Cuerpo de baile del ABT en “Crimen y castigo”, obra que se presenta en el Kennedy Center. Foto: Emma Zordan. Gentileza JFKC.

¿Cómo llevar a escena, con absoluta fidelidad, una pieza crucial y aguda como “Crimen y Castigo” de Fyodor Dostoevsky? Quizás, acercarse a una obra de esta envergadura y llevarla a otros campos ajenos a la literatura, incluido el teatro, requiera una disociación y un desprendimiento absoluto del original. Pretender encontrar esos personajes atormentados que transitan en la novela que el autor ruso escribió en 1866, es ardua tarea. Sin embargo, Helen Pickett intentó fundir imágenes, diálogos, personajes y crear lo que podría llamarse “una obra basada en Crimen y Castigo”. También podría considerarse una suerte de “recreación coreográfica” de este clásico de 600 páginas.

El 12 de febrero el American Ballet Theatre se lanzó a ese riesgo en el que a veces se pierde o se gana, y presentó esta obra, que permanecerá en cartel hasta el domingo 16, en el Opera House del Kennedy Center. Su estreno mundial fue el 30 de octubre de 2024 en el David H. Koch Theater del Lincoln Center de New York, y tuvo como protagonistas a Cassandra Trenary (Raskolnikov), Christine Shevchenko (Dunya), Calvin Royal III (Razumikhin), SunMi Park (Sonya), Roman Zhurbin (Marmeladov), Claire Davison (Katerina), Joseph Markey (Luzhin), James Whiteside (Svidrigailov) y Thomas Forster (Porfiry).

Esta obra maestra de la literatura es una historia policial, escrita y estructurada de tal manera que, no sólo se entrecruzan las tramas, sino que deja al desnudo la condición humana. Dostoevsky narra el asesinato de una vieja prestamista perpetrado por Raskólnikov, un joven que tuvo que resignar sus estudios de abogado por falta de recursos económicos. Pero más allá del hecho en sí, el autor se adentra en un drama psicológico y moral que trasciende la época y se convierte en un conflicto universal. La culpa arrastra a Raskólnikov a una torturante desesperación hasta que finalmente confiesa su crimen y recibe su castigo. Como fiel exponente del realismo ruso (1830-1880), Dostoievski describe las desigualdades sociales de la época con absoluta crueldad.

Catherine Hurlin y Aran Bell, como Razumikhin y Dunya en el Segundo acto de “Crimen y castigo”. Foto: Emma Zordan. Gentileza JFKC.

Frente a esta catedral literaria, la coreógrafa Helen Pickett, que ya había incursionado con éxito en “Crucible” (Las brujas de Salem) para el Scottish Ballet y “Emma Bovary” para el National Ballet of Canada, armó su propia catedral moderna, minimalista y por momentos, despojada de emoción. Pickett propone una forma narrativa interesante, que es una suerte de danza-teatro, danza contemporánea y ciertos guiños al neoclásico. La coreógrafa, quizás demasiado pegada a la gestualidad de los ballets clásicos en algunas secuencias, tiene logros coreográficos de peso, especialmente en las escenas de conjunto donde se ve un cuerpo de baile sólido y convincente.

La apertura, con proyecciones oníricas, llega a su momento de mayor esplendor cuando sube el telón y aparece el cuerpo de baile como una masa uniforme, opresiva y coordinada al segundo. No obstante, fue en el discurso corporal de los personajes principales donde la coreógrafa se debilita y, por ende, frena la fluidez de la obra y la le quita emoción. La puesta, además, se apoya en la proyección de subtítulos que le soplan al espectador lo que está ocurriendo. Un recurso que pudo tener su particular atractivo, pero que, sin embargo, el texto es demasiado obvio y no ayuda a adelantar la escena. Como si el espectador necesitara que lo lleven de la mano para comprender mejor.

El protagonista, Raskólnikov, interpretado en la primera noche por Herman Cornejo, marcó una enorme diferencia con el resto en el plano interpretativo. Cornejo no sólo ejecutó las marcaciones y las secuencias coreográficas con solvencia, sino que se convirtió en ese Raskólnikov atormentado por la culpa. Un bailarín impecable y un gran artista, inteligente, sensible e intuitivo.

Skylar Brandt y Herman Cornejo en “Crimen y castigo” de Helen Pickett. Foto: Emma Zordan. Gentileza JFKC.

Sonya, interpretado por Skylar Brandt con delicadeza angelical, encarna a la joven obligada a prostituirse para mantener a su familia. Es ella quien incita a Raskólnikov a confesar su crimen para lograr su redención. Brandt es una bailarina exquisita, pero la coreografía y el hilo dramático delineado por Pickett, no logran sacar a la luz las virtudes de Brandt, ni tampoco plasman la profundidad del personaje.

Aran Bell y Catherine Hurlin encarnaron a Razumikhin y a Dunya, el amigo y la hemana de Raskólnikov. Ambos lograron su mejor momento en el pas de deux del segundo acto. Una de las pocas secuencias en las que la coreografía logró fundirse con la emoción.

Joseph Markey interpretó a Luzhin, el prometido Dunya. Su trabajo fue excelente, no obstante, la coreografía tuvo secuencias de gran ambigüedad que oscilaba entre la pantomima de Gamache en “Don Quijote” y la delicadeza de Paris en “Romeo y Julieta”.

Desde lo técnico, el American Ballet Theatre hizo un trabajo impecable. Los bailarines, que a su vez eran los encargados de mover los módulos de madera que recreaban distintos espacios, trabajaron con una convicción absoluta. Aunque en esta enorme catedral creada por Pickett la emoción sólo apareció de manera intermitente.

Es importante y hasta necesario que el ballet se acerque a la literatura, y se abran nuevas puertas para contar historias semejantes a las de “Onegin”, “Don Quijote” o “Giselle”. Hoy, narradas con un lenguaje coreográfico diferente y con recursos técnicos, también diferentes.

Herman Cornejo, primer bailarín del ABT, en el rol de Raskólnikov. Foto: Emma Zordan. Gentileza JFKC.

Aran Bell y Devon Teuscher del American Ballet Theatre en la escena del balcón de “Romeo y Julieta” de Sir Kenneth MacMillan. Fotos: Rosalie O’Connor.

Sir Kenneth MacMillan, un minucioso narrador de historias y un mago para delinear personajes complejos, creó “Romeo y Julieta”, con música de Sergei Prokofiev, para una de las parejas memorables en la historia del ballet. En 1965 la pieza, basada en la obra de William Shakespeare, subió a escena en Londres interpretada por el Royal Ballet con Margot Fonteyn y Rudolf Nureyev en los papeles principales. Veinte años más tarde, el American Ballet Theatre (ABT) incorporó esta obra en su repertorio.

Hoy, en el año de las celebraciones del cincuentenario del Kennedy Center de Washington D.C., la compañía volvió con este clásico del siglo XX. Del 15 al 19 de febrero, con dirección de Susan Jaffe, presentó elencos diferentes en cada una de las siete funciones. Un vestuario suntuoso y una escenografía deslumbrante, ambas de Nicholas Georgiadis, envuelven una historia de amor adolescente, apasionada y trágica. Sin dudas, este ballet lleva el sello indiscutible del coreógrafo: una trama bien narrada y resoluciones coreográficas de una enorme intensidad en las que, a través del movimiento, devela los conflictos internos de los personajes.

Si bien la compañía y el cuerpo de baile cubrió maravillosamente las escenas de esta obra compleja, cada función tuvo su impronta personal. En la noche del estreno, el 15 de febrero, los protagonistas de los roles principales fueron Aran Bell y Devon Teuscher, dos bailarines que lograron captar la esencia de los personajes y mostraron una buena formación. A medida que avanzaba la trama y los conducía al dramático final, ambos fueron dejando aparecer a sus personajes. Teuscher, una bailarina delicada, con gran musicalidad, compuso una Julieta atractiva y fresca en su amor juvenil, con largas extensiones y delicados brazos.

Mercucio (Carlos González) y Benvolio (Joseph Gorak), los amigos de Romeo, lograron cautivar con sus actuaciones desinhibidas, graciosas, y especialmente dramáticas en el momento de la muerte de Mercucio, el nudo crucial de este drama.

Herman Cornejo y su Romeo

Herman Cornejo interpretó a Romeo en la función del viernes 17 de febrero en el Kennedy Center. Fotos: Rosalie O’Connor.

El viernes 17, el argentino Herman Cornejo fue Romeo. Un bailarín cuyo magnetismo en escena adquiere dimensiones impredecibles. Temperamental y a su vez impecable en su técnica, Cornejo es de esos bailarines que cuando salta parece que una mano invisible lo sostiene y lo deja caer como si acariciara el suelo. Frasea como su propia respiración, a tempo, mientras se lanza por los aires, gira y se desliza, intrépido y avasallante. Su Romeo es encantador y tierno y, al mismo tiempo, logra tocar el dramatismo necesario para las escenas que van desencadenando el final. Su musicalidad capta el ritmo de una compleja partitura y es allí donde surgen el artista y la magia.

Un excelente partenaire, capaz de contener a su bailarina y sacar lo mejor de ella. Al igual que en las escenas callejeras, especialmente con Luciana Paris, la más dinámica de las tres rameras, Cornejo logra desplegar una energía que se percibe desde la platea.

Un maravilloso y vibrante trío compone con sus amigos Mercucio (Tyler Maloney) y Benvolio (Luis Ribagorda). Los tres, subyugan en todas las escenas por su gracia, su atletismo y su perfección técnica.

Julieta, Cassandra Trenary, una bailarina interesante que va desarrollando su personaje con acierto, es infantil, cristalina y chispeante, hasta que luego su semblante se va transformando.

En ambas funciones, la inefable Susan Jones como la nodriza. Adorable desde el primer momento que aparece en escena, en un rol que compone con su maestría habitual y se queda pegada en el corazón del espectador. Mientras, las imágenes de “Romeo y Julieta” quedan pegadas en la retina y los compases de la música reiteran ese drama de amor que se repite a lo largo de los siglos.

American Ballet Theatre en el Kennedy Center de Washington D.C presentó “Romeo y Julieta”. Fotos: Rosalie O’Connor.

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