Marianela Núñez y cuerpo de baile del Ballet Estable del Teatro Colón en el segundo acto de “Don Quijote”. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza TC.

El 31 de julio la sala del Teatro Colón volvió a vibrar con una de esas funciones que quedan grabadas en la memoria. Un clásico indiscutible: “Don Quijote”. Dos intérpretes excepcionales: la argentina Marianela Núñez, primera bailarina del Royal Ballet de Londres, y el cubano Patricio Revé, primer bailarín del Queensland Ballet de Australia. Y un cuerpo de baile motivado y dispuesto a darlo todo. Con todos esos elementos, esta versión de Silvia Bazilis y Raúl Candal se convirtió en una función memorable.

En esta temporada, “Don Quijote”, concebido en tres actos y con proyecciones narrativas sobre el desarrollo de la trama, se estrenó en el Teatro Colón el 24 de julio con Ayelén Sánchez y Juan Pablo Ledo en los protagónicos, y diferentes elencos en otras funciones. Sin embargo, el “Don Quijote” de Núñez-Revé adquirió una temperatura diferente. La sala, con localidades agotadas, estalló en ovaciones casi ensordecedoras de principio a fin. La sola aparición en escena de Núñez disparó vítores y aplausos, emociones y suspiros, que solo confirmaron una suerte de fervorosa devoción pocas veces vista en el ballet.

Núñez, con su carisma habitual, y una solvencia adquirida a lo largo de su carrera, volvió a demostrar por qué es una de las grandes intérpretes de su generación. Su Kitri no solo brilla por su destreza técnica —que se mantiene cada vez más refinada— sino por esa capacidad que solo tienen los grandes artistas para transmitir emoción y sensaciones diversas. Más allá de su frescura, que se transmite en cada gesto, y de su intensa comunicación con su partenaire y con la compañía, Núñez tiene absolutamente internalizado su personaje. Lo demostró infinitas veces y en diferentes versiones.

Los protagonistas, Marianela Núñez y Patricio Revé, en el tercer acto de “Don Quijote”. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza TC.

Con equilibrios largos y sólidos, impecable precisión en cada paso, un magnífico port de bras y maravillosos saltos, Núñez transita por la comicidad, por el guiño al público, por la ternura y por la pasión. Nada le falta a su Kitri para enamorar a Basilio. Tampoco para convertirse en la Dulcinea de los sueños de Don Quijote. Y nada le falta para despertar la pasión de un público devoto y fiel.

A su lado, Patricio Revé fue un Basilio encantador, con sólidos saltos, magníficos giros, técnica impecable y precisa. Pero, además, seducción, encanto y excelencia como partenaire. Ambos logran una conexión profunda, tanto, que parece que han bailado juntos desde siempre. El pas de deux del segundo acto fue conmovedor. Y al llegar al tercero, hicieron un despliegue asombroso de técnica, virtuosismo y bravura.

El Ballet Estable del Teatro Colón, bajo la dirección de Julio Bocca, se mimetizó con la energía de estos intérpretes y creció en calidad y entusiasmo. Un cuerpo de baile preciso y vital. Solistas que cuidaron al máximo cada una de sus variaciones. Un cupido encantador de Yoshino Horita, puso un toque fresco y cristalino al sueño de Don Quijote.

Pero sin duda, fueron los protagonistas Núñez y Revé los que convirtieron a este “Don Quijote” en una función para recordar y guardar en el corazón.

Crítica función de “Don Quijote”- 25 de julio.

Saludo final, Marianela Núñez y Patricio Revé. Una ovación con el público de pie en una sala desbordada. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza TC.

El Ballet Estable del Teatro Colón presenta “Don Quijote”, uno de los clásicos del repertorio académico. Foto: Carlos Villamayor. Gentileza TC.

Un ballet que marca un hito en la carrera de cualquier bailarín. Una prueba de bravura, técnica y destreza que se funde con la historia de amor entre Kitri, la hija del tabernero, y Basilio, un joven barbero con poco porvenir. Y en el medio, Don Quijote, un personaje entrañable de la literatura universal. Todo esto confluye para una celebración de la historia y de la tradición de los Cuerpos Estables del Teatro que, este año cumplen un siglo.

El Ballet Estable del Teatro Colón comienza una nueva etapa con la dirección artística de Julio Bocca, un bailarín que ha quedado en la memoria tanto de los argentinos como del público internacional. La decisión de presentar “Don Quijote”, uno de los clásicos del repertorio académico, marca también un punto de inflexión.

Con coreografía de dos bailarines que hicieron historia en la compañía, Silvia Basilis y Raúl Candal, esta versión se estrenó por primera vez en el Ballet Nacional del SODRE de Montevideo, por entonces, dirigido por Bocca. Basada en la original de Marius Petipa (1869), revisada por Maximo Gorsky en 1900, “Don Quijote” llegó en 1980 al Ballet Estable del Teatro Colón, a través del coreógrafo yugoslavo Zarko Prebil. Esta puesta incorpora, a su vez, la “Variación de las copas”, creada por el inolvidable Mikhail Baryshnikov.

“Don Quijote”, obra basada en un capítulo del segundo libro de Miguel de Cervantes, “El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha”, es una suerte de comedia en la que el humor y la picardía son protagonistas.

La música original de Ludwig Minkus, interpretada por la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, bajo la dirección musical de Manuel Coves, mantuvo el espíritu de esta obra y se ajustó con precisión a la coreografía. La escenografía y el vestuario de Hugo Millán, son elementos de contraste interesantes, especialmente, el diseño escenográfico que, más allá de los trazos contemporáneos y minimalistas, se ajusta con perfección al entorno.

Entre los bailarines invitados para los roles de Kitri y Basilio figuran Celeste Losa y Nicola Di Freo (funciones del 30 de julio y 2 de agosto), y Marianela Nuñez junto con Patricio Revé, el 31 de julio y el 3 de agosto.

El viernes 25, un día después del estreno, los protagonistas fueron Camila Bocca como Kitri y Jiva Vélazquez en el rol de Basilio. Ambos, precisos en sus variaciones, fluidos y cuidados, no han logrado aún la fusión necesaria como partenaires que requiere este ballet. Si bien hubo momentos de ajustada técnica, tanto en el primero como en el segundo acto. Pero fue en el tercero, donde Bocca se lanzó con magnífica precisión en sus 32 fouettes, sin salir de su eje y con la gracia natural de una Kitri feliz por el triunfo del amor.El cuerpo de baile mostró un sólido trabajo, especialmente en la coordinación de las escenas grupales, tanto en las danzas de carácter como en el acto blanco de las Dríadas. El jefe los gitanos, en el segundo acto, Luciano García, hace un despliegue de energía impecable en sus saltos y pirouettes. Acompañado de Maricel De Mitri, intensa y estupenda en su rol de gitana. Los dos ponen un interesante toque de sensualidad a sus personajes.

Stephanie Kessel, en su Cupido, mostró a una bailarina digna de tenerse en cuenta. Delicada, con bellos brazos y musicalidad. Milagros Niveyro, como la reina de las Dríadas fue precisa y sirvió como un complemento interesante para esta Kitri convertida en la Dulcinea de los sueños de Don Quijote.

En la escena de la taberna, Velázquez tuvo un buen desempeño en la Variación de las copas, coreografía de Baryshnikov. Un solo que requiere de un bailarín de enorme solidez técnica para atravesar las exigencias de virtuosismo de esta coreografía.

Cuando todo se arregla, y finalmente triunfa el amor y el padre de Kitri accede al casamiento con Basilio, llega el esperado tercer acto. Un desborde de alegría y celebración que culmina en el grand pas final. Velázquez sale airoso en los clásicos grands jetés y en los giros, si bien todavía necesita incursionar más en este rol para mostrar solvencia en su interpretación y en su técnica. Bocca, excelente, precisa y vibrante da cierre a esta historia con final feliz, castañuelas y festejos.

Escuela de danza de la Fundación Julio Bocca. Foto gentileza: FJB.

Creada por el bailarín Julio Bocca en 1998, la Fundación Julio Bocca es uno de los grandes referentes en el desarrollo de programas de becas en todas las disciplinas del arte. A lo largo de 20 años ha beneficiado a más de 10.000 alumnos.

Con motivo de la muerte de Elena Presas, quien fue presidenta de la Fundación durante 22 años, el consejo administrativo designó en el cargo a la bailarina, coreógrafa, entrenadora y filántropa Débora Levit.

Carlos Repetto, director general de la entidad destacó “estamos muy entusiasmados con lo conformación de este equipo de trabajo que sin duda contribuirá a cumplir con la agenda solidaria, académica y social que lleva a cabo la Fundación Julio Bocca”:

Esta institución sin fines de lucro, pionera en desarrollar programas de apoyo académico para alumnos de toda la Argentina y América Latina, que deseen iniciar o continuar su formación en el ámbito de la danza o el teatro musical, posee un amplio programa de intercambios con otras instituciones de perfiles similares.

La impronta, el nivel de exigencia, la experiencia y la excelencia propuesta por Bocca se puede observar en el nivel de los maestros que desarrollan las actividades académicas y sociales en la institución. Desde hace más de 25 años los alumnos han podido tomar contacto con educadores de alto nivel.

La Fundación abre sus puertas de lunes a lunes justamente para tener una amplia llegada como escuela y como institución. “Lo que nos importa es poder permitirles a niños, jóvenes y adultos formarse en un entorno seguro en disciplinas donde se sientan más cómodos y se identifiquen”, afirman los directivos.

Su nueva presidenta, que fue embajadora de la Fundación en Estados Unidos, se formó en el Instituto del Teatro Colón, como también con Alexandre Proia (Opera Paris, NYC Ballet) y Susan Jaffe.

En Buenos Aires integró el Ballet Gabriela Pucci. Sus maestros de ballet fueron Olga Ferri, Lidia Segni, Raúl Candal. Y ya radicada en Estados Unidos recibió el premio de Defensa de la ciudad de Nueva York en reconocimiento a su compromiso y servicio a esta ciudad, otorgado por Letitia “Tish” James (ahora fiscal general de Nueva York).

Fue modelo para campañas de Capezio Dance Shoes and Clothing, y actualmente, es miembro de la junta de Peridance Contemporary Dance en Nueva York. Es directora y coreógrafa de su propio grupo de danza Urban Splendor, que persigue una estética enfocada en el cruce de las danzas urbanas, el “lyrical” jazz y las proyecciones multimedia.

Levit, a su vez, es miembro de la Fundación NYDG para personas con enfermedades de la piel y albinismo, principalmente en África (Ruanda).

Olga Ferri y Enrique Lommi, en “Giselle”, ambos formaron parte de una generación de notables intérpretes y destacados maestros. Foto: Miguel Micciche. Gentileza Patricia Casañas.

Enrique Lommi
Por Patricia Casañas

Nació el 1º de julio de 1922. Entre sus maestros cabe mencionar a José de Cherpino, Esmée Bulnes, Michel Borowski, Leonide Massine, Serge Lifar y Nicolai Zvereff.

Desde su ingreso al Ballet Estable del Teatro Colón en 1941, a instancias de Leónidas Barletta, fundador del Teatro del Pueblo, cumplió una extensa y prolongada actuación. Fue bailarín solista de la compañía en 1947 y Primer bailarín por concurso en 1949, siendo el primer argentino en alcanzar ese rango en el Ballet Estable.

Durante veinticuatro años Enrique Lommi interpretó la mayor parte del repertorio del elenco. Bailó junto al Original Ballet Russe del Coronel de Basil en las tres temporadas que el conjunto extranjero realizó en la Argentina. Fue el protagonista del estreno mundial del ballet “Estancia” de Michel Borowski, con música de Alberto Ginastera, en el Teatro Colón en 1952. Entre sus papeles más logrados se encuentran los que exigen un fuerte carácter dramático, como el Predicador en “El niño brujo”, las hermanastras en “Cenicienta”, Coppelius en “Coppelia”, Teobaldo en “Romeo y Julieta”, Yago en “Otelo”, “Hamlet”, y muchos otros.

Su actividad en Europa se desarrolló en el marco del Ballet de Berlín (Berliner Ballet), oportunidad en la que también se desempeñó como maestro en la Escuela de la Ópera de esa ciudad.

Enrique Lommi interpretó la mayor parte del repertorio del Ballet Estable del Teatro Colón. Foto: Marilina Calós. . Gentileza Patricia Casañas

Su trayectoria docente incluye la Dirección de la Escuela Municipal de Danzas de San Nicolás, su participación como maestro de la Compañía de Joaquín Pérez Fernández, de la Gran Compañía Española de Antonio el Chavalillo y de la compañía Municipal de la ciudad de Rosario.

Impulsor del ballet en el interior del país, formó muchas compañías privadas. También es autor de numerosas coreografías para televisión y cine: “Romeo y Julita”, “La simuladora”, “Adiós, pampa mía”, entre otras películas.

Fue codirector del Ballet Estable del Teatro Colón y Director del Ballet Argentino de La Plata, y es coautor del libro “La Danza: su técnica y sus lesiones más frecuentes”.

Junto a su esposa, la recordada estrella de la danza argentina Olga Ferri, fundó en 1971 el Ballet Estudio, institución de gran prestigio en Buenos Aires, donde se formaron reconocidas figuras de la danza como Paloma Herrera, Ludmila Pagliero, Iñaki Urlezaga, Julio Bocca, Carolina Agüero, Raúl Candal, Alejandro Parente, y otros.

El 20 de septiembre de 2018, el maestro Enrique Lommi fue merecedor de la Mención de Honor Juan Bautista Alberdi otorgada por la Cámara de Diputados de la Nación por su extenso e invalorable compromiso con la cultura.

Gustavo Mollajoli
Danzahoy/Prensa Teatro Colón

El  maestro de ballet Gustavo Mollajoli, reconocido ex bailarín y coreógrafo, quien fue integrante del Ballet Estable del Teatro Colón entre 1958 y 1980, y posteriormente, director de la compañía en dos oportunidades, murió en Buenos Aires debilitado por una enfermedad prolongada que provocó un paro cardíaco.

Gustavo Mollajoli, reconocido ex bailarín y coreógrafo, integrante del Ballet Estable del Teatro Colón entre 1958 y 1980. Foto gentileza Prensa Teatro Colón.

Nació en 1935 en Entre Ríos, en la ciudad de Federación, estudió con Jorge Tomin, Wasil Tupin y María Ruanova, entre otros, y luego integró como solista el Ballet del Teatro Argentino de La Plata en 1957. Se unió al Ballet Estable del Teatro Colón donde fue primer bailarín entre 1966 y 1980 ejerciendo también el rol de Director del Ballet Estable del Teatro Colón entre 1973 a 1974 y luego desde 1984 a 1989.

Dirigió el Ballet de Dallas en los Estados Unidos entre 1979 y 1982, y fue maestro del Ballet de Minas Gerais del Grupo Corpo (Brasil) entre 1989 y 1997 y maestro de ballet del Teatro Municipal de Rio de Janeiro entre 1999 y 2003 para luego regresar como Director Artístico de la Compañía de Ballet del Teatro Argentino de La Plata entre 2005 y 2006.

Su repertorio como intérprete se extiende desde “El Lago de los cisnes” a “La Consagración de la Primavera” de Oscar Araiz. Entre sus obras se destacan su versión de “Giselle” de 1984 –la versión más bailada en el Teatro Colón–, también el dúo “A Buenos Aires” estrenado en 1985 por Julio Bocca y Raquel Rosetti estrenada en Moscú y cabe señalar la pieza “Suite Porteña” en 1988.

En 1985, fue nombrado socio honorario del Consejo Argentino de la Danza dependiente del Consejo Internacional de la UNESCO con sede en París y miembro permanente de la Asociación Iberoamericana de Especialistas en Ballet.

Norma Fontenla y Gustavo Mollajoli compartieron escenario en el Teatro Colón. Foto gentileza Prensa Teatro Colón.

Basada en el cuento de Charles Perrault con elementos argumentales de los hermanos Grimm, “La Cenicienta” es una coproducción con el Teatro Argentino. Foto gentileza Ballet del Sur.

“La Cenicienta”, uno de esos cuentos simbólicos e inolvidables de la literatura infantil, y ya un clásico del ballet, llega a Bahía Blanca a través del Ballet del Sur, dirigido por Ricardo Alfonso. Desde el 25 al 27 septiembre en el Teatro Municipal de Bahía Blanca, subirá a escena la obra con coreografía de Rodolfo Lastra Belgrano, sobre música de Serguéi Prokofiev

La obra, presentada por OAS, Organismo dependiente del Instituto Cultural de la Provincia de Buenos Aires, con la participación de la Orquesta Sinfónica Provincial de Bahía Blanca dirigida por Federico Sardella.

Basada en el cuento de Charles Perrault con elementos argumentales de los hermanos Grimm, “La Cenicienta” es una coproducción con el Teatro Argentino, que cuenta con diseño de escenografía de Gaston Jouvert, diseño de vestuario de Nicolás Biolatto.

El Ballet del Sur comenzó sus actividades en Bahía Blanca en 1956, con la voluntad y vocación de un grupo de jóvenes a cargo de la Alba Lutecia, y en 1961 fue oficializado por el gobierno de la provincia de Buenos Aires. Realizó su labor de divulgación estética y cultural a través de la inclusión dentro de su programación de funciones para estudiantes y niños. Cuenta en su vasto repertorio de obras del ballet universal como “Coppelia”, “Giselle”, la versión integral del “Lago de los Cisnes”, “Gayané”, y su versión de Augusto Bournonville de “La Silphide” es única en Latinoamérica

En esta producción del clásico de Perrault, el Ballet del Sur convocó a Lastra Belgrano, quien fue director de la compañía desde 2006 hasta 2009. El coreógrafo, fue integrante del Ballet Estable del Teatro Colón, recibió becas del Joffrey Ballet y de la Fundación Harckness, y fue contratado en 1977, por el London Festival Ballet como primer solista.

La creación coreográfica desde 1979  es el centro de su actividad artística. Sus obras “Romeo y Julieta”, “Belisem y Belisema”, “Encuentro”, “Romances” y “Adagio”, fueron interpretadas por figuras tales como Silvia Bazilis, Cristina Del Magro, Raúl Candal, Julio Bocca, Maximiliano Guerra, Eleonora Cassano y otros.

Nueva versión de "El Lago de los Cisnes", interpretada por el Ballet Nacional del SODRE. Foto: Fabián Centurión. Gentileza Archivo Nacional de la Imagen SODRE.

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Éxito artístico y llenos totales alcanzaron las 14 funciones de “El Lago de los Cisnes”. Obra que cerró la temporada 2010 del Ballet Nacional del SODRE, que dirige Julio Bocca.

La coreografía de Raúl Candal para “El Lago de los Cisnes”, que presentó el Ballet Nacional del SODRE, respetó el guión original de Begitchev y Geltzer. Metáfora que relata el amor de la Doncella-Cisne, Odette y el Príncipe Sigfrido, enfrentado a la maldad del mago Von Rothbart y su hija Odille. En cambio, como es lógico suponer, conservó muy poco de las coreografías de Petipa-Ivanov.

Del primer acto de Petipa, el coreógrafo repositor, usó solo el Pas de Trois. Mientras que, en el tercero, reconstruyó todas las danzas de carácter. Además, introdujo cinco variaciones para las princesas invitadas, entre las cuales, Sigfrido debía escoger esposa. Pero, el Pas de Deux, las variaciones y la coda de El Cisne Negro, son fieles a la coreografía de Petipa.

En el segundo acto, Candal reestructuró las danzas del cuerpo de Baile. Pero, no hubo variantes sustanciales en la coreografía de Ivanov, para el primer Pas de Deux, o en el hermosísimo Adagio; como tampoco las hubo, en el famoso Pas de Quatre, en el Vals de las solistas, o en la variación y coda de Odette con el conjunto. En cambio, el cuarto acto, es completamente nuevo. Atractivos diseños y pasos, aligeraron la acción, sin apartarse del estilo de Ivanov.

Por otra parte, el coreógrafo acertó en la composición del Bufón. También lo hizo, al otorgar protagonismo al mago Von Rothbart, durante toda la obra; especialmente en la obertura orquestal del segundo acto. En cambio, Candal, no resolvió de manera efectiva, la muerte de los protagonistas: antes del grandioso despliegue orquestal que cierra el ballet.

Tres de nuestras bailarinas, enfrentaron airosas, y por primera vez, el difícil rol de Odette-Odile. Giovanna Martinatto, logró la morbidez del ave en los actos blancos, y a la vez, enlazó sinuosa malicia con alardes técnicos, en el tercero. En el rol de Sigfrido, la acompañó un bailarín excepcional; José Manuel Carreño, artista del American Ballet Theatre. Carreño tiene la condición nada común, de hacer ver como fácil, lo que no lo es. Saltó sin que se notara esfuerzo en el impulso. Hizo numerosas piruetas, que finalizaron con naturalidad, sin gestos enfáticos. Sus dobles giros en el aire, los terminó en perfecta posición de pies y con las rodillas flexionadas, como indican los textos. Pero, lo que más llamó la atención de él: fue el noble porte, los movimientos elegantes, y la exquisita manera de mover los brazos. Además, sobresalió como partenaire: acompañó a La Martinatto con amoroso cuidado, como solo sabe hacerlo, un Danseur Noble.

Rossina Gil bailó el doble rol de Odette-Odile, luciendo su bellísima figura. Proyectó en el Cisne Blanco, una visión romántica y apasionada; contrapuesta al hechizo engañoso que predominó en el Cisne Negro. Avetik Karapetian, bailarín del Royal Swedish Ballet, no fue el Sigfrido ideal para ella. En cambio, sí, un buen solista, en las variaciones de los actos primero y tercero. 

Vanessa Fleita, por su parte, encaró el personaje protagónico con adecuada personalidad, seguridad técnica, y, sobre todo, notable musicalidad. Bailó con lirismo los actos blancos, y, con perversidad, atrapó a Sigfrido en el tercer acto. Samuel Bianchi fue su correcto partenaire; discreto como bailarín y de relativa presencia escénica.

Francisco Carámbula, personificó al siniestro Von Rothbart. En la elaboración del personaje, dio rienda suelta a su poderosa fuerza interior, que tradujo con movimientos y gestos elocuentes. Ismael Arias, compuso el Bufón: lo resolvió con brillo en las dificultades técnicas, y lo actuó con maestría en las contra escenas.  Sebastián Arias, Romina Grecco y Marina Sánchez, bailaron con estilo el Pas de Trois del primer acto. En los dieciocho cisnes, las dos solistas, y el aclamado Pas de Quatre, que intervinieron en los actos blancos, hubo momentos notables y otros perfectibles. Las variaciones de las cinco princesas, alcanzaron buen nivel técnico. Energía y ritmo, tuvieron las briosas danzas de carácter: Czardas, Danza Española, Danza Napolitana y Mazurka.

En el transcurso de las 14 funciones de El Lago de los Cisnes, fueron superándose desajustes y desprolijidades. Los conjuntos y solistas, alcanzaron tal grado de corrección, como no se había visto antes en la Compañía. La complejidad del espectáculo que nos ocupa, fue un desafío. De él salió fortalecido nuestro Ballet Nacional. Es posible, que las grandes obras del repertorio clásico, no sean, por el momento, el perfil que nos identifique. Pero el hecho de abordarlas, y darlas a conocer al público, con la jerarquía alcanzada en esta producción, lo justifica. Por supuesto… ese resultado, tiene nombre y apellido: Julio Bocca.