emotivo para este programa mixto.

Ésta será una de las últimas ocasiones en las que se presentará la bailarina española Zenaida Yanowsky en la Royal Opera House, de la que forma parte desde 1994, ya que ha anunciado su retiro. Yanowsky seguirá las indicaciones del repositos Emmanuel Plasson para interpretar por última vez el papel de Marguerite.

Mientras, el italiano Roberto Bolle regresará como artista invitado para interpretar a Armand. Bolle ha bailado en los mejores escenarios italianos y con las más prestigiosas compañías del mundo, y a pesar de haber actuado como artista invitado numerosas veces con The Royal Ballet, este será el único papel del bailarín italiano en la actual temporada.

“The Dream”, la adaptación de Ashton de “Sueño de una noche de verano” de William Shakespeare tendrá como protagonistas a Sarah Lamb y Steven McRae. Foto: Bill Cooper. Gentileza Royal Opera House / ArenaPAL.

Cines españoles
En directo el 7 de junio a las 20:15 hs.
Las entradas ya están a la venta en cines de toda España y en www.rohencines.es. La Temporada de la Royal Opera House en directo en cines 2016/2017 está distribuida en España por Versión Digital.

Cartel de promoción del Royal Ballet of London para el programa que se transmitirá desde el Coven Garden.

Andalucía
Bormujos (Sevilla): Al Andalus Bormujos
Cádiz: Al Andalus Cádiz
Coín (Málaga): Cine Píxel, Cinesur Bahia de Cadiz
Córdoba: Cinesur El Tablero
Fuengirola (Málaga): Multicines Alfil, Cinesur Miramar
Jaén: Multicines La Loma UCC
Mairena de Aljarafe (Sevilla): Metromar Cinemas UCC
Málaga: Yelmo Vialia Málaga, Cinesur Malaga
Marbella: Cine Teatro Goya, Cinesa La Cañada
Puerto de Santa María (Cádiz): Multicines Bahia Mar UCC
Rincón de la Victoria (Málaga): Yelmo Rincón de la Victoria
Roquetas de Mar (Almería): Yelmo Roquetas
Sevilla: Cinesa Plaza de Armas, Cine Cervantes UCC, Cinesur Nervion Plaza
Vélez Málaga (Málaga): Cinesur El Ingenio

Aragón
Zaragoza: Cine Cervantes Zusa, Cinesa Grancasa

Asturias
Oviedo: Yelmo Los Prados, Cinesa Intu Asturias
Gijón: Yelmo Ocimax

Cantabria
Santander: Cinesa Bahía de Santander
Reinosa: Teatro Principal Reinosa

Castilla La Mancha
Albacete: Yelmo Vialia Albacete
Valdepeñas (Ciudad Real): Multicines Valdepeñas
Toledo: Cinesur Luz del Tajo

Castilla y León
Segovia: Artesiete Segovia
Valladolid: Cines Broadway
Zamora: Multicines Zamora

Catalunya
Arenys de Mar (Barcelona): Teatre Principal de Arenys de Mar
Barcelona: Arenas Multicines, Boliche Cinemes, Bosque Multicines, Cinesa Diagonal, Cinesa Diagonal Mar, Cinesa Heron City, Gran Sarrià Multicines, Yelmo Icaria
Castelldefels (Barcelona): Yelmo Castelldefels
Cornellá (Barcelona): Acec Full HD
El Masnou (Barcelona): Cinema La Calandria
Igualada (Barcelona): Ateneu Igualadí
La Seu d”Urgell (Lleida): Cinemes Guiu
Manresa (Barcelona): Acec Bagés Centre
Mataró (Barcelona): Cinesa Mataró Parc, Foment Mataroní
Palamós (Guirona): Cinema Arinco
Premià de Mar (Barcelona): Cine Teatre L”Amistat
Sabadell (Barcelona): Acec Cines Imperial
San Cugat del Vallés (Barcelona): Cinesa San Cugat
San Pere de Ribes (Barcelona): Ribes Cinema
Sitges (Barcelona): Cinema Prado
Terrasa (Barcelona): Cinesa Parc Valles, Yelmo Parc Central
Valls (Tarragona): JCA Valls
Vic (Barcelona): Multicines Sucre
Vilanova i la Geltrú (Barcelona): Teatre Círcol Catòlic
Vilallonga del Camp (Tarragona): Cinema Centre Recreatiu de Vilallonga

Comunidad Valenciana
Alicante: Yelmo Puerta de Alicante, Cines Panoramis
Alzira (Valencia): Acec Cines el Punt de la Ribera
Calpe (Alicante): Auditorio Calpe
L”Alfàs del Pi (Alicante): Cinema Roma
Oliva (Valencia): Teatre Olimpia
Ontinyent (Valencia): Cineapolis El Teler
Valencia: Yelmo Campanar

Euskadi
Bilbao: Cinesa Zubiarte
Leioa (Vizcaya): Cinesa Artea
Oridizia (Guipuzkoa): Herri Antzokia
Tolosa (Guipuzkoa): Cine Leidor
Vitoria: Yelmo Boulevard

Extremadura
Badajoz: Cinesur Conquistadores

Galicia
A Coruña: Cine Cantones
Santiago de Compostela: Cinesa As Cancelas, Cine Compostela
Vigo: Yelmo Vigo, Multicines Norte

Islas Baleares
Palma de Mallorca: Cinesa Festival Park

Madrid
La Moraleja: Cinesa La Moraleja
Las Rozas: 7º Oficio, Heron City Las Rozas
Madrid: Cinesa Manoteras, Cinesa Príncipe Pío, Cinesa Proyecciones, Cinesa Méndez Álvaro, Cines Dreams Palacio de Hielo, Cine Palacio de la Prensa, Yelmo Ideal, Yelmo Plaza Norte

Murcia
Cartagena: Neocine Mandarache
Churra: Cinesa Nueva Condomina
Lorca: Acec Almenara
Murcia: Cine Rex

El director de la Ópera de París, Stéphane Lissner, junto a Aurélie Dupont y a Benjamín Millepie, en la conferencia de prensa del 4 de febrero en París. Foto: Christian Leiber. Gentileza de ONP:

A partir del 1 de agosto, una de las grandes “etoiles” del Ballet de L’Opera de París, Aurélie Dupont, será la nueva directora de la tradicional compañía francesa creada por el rey Luis XIV a mediados del siglo XVII. La decisión fue tomada por el director de la Ópera de París, Stéphane Lissner, tras la renuncia del actual director, Benjamin Millepied. Lissner aseguró estar convencido de que Dupont, de 43 años, “va a aportar muchas cosas” cuando asuma el cargo.

El 4 de febrero el director del Ballet de la Ópera de París, Benjamin Millepied, presentó su renuncia al cargo de director de la compañía. Según trascendidos, la decisión surgió a raíz de una serie de desavenencias con la institución. Millepied, formado en el Conservatoire National en Lyon, hizo su carrera en los Estados Unidos, en el New York City Ballet, donde fue bailarín principal durante largos años.

Luego de su éxito como coreógrafo en la taquillera película “Black Swan”, y de su casamiento con la protagonista del film, Natalie Porter, Millepied fue nombrado para este cargo en enero de 2013, y asumió en noviembre de 2014. La elección de Millepied, en su momento, no dejó de causar cierta inquietud en el medio, ya que la orientación neoclásica del coreógrafo, no coincidía plenamente con el estilo tradicional de una de las pocas instituciones que ha podido conservar la tradición original. Pero al mismo tiempo, fue recibido con buenos ojos por las jóvenes generaciones de bailarines de la institución.

Millepied, nacido en Bordeaux, Francia, asistirá este miércoles 10 a la presentación de la nueva temporada 2016/2017, cuyo diseño y programación lleva su firma. El coreógrafo confirmó que su renuncia se debió a “razones personales” y reafirmó su necesidad de dedicarse a la creación. Todo indica que pondrá su energía en continuar trabajando con L.A. Dance Project, compañía que fundó en 2011 en Los Ángeles, Estados Unidos.

Dupont, que se despidió de la escena el 18 de mayo de 2015 con una última función de “Manón”, de Kenneth MacMillan junto al italiano Roberto Bolle, fue una de las figuras clave de la compañía. Pasó 32 años en la institución, y cuando apenas tenía 9 años ingresó a la escuela de la Ópera de París. La bailarina prometió en conferencia de prensa, entregarse a fondo en la tarea, de la misma manera que lo hizo cuando era bailarina.

La nueva directora entró a la compañía en 1989. Fue “premiers danseurs” en diciembre de 1996, y ascendió a “etoile” en 1998, luego de interpretar el personaje de Kitri en la producción de Rudolf Nuréyev de “Don Quijote”. Recibió el Benois de la Danse en 2001 por su rol de Nikiya en “La Bayadere”, de Nuréyev, y por e Titania en “Sueño de una noche de verano, de John Neumeier.

Dylan Tedaldi y el elenco del NBC en “The Winter’s Tale”. Foto: Karolina Kuras. Gentileza NBC.

“The Winter’s Tale”, una de las últimas historias románticas escritas para teatro por William Shakespeare, llega al Kennedy Center de Washington, DC, en una producción del National Ballet of Canada (NBC). Con coreografía del inglés Christopher Wheeldon, la pieza se estrena por primera vez en los Estados Unidos en el Opera House del Kennedy Center desde el 19 al 24 de enero.

La versión para ballet de esta obra es una coproducción entre la compañía canadiense y el Royal Ballet of London. Después del éxito de la adaptación de “Alice’s Adventures in Wonderland”, obra que el NBC presentó en 2013 en el Kennedy Center, Wheeldon se lanzó con esta versión para seis bailarines de una pieza importante de la literatura inglesa.

Carcomido por los celos el rey Leontes acusa de infidelidad a su esposa, la reina Hermione. Ante la sospecha de que su mejor amigo, el rey Polixenes, tiene un affaire con Hermione, decreta que el hijo que espera la reina quede abandonado en el bosque. La niña crece alejada del reino, criada por pastores que desconocían su linaje. Con el paso de los años, Perdita, la hija de Hermione, convertida en una bella pastora, captura el corazón Florizel, hijo de Polixenes, disfrazado de pastor. Desconociendo sus orígenes los jóvenes enamorados continúan su romance. Y el tiempo revela que el amor reunirá las familias y reparará los rotos corazones.

Wheeldon confesó durante el proceso de creación de este ballet: “Siempre quise llevar una obra de William Shakespeare a la danza y busqué una que no había sido adaptada al movimiento”.

La producción reúne el equipo creativo de “Alicia”, integrado por Bob Crowley, en escenografía y vestuario, y Natasha Katz en la iluminación. La partitura es de Joby Talbot.

La obra tuvo su premier en Londres en la Royal Opera House en abril de 2014, y el NBC hizo su estreno mundial en noviembre de 2015 en el Four Seasons Center for the Performing Arts en Toronto, Canadá.

“Es una historia problemática y un reto para cualquier director –afirmó Wheeldon–. Pero en teatro la ventaja es que tiene seis papeles principales y el ballet deja incorporar nuevas ideas”.

Establecida como compañía clásica por su primera directora artística, Celia Franca, en 1951, el NBC tiene sede en Toronto. En el año de su creación, se realizaron audiciones en todo el país y lograron reunir 29 bailarines. En noviembre de ese mismo año presentaron el primer programa en el Auditorio Eaton, que incluía “Las Sílfides”y los “Bailes Polovtsianos” de “El Príncipe Ígor”.

Actualmente, la compañía incluye en su repertorio obras de los más celebrados coreógrafos del siglo XX y XXI, tales como Sir Frederick Ashton, George Balanchine, John Cranko, William Forsythe, James Kudelka, Jiří Kylián, John Neumeier, Rudolf Nureyev, Glen Tetley, Wheeldon, Wayne McGregor y Alexei Ratmansky. Además de piezas del repertorio clásico, el NBC también incorpora obras de danza contemporánea, promueve la creación de nuevos ballets y el desarrollo de jóvenes coreógrafos canadienses.

Información:
Kennedy Center
Tel:: (202) 467-4600
www.kennedy-center.org.

Daniil Simkin, el bailarín ruso del ABT, bailará la versión completa de “Don Quijote”, basada en la corografía de Marius Petipa. Foto gentileza Group Ars.

Daniil Simkin, primer bailarin del American Ballet Theatre (ABT) presentará el sábado 8 y domingo 9 de noviembre en el Teatro Coliseo, “Don Quijote”, junto a María Kochetkova, primera bailarina del San Francisco Ballet.

Simkin considerado por muchos como el sucesor de grandes bailarines como Rudolf Nureyev o Mikhail Baryshnikov, lleva a la escena argentina uno de los grandes clásicos del ballet del siglo XIX, coreografiado por Marius Petipa sobre música de Ludwig Minkus.

El argumento -extraído del segundo volumen de la novella de Miguel de Cervantes, “Don Quijote de La Mancha”, está centrado en los amores de Kitri (María Kochetkova) y el barbero Basilio (Daniil Simkin). Gitanos, toreros y demás personajes serán encarnados por bailarines del Teatro Argentino de La Plata coordinados por Mario Silva, y acompañados por la Orquesta Académica de Buenos Aires, dirigida por Carlos Calleja.

Daniil Simkin nació en Rusia en el seno de una familia aficionada a la danza. En 1990 sus padres decidieron dejar su suelo natal y se trasladaron a Wiesbaden, Alemania, donde se familiarizó rápidamente con los escenarios pues a partir de los seis años participó junto a su padre Dimitrij en diversas actividades teatrales.

Maria Kochetkova, del San Francisco Ballet, en “Don Quijote”. Foto: Erik Tomasson. Gentileza Grupo Ars.

A partir de 2006 se incorporó al Ballet de la Opera de Viena y desde entonces ha bailado una variada gama de roles que incluyen obras distintivas del ballet académico, partes de ballet neoclásico y experiencias en moderno y contemporáneo.

Durante 2007 debutó con un rol protagónico bailando Basilio de “Don Quijote” en el Teatro de Opera y Ballet de Vilnius, Lituania. Y un año más tarde se incorporó como solista al American Ballet Theatre de Nueva York. Desde entonces, ha preparado una extensa nómina de roles que incluyen Basilio, El ídolo de Oro, Pájaro azul, Príncipe de “Cascanueces” y una extensa nómina de coreografías contemporáneas.

Los premios ganados por Simkin en competencias internacionales de ballet incluyen, entre otros, el Primer Premio y Medalla de Oro en el Concurso Internacional de Varna del año 2004; el Gran Premio Internacional de Ballet de Helsinki en 2005 y la Medalla de Oro en la Competición Internacional de Ballet de 2006 en Jackson.

Este espectáculo está presentado por Grupo Ars, compañía dedicada a la producción de artes escénicas. La empresa desarrolla e impulsa tanto artistas consagrados como artistas emergentes.

Fundada por Liana Vinacur, Martin Boschet y Diego Radivoy, la compañía se ha desarrollado con gran éxito en los años 2010 y 2011. Grupo Ars ha producido la “1º Gala de Ballet de Buenos Aires” con artistas como Daniel Proietto (Russell Maliphant Company), Daniil Simkin (ABT), Ivan Vasiliev y Natalia Osipova (Bolshoi Ballet), Iana Salenko (StatsBallet Berlin), Pablo Fermani (Compañía Nacional de Danza Contemporánea de Argentina), Mathias Heymann (“Etoile” de la Opera National de Paris), entre otros.

Informes:
Sábado 8 y domingo 9 de noviembre a las 20:30 hs.
Teatro Coliseo
Marcelo T. de Alvear 1125,
Capital Federal.
Entradas en venta en el Teatro Coliseo
Ticketek.com.ar

“Don Quijote”, por el Ballet de Camagüey, en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, en La Habana. Foto: Yuris Nórido.

Comenzamos nuestro comentario crítico de esta versión del conocido clásico “Don Quijote”, con fragmentos de las declaraciones del autor de la puesta en escena para el Ballet de Camagüey, el bailarín y coreógrafo cubano Gonzalo Galguera, por más de un lustro director artístico de la compañía alemana Ballet de Magdeburgo. Su visión nos ayudará a entender sus pretensiones primordiales para emprender este loable empeño de enriquecer el repertorio de esta agrupación regional. Acertado enfoque artístico de su directora general Regina Balaguer, con sede al oriente de la capital cubana.

El responsable de este particular montaje de uno de los importantes caballos de batalla de la danza académica decimonónica, advirtió en un portal online: “nadie espere otra versión de la coreografía tradicional”. Galguera es consciente del valor artístico que tiene la inclusión de esta obra en el catálogo de este conjunto de la oriental provincia cubana, “ella, dijo, ha marcado el desarrollo de muchas compañías”, que inmediatamente lo fundamenta: “una producción como “Don Q” es necesaria en el mundo del ballet. Hoy por hoy, la tendencia es a servirnos y consumir todo muy rápido.

Un ballet de largo aliento como este, nos recuerda que hay que tomarse el tiempo (necesario) para ver, para contar, para comunicar, porque el ballet es algo más que hacer una pirueta, o celebrar gestas circenses. Ballet es contar historias, darle a la forma un contenido, puesto que la esencia de las artes escénicas es comunicar”.

Su propia versión de este conocido título se ha visto enriquecida por varias versiones existentes, en las que bailó distintos papeles, entre ellas la puesta de Rudolf Nureyev o de Michael Denard, siempre consciente de que la “traducción” a su lenguaje debía hacerla con respeto, “evitando caer en el plagio”. No obstante, es evidente en el resultado aquí apreciado, que no pretendía hacer “algo original…solamente comunicar su mensaje al espectador”.
Como se sabe lo esencial, para Miguel de Cervantes, el autor de la novela homónima, su protagonista Don Quijote es un personaje alegórico de la locura “entrañable” del artista, es decir “un idealista, todo un enamorado de la utopía”.

Por lo tanto, Galguera otorga mucha importancia a la pantomima que debe interpretar cada uno de los bailarines al encarnar los personajes de los capítulos de la novela que aparecen en este ballet, tanto los protagonistas como los secundarios.

Gonzalo Galguera, en su versón de “Don Quijote”, otorga importancia a la pantomima.Foto: Yuris Nórido.

En este montaje observamos una nueva concepción dramatúrgica y coreográfica, si nos remitimos a la referencia más próxima, es decir la del Ballet Nacional de Cuba, o tal vez de las rusas que han desfilado por los escenarios cubanos.

En consecuencia, podemos señalar el tempo lento en general, y en particular más apreciable en el largo prólogo. Las complejidades coreográficas tienden a ser riesgosas, teniendo en cuenta que son asumidas por bailarines novatos, si bien poseen buena formación técnica y algunos un talento en ciernes.

La escenografía minimalista fue concebida para un escenario más pequeño que el habanero de la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, sin embargo es aceptable, los arreglos y orquestaciones musicales de la partitura de Minkus, son más rapsódicos y, en ciertos momentos, anticlimáticos. El vestuario, en cambio, no siempre es de buen gusto, en nuestra opinión.

Esta puesta en escena se salva en gran medida por la apasionada y sincera entrega de todo su elenco, por su energía y goce en el baile. Hubo buen desempeño en las caracterizaciones por parte de los solistas, aunque las desigualdades estaban a la orden del día en el cuerpo de baile. Merecen destaque especial las prestaciones de Rosa Armengol, Sarah Miranda, Laura Rodríguez, y entre los muchachos las de Isnel Ramos y Alain García. Unas muy brillantes promesas. Es una verdad de Perogrullo: no todo son giros múltiples, grandes saltos, interminables balances en los “solos” o “variaciones”, también cuenta, y mucho, el pulido en el trabajo de pareja. Seguramente los capaces ensayadores superarán estos detalles en futuras representaciones.

Los bailarines de la CND Aitor Arrieta y Aurelia Bellet interpretan el pas de deux “Delibes suite”, con coreografía de José Carlos Martínez. Foto: Jesús Vallinas/ CND.

“No mandé mis naves a luchar contra los elementos”. Esta sentencia se atribuye al monarca español Felipe II (1527-1598), en alusión al desastre de la Armada Invencible (1588). Muchos eran los elementos contra los que tenía que combatir la Compañía Nacional de Danza (CND) en el estreno de su último programa en el Teatro Real de Madrid. De una parte y de forma coyuntural, el partido de fútbol de final de la Champions League que enfrentaba a dos equipos de la capital española–Real Madrid y Atlético de Madrid- por el trono europeo. Con un mayor calado, el problema del conflicto abierto entre el Instituto Nacional de Artes Escénicas y de la Música (INAEM) y el plantel de bailarines por la negativa del pago de horas extras, ante la postura del Ministerio de Hacienda contraria a hacer frente a estos emolumentos siempre que excedieran en 60 horas el cómputo anual.

Así las cosas y con el fantasma de una posible suspensión sobrevolando la función, el estreno tuvo lugar con la única salvedad de que su inicio se postergó media hora por cuestiones del convenio laboral. Profesionalidad y entrega fueron las características más destacables de todo el elenco que forma la CND, tanto bailarines como cuerpo técnico. Con la expectativa de cómo influiría el encuentro deportivo sobre el aforo, 1300 espectadores se reunieron para disfrutar de la nueva propuesta de la compañía comandada por José Carlos Martínez (Cartagena, 1969), ex étoile del Ballet de la Ópera de París y director de la CND desde 2011. Su plan maestro incluía el expreso mandato de abrir el abanico estilístico de la formación para que pudiera transitar por todos los colores que pueden abarcar la amalgama que va desde el clásico hasta el contemporáneo. En su tercera temporada al frente de la CND, puede decirse con propiedad que Martínez dirige de forma serena pero con paso firme esta travesía por el desierto.

Tres tiempos

El clasicismo se puso de manifiesto con “Allegro brillante” de George Balanchine. Fotografía: Javier del Real/ Teatro Real.

Construido a tres tiempos, el programa ofrecido en el Teatro Real se compuso de tres grandes bloques temáticos: clasicismo (“Allegro brillante” y “Delibes suite”), deconstrucción del lenguaje clásico (“In the middle, somewhat elevated”) y la contemporaneidad de corte teatral e irónico (“Casi-casa”). La noche comenzó con la obra endiabladamente complicada “Allegro brillante” (1956). Su autor, George Balanchine (1903-1983) la definió como “todo lo que sé de danza clásica condensado en trece minutos”, ¡y vaya trece minutos! Dentro de su repertorio de piezas plotless, es decir, sin argumento, un compendio de lo más complejo en cuanto a lenguaje clásico, en el que el elenco de la CND demostró corrección al máximo y en el que los atisbos de brillo procedieron del buen dominio técnico del Bailarín Principal Esteban Berlanga.

Fiel a la escuela francesa que forjó su carrera y éxitos, José Carlos Martínez firma la segunda propuesta de la noche, “Delibes suite” (2003), estrenada por Incidence Chorégraphique. Se trata de un pas de deux –interpretado por Yae Gee Park y Anthony Pina–, compuesto por el esquema tradicional de adagio, variaciones masculina y femenina y coda final. La pareja protagonista defendió con solvencia el dúo, aunque no llegaron a atisbar la exquisita elegancia predicable de la escuela francesa. La CND ha avanzado notablemente en el campo de lo clásico, pero aún queda camino por recorrer hasta llegar a la excelencia.

Esteban Berlanga y Aurelia Bellet en “In the middle, somewhat elevated”. Fotografía: Jesús Vallinas/ CND.

Una obra maestra indiscutible del último cuarto de siglo XX protagonizó el segundo acto de la velada. Como un guiño a su antigua casa, el director cartagenero seleccionó “In the middle, somewhat elevated” (1987), creada por William Forsythe (Nueva York, 1949) para el Ballet de la Ópera de París por encargo de Rudolf Nureyev, quien, a su vez, escogió a Martínez para que accediera a la prestigiosa compañía francesa en 1988. Partiendo del tradicional concepto de tema y variaciones, Forsythe redefinió los límites del lenguaje clásico mediante la deconstrucción del mismo. Con el cambio de alineación y con las transiciones verticales, genera una sensación de extrañeza en el espectador que, asombrado, vislumbra la técnica clásica pero presentada de una manera muy diferente.

El título –“In the middle, somewhat elevated”– hace referencia a una metáfora de qué supondría buscar dos cerezas de oro suspendidas en medio de la inmensidad de Ópera Garnier, sede histórica del Ballet de la Ópera de París. Incorporada al repertorio de la CND en 1992, esta pieza parece haber sido metabolizada a la perfección por el elenco actual, ya que resultó, sin ningún lugar a dudas, la obra de la noche, tanto en destreza técnica como en precisión y limpieza en la ejecución.

La guinda de la velada la puso la presentación en Madrid de “Casi-Casa” (2009) de Mats Ek (Malmö, 1945), tras su adición al repertorio de la CND, apenas unos pocos días antes en Sevilla, siendo la primera compañía europea que la estrena. Creada para Danza Contemporánea de Cuba, esta obra de corte social que sigue la estela de “Appartement” (2000) –cuya premiére realizó el Ballet de la Ópera de París y en la participó José Carlos Martínez con el solo del sofá– y “Fluke” (2002), se nutre de escenas de la vida cotidiana que se desarrollan en torno a una televisión, la cocina, la puerta, etcétera, e incluyen a una legión de aspiradores.

El elenco de la CND en “Casi-Casa” del coreógrafo sueco Mats Ek. Fotografía: Jesús Vallinas/ Compañía Nacional de Danza.

Sentido del humor y ternura a raudales es lo que irradia “Casi-Casa” con hilarantes escenas como la de la mujer que se olvida el bebé dentro del horno. En ese punto de la función, la CND había traspasado las 22.30 horas, momento en el que, según convenio laboral, finalizaba su trabajo y no tenían derecho a recibir remuneración económica. Sin embargo, fieles a su compromiso con el público asistente, por amor al arte, los bailarines de la formación continuaron sobre el escenario. Se percibe que disfrutaron en el montaje de “Casi-Casa” con Ek y Ana Laguna, lo que, en definitiva, se transmite al espectador, quien también se deleitó con una lección de cotidianeidad convertida en danza. Luchando contra todo tipo de elementos, José Carlos Martínez vuelve a demostrar su serenidad y sensatez para seguir al frente del timón de la CND.

El programa ofrecido en el Teatro Real de Madrid muestra ya los frutos de tres años desde el cambio tranquilo, como se apodó su acceso a la dirección artística del grupo. Queda trabajo por hacer, pero se va por buen camino y el público así lo entendió que frente a todo tipo de vicisitudes apoyó a la CND, a su director, a sus bailarines y a su equipo técnico y les brindó una calurosísima ovación. Con el aval del trabajo riguroso y bien hecho, la CND se prepara para conmemorar el 35º aniversario de su fundación.

Rudolf Nureyev montó con el ENB su versión de “Romeo y Julieta” de Prokofiev. Foto promocional del homenaje a RN por el ENB.

Tamara Rojo apunta a mantener el nivel artístico-técnico de los clásicos, así como de la contemporaneidad con programas que muestren un hilo conductor cuando son los llamados ‘’triple bill’’ (tres ballets en una noche). Entonces busca un título que refleja, más o menos, el sentido general o “mood” del espectáculo. Por ejemplo, este se llamó ‘’Ectasy and Death” (Extasis y muerte), que incluyó: “La Petite-Mort”, de Jiri Kylián, “Le jeune homme et la mort”, de Roland Petit, y cerraba con ‘’Etudes’’ (montado por Jhonny Eliassen, quien lo bailó mucho tiempo y es el responsable de reponerlo por medio mundo, y prácticamente estuvo dos meses con el ENB). Para el montaje de la pieza de Kylián viajaron dos de los bailarines que lo estrenaron, y para la obra de Petit estuvo Luigi Bonino, encargado de las reposiciones por la Fundación Petit. Y contamos, como bailarín invitado, a Nicholas le Riche, estrella de la Ópera de París.

Después vino el Homenaje a Rudolf Nureyev. Era con el ENB que Nureyev realizaba sus grandes festivales en Londres, y fue en esta compañía donde monto su versión de ‘’Romeo y Julieta’’ de Prokofiev. Desde sus bailarines fundadores, Alicia Markova y Anton Dolin, podemos ver la constelación sucesiva de famosos que han bailado con el ENB, no solamente ingleses, sino de todas partes del mundo.

Por ejemplo, en el presente tenemos a Vadim Montagirov, uno de los bailarines clásicos más asombrosos sobre la escena mundial en los últimos tiempos. Formado en Kiev, ganó el Grand Prix de Lausanne, que le permitió estudiar en la Escuela del Royal Ballet, sin embargo al graduarse decidió integrar las filas del ENB. Hasta ahora bailaba los grandes clásicos solamente, pero lo motivamos para que bailara también la otra dirección: los contemporáneos.

Alban Landorf, proveniente del Danish Ballet, otra de las grandes promesas de la danza planetaria, fue invitedo para bailar ‘’Etudes’’, quien se sentía en su salsa, puesto que lo conoce desde niño como estudiante en la escuela de Copenhague. Es un virtuoso, brillante, y gran artista. (En Rusia, resultó ganador este ano del Premio Benois de la danza, ex aequo con Montagirov, en la categoría hombres).

El cierre de temporada fue el programa Homenaje a Nureyev, montado con ayuda de la principal “ballet mistress” del Ballet de L’ Opéra de Paris, Clotilde Vayer, con la cual trabajé armoniosamente en años precedentes. Este espectáculo incluyó ‘’Petrouchka’’; ‘’El canto del compañero errante” y finalizaba con ‘’Raymonda’’ (primer ballet montado por Nureyev para el Royal Ballet). Vayer repuso con el ENB la versión de Nureyev para el Ballet de la ‘Opera de Paris, que difiere de las anteriores debido a una serie de variaciones agregadas por él mismo.

Hubo tres elencos alternantes para ‘’Petrouchka’’, en el cual debutó el cubano Jonah Acosta (sobrino de Carlos), como El Moro, quien defendía un rol carente de pasos acrobáticos, por lo cual debía demostrar sus dotes histriónicas en su interpretación. Para ‘’El canto…’’ viajaron a Suiza con los bailarines elegidos para la obra, ya que la Fundación Béjart-Lausanne es muy celosa con las reposiciones de los títulos de Béjart para otras compañías: ellos lo revisan todo al detalle, y solicitaron que los acompañara, teniendo en cuenta el periodo largo que trabaje allí con el propio autor.