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El nacimiento de una compañía

mgueler — Thu, 31 Oct 2024 03:34:53 +0000

El Ballet Español de la Comunidad de Madrid en “Sinfonía Española”. Foto: Ana Yáñez. Gentileza Teatros del Canal de Madrid.

Preservar y difundir el patrimonio histórico de la danza española en todo el mundo y la promoción de la Comunidad de Madrid como destino turístico y cultural fueron dos de los objetivos que arguyó Isabel Díaz-Ayuso, presidenta de la región, cuando anunció la creación del Ballet Español de la Comunidad de Madrid hace poco más de un año. Días después se comunicó que la dirección de la nueva compañía recaía en el bailaor y coreógrafo Jesús Carmona (Barcelona, 1985). Avalado por numerosos galardones entre los que destacan el Premio Nacional de Danza 2020 y el Premio Benois de la Danse 2021, el artista catalán asumía el reto de crear una compañía de danza española, es decir, un conjunto que bailara con solvencia los cuatro pilares de la danza española: Escuela Bolera, danza estilizada, folclore y flamenco.

El 12 de octubre, día de la Fiesta Nacional de España, y con la asistencia de la propia presidenta, echó a andar el Ballet Español de la Comunidad de Madrid, compuesto por 20 bailarines y tres músicos. Con ocasión de su debut, la compañía presentó un doble programa compuesto por las obras “Suite española” y “Epifanía de lo flamenco”, del que ofreció un total de doce funciones que finalizaron el 27 de octubre.

El bailaor Jesús Carmona” en la pieza “Asturias”. Foto: Ana Yáñez. Gentileza Teatros del Canal de Madrid.

Basándose en la partitura de Isaac Albéniz “Suite española. Op. 47” (1882-1889), Eduardo Martínez, primer bailarín del Ballet Nacional de España, Arantxa Carmona, directora del Real Conservatorio Profesional de Danza ‘Mariemma’ y experta en folclore, y el propio Jesús Carmona, firman las ocho coreografías de la obra: “Granada”, “Cataluña”, “Sevilla”, “Cádiz”, “Asturias”, “Aragón”, “Castilla” y “Cuba”. Con la Joven Orquesta de la Comunidad de Madrid bajo la batuta de Manuel Covés en el foso, “Suite española” ensambla los diferentes cuadros escénicos con una suerte de coreografías que mezclan la danza estilizada con danzas folclóricas, como la sardana catalana o la jota aragonesa. Sobre un linóleo rojo y un ciclorama en el mismo tono, el joven elenco, ataviado de blanco, en una buscada analogía con los colores de la bandera de la Comunidad de Madrid, mostró una ejecución desigual en la obra y claro está, el abismo es enorme cuando Jesús Carmona se sube al escenario para interpretar su versión de “Asturias”, considerada una de las coreografías emblemáticas de Antonio Ruiz Soler y cuyo original fue estrenado en los Jardines del Generalife por Antonio y su Ballet Español en el marco del V Festival Internacional de Música y Danza de Granada, el 30 de junio de 1956.

Si la primera parte quiso agradar a través del acercamiento a la danza española con una visión estilizada y con un acento folclórico, el segundo acto estuvo protagonizado por el flamenco, disciplina que en la oferta escénica ha engullido al resto de pilares de la tradicional compartimentación que realizara Mariemma. “Epifanía de lo flamenco” es una antología de palos flamencos, fraguados entre España y América, en lo que se denominan los cantes de ida y vuelta. Diez cuadros escénicos conformaron esta obra, que arrancó con una “Milonga” y finalizó con unos “Caracoles”, ya que, según señala el programa de mano, se trata del palo flamenco más representativo de Madrid. Al igual que hiciera en la primera parte, Carmona se reservó un solo, “Romance”, para demostrar por qué está considerado uno de los bailaores más destacados de la actualidad. La música en directo vino de la mano de Juan Requena en la guitarra y Kiki Morente en el cante. Queriendo ofrecer un buen surtido de palos flamencos en el debut del Ballet Español de la Comunidad de Madrid, Carmona no midió la duración de la obra, ya que la pieza hubiera estado mejor encuadrada si hubiera prescindido de parte de su metraje.

Siempre es una buena noticia la creación de una nueva compañía y máxime si ésta cuenta con el patrocinio de una institución pública. A excepción del Ballet Nacional de España -también compañía pública- y de algún que otro admirable ejemplo, paradójicamente España tiene un déficit de compañías que defiendan con solvencia la danza española en sus cuatro vertientes, siendo el flamenco el hermano mayor que ha fagocitado al resto de estilos. Por eso es loable el propósito de querer preservar el patrimonio dancístico común, más allá del cálculo político que pueda haber detrás de la decisión. En su deseo de contentar tanto a la institución que lo amadrina como al público de la capital, Jesús Carmona quiso abarcar en exceso en un programa muy ambicioso, perdiendo en parte su genuina esencia. Respecto al elenco, la juventud y bisoñez del cuerpo de baile marcó su interpretación, que aún necesita de la experiencia que dan las tablas para pulir asincronías, entre otros pequeños deslices. El tiempo da y quita razones, y será el tiempo el que dictará sentencia sobre la permanencia del Ballet Español de la Comunidad de Madrid. De momento, el público congregado en la función del 17 de octubre lo tuvo claro y premió la apuesta con una entregada ovación.

Arturo O’ Farrill, un indiscutible

mgueler — Sun, 23 Jun 2024 22:12:22 +0000

Arturo O’ Farrill, Premio Nacional de Danza 2024, actuación especial en estreno de “Comunidad” por el CFNC. Foto gentileza CFNC.

Por sus inmensos méritos artísticos, logrados durante tres décadas como bailarín y otra treintena de años dedicados a la docencia como jefe del departamento de danza folklórica de la habanera Universidad de las Artes, un jurado de expertos locales instalado por el ministerio de cultura el mes pasado, después de analizar los expedientes de las otras distinguidas nominaciones, decidió otorgar el Premio Nacional de Danza 2024 al maestro, músico y bailarín Alfredo O ́Farrill Pacheco, quien ya su público lo había bautizado como “Papá Shangó”, por su excelencia en la interpretación de la deidad yorubá sincretizada con la católica Santa Bárbara, encarnación erotizada del fuego, el trueno, la guerra, con una inimitable emotividad comunicativa, en tanto que primer bailarín estelar del Conjunto Folclórico Nacional de Cuba (CFNC).

Este máximo galardón nacional anual lo han merecido varias luminarias vinculadas al CFNC en ocasiones precedentes, y el laureado presente, con particular modestia asimila la integración de su nombre en tal memorable lista, donde estará compartiendo con algunos de sus profesores y colegas que contribuyeron a su excelsa formación profesional. De un chico bailarín urbano pasó a ser discípulo de Alberto Alonso, Sonia Calero, Santiago Alfonso, Ramiro Guerra, Eduardo Rivero, Isidro Rolando, entre otros. De ellos, admitió O ́Farrill en una entrevista a raíz de recibir este trofeo, que “la danza es una sola”. Para él, “la danza es el nombre propio, y sus apellidos son clásica, contemporánea, folclórica, y hay que estudiarlas todas como entrenamiento, para luego especializarse”. Confesó a su vez que, a partir del aprendizaje de las técnica clásica y moderna llegó a ser un mejor bailarín de folclor.

O ́Farrill bebió de todo aquello que pudiera aportarle en su superación artística, y esa fue su motivación primera para aprender a tocar los tambores rituales. A sus alumnos del Instituto Superior de Arte (ISA) les aconseja que el bailarín no tiene que convertirse en músico, pero sí debe conocer la percusión para saber cuándo cambia el ritmo en las diferentes danzas de los orishas. Fue así que el maestro de danza se convirtió en ejecutante de los tambores batá, de otros que acompañan la rumba, el guaguancó o la música carabalí, aprehendidos de fuentes directas por los más respetados practicantes del gremio religioso de ascendencia africana.

Con más de 70 años de vida profesional, Alfredo O ́Farrill deviene en una biblioteca viviente para sus discípulos, a los que siempre ha estado dispuesto a ayudar y a transmitirles sus saberes (algunos de ellos residentes en varias tierras lejanas).

Una antropología de la danza

“Los bailarines tienen que conocer la historia de la danza, las diversas culturas de lo africanos importados al trabajo esclavo- procedentes de varias regiones de África -que llegaron a la mayor de las Antillas en siglos pasados, así como sus orishas.

́De esos orishas, primero hay que conocer sus características para después darles movimiento; pero la religión no es obligatoria. Tengo alumnos que son católicos o no profesan religión alguna… eso forma parte del sincretismo cubano: sincretizar a los orishas con las figuras del santoral católico”.

Para O ́Farrill, hablar de folclor no debe circunscribirse al tópico de las danzas africanas y darlo por antonomasia que se trata de “santería”. El folclor nacional, apuntó, también lo conforman el danzón, el danzonete, el chachachá, la rumba, el zapateo cubano, entre otros bailes tradicionales vigentes por todo el país. ́ ́El folclor, por ende, lo hace el pueblo y el pueblo siempre está en evolución… y creando”.

Una retrospectiva de tradiciones

mgueler — Fri, 01 Sep 2023 18:26:01 +0000

El Conjunto Folclórico Nacional de Cuba recuperó y revisó obras de reconocidos coreógrafos cubanos. Foto gentileza CFNC.

El Conjunto Folclórico Nacional de Cuba, una de las cuatro emblemáticas compañías de danza del país con poco más de seis décadas, se propuso como objetivo esencial, contribuir “al rescate y revitalización de las tradiciones dancísticas y musicales” de la mayor de las Antillas. El compromiso fue seleccionar las más notables por su intrínseco valor cultural, para luego organizarlas de acuerdo con las más modernas exigencias escénicas -modélicas entonces las afamadas agrupaciones homólogas de los países de la Europa oriental-, empero sin traicionar “su esencia popular”.

En su andadura ininterrumpida de seis décadas, con sus lógicas altas y bajas, este conjunto ha desarrollado un particular estilo de arte folclórico teatral, el cual ha demostrado su “gran efectividad escénica y estética” -según la crítica internacional- , que consigue reflejar de manera espléndida las diversas raíces culturales nacionales, tanto de origen europeo como las de poderosos antecedentes africanos, provenientes de las sucesivas olas migratorias, involuntarias (el régimen esclavista) o voluntarias.

Así podríamos considerar este espectáculo multiétnico como una mirada retrospectiva y conmemorativa de este conjunto fundado en 1962. Con la reposición de varias coreografías icónicas de su repertorio pasivo, de cuatro de sus creadores locales, y se convierte en una especie de “diálogo desde el movimiento”, a partir de la participación de “los elementos antropológicos necesarios para una mejor comprensión de los procesos que conforman la identidad del cubano”, como expresa el programa de mano.

Hitos del repertorio: re-visitados

Pudimos apreciar, en poco menos de dos horas, una serie de piezas representativas que constituyeron historia en los últimos tiempos, concebido por el juvenil nuevo director general y artístico, Leiván García, bailarín solista que remplazó hace solo unos meses al veterano bailarín y coreógrafo Manolo Micler. García ha tenido el coraje de trabajar con un cuerpo de baile bisoño -un buen número de sus miembros ingresaron recién diplomados de la Escuela Nacional de Danza-, para cubrir las plazas vacantes por jubilaciones y éxodos hacia otros horizontes (algo similar ocurre con otras agrupaciones artísticas de la isla). El resultado en la escena mostró las potencialidades emergentes, con la ayuda de los entrenadores bajo la pericia de la veterana bailarina Julia Fernández González, responsable de una loable puesta en escena en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba.

En esta ocasión, Fernández asumió con valentía la entrega de una docena de obras recuperadas y revisadas, creadas para esta compañía por reconocidos coreógrafos cubanos, tales como Santiago Alfonso y Roberto Espinosa, y del predecesor director, Manolo Micler, seis piezas. También incluyó un exuberante divertimento de Pancho González, donde la patrimonial rumba rindió tributo a don Luis Carbonell, paradigmática personalidad de las artes escénicas cubanas en el centenario de su nacimiento.

En poco menos de dos horas intensas e inmersivas -el gran final carnavalesco provocó la participación bailable del público entusiasta-, el espectáculo consiguió la aprobación unánime de esta heterogénea audiencia, conformada por los fieles seguidores del CFNC y los nuevos aficionados, así como un buen número de visitantes foráneos curiosos por ser introducidos en la ritualidad de los sincretismos cubano-africanos.

Con la primera parte del programa disfrutamos de un desfile de las deidades fundamentales del panteón yorubá y con la segunda, repasamos los más identitarios ritmos bailables de nuestro acervo cultural popular. De la primera serie debo señalar el soporte musical en vivo dominado por la percusión canónica de los tres tambores batá auténticos, ejecutados por dignos herederos de otrora cultores rituales de pura sangre.

En general, las puestas en escena recibieron un tratamiento respetuoso de modernidad, desde el punto de vista producción, con el cuidado de no desvirtuar las conocidas ortodoxias, si bien en ciertas ocasiones se desvelaron contaminaciones, aceptables, de técnicas dancísticas más contemporáneas, ajustadas a la destreza del cuerpo de baile actual: un hic et nunc del CFNC.

Algunas de las obras de los destacados coreógrafos estuvieron beneficiadas con brillantes solistas (solos y dúos por parejas mixtas), fue el caso con “Olokun” y “Danzón Barroco” de Santiago Alfonso, Premio Nacional de Danza 2006; o en “Oguere” y “Oyá” de Roberto Espinosa, o el “Ave María a la Rumba” de Pancho González, así como las seis miniaturas firmadas por Micler: “Cautivos”, “Okún”, “Ayanu”, “Habanera”, “Isora Club” y “Carnavaleando”.

Por mérito y talento

mgueler — Thu, 06 Jul 2023 13:14:21 +0000

José Antonio Chávez y Guetton es profesor auxiliar de la filial de la Universidad de las Artes de Camagüey. Foto gentileza RM.

Un jurado integrado por galardonados con el Premio Nacional de Danza fue convocado este mes de mayo por el Ministerio cubano de cultura para otorgar el máximo lauro anual de esta manifestación cultural, el cual correspondió al coreógrafo y maestro José Antonio Chávez y Guetton.

Este reconocimiento se otorga anualmente teniendo en cuenta el meritorio trabajo de creadores e intérpretes cubanos vivos, de destacada trayectoria y cuya labor contribuye al desarrollo de esa especialidad artística, según los estatutos establecidos.

El laureado “pertenece a una generación de creadores que apuntaron e hicieron visible la coreografía en el Ballet de Camagüey, provincia central de la mayor de las Antillas, en un momento decisivo para que esta agrupación agramontina tuviera un repertorio con piezas hermosas y de alto vuelo artístico”, según consta en el acta del jurado.

Entre los nominados al premio estuvieron Luz María Collazao Reyes, Viengsay Valdés, Liliam Padrón Chávez, Alfredo O’Farrill Pacheco y Miguel Cabrera, todos ellos han dejado una importante impronta en la cultura nacional. El jurado, integrado por eminentes profesionales de la danza, que estuvo presidido por la primera bailarina y maestra Aurora Bosch, decidió por unanimidad otorgarle el Premio 2023 al coreógrafo y maestro Chávez Guetton. Entre sus valiosas creaciones para el Ballet de Camagüey figuran “Ofelia”, “Fatum”, “Vivaldiana” y “Concierto Barroco”.

Actualmente, es profesor auxiliar de la filial de la Universidad de las Artes en esa provincia, a cargo de las asignaturas de composición coreográfica, historia y teoría de la danza, entre otras. Igualmente ha colaborado con otras agrupaciones de danza y teatrales de Camaguey y a nivel nacional. También contribuyó a la fundación del Ballet de Santiago de Cuba y el Ballet de Cámara de Holguin.

A sus 78 años ha recibido numerosos méritos y reconocimientos por diversas instituciones culturales y estatales, entre ellas la del Aniversario 40 de la Universidad de Camaguey y el codiciado premio Espejo de Paciencia.

Pasado y presente renuevan el mito

mgueler — Tue, 20 Jun 2023 16:01:40 +0000

VSS Compañía de Danza A.C. regresa a escena con la reposición de “Nahual”, obra significativa en la danza mexicana actual. Foto: Valeria Silvia Garza.

En medio de una mágica iluminación, surgen personajes misteriosos que, a través de sus movimientos, su inquietante danza sobre el escenario, buscan exaltar la grandeza del pasado y presente de un México enriquecido por su historia, su cultura y sus tradiciones.

Tal es la esencia del montaje “Nahual”, que ha regresado a la cartelera nacional para cautivar a nuevos espectadores y también para ofrecer una experiencia más íntima a quienes tuvieron la oportunidad de verlo antes. Se trata de una propuesta del reconocido bailarín, coreógrafo y maestro Vicente Silva Sanjinés, miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

El Teatro Varsovia es el escenario que alberga este montaje desde el 14 junio, donde permanecerá hasta el 25 de esta mes, bajo la interpretación de VSS Compañía de Danza A.C., una de las agrupaciones emblemáticas de la danza nacional contemporánea en nuestro país, con más de tres décadas de trayectoria.

“Nahual” surgió a raíz de las visitas y recorridos que el maestro Silva Sanjinés realizó por diferentes entidades de nuestro país, admirando sus ruinas, sus códices y toda clase de manifestaciones artísticas, culturales e históricas; de estas experiencias nació su deseo por que mejore la situación de esta tierra.

Nuevo recinto, nueva experiencia escénica

El destacado coreógrafo, ganador en dos ocasiones del Premio Nacional de Danza, comparte el entusiasmo personal y el de su compañía de regresar con esta coreografía que ha sido tan significativa no sólo dentro del repertorio del grupo, sino de la historia actual de la danza mexicana.

Explicó que llegan al Teatro Varsovia con un montaje más depurado, con mayor conciencia del espacio y una experiencia más íntima: “En este recinto el impacto de la obra se magnifica. Se pueden ver mejor las expresiones de los intérpretes. Sin lugar a duda la cercanía con el público nos motiva más, logrando una conexión única. Me atrevo a decir que es la mejor puesta de ‘Nahual’”.

Más sobre “Nahual”

Es el maestro Silva Sanjinés quien busca adentrar al espectador en un universo mítico a través de la siguiente explicación: “Fuimos chamanes, casi dioses. Nuestro rugir se escucha aún perdido en la inmensidad de la noche oscura de este mundo que nos es ajeno, sin conmiseración. Somos mariposas nocturnas que vuelan torpes y chocan con estrellas que al poco se caen de tristeza. Lloran ellas, lloramos nosotros. No encontramos nuestros nahuales. Se han perdido ¿o ya no nos quieren? ¿Se avergüenzan de nosotros? Perdimos la ruta del delfín, somos como ballenas encalladas, acto suicida con el ojo abierto, contemplando el fin del mundo. Transfiguraciones sin esperanza. Un vuelo que nunca levantó, una carrera que nos alcanza. Somnolientos nuestros avances. Dopados de falsos paraísos que a menudo promueven banales alegrías y terminan desmembrando nuestras alas de búho, tecolote, murciélagos y de aves sin paraíso. Regresar el tiempo para enmendar, para aprender y recobrar el camino. Cada uno como deidad, entidad divina. Naturaleza acabada. Si pudiese dar giros y convertirme en recuerdo, haría mil o más hasta lograr encontrar mi animal, mi nahual. Nuestra guía”.

Sobre la idea de nombrar “Nahual” a su pieza y la connotación que busca darle, el coreógrafo explica que hay muchas teorías y creencias en torno a los nahuales, los buenos y los malos, pero él prefiere pensar en un nahual como el espíritu de cada persona, esa cosa invisible que te motiva a luchar, a pelear por lo que crees que es justo. Al respecto comenta: “En el montaje hay cantos y textos que lamentan nuestra suerte, movimiento de lucha, de fuerza, que no se conforma con el destino. Gente que cree que puede cambiar las cosas, que pelean, que son capaces de dar su vida por un ideal. Es mi manera de pensar, y si tuviese que dar la vida por un mundo mejor, lo haría, siempre y cuando se me permita luchar”.

Funciones

“Nahual”
Del 14 al 25 de junio
Miércoles, jueves y viernes, 20:00 horas
Sábados, 19:00 horas
Domingos, 18:00 horas
Sede: Teatro Varsovia (Calle Varsovia 9, colonia Juárez, alcaldía Cuauhtémoc. A unas cuadras del Ángel de la Independencia)

Cuando termine esta guerra

mgueler — Tue, 18 Oct 2022 18:42:33 +0000

La Compañía Antonio Ruz presenta “Pharsalia” basada en el único texto que sobrevivió de los escritos de Lucano hace más de veinte siglos. Foto: Alperi. Gentileza: Teatros del Canal.

El Premio Nacional de Danza de 2018 adapta el poema épico inacabado del cordobés Marco Anneo Lucano, nieto de Séneca, escrito en el siglo I. “Pharsalia” es la primera producción de gran formato de la Compañía Antonio Ruz, en coproducción con los Teatros del Canal, y llega en un momento relevante de su trayectoria con su estreno absoluto en la Sala Roja el 21, 22 y 23 de octubre.

Basada en el poema épico inacabado del escritor cordobés Marco Anneo Lucano, nieto de Séneca, Ruz ha concebido “Pharsalia” como un “canto antibelicista a la danza como arma de liberación y de energía salvadora”, en un tiempo en el que, de nuevo, la guerra, esta vez en Ucrania, se hace presente.

Como recuerda el propio Ruz, “la guerra nos acompaña desde el comienzo de las civilizaciones, está en la naturaleza humana el deseo y la ambición, lo que induce a la inseguridad colectiva y a la lucha. Es un proceso brutal y peligroso pero que forma parte de nuestra especie”.

No sabía entonces, cuando esbozaba las líneas de este proyecto a principios de 2021, que el conflicto bélico sorprendería al coreógrafo, Premio Nacional de Danza en 2018, en medio del proceso creativo. Había escogido una obra de un cordobés como él, pero que vivió en el siglo primero de nuestra era. Es el único texto que ha sobrevivido entre los que escribió Lucano hace más de veinte siglos, en cuyos diez cantos aborda la guerra civil entre Julio César y Pompeyo Magno.

De la dramaturgia de “Pharsalia” se ha encargado la actriz, bailarina, coreógrafa escénica Rosabel Huguet, quien ha concebido la obra en tres momentos: antes de la guerra, durante la guerra y tras la guerra, en los que plasma los sentimientos que suscita la contienda: del miedo al caos, de la amenaza a la anarquía, el exilio y la esperanza.

A partir de esta dramaturgia, el trabajo coreográfico de Ruz, según explicó, indaga en la idea de la guerra desde un enfoque alegórico, poniendo al cuerpo al servicio de conceptos cotidianos como el conflicto, la crisis, la resistencia, la tensión o la evasión.

“Pero el ser humano no se conforma con su estado de guerra -comentó-, y es ahí, cuando aparecen en escena los vestigios de la belleza, de nuestra esperanza. La violencia del mundo, el desasosiego y la constante lucha por la supervivencia, por un refugio ante la adversidad, se vuelven aquí una experiencia estética elevada y sublime”.

“Pharsalia” es una obra concebida en tres momentos: antes, durante y después de un conflicto bélico. Foto: Alperi. Gentileza: Teatros del Canal.

El coreógrafo cordobés ha querido plantear “una reflexión crítica y comprometida sobre la crueldad y la barbarie en la sociedad contemporánea. Un alegato a favor de la concordia, el respeto y la compasión”.

Con una propuesta escénica y de vestuario contundente y una creación musical original que viaja entre lo épico y lo electrónico, once intérpretes transitarán coreografías cargadas de violencia, sutileza y teatralidad lanzándose, con toda su fisicidad, a una fiesta del combate.

Una música envolvente compuesta por Aire y marcada por elementos electrónicos y acústicos, rodeará al espectador despertándole, según explica su autor, “sensaciones más propias de una película que de una pieza de danza”, con sonidos que evocan “una batalla, la muerte, la reconciliación, el éxtasis y la conexión espiritual”.

Un lenguaje singular

Al concederle a Antonio Ruz (Córdoba, 1976) en 2018 el Premio Nacional de Danza 2018 en la categoría de Creación, el jurado valoró especialmente su “lenguaje singular” como resultado de una amplia investigación personal. Ruz aterrizó en el Ballet del Gran Teatro de Ginebra en 2001, después de formarse en su Córdoba natal y en la Escuela de Víctor Ullate en Madrid.

Su etapa en el extranjero se consolidó en el Ballet de la Ópera de Lyon y en 2006 regresó a España para formar parte del elenco de bailarines de Nacho Duato en la Compañía Nacional de Danza. En la búsqueda de su propio universo creativo destacó especialmente su relación con la prestigiosa coreógrafa Sasha Waltz.

En 2009 Ruz fundó su propia compañía con un estilo característico abierto a las influencias internacionales, las preocupaciones de sus obras son eclécticas: filosóficas, humanísticas, psicológicas o simplemente musicales, todas se caracterizan por una poética que inunda sus movimientos.

Tras los pasos de Juan Rulfo

mgueler — Fri, 17 Jun 2022 20:16:33 +0000

La Compañía Rosario Cárdenas comparte “Comala” con bailarines invitados de agrupaciones locales y colombianas. Gentileza: C R C.

La compañía cubana de danza que fundó y dirige la bailarina y coreógrafa Rosario Cárdenas, premio nacional de danza y laureada recién con la medalla de la Orden de las Artes y Letras por el gobierno de Francia, es la protagonista de “Comala”. En esta coproducción participan, colegiadamente sus bailarines con otras ocho agrupaciones de danza locales y una colombiana.

El bailarín, coreógrafo y pedagogo colombiano Alexei Marimón es el autor de esta puesta en escena y de su escritura coreográfica. Según el creador, la obra está concebida como una inspiración aleatoria y posmoderna de la conocida novela “Pedro Páramo” (1955), del notable escritor mexicano Juan Rulfo. Estamos ante el fruto escénico del intercambio cultural franco-cubano-colombiano, dentro de las acciones programadas en el denominado Mes de la Cultura Francesa en Cuba, de acuerdo con el programa de mano.

Marimón ha concebido “su” “Comala” como un “pueblo coreográfico” en el Caribe, donde el “realismo mágico” carpenteriano expone “la fuerza y poesía” de los bailarines de otras zonas geográficas de la Mayor de las Antillas y de Colombia. Los intérpretes, actores-bailarines viajan al “adentro de los adentros”, para sentir un paisaje compartido desde la esencia misma. “Esto permite descubrir el universo vital del texto de Rulfo, para dar a luz, -o a la danza-, una nueva versión de “Pedro Páramo”, concluye Marimón.

Actualmente, el coreógrafo invitado ejerce como director de la Compañía Plataformas Híbridos Francia-Colombia y, recientemente, fue merecedor del Diploma de Estado Francés de profesor de danza contemporánea.

Alexei Marimón, creador de “Comala”, presentado por la compañía cubana fundada por Rosario Cárdenas. Gentileza: C R C.

Focalizada en la región mexicana de Comala por el novelista Juan Rulfo en 1955, su novela “Pedro Páramo”, se ha convertido en un clásico de la literatura, enmarcada en un tópico literario universal. Ella encarna igualmente una realidad propia del mundo latinoamericano del siglo XX: el papel de caciquismo y la violencia en la conformación social, según los estudiosos de la obra. Ambos aspectos no se contradicen, sino que se implican para resumir un imaginario patriarcal.

El relato pudiera resumirse, desde su inicio, cuando el protagonista llega al pueblo de “Comala”. Este viaje representaba el cumplimiento de la promesa hecha a su madre, Dolores Preciado, en su lecho de muerte: cuando llega allí descubre que su padre está muerto y, junto a él, también casi todo el pueblo. Mediante las narraciones de los difuntos, Juan reconstruye la historia de su padre. Una lectura más acuciosa permite descubrir que Pedro Páramo murió viejo, solo y deshecho, “como piedras que se desploman”. Los murmullos de las almas penitentes de Comala agobian a Juan Preciado de tal manera, que muere de pavor en el medio de la calle. Desde la fosa donde fue enterrado, Juan cuenta su historia.

El coreógrafo es quien interpreta a Juan Preciado. Y en el desarrollo de su obra se extraña de la narrativa lineal y se apropia de las imágenes poéticas y dramáticas, a partir de un discurso de múltiples voces que se entrelazan en un universo donde pareciera que las acciones se superponen unas a otras “en un tiempo circular y mítico”. En su coreografía aplica dos procesos: con los rituales y con las culturas de los pueblos originarios que nos han llegado con sus variantes sucesivas, para renacer en nuestro imaginario contemporáneo: los saltos brutales; la gestualidad explosiva; la “fisicalidad” morfológica diversa en contraste con el lirismo conclusivo. Todo apoyado por un estupendo soporte musical, los elementos decorativos escénicos de las máscaras blancas, los cirios iluminados o la arenas invasivas.

El trabajo coral de los diseños coreográficos por este equipo de atléticos danzantes, se nos entrega con eficacia y coherencia estética, con la intervención excepcional de Alex Quin cuando interpreta “Coca por coco”, de Herencia de Timbiquí.

Nuestra valoración general del espectáculo se ha visto lastrada por el intempestivo cambio de la instalación teatral, prevista para el hermosamente restaurado Teatro Martí, seriamente dañado como consecuencia de la explosión de gas que destruyó el inmueble colindante, el lujoso hotel Saratoga, y la transferencia in extremis de las representaciones al teatro Miramar (arquitectura para cine de los 50s), sin el equipamiento técnico para esta producción.

No obstante, el resultado artístico ha sido más que loable, por lo que merece una nueva oportunidad en otra instalación teatral en la capital o provincias. Ello depende del interés que manifiesten los copatrocinadores foráneos (principalmente franceses) y los nacionales (en prioridad el Ministerio cubano de cultura).

La elegida fue Laura Alonso

mgueler — Sun, 23 May 2021 23:40:13 +0000

En Prodanza se entrenan y forman jóvenes bailarines con el método de la Escuela Cubana de Ballet impartido por Laura Alonso. Foto gentileza Prodanza.

A fines de abril, Cuba volvió a otorgar su tradicional Premio Nacional de Danza, un reconocimiento a las grandes personalidades que han hecho historia en la isla. Un premio que se institucionalizó en 1998 y que tiene en cuenta fundamentalmente la trayectoria y el aporte a la danza cubana.

Este año, con un jurado encabezado por el maestro Johannes García, ganador de este premio en 2020, la elección fue para Laura Alonso, bailarina, profesora y creadora del Centro de Promoción de la Danza de Cuba, ProDanza, por su consolidada trayectoria artística.

Ese mismo miércoles 28 de abril, el Consejo Nacional de Artes Escénicas (CNAE) informó en sus redes sociales que el Premio Nacional de Danza 2021 en Cuba fue concedido a la gran maitre de ballet y directora de la compañía Prodanza. En esta institución se entrenan y forman jóvenes bailarines con el método de la Escuela Cubana de Ballet.

“Mi padre, mi tío y mi madre hicieron el syllabus para la escuela cubana de ballet -dijo hace algunos años Laura Alonso en un reportaje en los Estados Unidos-. Mi padre fue el maestro que implementó el método, mi tío, el coreógrafo y mi madre, la bailarina que mostró esta escuela al mundo. Esta técnica es la nueva, las otras tienen más de 500 años de antigüedad. Tiene todos los nuevos descubrimientos para el atletismo en el ballet y utiliza nuevas las técnicas científicas.”

Hija de Fernando y Alicia Alonso, sobrina de Alberto Alonso, “Laurita”, como la llamaban los familiares más cercanos, creció inmersa en la danza y la cultura. Comenzó sus estudios en la Escuela de Ballet de la Sociedad Pro-Arte Musical de La Habana, creada en 1931 por los dos hermanos Alonso (Fernando y Alberto) y por Alicia Alonso. Allí se formó con Alberto Alonso, León Fokine y otros profesores. Fue solista del Ballet Nacional de Cuba (BNC) por más de 20 años. Y ya en la década de 1980 creó el Departamento de Docencia Especializada, para promocionar y difundir la metodología de la escuela cubana de ballet.

Laura Alonso recibió Premio Nacional de Danza 2021 por la labor pedagógica que ha realizado dentro y fuera de Cuba. Foto gentileza Prodanza.

La creación del Centro ProDanza, marcó un hito en la historia del ballet de Cuba, y también en su carrera. El centro reunió agrupaciones de diversos estilos, acogió a las nuevas generaciones a través de La Joven Guardia, la cual abrió una puerta para el desarrollo profesional. Jóvenes bailarines que luego fueron primeras figuras del BNC como José Manuel Carreño, Svetlana Ballestaer, Xiomara Reyes, Lienz Chang, Ernesto Quenedit, Gladys Acosta, Ana Lobet, Julio Arozarena, Lorena y Lorna Feijóo, Galina Álvarez, Anissa Curbelo, Ariel Terrero, Armando González, Joan Boada, Alihaydeé Carreño, Víctor Gilí, Viengsay Valdés, entre una larga lista de talentosos intérpretes que representan al país y a la escuela cubana en diferentes lugares del mundo.

Al fundarse la Escuela Nacional de Arte, Laura Alonso se destacó por su trabajo docente en la clase de varones, y también dio clases en el Ballet del Instituto Cubano de Radiodifusión (ICR) y el Teatro Musical de La Habana. Por otra parte, también fue docente de la Universidad de las Artes (ISA). Fue impulsora del movimiento del Psicoballet, iniciativa que surgió en 1973, y que utiliza la técnica básica del ballet combinada con métodos psicológicos para restaurar el equilibrio psíquico-social en personas con discapacidades mentales, motoras y sensoriales.

Laura Alonso trascendió los límites de su propio país y ha impartido clases en diferentes países de mundo y en compañías reconocidas internacionalmente como el Ballet de Monterrey en México, en la ópera de Finlandia y en la escuela nacional de Finlandia, y ha sido maestra en Ohio University y en Dayton University. Fue miembro del claustro de maestros del comité organizador del Jackson International Ballet Competition, en Mississippi, y en 1990 fue premiada como la mejor maestra de la competición.

En el libro editado por la UNESCO, fue seleccionada para representar a la mujer en Cuba por su destacada labor en el mundo de la cultura, especialmente en la danza.

La danza desafía al coronavirus

mgueler — Fri, 27 Mar 2020 19:13:54 +0000

“MurMuro”, la segunda creación del coreógrafo cubano Nelson Reguera para la Compañía Rosario Cárdenas. Foto: Yuris Nórido. Gentileza YN.

A pesar de la incertidumbre reinante y las severas regulaciones sanitarias establecidas por el Estado y ejecutadas por las instituciones dependientes del Ministerio cubano de cultura, ante el azote de la pandemia producida por el patógeno conocido como coronavirus Covid-19, la agrupación fundada y dirigida por la coreógrafa Rosario Cárdenas (premio nacional de danza 2018), logró estrenar “MurMuro”. Esta pieza del coreógrafo cubano Nelson Reguera (la segunda creación para esta compañía en la que fue bailarín antes de trasladarse a Europa), con la banda sonora original del compositor francés Norman Lévy, se presentó en la sala Tito Junco, principal espacio escénico del Centro cultural Bertold Brecht.

No obstante, y debido a las restricciones adoptadas en el ámbito global, el espacio quedó limitado a sólo cien personas en cada una de las únicas tres funciones autorizadas “in extremis” para evitar potenciales contagios virales, las cuales se realizaron del 13 al 15 de marzo.

Nelson Reguera propone una coreografía donde se funden movimientos de estilos diversos con la acrobacia y boxeo. Foto: Yuris Nórido. Gentileza YN.

El público quedó inmerso en medio de un discurso coreográfico-escritural posmoderno, a la vez proactivo y diatópico, que resultó un reto para la exigua audiencia, dadas las atrevidas e irreverentes provocaciones de la danza contemporánea.

Desde el título mismo, Reguena aguijonea las neuronas con el juego de palabras y sus significados (la intertextualidad a la manera de Julia Kristeva no es ajena). El autor, pues, orienta sobre esta astucia para ayudar a salir de un montaje críptico, eficazmente conseguido en poco más de una hora sin pausas. Allí, once bien entrenados bailarines regalan una entrega hermosa y atlética que circula entre lo dionisíaco y lo apolíneo (batalla de sexos, lo hetero y lo andrógino, según el caso).

El propio coreógrafo desvela -en el programa de mano- el sentido lato del vocablo “murmurar” y el significado de “mur” en francés: simboliza algo que está bien maduro, ora una fruta, ora una idea o una persona, pero también puede significar muro o frontera. Aún en esa área reducida, el movimiento sigue creciendo y “puede transformarse en una espiral”, tal una suerte de efervescencia del ser humano que no tiene límites, según explicó en una entrevista reciente concedida a un medio digital local.

Sorpresivamente, en los minutos conclusivos de esta pieza coral -donde se destacan interpretativamente algunos danzantes-, y se funden movimientos de estilos diversos con la acrobacia, boxeo (con la colaboración de un entrenador profesional); brota del conjunto como ave fénix, la maestra fundacional, la propia c al tiempo que ejecuta una serie de dramáticos port de bras (una evocación, quizá, a la Duncan o a la Bausch ?).

Rosario Cárdenas (der.) formó parte del elenco que subió a escena “MurMuro” en el Centro cultural Bertold Brech. Foto: Yuris Nórido. Gentileza YN.

Con esta pieza, Reguena rinde homenaje a la bailarina y coreógrafa, como reconocimiento a su permanencia en los escenarios y a su “trasmisión de saberes…el traspaso de conocimientos, de ideas, de cultura”.

La música adquiere aquí gran importancia, teniendo en cuenta las pretensiones del coreógrafo con su dramaturgia teatral. El joven compositor Norman Lévy -colaborador por segunda vez en una obra de Reguena-, ha conseguido una banda sonora electroacústica en la cual se fusionan sonidos del ambiente urbano de La Habana, con otros elementos especiales, tales como la voz de Nina Simone en “Stars” (1976); la colaboración del cantante chipriota Alkinoos Ioanidis; Octave Lissner y el Septeto Ohmero junto con tres excelentes percusionistas cubanos: Lázaro Ferrán, Juan Santana y Yandy Chang.

El diseño de luces de Guido Gali, la escenografía minimalista de Jean-Marc Vibert y el variopinto diseño del vestuario por el Proyecto Dador se constituyen en un valioso aporte a la producción general de esta nueva pieza.

Llegan a los gloriosos 30

mgueler — Sun, 21 Jul 2019 23:27:07 +0000

En el Teatro Mella la Compañía Rosario Cárdenas llevó a escena “Deseo”, creación del cubano Nelson Requera para nueve intérpretes. Foto: José Gabriel Martínez. Gentileza CRC.

Después de una larga ausencia de los principales escenarios habaneros, particularmente aquellos espacios enfocados a mostrar lo más creativo en danza contemporánea, la coreógrafa Rosario Cárdenas -Premio Nacional de Danza, fundadora y directora general de su propia compañía- propone ahora un re-visita a dos de sus más exitosas creaciones, así como un par de estrenos absolutos de su cosecha, en la primera semana, que comenzó el 12 de junio. Y como parte de las celebraciones de los 30 años de la compañía, también subió a escena el estreno en Cuba de una obra reciente de Nelson Requera, ex discípulo suyo, quien retorna a su redil cual apreciado hijo pródigo con una pieza coral para toda una noche, la segunda semana, siempre en el hermoso y estropeado teatro capitalino “Mella”.

El primer programa pudiera calificarse de un “todo Cárdenas”, al entregarnos fragmentos (muy revigorizados) de “María Viván” (1997), eligiendo escenas inspiradas en los textos del icónico dramaturgo cubano Virgilio Piñera, entre ellos “Lady Dadiva” (sic), “La cartomántica”, “Rosa Cagí” y “La carne de René”. Esta pieza recibió, entre otros reconocimientos, el importante Premio Villanueva de la Crítica (UNEAC) de 1998. Le siguió “Tributo a El Monte” (2013), un homenaje a la investigadora Lydia Cabrera, autora del libro homónimo, fuente seminal para los estudios de las religiones de raíz africana en el archipiélago cubano. En esta ocasión, las escenas presentadas de esta obra solamente conservan las estructuras coreográficas sin la escenografía, imágenes cinematográficas y fijas, utilizadas entonces en su estreno absoluto.

“Al final de cada lluvia”, obra de los intérpretes Gabriel Martínez y Aris Pino. Foto: José Gabriel Martínez. Gentileza CRC.

Sendas piezas fueron bailadas -hic et nunc- por una docena de nuevos bailarines recientemente incorporados al conjunto por la maestra Cárdenas, previa rigurosa audición -con excepción de la bailarina Karim Ortiz (del elenco original de “El Monte”)-los cuales se enfrentan valientemente, por vez primera, a los rigores y particularidades del estilo y técnicas combinatorias de la escritura de Cárdenas. En este título la coreógrafa se remite a la antropología de la danza, como herramienta, para “sacudir” al espectador adocenado con elementos de un provocador erotismo, inherente con aquello que –en la Mayor de las Antillas– se denomina “cubanía”.

Después de una breve pausa, al retornar a la sala, nos confrontamos con dos estrenos absolutos (de pequeño formato) de la directora y fundadora de la agrupación: “Trazos en aire curvo”, inquietante título para esta pieza con soporte musical de un mediático DJ local, Iván Lejardi, diseño de luces por Guido Gali y un fantasioso vestuario diseñado por un trio femenino: Raquel Janeiro, Ilse Antón y Lauren Fajardo. Esta vez, un grupo mixto de ocho bailarines se esfuerzan atléticamente por mostrarnos este denominado “módulo coreográfico” -como lo define la autora- en una pieza construida entre la expansión de la lógica combinatoria y la sintaxis discursiva de la expresividad “en perpetua contingencia”.

Para el cierre, se decidió por “La Gaviota”, que la coreógrafa Cárdenas dedica a la diseñadora Lauren Fajardo Cárdenas, donde exhibe sus intenciones de construir una “invocación a la singularidad por desarrollar la capacidad de adaptarnos y elevarnos en defensa de la diferencia”. La coreógrafa nos regaló su mejor creación en el presente, según mi opinión, y aquí ella está apoyada artísticamente (en gran medida) por su equipo de producción. Particularmente distinguido por el compositor de la música original, Juan Piñera (uno de los más destacados de su generación), que eligió como formato un espléndido cuarteto de cuerdas, piano y clarinete, logrando un ajuste estético coherente con la atmósfera onírica de las luces diseñadas por Gali.

Insertadas en dos momentos de este programa –como decisión riesgosa y loable de la directora artística– estuvieron dos miniaturas coreográficas debidas al incipiente talento de ambos novatos en el arte de esta escritura, al mismo tiempo bailarines de este conjunto. Como era de suponer, mostraron sus debilidades dramatúrgicas, las costuras y las consecuentes ingenuidades: en el solo masculino “Tres”, creado e interpretado por Osbiel Lazo –en un desnudo integral- con el soporte musical de una cinta magnetofónica que integró variados autores y diversidad de ritmos. Luego, subió a escena el dúo “Al final de cada lluvia”, donde se entregaron los juveniles autores e intérpretes en una demostración corporal “a lo Dalcroze”, Gabriel Martínez y Aris Pino. Este último, por su perturbadora presencia física, nos hizo pensar en el personaje de Tadzio, como fue acuñado por Luchino Visconti en su versión fílmica de “Muerte en Venecia” de Thomas Mann. En ello, podríamos interpretar su desiderata: entre el Tú y el Yo, el que guía y el guiado, el que mueve y el movido. La elemental y naif interpretación filosófica del dominador y el dominado en la relación de una pareja “queer”.

El segundo fin de semana, que culminó el 23 de junio, la compañía de Cárdenas presentó el estreno en La Habana de “Deseo”, creación coreográfica original del cubano Nelson Requera –hace más de una década afincado en Europa– con luces y vestuario diseñados por el propio coreógrafo, apoyado por una seductora música grabada, integrada por piezas de Norman Lévy, con el “Got to be Real de Cheryl Lynn. La escenografía minimalista, acreditada al francés Jean-Marc Vibert, está dominada –en un lateral del escenario- por una plataforma cuadrada en plano inclinado, donde se desarrolla la acción mixta de los nueve intérpretes-danzantes, con gran efectismo en su virtuosismo controlado su ductilidad física, adquirida en una insólita brevedad. El propio Requera expresa en sus notas al programa de mano, como posible lectura:(esto es) altar para explorar el deseo que aparece, desaparece, se trueca, desvanece los cuerpos para luego transfigurarlos en otra naturaleza. También aquí están presentes los desnudos integrales, justificados y sin caer en lo grotesco de posibles excesos: su empleo en el final fue impactante, para conocedores y legos.

Para el cierre de uno de los programas, Rosario Cárdenas optó por “La Gaviota”, pieza dedicada a la diseñadora Lauren Fajardo Cárdenas. Foto: José Gabriel Martínez. Gentileza CRC.

Texto de presentación al programa firmado por Rosario Cárdenas

Aniversario 30 de la compañía Rosario Cárdenas. Junio 2019.
“Inicié mi carrera profesional como bailarina en el Conjunto Nacional de Danza Moderna, hoy Danza Contemporánea de Cuba. La obra “Dédalo” de 1989, que coreografié y dirigí, me animó en su última función a dar el paso como creadora y directora de Danza Combinatoria, convertida ahora en Compañía Rosario Cárdenas. Era el momento ansiado de un cambio en el afán personal de continuar la búsqueda estética de la expresión del movimiento, del estudio del cuerpo y de transitar por un camino en el que podía potenciar mis entregas, antojos, desvelos, pérdidas y encuentros.”
(…)