Danzahoy » Pontus Lidberg

Con un ritmo electrizante

mgueler — Fri, 06 Jun 2025 00:33:29 +0000

El Birmingham Royal Ballet sube al escenario del Opera House “Black Sabbath – The Ballet”. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Dieciséis bailarines vestidos de negro abren el espectáculo. La voz en off de Ozzy Osbourne impregna la escena con “War Pigs”. A partir de ahí, danza y música alcanzan momentos electrizantes, clímax sucesivos, e intensa teatralidad. Una fusión explosiva sustentada por la coreografía de Raúl Reinoso. Casi sin aliento, el público del Opera House del Kennedy Center, asistió, como en misa a este encuentre entre la danza clásica y el heavy metal.

El Birmingham Royal Ballet, que se presenta en Washington DC desde el 4 al 7 de junio hizo su primer y gran debut en la capital de Estados Unidos con “Black Sabbath – The Ballet”. Esta obra en tres actos compuesta por tres coreógrafos distintos, Raúl Reinoso, Cassi Abranches y Pontus Lidberg, logra una amalgama perfecta y contundente. Con una deslumbrante puesta de luces y una escenografía minimalista, la compañía dirigida por el cubano Carlos Acosta, presenta un espectáculo audaz, innovador y transgresor.

Un pas de deux con un beso constante en el Acto I, creado por el cubano Raúl Reinoso. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Este ballet rinde homenaje a la icónica banda originaria de Birmingham, Black Sabbath, cuyos integrantes fundadores, Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler y Bill Ward, revolucionaron la música.

El Acto I, “Heavy Metal Ballet”, de Reinoso, adquiere un tono sombrío y subyugante que, por momentos, evoca la atmósfera opresiva de las escenas de las brujas en “Macbeth”. En este acto aparecen fragmentos y símbolos de las primeras obras de Black Sabbath: “War Pigs”, “Iron Man”, “Paranoid”, Sabbath Bloody Sabbath”, por momentos encarnadas por dos bailarines unidos en un beso eterno, o un solo masculino sobre zapatillas de puntas. Todo un desafío que funciona a la perfección.

Con coreografía de la brasileña Cassi Abranches, el Acto II: “The Band”, reúne testimonios de los músicos de Black Sabbath. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Sobre la oscuridad del escenario: seis barras horizontales de luz de neón. Como si fueran las seis cuerdas de una guitarra. estrechas y de aspecto neón, iluminaban el escenario. Interpreté estas luces como una representación de las seis cuerdas de una guitarra. Voces en off. Los miembros de la banda relatan esos momentos que fueron hitos irrevocables del grupo, las crisis, los accidentes. Y un comienzo reflexivo, casi confesional, abre el Acto II: “The Band”, con coreografía de la brasileña Cassi Abranches. Vestidos con estilo casi urbano, los bailarines transitan por esos años ’70 en los que el mundo se sacudía por cambios radicales.

El Acto III, “Everybody is a Fan”, está marcado por la aparición de una niebla espesa que flota sobre el escenario mientras deja ver un demonio alado sobre un auto metálico volcado como si hubiese sufrido un accidente. La coreografía del sueco Pontus Lidberg integra a los bailarines con ese auto y ese demonio. Ellos son los encargados de desplazarlo. En una contraposición de climas, algunos callejeros y festivos y otros amenazantes, tanto, como la figura de ese horrible ser con alas metálicas en medio de un escenario desnudo, despojado de bambalinas, metido en el back stage. Y desde el techo, o quizás desde el cielo, fueron subiendo y bajando lunas circulares que podrían asociarse con discos de vinilo. Entre el ballet, la danza contemporánea y la danza callejera, los bailarines alternaron secuencias que tuvo como corolario la reaparición de la guitarra que había surgido en el primer acto.

“Black Sabbath – The Ballet” es una obra osada que no pretende ser una biografía de una banda, simplemente, un homenaje a la música, a sus creadores. Y como homenaje, es una obra que se toma todas las licencias poéticas posibles y todas las libertades que ofrece la creación. Pero especialmente, cuando esa creación rompe con lo predecible y da paso a la emoción y a la belleza.

El Acto III, “Everybody is a Fan”, del sueco Pontus Lidberg propone estilos de danza diferentes. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Con pura fibra cubana

mgueler — Sun, 04 May 2025 22:33:53 +0000

Bailarines de Acosta Danza en “Paysage, soudain, la nuit”, de Pontus Lidberg en el Kennedy Center de DC. Foto: Johan Persson. Gentileza JFKC.

Finalmente, y después de largos años de espera, Acosta Danza llegó a Washington DC, y lo hizo con todo su esplendor. Una compañía profesional de alto nivel. Bailarines incomparables. Una propuesta estética de enorme belleza e intensidad. Y, por sobre todo, una compañía con el alma y el corazón puestos en una Cuba abierta al mundo.

Del 1 al 3 de mayo, el Eisenhower Theater del Kennedy Center recibió por primera vez a Acosta Danza, la compañía fundada por el inolvidable bailarín cubano Carlos Acosta. El programa, “Cuban Eclectico” estuvo integrado por cinco obras que entrelazan lo clásico, lo contemporáneo y lo tradicional. El espectáculo puso en escena un retrato de identidad cultural con ese talento escénico que siempre caracterizó a los bailarines de la escuela cubana de danza.

El camino que transitó desde 2015 la compañía creada por Acosta, se asemeja, en cierta forma, al que delineó el Grupo Corpo, de Brasil, dirigido y fundado por los hermanos Paulo y Rodrigo Pederneiras en 1976. De esta forma, Acosta Danza se convierte en una de las pocas compañías de clásico-contemporáneo que deja trascender la impronta de sus raíces.

Desde una enorme falda azul, que por momentos parecía el mar, comenzaron a surgir los torsos desnudos de bailarines y bailarinas en una danza subyugante y misteriosa. “Sartori” (2018), la obra que abrió el programa, realizada por el coreógrafo cubano Raúl Reinoso, es una suerte de metáfora del despertar de la iluminación espiritual. Con música original de Pepe Gavilondo y Reinoso, la coreografía fusiona ballet clásico y danza contemporánea, con una fuerza grupal impactante. Aunque es una pieza centrada en la búsqueda interior, “Satori” se sostiene como una obra de conjunto donde la armonía del grupo amplifica su carga emocional y estética.

Del reconocido coreógrafo belga Sidi Larbi Cherkaoui se presentó “Faun” con fragmentos de Claude Debusy y Nitin Sawhney. Foto: Toti Ferrer. Gentileza JFKC.

De la mano del reconocido coreógrafo belga Sidi Larbi Cherkaoui siguió “Faun”, una obra que retoma fragmentos de “Preludio de la siesta de un fauno” de Claude Debussy e intercala, con deliciosa efectividad, texturas sonoras contemporáneas de Nitin Sawhney. Un dúo desconcertante que explora al máximo las posibilidades del cuerpo e indaga en la fusión de lo humano y lo animal, de lo masculino y lo femenino. Con un refinamiento exquisito, la obra es una especie de poema sensorial de la dualidad interna del ser humano. Interpretado magníficamente por Alejandro Silva y Patricia Torres.

“Paysage, soudain, la nuit” (2018), con coreografía de sueco Pontus Lidberg, fue sin duda el momento más logrado del programa. Enmarcada por una escenografía naturalista de Elizabet Cerviño, esta obra para 11 bailarines recupera un espíritu lúdicro rebosante y fluido. La música del incomparable Leo Brouwer con aires rumba cubana, se mezcla con la partitura de Stefan Levin, e impulsa una coreografía que celebra el encuentro, el deseo y la juventud. Cambios sutiles de dinámica entre solos, dúos y grupos, mantienen un ritmo interno que no decae y que, inevitablemente, contagia al espectador con la frescura y el disfrute de la danza.

“De Punta a Cabo” con coreografía de Alexis Fernández interpretada por Acosta Dance. Foto: Hugo Glendinning. Gentileza JFKC.

En contraste con esa explosión grupal, llegó “Impronta”, creada por la coreógrafa española María Rovira. Una joya minimalista. Y no solo eso. Ofelia Rodríguez, la única intérprete, mostró también la impronta de la escuela cubana de danza. Con una elasticidad asombrosa y esos brazos magníficos de los bailarines cubanos, en apenas siete minutos, logró una conexión visceral entre la modernidad y lo ancestral.

El programa cerró con “De Punta a Cabo”, de Alexis Fernández, una obra que resume la propuesta estética de Acosta Danza, ese mestizaje cultural a través del lenguaje coreográfico. Imágenes vivas del malecón, de ese magnífico mar de La Habana, de sus luces diurnas y nocturnas y esa nostalgia de la distancia. Todo eso, plasmado en un telón de fondo en movimiento del cual el espectador no se puede distanciar. En esta obra se funde el ballet clásico, la salsa, los pies descalzos, la técnica, la danza callejera, los ritmos populares, el idioma yoruba y los instrumentos tradicionales. Aquí está el espíritu de Cuba, su sensualidad, su versatilidad, su intensidad y su resiliencia.

“Cuban Eclectico” no es solo un espectáculo de danza, es una minuciosa radiografía de la riqueza, la complejidad y la evolución de la cultura cubana. Bajo la dirección de Carlos Acosta, la compañía ha logrado consolidar un lenguaje moderno y contemporáneo que no renuncia a sus raíces, sino que las reinventa y las amplifica en un diálogo con el mundo.

La presencia de Acosta Danza en el Kennedy Center marca un hito significativo. Lo que subió a escena fue mucho más que virtuosismo, fue identidad, emoción y belleza. La compañía logró ese milagro que pocas veces sucede cuando el público y los intérpretes conectan sus almas y dejan que el duende de la danza se apodere de todo.

“Sartori, obra de 2018, del coreógrafo cubano Raúl Reinoso, abrió el programa “Cuban Eclectico”. Foto: Enrique Soldevilla y Estudio 50. Gentileza JFKC.

Una fiesta de cubanía

mgueler — Tue, 31 May 2022 00:27:53 +0000

Con “Híbrido”, Norge Cedeño presentó una creación que se refiere a la cultura cubana y a sus raíces. Foto: Yuris Norido. Gentileza AD.

El estelar bailarín cubano Carlos Acosta, al frente de la dirección artística de dos compañías de danza, entre sí alejadas miles de millas, Acosta Danza en La Habana y el Birmingham Ballet en Gran Bretaña, se enorgullece de renovar sus vínculos presenciales con su numeroso y entusiasta público habanero. “La pandemia del Coronavirus Sars-2 postergó nuestro rencuentro. Finalmente podemos reunirnos y vamos a celebrar la vida; agradecer a todos los que han luchado directamente con la enfermedad y homenajear a aquellos que despedimos”, concluye así sus palabras en el programa de mano virtual como presentación de esta temporada bautizada por él, 100% cubano. El título hace referencia a todos los elementos temáticos de las obras que serán representadas por un elenco totalmente nacional. La compañía realizó con este cartel una extensa gira europea, que incluyó varios teatros de Gran Bretaña y Francia, hasta su retorno a la mayor de las Antillas en abril.

Según expresó Acosta, se ha concebido estas presentaciones como una fiesta de cubanía: “aquí están nuestras fiestas y valores, nuestras dudas y nuestras crisis, nuestro espíritu de nación joven, llena de vida, que tropieza y se levanta, con muchos deseo de dar”(sic)

En esta ocasión, sobre las tablas de la sala Avellaneda del Teatro Nacional de Cuba, ofrecieron dos estrenos absolutos por jóvenes bailarines-coreógrafos: “Liberto”, de Raúl Reinoso -solista del conjunto desde su fundación- quien explora la necesidad de la libertad para todo ser humano mediante la figura simbólica del cimarrón, un esclavo de origen africano que se fuga de la dotación de su amo o propietario en tiempos del feroz régimen colonial español. El personaje principal es perseguido por una jauría sanguinaria -cual una cacería humana- que sirve al coreógrafo para desarrollar “sus ideas en torno al ser humano enfrentado consigo mismo, o hermanado con la naturaleza”.

El segundo estreno, “Híbrido”, de Norge Cedeño (antiguo solista de Danza Contemporánea de Cuba y fundador de su propia agrupación, “El otro lado”), ofrece una visión metafórica de “nuestra cultura” como el “gran asidero ante los conflictos”.

El propio Acosta ha profetizado, en el programa de mano digitalizado en QR (una novedad para los asistentes locales, pues deben escanearlo en el lobby del teatro), que “esta obra moverá fibras muy íntimas en las cubanas y los cubanos”.

Tres apreciadas reposiciones completaron la segunda parte del programa, tras una breve pausa. A pesar de las adaptaciones sufridas por el cambio de sede teatral, el público las aplaudió extensamente: “Paysage, soudain, la nuit” del sueco Pontus Lidberg, creada a partir de un dual soporte musical que magnifica la rumba cubana (patrimonio cultural de la nación), del consagrado maestro Leo Brouwer para Paysage, y el europeo Stefan Levin (para “la nuit”).

Le siguió el solo femenino “Impronta” de la española María Rovira, la cual logra trasladar con su vocabulario técnico “esa manera de bailar que es muy común en la mayor de las Antillas”, gracias a Zeleide Crespo, una bailarina de ébano fuera de serie. Y para cerrar en tono enfático, al elevar los acentos climáticos y atizar las efusivas respuestas de la heterogénea audiencia, Acosta y su directora artística Yaday Ponce, eligieron el original de Alexis Fernández (Maca), con cinta collage de Kumar, Kike Wolf -a partir de La Bella Cubana, de José White- y Omar Sosa, con imágenes en video del cantante y compositor X Alfonso. Toda la compañía se entrega de lleno, para regalar algo que “es como un espejo de lo que somos”.

Los estrenos absolutos

“Liberto”, de Raúl Reinoso, explora la necesidad de la libertad mediante la figura simbólica del cimarrón. Foto: Yuris Norido. Gentileza AD.

Nos enfrentamos con “Liberto”, de Raúl Reinoso sobre música original de Pepe Gavilondo, a partir de una concepción musical de ambos, acentuada por el inteligente diseño de luces del israelita Yaron Abulaifa (dirigido mediante plataforma virtual en internet).

En síntesis, Reinoso ha transpuesto en danza contemporánea explosiva la historia de un cimarrón, es decir un esclavo de origen africano en fuga, con la explícita intención de provocar una profunda reflexión “sobre las caras del esclavismo” desde la antigüedad hasta nuestros días. En suma, a partir de una historia de amor, va más allá hasta encontrar el camino “hacia el reino utópico de la libertad total”.

Fue el mismo Acosta quien lo instigó al diseño y desarrollo de una coreografía a partir de una pequeña fábula de dos cimarrones, según comentarios de Reinoso: él está interesado en desvelar los componentes de la cultura africana “como un estilo vivo dentro del repertorio de (su) compañía, es decir, crear piezas que expongan la belleza negra” (otro ejemplo cercano está en este cartel, “Impronta”).

El cimarrón tiene una meta, la natural de todos ser humano, conseguir la libertad. Por ella, expresa el autor, es capaz de sacrificarse y, “sin no la encuentra físicamente, la halla en la imaginación, en su espiritualidad”. Sin duda, sin miedo a los esoterismos a ultranza, comunica su concepto de la libertad como tema trascendental para los seres humanos…y “cuando digo libertad me refiero más a un camino que a una meta” (sic)

Para desentrañar los simbolismos de esta dramática pieza, es necesario recurrir a dos obras paradigmáticas de la literatura cubana del siglo XX: “El Monte” de Lydia Cabrera, y “Biografía de un cimarrón”, novela testimonial del etnógrafo y poeta Miguel Barnet.

La primera fue “iluminadora” para elegir el tipo de sonoridades que debía tener el soporte musical la coreografía. En la segunda, se describen las semillas, los arroyuelos, cuevas, maderas, árboles, todo lo cual “evocó una atmósfera de sonidos y timbres que luego solicitó al compositor Gavilondo. El músico ha logrado varios éxitos componiendo para la danza, y está convencido que cada coreógrafo tiene una manera propia de entender su pieza, “con sus exigencias específicas”. Gavilondo es rotundo al revelar un requisito: que la música se integre tanto a la coreografía que una y otra parezcan la misma cosa. Así sucedió en “Liberto”, como lo fue su trabajo precedente “Satori”.

El vestuario y las luces constituyen dos de los elementos a favor de este estreno. En los diseños de Alicia Pérez se manifiesta el requerimiento de crear “una visualidad universal” (evitar el color local), bebiendo de la estética africana importada por la masa de los negros de nación convertida en mano de obra esclava, consiguiendo una imagen descontextualizada. El segundo elemento, la iluminación en manos de Abulafia, se convirtió en otro personaje después de elaborarla Internet mediante, con el objetivo de interpretar las ideas de Reinoso. De allí surgió una traducción lumínica del tema central, merced a este notable profesional en las artes escénicas, residente en los Países Bajos y colaborador regular de los grandes teatros de Europa y Australia. Abulafia es autor de un imprescindible libro, considerado el primero de este género, “The Art of Light on Stage: Lighting in Contemporary Theatre”, de 2016, “desde las perspectivas semióticas y fenomenológicas”.

El segundo título estrenado mundialmente es “Híbrido”, una creación de Norge Cedeño. El coreógrafo (asistido por miembros de su grupo) pretende mostrar un universo “donde lo real y lo irreal desdibujan sus límites para alcanzar nuestras quimeras”. Es decir, una aproximación “a las realidades e imaginarios” de los seres que habitan la nación que los vio nacer, mediante la fuerza de su cultura y su danza.

Cedeño expresa en el programa de mano el ¿por qué? “Híbrido”: Es el resultado de las necesidades de la dirección de la compañía en la búsqueda del sello de cubanía que comparte con los mercados internacionales en los que normalmente trabaja. En suma, la búsqueda de un equilibrio entre todos los elementos que le interesaba utilizar para llegar a eso que llama “cubanidad”.

Está estructurado a partir de las características que tiene el cubano en su forma de moverse, interactuar, su gestualidad, su forma de sentir la música, sus ritmos y los colores. “Ha sido un reto interesante para mí -desvela Cedeño-, fue un rescate de las formas de construcción que tengo en reposo y que al final es mucho de lo que me interesa defender. Una motivación fundamental para la dramaturgia surgió del conocido ‘mito de Sísifo’. Un sueño para viajar revisitado…porque los sueños no tienen límites”.

Los pilares fundamentales en “Híbrido”, de su equipo creativo, son dos elementos de la producción: la música y el vestuario (de originalidad elegante). Para el primero, contó con la colaboración buscada, una notable violinista dotada con talento para la composición y el compositor Randy Araujo, “el ideal híbrido”. Es decir: “logré tener en la misma obra un compositor de música electrónica-artista plástico de formación y con una compositora de música acústica”, comentó. Ambos consiguen la contemporaneidad con un lenguaje identificable, no sólo para los cubanos: la diversidad de ritmos es apabullante -a veces caótica, como lo reconoce también el coreógrafo.

Por otra parte, el vestuario de Celia Ledón (su muestra en el Kenndedy Center fue muy comentada), aporta efectismo al reto de la transformación, de las metamorfosis que se suceden en este “viaje”, como una “amplificación de la estructura dramatúrgica” de la coreografía. Algo parecido aconteció con el set escenográfico y el diseño de luces que tuvieron el crédito seguro con el mencionado Yaron Abulafia, con una estructura minimalista. Esto revela una influencia en la composición escénica del bailarín-coreógrafo contemporáneo del cine. Comentó que piensa sus piezas cinematográficamente, desde la luz y desde el cine, “desde una perspectiva audiovisual” que la traduce en un espectáculo de danza. A veces muestra guiños de imágenes presentes en Rembrandt, Dalí, Munch o Mondrian.

Primera promoción de la academia Acosta Danza

La última representación de esta temporada 100% cubano tuvo una característica inusitada. Todas las obras del repertorio, tanto los estrenos como las reposiciones fueron bailadas, en esta ocasión, por los bailarines formados en la academia de danza adjunta a la compañía, a cargo de la ex solista del Ballet Nacional de Cuba Aymara Vasallo. Por supuesto, estos bisoños intérpretes ganaron el reconocimiento del auditorio en buena lid, pues se entregaron a fondo en cada uno de los roles asignados, algunos de ellos con mayor realce que otros, en sendos géneros, al mostrar sus potencialidades para alcanzar una carrera profesional de éxito.

A sala llena y con estrenos

mgueler — Mon, 25 Mar 2019 20:46:52 +0000

“Cor”, de Marianela Boán, con seis intérpretes en escena y música del compositor cubano Pepe Gavilondo. Fotos: Buby. Gentileza AD.

La más joven y reconocida compañía cubana de danza, fundada en 2015 por el laureado bailarín Carlos Acosta, retorna a su décima temporada y la primera de 2019, en su habitual escenario de la Sala García-Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso –siempre sobrevendido-, con tres novedosas propuestas y la loable reposición de una exitosa obra, las cuales integran “Rituales”.

El propio Acosta, en tanto que director artístico, nos revela en el programa de mano sus objetivos a la hora de concebir este cartel, con dos términos claves: incertidumbre e indagación, en un párrafo que se explica por si solo: (estas piezas)… nos llegan en tiempos complejos para el mundo en los que la incertidumbre parece ser un sentimiento común… (y a pesar de ello) seguimos anteponiendo el arte y la belleza, sin dejar de asumir la época que nos ha tocado vivir como terreno de indagación. Para concluir: partimos de la idea de que el rito fue el inicio de toda representación escénica (…) a partir de allí, desarrollamos obras que nos muestran esencialmente (…) las preocupaciones, alegrías y deseos de los cubanos.

Al mismo tiempo, en esta introducción, Acosta se muestra solidario (acompañado por todo su conjunto) con las víctimas habaneras de un insólito evento meteorológico: la embestida de la naturaleza, por un fuerte tornado que causó enormes daños en tres populosos barrios de la capital el pasado 27 de enero. Y ante tal adversidad…”que sirva el arte de la danza como homenaje al alma cubana; que traiga alivios, alegría y esperanza, porque mientras que mantengamos nuestro espíritu limpio –ese que se trasluce en los momentos más difíciles- estaremos de alguna manera salvados”.

Para abrir cortinas fue elegido el estreno mundial de “Portal”, con coreografía y concepto del joven catalán Juanjo Arqués, apoyado por un excepcional soporte musical –según los propósitos desvelados por el coreógrafo-, producido por el conjunto cubano Ariwo con la contribución del Dj Hammadi, que anteriormente había trabajado en otro proyecto con Acosta. El tema musical, “Pyramid”, interpretado por ellos entusiasmó a Arqués: por su innovadora mezcla de percusión cubana de raíz africana con sonoridades electrónicas.

Sin duda, la diversidad étnica de la sociedad cubana, sus contrastes, sus logros y “su melancolía por el pasado” lo fascinaron al estructurar una coreografía que “los”, mostrara como en el limbo, “parados ante una puerta y sin saber qué sucederá al traspasarla”. El tema de los rituales sincréticos de la santería local estuvo en su interés primario, empero luego fue hacia lo esencial de la ritualidad, para así conseguir encaminarse al concepto de ritual en el vocabulario, con uso de la simbología en movimientos reiterativos –y casi siempre elementales- que se original “de adentro hacia afuera”. Es una pieza coral y participativa del autor con siete excelentes bailarines del conjunto. Arqués, previamente, se defiende ante los posibles reproches de la crítica especializada: he tratado de transmitir –mediante los intérpretes- ese concepto de “liminalidad” de la pieza, así como “una Cuba que no es la más conocida”, la de la melancolía, la de rudeza de la vida y el trabajo (sic).

Estamos frente a una puesta en escena minimalista con una iluminación neutra diseñada por Bonnie Beecher y un vestuario intemporal de Natalie de Koening, que se aparta de todo posible pintoresquismo, siempre en presencia de una impositiva gran puerta colonial de madera, como practicable escenográfico giratorio que pende sobre la cabeza de los danzantes, sin que interactúen con ella: es un limbo a traspasar, como lo requiere la coreografía.

Acto seguido pasamos a un lenguaje, “otro”, donde prima el estilo neoclásico con influencias posmodernas, en el estreno cubano de “Soledad”, un dúo con coreografía y concepto de Rafael Bonachella, de la compañía catalana Lanómina Imperial, que luego, en 1992, ingresó en la londinense Rambert Dance Co., hasta que, finalmente en 2006, funda la Bonachella Dance Co. Y en 2008, marchó a Australia como director artístico de la Sidney Dance Company.

Estilo neoclásico con influencias posmodernas en “Soledad”, dúo con coreografía y concepto de Rafael Bonachella. Fotos: Buby. Gentileza AD.

Bonachella eligió un tema romántico recurrente, de amores y desamores entre dos seres humanos de distintos sexos, los cuales danzan con un lógico soporte musical -en un espacio limitado y minimalista- proporcionado por tangos y milongas de Astor Piazzola, así como boleros-rancheras en la icónica voz de la desaparecida Chavela Vargas (“Llorona” y “Noche de Ronda”), y un final interpretado por el célebre violinista Gidon Kremer. Tres parejas de las más brillantes y expresivas de Acosta Danza alternaron en cada una de las tres representaciones, las cuales defienden una intensa dramaturgia con destacado histrionismo y rotunda técnica, alrededor de una lámpara de pedestal y una butaca como únicos elementos escenográficos, en contraste con la vacuidad coreográfica.

Después de una apetecible pausa, aconteció el más ansiado de los estrenos mundiales, “Cor”, con coreografía y concepto de Marianela Boán, con la ingente colaboración de los seis intérpretes y del autor de la música, el talentoso y polifacético joven compositor cubano Pepe Gavilondo (ya tiene en su haber otras exitosas piezas para esta compañía).

Marianela Boán es un nombre paradigmático en los anales de la coreografía cubana contemporánea. Ella inició su colaboración con Acosta Danza desde sus inicios en 2015, cuando el propio Acosta la invitó a reponer “El cruce sobre el Niágara”, una coreografía realizada por ella, en 1987, para dos bailarines masculinos de la compañía Danza Moderna de Cuba (hoy DCC). La posibilidad de crear una coreografía original siempre estuvo pendiente, y ahora logró hacerla, después de 16 años. Boán reside hace varios años en Santo Domingo, como directora de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea del Ministerio de Cultura de República Dominicana.

En cuanto al título de “Cor”, nuestras inquietudes fueron despejadas cuando nos explicó que proviene de la raíz de varias palabras que están muy vinculadas con su obra: el coro (tema utilizado en otros trabajos suyos mas de formas diversas); es la raíz de corazón y de coral marino, también de coralidad (relacionada a la más reciente historia cubana), y por supuesto, está en “coreo”, que “define todo lo que hacemos en danza”.

Boán define su estreno como “una obra muy física”, sin duda es igualmente una de sus creaciones más contaminada, en el sentido del empleo de la voz por los propios bailarines, quienes cantan además de moverse intensamente (con predominio del terre á terre) y trabajar con la manipulación de algún objeto: es el caso al final con las tumbadoras (instrumento cordófono que otros países denominan “congas”). La coreuta usó como leit motiv la canción “Consuélate como yo”, una muy popular rumba cubana que sirve de enlace a todos los momentos de esta pieza de poco más de 30 minutos.

La música en “Cor” es protagonista, especialmente por el trabajo dialógico estupendo realizado con Pepe Gavilondo, tecladista, compositor, profesor y productor, así como con la diseñadora de vestuario Alise Pérez (aunque el resultado no fue muy feliz); con la maestra coral Alina Orraca (arduo ejercicio con las voces, que requerían más horas de ensayo), y lujo de contar con Lino Pedroso para impartirles las clases de percusión (de tanta participación en la coreografía). No puede obviarse el trabajo significativo y eficaz de la experimentada maestra Loti Peón, como ensayadora, para superar el reto de conseguir este estreno en tiempo y forma.

Sin embargo, si bien reconocemos lo ambicioso del discurso coreográfico, el resultado no colmó nuestras expectativas.

La temporada “Rituales” cerró con la inteligente reposición de “Paysage, Soudain, La Nuit”, del coreógrafo sueco Pontus Lidberg, quien utiliza con eficacia teatral dos temas musicales de notables factura, como “Paisaje cubano con rumba”, de multilaureado compositor cubano Leo Brouwer (festeja sus 80 este año), y Cuban Landscape, del escandinavo Stefan Levin. Esta obra ya fue comentada por este cronista en su estreno, de la cual destacamos siempre la solidez de la escritura coreográfica en Lidberg, y la sabia iluminación de Patrick Bogardh. Un acierto, sin duda, cerrar esta primera temporada de 2019 con esta estupenda obra.

Acosta Danza abrió el telón con el estreno mundial de “Portal”, con coreografía y concepto del catalán Juanjo Arqués. Fotos: Buby. Gentileza AD.

Nostalgias y euforias de una tradición

mgueler — Mon, 26 Nov 2018 13:55:31 +0000

En la vigésimo sexta edición del se presentó la versión de “Carmen” de Alberto Alonso, con Gretel Morrejón en el protagónico. Foto: Nancy Reyes. Gentileza NR.

En esta vigésimo sexta edición, el Festival internacional de ballet de La Habana adquiere el nombre de su cofundadora Alicia Alonso, prima ballerina assoluta siempre directora general del Ballet Nacional de Cuba (BNC), la compañía anfitriona de estos mega-eventos bienales que ha decidido festejar por lo alto los 70 años de su fundación.

Bajo la presidencia de la Alonso, el comité organizador ha convocado para esta cita del 28 de octubre al 6 de noviembre –como en ediciones precedentes- una impresionante cifra de invitados, entre estrellas internacionales y conjuntos (23), provenientes de algo más de 20 países.

Este festival, considerado como el de mayor envergadura en el hemisferio occidental, se mantiene como un encuentro de artistas y creadores sin carácter competitivo ni de lucro, por lo cual el máximo galardón que reciben es el aplauso entusiasta y sincero del público cubano, conocedor del arte de Terpsícore.

Desde su creación, en 1960 (de 1974 a 2016 fue establecido su carácter bienal), han participado 61 países de los cinco continentes. En la presente edición, ha culminado exitosamente, hemos podido disfrutar y valorar cinco estrenos mundiales: tres concebidos por coreógrafos foráneos y dos por cubanos (una bailarina del BNC y otro residente en el exterior). Igualmente, fueron representados más de 30 estrenos en Cuba. A todo ello sumamos la presencia de personalidades relevantes, tales como la argentina Paloma Herrera (ex-estrella del ABT y actual directora del Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires); Kara Medoff Barnett, directora ejecutiva del ABT; el bailarín y coreógrafo sueco Pontus Lidberg, director artístico del Danish Dance Theatre; el francés Pierre-Francois Heuclin, consejero personal del Director de la Ópera de París, entre otros.

Hee Seo interpretó “Giselle” con el elegante y solícito Albrecht de Cory Stearns, ambos del ABT. Foto: Gene Schiavonne. Gentileza ABT.

Es un esfuerzo agónico el resumir, con las justas valoraciones, lo sucedido sobre los diferentes espacios escénicos –esta vez fueron cinco salas de la capital, diariamente-, sin excluir los salones de clase de la Escuela nacional de ballet “Fernando Alonso”, donde maestros cubanos de reconocida valía impartieron clases magistrales, con aplicación metodológica de la vigente y vital “escuela cubana de ballet”-In memoriam al Maestro paradigmático-, que incluyó a algunos residentes en Estados Unidos (formados en dicha escuela), como Lorna Feijóo (de gran rigor en sus correcciones) y Marcos Madrigal, o Víctor Gilí, así como Aurora Bosch (una de las llamadas “cuatro joyas”).

Una mención especial a los diversos eventos colaterales, organizados con tino por la Oficina de prensa y comunicaciones del BNC, que incluyó -entre otros- las inauguraciones de muestras fotográficas (dos significativas de Ani Collier de Florida y la cubana Nancy Reyes), presentaciones de libros (el dedicado a la escritura coreográfica de Alonso por la académica Ivette Fuentes, y el volumen enjundioso sobre la vida y obra de Marius Petipa editado en Madrid por Jesús Rivera Rosado); además, dos importantes exhibiciones por premios nacionales de artes plásticas: Zaida del Río y Nelson Dominguez.

Este festival habanero se ha caracterizado por un hito particular. Teniendo en cuenta los cambios ocurridos en las leyes migratorias y ciertas flexibilidades en el sistema político del país, fueron invitados (mediante otras coyunturas particulares y de posturas fraternales, bailarines afincados con éxitos en distintos sitios de la geografía planetaria), a bailar en este evento: algunos, en décadas, anhelaban esta ocasión, y también los aficionados locales que han seguido con pasión el desarrollo de sus carreras. Otros no pudieron asistir –como era su deseo-, por obligaciones contractuales con sus compañías de ballet, coincidentemente en temporadas y estrenos.

Una situación menos eufórica y más preocupante ha marcado esta edición: la ausencia física de la tan apreciada leyenda viva de la danza mundial, Alicia Alonso. Una repentina y transitoria afección pulmonar la ha mantenido en reclusión domiciliaria, por orden de los médicos que la atienden. Hacemos votos por su pronto restablecimiento para festejarle, como se merece, sus 98 primaveras el próximo 21 de diciembre.

Los programas

Se estrenó en el Festival “Ciudad de Luz”, de Pepe Hevia, dedicada al medio milenio de La Habana, con Gretel Morejon y Aram León. Foto: Kike Smith. Gentileza KS.

Una acertada estructura en la programación general de los espectáculos –que atribuyo a los esfuerzos ingentes del Coordinador general Heriberto Cabezas y del subdirector técnico y diseñador Salvador Fernández, con veteranía en estas lides-, quienes concibieron dos Galas como pórticos: la inaugural (con el Desfile de las escuelas y la compañía, así como el primer discurso en este evento por el nuevo Presidente de la República de Cuba, Miguel Díaz-Canel Bermúdez) y la de Clausura (donde flotaba un sentimiento de tristeza, reforzado por la ausencia de una orquesta en vivo que produjera un elemento climático con la obra no elegida para el colofón).

Y como puentes climáticos de esta dramaturgia, fueron las galas dedicadas a dos significativas efemérides en los anales de la danza: el homenaje al gran maestro marsellés Marius Petipa en su bicentenario, y al aniversario 75 del debut consagratorio de Alicia Alonso en el rol titular del ballet “Giselle”, en el antiguo Met de Nueva York. El cuerpo de baile del BNC recibió las ovaciones merecidas por la impecable ejecución del segundo acto, con el afinado acompañamiento musical de la Orquesta Sinfónica Nacional bajo la dirección de Giovanni Duarte.
Exitosas fueron en la escena del Teatro Mella, las del Ballet del Teatro Nacional de Praga, y las del Ballet del Gran Teatro de Ginebra (con una espléndida producción de “Carmina Burana” de Karl Orff, en la elogiada versión de Claude Brumachon), también sorprendió por su creatividad y expresividad teatral el Danish Dance Theatre en la Sala Covarrubias del Teatro Nacional de Cuba, con “Siren”, la más reciente pieza de Lidberg, inspiración poética de ciertos pasajes del viaje de Ulises en la Odisea de Homero.

“Próspera”, dedicada a Alicia Alonso, una visión íntima y personal de la era isabelina de la joven coreógrafa inglesa Cathy Marston. Foto: Kike Smith. Gentileza KS..

Muy aplaudida con final en pie, el conjunto “ad hoc” de Estados Unidos Stars of the American Ballet, liderado por el virtuoso bailarín Daniel Ulbricht, integrado por “principals” y solistas del New York City Ballet. Estas producciones se alternaban con noches de concierto (los llamados “highlights programs”), donde algunos de ellos deslumbraron por su virtuosismo técnico, aunque los estilos sufrieran en su autenticidad, tales como Rasta Thomas, María Kochetkova, Joaquín de Luz, Isabella Boyston, Teresa Reichlen, Aram Bell, la italiana de La Scala Petra Conti, y la sudamericana Mary Carmen Catoya, con mención aparte para la coreana del ABT, Hee Seo, en una entrega fenomenal como Giselle, con el elegante y solícito Albrecht de Cory Stearns.
La razonable desmesura fue la respuesta de las audiencias que asistieron a las únicas presentaciones de Rolando Sarabia, Taras Domitro, Marizé Fumero, Adiarys Almeida, Lissi Báez, Carlos Quedit. Particular destaque par a dos representantes de una cultura tan distante de nuestro ámbito: de Mongolia Altan Khuyag-Dugara (un divo en su país) y Anujin Otgontugs. Reconocemos el desarrollo artístico de la pareja cubana en Australia, Yanela Piñera y Camilo Ramos, así como el carisma exhibido por Arionel Vargas, Javier Torres y Dayesi Torriente (laureados en tierras europeas).

“La forma del rojo” de Ely Regina, fue otra de las novedades coreográficas que se presentaron en el festival. Foto: Kike Smith. Gentileza KS.

Entre los estrenos absolutos, los más relevantes ora por su creatividad o por la entrega de los artistas en su desempeño fueron, “Próspera”, dedicada a Alicia Alonso, una visión íntima y personal de la era isabelina de la joven artista inglesa Cathy Marston donde se destacó Daniela Gómez; “Ciudad de Luz”-dedicado al medio milenio de La Habana- es un intenso dúo de ocho minutos de Pepe Hevia, ejecutado con musicalidad y pericia por Gretel Morejon y Aram León (lo mejor de la gala de cierre); “La forma del rojo” de Ely Regina, metáfora poética demostrativa de los talentos evidentes de la autora en próximos proyectos, y el solo “Ánima” de la española María Rovira para el primer bailarín del BNC Dani Hernández, rotundo y dueño de la escena en la Sala Lorca.

Por primera vez, participa como sala teatral del festival el primorosamente restaurado Teatro Martí, joya arquitectónica de la capital, el cual fue literalmente invadido con el arte del flamenco por tres compañías de fuste invitadas. Este coliseo decimonónico a la italiana con aforo para acomodar a 800 personas, sirvió de adecuada vitrina a Rafael Amargo y su grupo (su única actuación dejó muy mal sabor de boca en los asistentes y los organizadores, por incidentes extra-artístico), luego fue una delicia asistir al espectáculo didáctico y auténtico ofrecido por la Fundación Antonio Gades; finalmente, la función de lujo ofrecida por la notable bailaora –diz que del nuevo flamenco- María Juncal, que ya se le sitúa como la más juvenil entre otros eminentes de este arte, tales Joaquín Cortés, Antonio Canales , o Eva Yerbabuena. Para su “Suite Flamenca”, ella se hizo acompañar del excelente bailarín Alfonso Losa y de un espectacular par de cantaores.

El 6 de noviembre en la noche, en el prestigioso escenario del Gran Teatro Alicia Alonso, tuvo lugar el espectáculo de clausura con un programa concierto donde se repitieron piezas por artistas invitados y con coreografías de autores foráneos mayormente, y ninguna con el soporte musical en vivo. Finalmente, el solo interpretado por Viengsay Valdés, un brillante tour de force ( venía directamente del Teatro Nacional donde había interpretado con el BNC la producción en dos actos de “Giselle”), “ParAlicia”, creado por la cubana Tania Vergara (ahora residiendo en Estados Unidos) y estrenado hace varios años por la misma intérprete, siempre acompañada al piano por el propio compositor y reconocido pianista Frank Fernández , pieza para piano y banda magnetofónica, y secuencias de imágenes de la Alonso capturadas del filme “Giselle” y otros documentales cubanos, consiguió un mitigado climax de cierre. Las ovaciones en pie por varios minutos gratificaron a todos los intérpretes de esta noche. Sin embargo, el rostro de muchos aficionados al abandonar el coliseo mostraba una expresión poco festiva: el adorado icono cubano de la danza universal no estuvo allí.

Vienen de tierras lejanas

mgueler — Thu, 19 Apr 2018 16:35:27 +0000

Acosta Danza subió a escena “Mil años después”, estreno mundial, regalo para Carlos Acosta de parte del creador japonés Saburo Teshigawara. Fotos: Buby. Gentileza AD.

La nueva temporada primaveral habanera de Acosta Danza, la jovial agrupación fundada y dirigida por el encumbrado bailarín cubano Carlos Acosta, se presentó tres noches sucesivas a teatro lleno, del 6 al 8 de abril, en la sala García Lorca del Gran Teatro de La Habana Alicia Alonso bajo la etiqueta de “Encuentros”. Y realmente lo fue doblemente. Al confrontarse los aficionados locales con tres obras provenientes de dos culturas -artísticas y coreográficas- de lejanas regiones como Japón y Suecia, representados por sus creadores: Saburo Teshigawara y Pontus Lidberg, respectivamente.

El primero, despertó curiosidad con una obra menos reciente empero icónica y referencial, “Lost in Dance”, 26 min, interpretada por el propio Teshigawara junto a su alter ego, la intrigante, intensa y virtuosa bailarina Rihoko Sato, desde 1996 su asistente artística para su labor creativa, laureada con el premio Positano “Léonide Massine per l’Arte della Danza (2012), y recientemente con el nuevo premio Japan Dance Critical Award (2016).

Teshigawara (1953) nació en Tokio, donde estudió artes visuales antes de comenzar ballet con 20 años cumplidos. En 1981, aunque admirador de la técnica clásica, comenzó a experimentar con proyectos más interdisciplinarios, trabajando con realizadores de vídeos y con artistas de artes escénicas, en busca de lo que denominó “a new form of beauty”. Este creador se ha distinguido por su poderoso sentido de la “composición, del dominio del espacio y los fluidos movimientos de baile”, con el objetivo de crear un estilo único y personal.

En cierta ocasión dijo: “I don´t live to make dance”. Luego ha explicado que “cuando hay algo que quiero expresar cojo un lápiz para convertirlo en poesía; si tengo un lienzo frente a mí será una pintura y si hay un espacio alrededor de mí, éste se transformará en una danza”. Para un mejor entendimiento de su danza hay que remitirse a la tradicional caligrafía japonesa, donde su brocha o pincel casi nunca se levanta del papel. Sus movimientos son como espirales en el espacio que se aceleran o desaceleran, como los movimientos en cámara lenta de un mimo. Hasta sus caderas y brazos se agitan enérgicamente con círculos. Todo parece igual o casi igual. Aunque, prestando más atención, se puede descubrir la variedad y hasta mínimas sorpresas, aunque la impresión acumulativa pueda parecer una monotonía… sin duda es de una inventiva a veces impenetrable.

Vale señalar, por ejemplo, su repetida secuencia con la bailarina, ambos de riguroso negro, para indicar las transferencias de los cuerpos dentro de la danza, con los recíprocos traspasos ad infinitum de un amplio y sedoso kimono negro. El inteligente soporte musical de la Sonata de Schubert (tempo moderato cantabile) ejecutada preciosamente en la grabación por el gran Sviatoslav Richter, fue una contribución mayor al carácter hipnótico de la pieza: ahí está su tendencia a enfatizar los símbolos y no lo narrativo.

“Lost in Dance”, de Saburo Teshigawara interpretada por el coreógrafo y junto a la virtuosa bailarina Rihoko Sato. Fotos: Buby. Gentileza AD.

Después de un prolongado pero necesario intermedio, para el montaje escenográfico de la obra siguiente, comenzó la pieza grupal de corta duración concebida por el sueco Pontus Lidberg para once notables bailarines de Acosta Danza, bajo el título en francés “Paysage, soudain, la Nuit” (Un paisaje, súbitamente, la noche). Lidberg ha establecido su reputación en pocos años como coreógrafo, cineasta y bailarín. Su creatividad quedó internacionalmente reconocida con su film “The Rain”. Ulteriormente, en 2012, su filme creado para el grupo californiano Morphoses, “Labyrinth Within”, le permitió ganar el trofeo como Mejor Película en el Festival Dance in Camera, del neoyorquino Lincoln Center.

Lidberg nació en Estocolmo hace 40 años y posee una mirada intensa, propia de una personalidad controlada, intelectual y reflexiva. Su formación artística es muy peculiar. Desde los 6 años inició su inusual carrera luego de asistir a un espectáculo de ballet. A los 10 años, después de una audición, este hijo de un siquiatra y una sicóloga, ingresó en la Escuela del Real Ballet de Suecia; luego recibió una maestría en Artes Escénicas Contemporáneas de la Universidad de Gothenburg, posteriormente intercaló cuatro años de estudios de medicina entre los cursos de ballet, actuaciones en escena y la dirección de filmes.

Para su estreno mundial en La Habana, “Paisaje…”, Lidberg tuvo un doble acierto al elegir como soporte sonoro una notable obra del afamado compositor cubano Leo Brouwer (Paisaje cubano con rumba) y otra pieza corta minimalista del sueco Stefan Levin (Cuban Landscape), así como la escogencia para la escenografía de la talentosa artista Elizabet Cerviño: una instalación lineal lumínica que muestra una franja de trigo antes de la cosecha.

Además, la coreografía para un grupo mixto de bailarines -que incluyó al propio autor y su joven compatriota David Lagerqvist, como bailarín invitado-, está cargada puntualmente de un marcado atletismo, sazonado con instantes joviales teñidos de gran sentido del humor, que provocaron la espontánea risa del auditorio. Aquí destacaremos la labor interpretativa de Marta Ortega, Laura Treto y Alejandro Silva, entre otros.

Con el soporte sonoro de obras del cubano Leo Brouwer y del sueco Stefan Levin, Pontus Lidberg llevó a Cuba “Paysage, soudain, la Nuit” . Fotos: Buby. Gentileza AD.

Después de otra pausa, la danza siempre intensa, dinámica y subliminal en su creatividad y estilo particular de Saburo Teshigawara. Esta vez aplicada sobre ocho brillantes bailarines ambos sexos de Acosta Danza, con notables intervenciones de Javier Rojas (en el “opening” y el cierre), Carlos Luis Blanco y la escultural Zeleidy Crespo. Se trata de otra obra hipnótica (o casi) de unos 27 minutos, “Mil años después”, estreno mundial regalo a Carlos Acosta, con coreografía, dirección, diseño de luces y vestuario por el multifacético creador japonés asistido por la eficaz bailarina Sato.

En esta entrega hubo atisbos de elementos provenientes de la técnica académica y del butoh, pero no hubo cambrés, cargadas, ni el “contact”; sin embargo, los afiatados cuerpos del conjunto cubano vestidos de blanco con sus piernas y pies desnudos, asimilaron aproximativamente -en escasos ensayos- una filosofía y poética bien ajena a ellos hasta entonces. En cambio, evolucionaron con precisión las dinámicas tímbricas de la exquisita Suite Lírica del vienés Alban Berg, con notables dúos por Raúl Barroso y Mario Sergio Elías… Hasta que irrumpe la soberbia música de cámara creada por Mozart – un cambio de giro rupturista-, sobre la cual los bailarines “se desmayan” sucesivamente como castillos de naipes. ¿Será, acaso, una imagen evocativa del maltrato indiscriminado infringido a la “casa común”?

Cuando se apagan las luces

mgueler — Mon, 17 Nov 2014 01:06:00 +0000

En el XXIV Festival Internacional de La Habana se presentó el Ballet Hispánico de Nueva York, con un elenco de más de 60 bailarines. Foto: Yailín Alfaro. Gentileza YA.

El evento bienal más antiguo e importante de América latina clausuró su vigésimo cuarta edición el 7 de noviembre en la Sala Avellaneda del Teatro Nacional con las sorprendentes reverencias de la gran dama de la danza cubana y cofundadora del Ballet de Cuba, Alicia Alonso, quien sonriente esbozó grands pliés hacia el público y luego hacia los bailarines de pie a sus espaldas.
El programa de clausura fue uno de los más equilibrados en su diversidad de estilos e interpretaciones, siempre de altos quilates tanto por los artistas invitados como por los cubanos, quienes entregaron lo mejor de sus talentos, si bien la pieza de cierre, Valsette, un pas de deux de “Nuestros Valses” del malogrado venezolano Vicente Nebrada, fue bien servida por Viengsay Valdés, en el baile y en el piano por el excelente Marcos Madrigal (de notable carrera en los circuitos internacionales), era preferible algo más cargado de virtuosismos técnicos.

Es ardua la tarea para resumir en pocas líneas un macroevento de dos semanas, que mantuvo una alta asistencia de público en cuatro salas de la capital cubana –dos de ellas con aforo para tres mil y otra para cinco mil espectadores–, por lo tanto me obliga a descartar ciertos eventos históricos o artísticos meritorios, teniendo en cuenta las efemérides elegidas para definir el diseño general de la programación: los 450 de William Shakespeare, el bicentenario del nacimiento de la poeta y dramaturga Gertrudis Gómez de Avellaneda y el centenario del maestro de maestros fundador de la escuela cubana de ballet, Fernando Alonso Rayneri.
El festival habanero es uno de los más antiguos del mundo (está a punto de cumplir 55 años de historia –el primero ocurrió en la primavera de 1960–, y ha presentado artistas provenientes de más de 60 países de cinco continentes, ha estrenado más de 900 obras (absolutos 241 y en Cuba unas 690).
El acervo cultural se ha visto enriquecido en esta ocasión por la participación de nuevas compañías de corte contemporáneo, tales como LINGA, de Suiza, fundada por Katarzyna Gdaniec y Marco Cantalupo; de los Estados Unidos la del sueco Pontus Lidberg (su director–fundador saltó a la fama por su filme de ballet “La lluvia”, de 2007) con su hermoso “Faune” inspirado en el de Nijinsky. Ambas trajeron un repertorio afiliado al posmodernismo. Por otra parte, también estuvo el Ballet Hispánico de Nueva York, que, con su director y coreógrafo Eduardo Vilaró, al frente de un afiatado elenco de poco más de 60 bailarines sobrepasó todas las expectativas de éxito popular, debido a las obras bailadas e interpretadas, como “Asuka” (una evocación patética de la cantante cubana Celia Cruz); “El beso”, por la audaz creatividad de los contacts en los dúos, especialmente el que ejecutan con ternura dos bailarines, sin sacrificar su masculinidad, sobre fragmentos musicales de conocidas zarzuelas hispanas.

Finalmente, de Annabelle López–Ochoa, “Sombrerisimo” un sexteto masculino inspirado en los personajes icónicos del pintor surrealista belga René Magritte, que sedujo a todos con su humor inteligente. Previamente, ella montó “Celeste” para el BNC, y bailado en este evento, aunque con éxito menor.
Inolvidable la delirante acogida conseguida por el Ballet Estable del Teatro Colón de Buenos Aires con su “Tango”, con coreografía de su directora actual, Lidia Segni, con música de Astor Piazzolla y soberbios figurines para las chicas, así como el trabajo robusto e impecable de los chicos con sombreros milongueros.

Shakespeare en La Habana
Sin duda, hubo mucho de Shakespeare en los repertorios elegidos por los invitados extranjeros y por los nacionales, con abundancia de versiones del “Otello”. Un pas de deux con destacada interpretación dramática por parte del bailarín cubano Javier Torres, principal residente con el Northern Ballet, quien contó con una exquisita Desdémona en Carolina Agüero (del Ballet de Hamburgo). Entre los conjuntos, una histórica producción de “La Pavana del Moro” de José Limón, en una interpretación intensa y “stylish” del Ballet de la Ópera de Niza, con su director Eric Vu An, en el rol principal. Luego vino la reposición –después de dormir por varias décadas–, por el BNC del “Prólogo para una tragedia”, del canadiense Brian McDonald, que todavía requiere de un ulterior trabajo dramático y estilístico; por último mencionaré otra reposición por el BNC, el neoclásico “Hamlet” de Iván Tenorio, quien falleció en los días previos al inicio de este festival.
Sin duda, los aficionados gozaron plenamente con las abundantes muestras de pirotecnias en las dobles funciones diarias. Allí aplaudieron demostraciones de excelencia conocidos caballos de batalla del repertorio, de “Corsarios”, “Diana y Acteón”, “Las llamas de París”, “Espartaco”, el “Tchaikovsky pas de deux”, “Esmeralda”, según las ejecuciones con virtuosismo técnico por parte de consagrados y otros solistas en franco desarrollo ascendente.

Se pueden citar las de Viengsay Valdés, Amaya Rodríguez, Sadaise Arencibia, Annet Delgado, Yanela Pinera, en la primera línea y pisádole los talones Grettel Morejón, Estheysis Menéndez, Dayesi Lorente o Jessie Domínguez. Entre los chicos están Víctor Estévez, Dani Hernández, Arián Molina, Ernesto Díaz, José Losada, Camilo Ramos, y los promisorios Alejandro Silva, Camilo Ramos, Serafín Castro. Luis Valle, Alfredo Ibáñez, Ernesto Álvarez, entre otros. En general, adolecen de una preparación dramática para cubrir esas necesidades escénicas: todo no es atletismo en el ballet, aunque esto seduzca a las masas y provoque ovaciones de pie.

Joyas y sorpresas

Viengsay Valdés, del Ballet Nacional de Cuba y Brooklyn Mack, del Washington Ballet, hicieron el pas de deux de “Don Quijote” en el XXIV Festival Internacional de Ballet de la Habana. Foto: Yailín Alfaro. Gentileza YA.

Importancia excepcional le otorgó a esta edición festivalera las actuaciones de las estrellas del New York City Ballet y del American Ballet Theater que nos visitaron: Ashley Bouder y Joaquín de Luz con “Other Dances” de Robbins (felizmente la música de Chopin fue ejecutada al piano por Marcos Madrigal, quien reside en Italia y triunfa en los circuitos pianísticos internacionales).

Xiomara Reyes y Carlos López demostraron elegancia y lirismo glamuroso en “Great Galloping Gottschalk”, y Paloma Herrera con Juan Pablo Ledo (del Ballet del Teatro Colón) triunfaron con el dúo de “Variaciones Portenas” –Gonzalo García la acompañó para bailar el “Tchaikovsky pas de deux” de Balanchine–. Ambas anunciaron su retiro del ABT para la primavera del 2015, por lo tanto esta fue una brillante despedida cubana.
Dos sorpresas individuales concedió este festival: descubrir al joven bailarín Brooklyn Mack (junto a Viengsay Valdés), proveniente de las filas del Washington Ballet, con grandes potencialidades atléticas demostradas en “Diana y Acteón”, con saltos y giros inmensos, pero sin control para matizarlos.

La segunda sorpresa fue el solo “Sinnerman”, del coreógrafo noruego Alan Lucien Oyen, bailado de forma mercurial en espirales fluidas por el joven argentino Daniel Proietto, ataviado con un traje metalizado que solamente dejaba libre su cabeza, apoyado con un diseño de luces muy elaborado por Stine Sjogren, aunque los recursos de los teatros de acá no tienen aún la alta tecnología de los que cuenta en Oslo.
No faltaron las versiones de “Carmen” –pero la de Alberto Alonso nadie la bailó–, en cambio llegó el pas de deux de la versión de Marcia Haydée, interpretado con intensidad dramática y aplomo por las estrellas del Ballet de Santiago de Chile, Natalia Berrios y José Manuel Ghiso, ambos bailarines–actores sin duda.

Posteriormente, la versión de Roland Petit, con José Manuel Carreño y Alexhandra Meijer (primera bailarina del Ballet San José de California), él emotivo y elegante, ella con fuste y maravillosas piernas y puntas de acero, con referencias en momentos a Zizi Jenmaire, creadora del rol.

Igualmente, la danza española afirmó su presencia con la carismática bailaora Irene Rodríguez, creadora de la pieza “Ardabal” evocadora de las posibilidades de evasión hacia la libertad, que pueden brindar la apertura de las puertas cerradas que rodean al ser humano.

Los locales
Y por su fuera poco, el BNC ofreció varias de sus producciones para toda una noche, algunas de ellas renovadas en cuanto a los figurines de decorados y vestuario, tales como la afamada versión de “Giselle”´ de Alicia Alonso, con el regalo de la maravillosa entrega de Annette Delgado y Dani Hernández, y el fabuloso trabajo estilístico afiatado del cuerpo de baile de las willis. Un “Lago de los cisnes” que tenía dos estelares bailarines en los protagonistas, Viengsay Valdés, rutilante a pesar de su estado febril transitorio esa noche, apoyada por el notable bailarín ucraniano Iván Putrov, esta vez contrastante con su quehacer controlado “a la manera del Royal Ballet” y la exuberancia del virtuosismo de Valdés y los chicos del elenco cubano.

“La Bella Durmiente del bosque” trajo una protagonista superada en su técnica e interpretación estilística y dramática, pero su príncipe, Arián Molina, tuvo un loable desempeño en la función de acompañamiento, pero su definición del personaje está todavía por conseguir.

Aniversarios

Para la celebración del bicentenario de Avellaneda, excelsa cubana de la literatura, Alicia Alonso decidió reponer su “Tula”, ballet en dos actos y varias escenas, con renovaciones positivas de todo tipo para una obra narrativa de muchos personajes participantes en casi dos horas de espectáculo.

“Sinnerman”, del coreógrafo noruego Alan Lucien Oyen, bailado por el argentino Daniel Proietto. Foto: YA. Gentileza YA.

Amaya Rodríguez, encarnando el protagónico, y los figurines de Salvador Rodríguez, así como las inteligentes iluminaciones en la Sala Avellaneda, dieron nuevo lustre a esta pieza con música original de Juan Piñera, que se sintió aburrida cuando fue su estreno. La Alonso asistió a esta representación, y participó en la cancelación de un sello postal conmemorativo previamente. Una de sus escasas apariciones en el evento.
Merece elogios la labor del joven director musical de la Orquesta del Gran Teatro de La Habana (esta vez con refuerzos de algunos solistas de la Orquesta Sinfónica Nacional), maestro Giovanni Duarte, quien tuvo que sortear las escasas posibilidades para ensayar con los artistas, la presencia de jóvenes músicos que tocaban a primera lectura, la carencia de un real experto de sonido para ecualizar debidamente amplificación del sonido en los variados fosos, y otros obstáculos.

Las acciones colaterales fueron diversas y algunas muy atrayentes, tanto en las exhibiciones fotográficas: la de Nancy Reyes y Luis Alberto Alonso sobre las manos de Alicia Alonso, y la realizada por Pilar Rubí, fotógrafa hispano-boliviana que trabajó las piezas con collages de perlas, encajes y alambres para “La geometría de los cuerpos”; y el “Retrato de la escuela cubana de ballet”, de la artista norteamericana Rebekah Borman.

Las Jornadas In Memoriam Fernando Alonso para celebrar el centenario del nacimiento del maestro fundador de la metodología de la escuela cubana de ballet resultaron exitosas y muy concurridas. En cada sesión matinal de clases magistrales, impartidas sucesivamente por Julio Bocca, Eric Vu An, Cyril Atanassoff, José Manuel Carreño, Xiomara Reyes y en dúo Marta García con Orlando Salgado. Una gran experiencia brindada a los estudiantes de ballet de todos los niveles, críticos y profesores, y algunos balletómanos interesados.

Bailar en libertad

mgueler — Mon, 22 Apr 2013 20:35:11 +0000

La compañía de Sara du Jour se presenta en el MAD de Nueva York el 26 y 27 de abril. Foto: Andy Toad. Gentileza MAD.

Una vez más, el Museum of Arts and Design (MAD) de Nueva York retoma la serie de danza contemporánea “Dance under the Influence” (Bailar bajo la influencia). El término, hace referencia, con un toque de humor y de ironía, a una de las sanciones más graves que puede recibir un conductor en los Estados Unidos: “Driving under the influence”, término que significa una sanción, con el pago de una suculenta suma de dinero, por manejar bajo la influencia del alcohol. En este caso, la presencia etílica no juega ningún rol entre los bailarines.

El ciclo, que recomenzó en febrero una nueva temporada de danza en vivo, reúne miembros de reconocidas compañías de danza así como también agrupaciones de larga trayectoria. Desde el ballet al tap, desde la danza moderna hasta los títeres, este programa muestra la diversidad de creadores, estilos y criterios que reúnen el arte y la danza en la actualidad.

Las funciones continuarán el viernes 26 y el sábado 27 con los siguientes grupos: Jared Angle, Pontus Lidberg, Susan Marshall & Company y Sara du Jour. Seguidas de un debate informal en el que participarán bailarines, coreógrafos, y curadores, con el propósito de establecer un diálogo íntimo con el público acerca del proceso de creación de cada uno de los artistas.

En febrero, el MAD presentó en Dance under the Influence a la agrupación de Hip-Hop al Hip-Hop, con Decadence Theatre. Foto: Decadence Theater. Gentileza MAD.

Dance under the Influence es una propuesta en la que participan creadores de distintas disciplinas y con variada experiencia para lograr un resultado multidisciplinario. La curadora invitada de este ciclo es Valerie Gladstone.

En abril, este programa reúne a uno de los bailarines principales del NYCB, Angle, quien es capaz de mezclar la tradición clásica con la contemporánea. El coreógrafo sueco Pontus Lidberg, cuyo trabajo combina el cine, la música y la danza también se presentará en abril. Susan Marshall & Company, conocida por su planteo coreográfico basado en las relaciones humanas que exploran la intimidad y la comunidad, y Sara du Jour, quien descubre el humor en todo lo bailado, forman parte de esta entrega mensual.

En febrero de 2013, este ciclo ofreció las intensas y graciosas creaciones de la bailarina y coreógrafa Molissa Fenley, como también de John Heginbotham, quien fue miembro de la compañía de Mark Morris, de Dormeshia Sumbry-Edwards, y del bailarín emergente Zack Winokur.

Marzo trajo al museo al ABT Studio Company con la intención de mostrar a las jóvenes promesas de la danza. Y de lo clásico fue al Hip-Hop, con Decadence Theatre. Los títeres llegaron con uno de los más reconocidos creadores de los últimos tiempos, Basil Twist y luego la danza moderna se presentó con David Neumann.

Mayo encontrará a Doug Elkins, ex B-Boy, en un espectáculo que combina Hip-Hop, Graham y Balanchine. También en el mismo espectáculo, el ex bailarín de Merce Cunningham Company, Rashaun Mitchell, explorará a través de su coreografía, los secretos de las relaciones humanas. Mientras que las danzas hindúes llegarán de la mano del reconocido bailarín de la compañía Bharatanatyam, Ramya Ramnarayan. Blakeley White-McGuire, miembro de Martha Graham Dance Company, se presentará con una obra de danza-teatro.

Informes:

2 Columbus Circle
New York, NY 10019
info@madmuseum.org
212-299-7777