Friedemann Vogel como Onegin, Alicia Amatriain como Tatiana en la versión cinematográfica del Ballet de Stuttgart de “Onegin”, el clásico de John Cranko. Foto ©Stuttgart Ballet.

El Stuttgart Ballet continuará su serie StuttgartBallet@Home durante las próximas dos semanas con dos propuestas diferentes. Una obra contemporánea, “Out of Breath”, de Johan Inger y un clásico de su repertorio, “Onegin”, de John Cranko. Esta selección destaca la diversidad de los bailarines que integran la compañía y, también muestra un repertorio ecléctico que permite transitar por distintas propuestas en el campo del ballet.

“Out of Breath” estará disponible por video a pedido desde el jueves 23 de abril a las 6 pm (CET) hasta el domingo 26 de abril a las 10 pm (CET). En este intenso estudio sobre la fragilidad de la vida y el siempre presente espectro de la muerte, seis bailarines saltan, trepan y se arrojan sobre, sobre y contra una pared, y entre sí. Con música de Jacob ter Veldhuis y Lájkó Félix, la pieza presenta a Agnes Su, Elisa Badenes, Hyo-Jung Kang, Jason Reilly, Shaked Heller y Louis Stiens, así como a los músicos del Staatsorchester Stuttgart. El estreno del Ballet de Stuttgart de este trabajo fue en junio de 2019.

Hasta el 26 de abril está disponible en la Web “Out of Breath”, de Johan Inger, con Agnes Su, Jason Reilly y elenco. Foto ©Stuttgart Ballet.

Desde el viernes 1 de mayo a las 6 pm (CET) hasta el domingo 3 de mayo a las 10 pm, el Ballet de Stuttgart presenta la versión cinematográfica de 2018 de la obra maestra de John Cranko, “Onegin”, una coproducción de UNITEL, NHK, SWR / ARTE junto con el Ballet de Stuttgart.

Cranko creó “Onegin” para el Ballet de Stuttgart en 1965 (revisado en 1967) con Marcia Haydée y Ray Barra, en 1965, y Heinz Clauss en 1967 en los roles principales. Basado en la novela en verso escrita por Aleksandr Puskin, este clásico de la literatura rusa que se publicó en forma de serie entre 1823 y 1831, se abrió paso tanto en el campo del ballet como en la ópera.

Una historia dramática sobre el amor no correspondido, las oportunidades perdidas y las decisiones fatídicas. La versión de Cranko es un desafío para los bailarines, no solo desde el punto de vista técnico sino desde el aspecto actoral, y los protagónicos forman parte de los roles más codiciados y más buscados en el repertorio internacional de ballet.

Tatiana se enamora del amigo del poeta Lensky, Eugenio Onegin, quien llega desde San Petersburgo al campo para huir del aburrimiento, pero el amor de la joven no es correspondido. Por el contrario, el forastero prefiere provocar a Lensky y coquetear con su enamorada, Olga, hermana de Tatiana. Ambos se baten a duelo, y a partir de este hecho comienza el periplo de los protagonistas que los lleva a reflexionar sobre sus propias vidas. El desengaño, elarrepentimiento y la soledad son los pilares que definen esta historia.

“Onegin”, de Cranko está considerado como uno de los grandes ballets del siglo XX y ha entrado en el repertorio de más de 35 compañías en todo el mundo. Esta versión cinematográfica presenta a Friedemann Vogel como Onegin, Alicia Amatriain como Tatiana, Elisa Badenes como Olga, David Moore como Lensky y Jason Reilly como el Príncipe Gremin. Además, Marcia Haydée hace un cameo como la nodriza de Tatiana. El vestuario y la escenografía de Jürgen Rose capturan cada uno de los tres actos, mientras la Staatsorchester Stuttgart, dirigida por James Tuggle, interpreta la partitura de Piotr I. Tchaikovsky.

Esta grabación está disponible en la serie StuttgartBallet @ Home por cortesía de Unitel. Todos los programas de Unitel se pueden ver en Fidelio, la plataforma en línea de UNITEL en www.myfidelio.at. Por otra parte, Unitel Edition lanzó un DVD, que incluye material adicional, y está disponible comercialmente.

Días y horarios

“Out of Breath” -video a pedido
23 de abril, 18:00 hs. hasta el 26 de abril, 22:00 hs.
En el sitio web y el canal de YouTube del Ballet de Stuttgart:
https://www.stuttgart-ballet.de/schedule/stuttgartballetathome
https://www.youtube.com/c/dasstuttgarterballett

“Onegin” -video a pedido
1 de mayo, 18:00 hs. hasta el 3 de mayo, 22:00 hs.
Sólo en el sitio web del Ballet de Stuttgart:
https://www.stuttgart-ballet.de/schedule/stuttgartballetathome

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The Washington Ballet, dirigido por Julie Kent, se presenta en el Warner Theater hasta el 24 de diciembre. Foto: Theo Kossenas. Gentileza TWB.

A fines de noviembre, justo en la semana de Acción de Gracias, Lara Asch debutó como uno de los ratoncitos de “Cascanueces”, con el Kansas City Ballet en el Kennedy Center de Washington DC, y en otras funciones, también fue uno delos polichinelas escapados de la gran falda de Mother Ginger. Casi una semana después, Sofía Bentolila, en Lansdowne Resort, Leesburg, Virginia, hizo su primer “Cascanueces”, con el Ravel Dance Studio.

Lara y Sofía, compañeras de cuarto grado en la Escuela Argentina de Washington, durante varios meses dividieron su tiempo entre la danza, algo que las apasiona; la escuela “americana”, como suelen llamarla, y el aprendizaje del español durante cuatro horas los sábados por la mañana. Para las dos, al igual que para muchos otros niños que año tras año participan de esta obra tradicional de la Navidad, es una experiencia especial, y hasta inolvidable. Y quizás sea la semilla para una elección de vida en el mundo del arte.

Sofía Bentolila, en Lansdowne Resort, Leesburg, Virginia, hizo su primer “Cascanueces”, con el Ravel Dance Studio. Foto gentileza familia Bentolila.

Más de cien producciones invaden cada año los teatros más famosos y los más recónditos de los Estados Unidos. Las propuestas, que varían en estilos, formas y estéticas, no solo se limitan a contar una mágica historia para toda la familia, sino que también se convierten en un fenómeno singular que combina estrategias de marketing, calidad artística y participación comunitaria.

Noviembre es, por excelencia, el mes de lanzamiento en los Estados Unidos, y las funciones continúan hasta el 31 de diciembre, como ocurre, entre otros, con el New York City Ballet en el David H. Koch Theater en Nueva York. Algunas compañías hacen un par de funciones y otras, como el American Ballet Theatre, salen de gira.

Uno de los clásicos infaltables y, quizás, el más simbólico de la Capital del país, es el “Cascanueces” del Washington Ballet (TWB), con coreografía de su antiguo director, Septime Webre. Esta puesta narra la trama de Clara y el príncipe Cascanueces a partir de personajes de la historia fundacional de los Estados Unidos y elementos simbólicos de la lucha por la independencia. TWB hizo sus primeras presentaciones este año el 25 y 26 de noviembre en el Town Hall Education, Arts and Recreation Campus (THEARC), en el sudeste del Distrito de Columbia, para luego pasar, desde el 30 de noviembre al 24 de diciembre al Warner Theatre de DC, un lugar ya tradicional para la compañía dirigida por Julie Kent.

La producción tiene un promedio de 350 bailarines y niños reclutados de las tres sucursales de la Washington Ballet School de Maryland, el Distrito de Columbia y Virginia. Y así como hay producciones netamente locales, hay otras itinerantes que reclutan niños de las escuelas de ballet del área. Lara, comenzó a hacer ballet porque muchas de sus amigas tomaban clases, y cuando llegó la convocatoria para formar parte del elenco del Kansas City Ballet en el Kennedy Center, quedó seleccionada. “Lo que más me gusta de ‘Cascanueces’ –dijo–, es que es difícil pero divertido a la vez”. Su primer debut en este clásico fue años atrás en el Warner Theater. Y aseguró que lo que más le gustaría, es personificar a Clara. “Los ensayos eran todos los fines de semana –relató la niña–, comenzaron en septiembre, pero al principio eran muy cortos, y cuando se acercaba la fecha del primer show, eran de ocho horas”.

En muchos casos, las recaudaciones totales, entre entradas y mercadotecnia, alcanzan a cubrir el 25 por ciento del presupuesto anual de una compañía de ballet. Y en los Estados Unidos, se ha convertido en furor desde hace más de 50 años.

Cuando Sofía tenía 4 años, sus padres la anotaron en ballet para ver si le interesaba, y no solo le gustó, sino que desde ese momento nunca dejó de ir a las clases, y a los 5 años empezó en el Ravel Dance Studio, “lugar que adora”, confirmó su mamá. “Lo que más me atrae de ‘Cascanueces’ es la música, en especial, la de la escena de la fiesta –comentó –. Y me gustaría mucho ser Clara”. Sofía debutó por primera vez en “Cascanueces” el 2 de diciembre de este año, y quedó fascinada. Y desde luego, toda la familia dio el “presente” en el teatro.

“Cascanueces”, es una de esas piezas donde se combinan varios elementos que la convierten en una especie de poción mágica: el cuento escrito por E. T. A. Hoffmann en 1819, “El cascanueces y el rey de los ratones”; la fantástica música escrita por Piotr I. Tchaikovsky, y la coreografía, con versiones diversas, basada en la original de dos de los grandes genios del ballet clásico, Marius Petipa y Lev Ivanov. No obstante, la primera versión en los Estados Unidos fue creada por Willam Christensen en 1944 para el San Francisco Ballet (SFB), compañía que había fundado con sus hermanos Lew y Harold en 1933. Esa misma versión subió hace un par de años al escenario del Kennedy Center de Washington DC, a través de Ballet West.

Lara Asch debutó en noviembre como polichinela en “Cascanueces”, con el Kansas City Ballet en el Kennedy Center de Washington DC. Foto gentileza familia Asch.

Christensen se inspiró en el relato del entonces joven George Balanchine y de Alexandra Danilova. Y el estreno fue precisamente en la Nochebuena de 1944. Cuando en 1951 Willam se radicó en Salt Lake City, en Utah, para fundar Ballet West en 1963, montó su “Cascanueces”, y desde entonces, lleva más de 60 temporadas con la compañía dirigida por Adam Sklute, ex bailarín y director asistente del Joffrey Ballet.

Valentina Kozlova Dance Conservatory, presentó el 2 de diciembre “Nutcracker Winter Suite”, protagonizada por los medallistas del Valentina Kozlova International Ballet Competition 2016, Nikita Boris y Justin Valentine, y los becarios de Vaganova Ballet Academy en San Petersburgo, Russia, como una forma de incentivar a las jóvenes generaciones.

Desde el norte hacia el sur y desde el este hacia el oeste del país, “Cascanueces”, estrenada en 1892 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo, tiene la particularidad de convocar a los estudiantes de ballet, y de convertirlos en protagonistas. Los primeros que la hicieron: Antonietta Dell’Era, como el Hada de azúcar, Pavel Gerdt, como el príncipe Coqueluche, Stanislava Belinskaya como Clara, Sergei legat como el Príncipe Cascanueces y Timofey Stukolkin como Drosselmeyer.

Más allá del virtuosismo de los bailarines principales, la obra adquiere un carácter integrador con la presencia de los niños del área, sea cual sea la ciudad, quienes descubren el encanto particular de este ballet, y empiezan a formar parte del grupo de “futuros espectadores”.

Herman Cornejo y Sarah Lane protagonistas de la nueva producción del ABT de “La bella durmiente” de Alexei Ratmansky. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza ABT.

George Balanchine cuenta en su  libro “New Complete Stories of the Great  Ballets”, la forma en que tanto el escritor como quien crea los pasos de una obra coreográfica realizan su trabajo. El gran maestro estimaba que podían variarse la combinación de palabras o de los pasos usados al tratar de revivir una joya.

Este caso se aplica al nuevo trabajo de Alexei Ratmansky en su más reciente obra coreográfica; “La bella  durmiente”. Ratmansky,  como otros maestros, ha puesto sus manos en una joya que data de 1890. Original de Marius Petipa, con música del glorioso compositor Piotr I. Tchaikovsky, se presentó por primera vez en el Teatro  Mariinsky de San Petersburgo, y está basada en el cuento de Charles Perrault, “La Belle au bois dormant”.

Sobriedad y elegancia caracterizan a este nuevo ballet que Ratmansky creó para el American Ballet Theatre (ABT) en esta temporada, y que hizo su debut en Los Ángeles y en Washington, DC, antes de llegar al Metropolitan Opera House de Nueva York. Ratmansky conservó el título que le dio Petipa, y también la estructura de estricto clasicismo.

Un gran acierto ha conseguido Richard Hudson (escenógrafo y vestuarista) con sus pinturas, inspiradas en las de Leon Bakst. La escenografía, egregia y señorial, se caracterizó por bellos decorados, y magníficos telones que servían de nexo, en algunos casos, entre escena y escena. Todos los telones de boca dieron al enorme escenario del Met más profundidad y anchura. El vestuario, por su parte, obliga a insistir en la belleza.

La terminación de las fiestas de la boda de “La bella durmiente”, permitió al ABT mostrar el alto nivel de la compañía. Foto: Gene Schiavone. Gentileza ABT.

Buen gusto y elegancia, sin exageraciones, caracterizó la coreografía de este clásico que llega a este siglo XXI con gran pureza. El coreógrafo no necesitó excentricidades en las vueltas, ni en la elevación de las piernas en los arabesques para hacer una puesta deslumbrante. El elenco femenino que estrenó la obra en el siglo XIX, con Carlota Brianza y Pavel Gerdt en los papeles principales, pasaría sus apuros con las puntas y otros pasos de esta versión.

Sarah Lane tuvo a su cargo el rol de Aurora en la noche del jueves 10 de junio. Lane es menuda, no obstante puede dominar sus brazos con total facilidad y delicadeza. Por otra parte, puede girar sin exageraciones y con precisión.

El príncipe Desiree fue Herman Cornejo, un verdadero príncipe en la danza. Ya Cornejo ha sido reconocido por su elegancia, y por el dominio que puede tener en los roles que interpreta. Un bailarín preciso, con magníficos saltos y una delicadeza al caer pocas veces vista.

Un beso que el príncipe dio a la durmiente Aurora sirvió para despertarla del castigo que le impuso el hada mala, Carabosse.

La celebración de los esponsales en el acto final, dio oportunidad a infinidad de danzas diferentes. Entre las más importantes pueden incluirse las del pas de trois. Entre las hadas que llegan a entregar sus ofrendas y cualidades para la recién nacida, y que la protegen durante su tránsito de cien años dormida en el palacio, se destacaron el hada de plata, Luciana Paris, y el hada de Zafiro, Gemma Bond.

El famoso pas de deux del pájaro azul estuvo representado por  Gabe Stone Shayer, acompañado por Misty Coopeland.

La terminación de las fiestas de la boda dio la oportunidad a que Aurora y su Desiree también bailaran. Aquí la danza llegó a su máxima expresión por la excelente calidad de los intérpretes.
Ratmansky no cambio los pasos, sólo los trajo la era moderna, y dejó paso a la tecnología que después de más de un siglo desplazó a la artesanía.

La orquesta, bajo la batuta de David Lamarche recibió muy merecidos aplausos, también dirigidos al ABT completo y a Kevin McKenzie, su director artístico.

Natalia Osipova, en la producción de The Royal Ballet de “El lago de los cisnes”, con coreografía de Frederick Ashton, desde el Royal Opera House del Covent Garden. Foto: Royal Opera House / ArenaPAL.

El ballet más famoso del mundo, “El lago de los cisnes”, llegará a los cines de toda España a través de Versión Digital el martes 17 de marzo, en una producción de Anthony Dowell para la Royal Opera House, interpretado por el London Royal Ballet. La indiscutible obra de la conjunción entre Marius Petipa, Lev Ivanov y Piotr I. Tchaikovsky, es una combinación de amor trágico y coreografías que marcaron un hito en la historia del ballet clásico.

En esta oportunidad, “El lago…”, estará protagonizado por la bailarina principal Natalia Osipova como Odette y Odile, y por el canadiense Matthew Golding como el príncipe Sigfrido. Con una coreografía que muestra un despliegue de cisnes con espectaculares tutús blancos, la producción y los diseños son de Yolanda Sonnabend. Allí se combinan el estilo decadente de la Rusia imperial con una fantasía de glamour gótico y oscuro en la corte.

Ross McGibbon, antiguo miembro de The Royal Ballet, dirige esta producción que se verá en directo en los cines de España (Ver información abajo), que incluirá también escenas exclusivas del backstage y entrevistas con el reparto y equipo técnico.

Esta versión cinematográfica basada en el original de Marius Petipa y Lev Ivanov, que incluye coreografía adicional Frederick Ashton y David Bintley, es un ballet en cuatro actos cuya duración es de tres horas con dos descansos. La música está interpretada por la Orchestra of the Royal Opera House, dirigida por Boris Gruzin.

“El lago…” que fue encargado por el Teatro Bolshói en 1875 y se estrenó en 1877.  Es el primer ballet de la trilogía de Tchaikovky en asociación con Petipa. Y si bien la coreografía original se la encargaron a Julius Reisinger, la primera producción estuvo destinada al fracaso. El libreto, se supone que se basó en el cuento alemán “Der geraubte Schleier” (El velo robado) de Johann Karl August Musäus.

Sin embargo, el 15 de enero de 1895 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo la obra logró su primer gran éxito con una nueva coreografía a cargo de Petipa-Ivanov. El estreno tuvo a Pierina Legnani como Odette/Odile, y Pavel Gerdt como el príncipe Sigfrido, Alexei Bulgakov como Rothbart y Alexander Oblakov como Benno.

Suzanne Farrell Ballet ppresentó “The Concert”, de Jerome Robbins, con Elisabeth Holowchuk y Michael Cook. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

Hace casi 15 años, Suzanne Farrell asumió el desafío de reconstruir las piezas más olvidadas o poco frecuentadas del repertorio de su gran maestro, George Balanchine. Desde entonces hasta hoy, la compañía, que se nutre con bailarines de otros ensambles que trabajan con Farrell por cortos períodos, ha crecido en cantidad y en calidad.

En los tres días de funciones que el Suzanne Farrell Ballet presentó en el Opera House del Kennedy Center de DC, desde el 27 al 30 de noviembre, la ex primera bailarina del New York City Ballet optó por subir a escena tres estrenos: “Swan Lake” y “Allegro Brillante”, de Balanchine con música de Piotr I. Tchaikovsky, y “The Concert”, de Jerome Robbins, sobre fragmentos de preludios de Frederick Chopin. El resto del programa, “Monumentum Pro Gesualdo” y “Movements for Piano and Orchestra”, ambos del binomio Balanchine-Stravisnky, fueron estrenados por la compañía en DC en 2001.

Michael Cook y Elisabeth Holowchuk en “Movements for Piano and Orchestra”, en el Kennedy Center de DC. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

“Swan Lake”, creado por Mr. B en 1951, recupera el segundo acto de este clásico de Ivanov-Petipa. Farrell rescata esta puesta original, que luego Balanchine rediseñó en 1986, y en la que los cisnes blancos del cuerpo de baile se convirtieron en cisnes negros. Esta versión, más acelerada que la que habitualmente se ve en las puestas tradicionales, es un desafío aún mayor para la protagonista. Compleja, exigida, esta propuesta requiere de un alto nivel técnico, de un claro dominio del estilo Balanchine en los ataques y en la interpretación. Y si bien el cuerpo de baile mostró un interesante entusiasmo y delicada musicalidad, no dejó ver un ensamble compacto, dado que durante el año no trabajan juntas, las bailarinas reciben entrenamientos diversos.

La argentina Natalia Magnicaballi, en el rol de Odette, hizo filigranas con sus movimientos: cuidados, suspendidos, con una línea estupenda y una intensidad arrolladora. Con magníficos brazos, y sólidas piernas, logró transitar por los diferentes estados de este cisne etéreo y conmovedor. La expresividad de sus manos, delineada hasta el último detalle, y un cuello asombrosamente trabajado, mostraron a una bailarina capaz de lograr sutilezas profundas. En su dupla con Michael Cook, como Sigfrido, ambos logran un buen tándem.

Para la segunda parte del programa, Farrell eligió “Monumentum Pro Gesualdo” y “Movements for Piano and Orchestra”, dos clásicos de Balanchine, estrenados en 1960 y 1963 respectivamente, con un marcado toque neoclásico, interpretados por Ian Grosh y Elizabeth Holowchuk.

“Swan Lake”, interpretado en la noche del estreno del Suzanne Farrell Ballet por Natalia Magnicballi y Michael Cook. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

La tercera obra, “Allegro Brillante”, estuvo a cargo de una chispeante Paola Hartley junto a Brett Van Sickle. Hartley, una bailarina sutil, con intensos y delicados brazos, dejó translucir su inmensa y contagiosa alegría por bailar. Sin duda, en esta compañía, el plantel femenino, tal como viene ocurriendo desde su creación, es el más refinado, mientras que el ala masculina muestra flaquezas en cuanto al estilo y a la intensidad. Es precisamente en los trabajos de conjunto donde se advierte que la troupe carece de un trabajo constante bajo la misma batuta. No obstante, transmite un enorme entusiasmo, que no es poca cosa.

Un gran acierto fue “The Concert”, con la reposición de Kipling Houston y la participación en escena del pianista Glenn Sales, cuya veta actoral dio un toque especial a esta magnífica parodia de un concierto donde los personajes entretejen historias y situaciones graciosas. Allí, los bailarines se convierten en actores, y lo hacen estupendamente. Hartley, graciosa y desenfadada, pone un encantador sello de comicidad. Mientras que Cook, hace un despliegue de histrionismo en el que no deja detalle sin cubrir de su atractivo personaje.

La obra tuvo su estreno mundial en 1956 por el New York City Ballet, con Tanaquil LeClercq en el protagónico. Delicioso vestuario de Irene Sharaff y una puesta magnífica, hacen de esta obra un atractivo hallazgo para la compañía de Farrell que comienza su gira por todo el país.

The Suzanne Farrell Ballets, presenta a Natalia Magnicaballi y Michael Cook en “Swan Lake” de George Balanchine. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

Después de  siete años de ausencia en el escenario del Opera House del Kennedy Center, el Suzanne Farrell Ballet regresa con un programa mixto que incluye tres estrenos y dos reconocidas obras de George Balanchine. “Swan Lake”, “Allegro Brillante”, con música de Piotr I. Tchaikovsky, y “The Concert”, de Jerome Robbins, con música de Frederick Chopin, se sumarán al repertorio integrado por dos clásicos de la compañía, “Monumentum Pro Gesualdo” y “Movements for Piano and Orchestra”, ambos con música de Igor Stravinsky y coreografía de Balanchine.

La Kennedy Center Opera House Orchestra, conducida por Scott Speck interpretará la música de cada una de las obras del programa que comienza el viernes 28 y termina el 30 de noviembre.

La argentina Natalia Magnicaballi, una de las bailarinas principales de la compañía, formará parte del elenco, integrado a su vez por Elisabeth Holowchuk, Violeta Angelova, Paola Hartley, Michael Cook y Brett Van Sickle.

Magnicaballi, actual primera bailarina del Ballet Arizona, dirigido por Ib Andersen, es una de las pocas intérpretes que comparte el puesto de principal en dos compañías. A los 19 fue primera bailarina del Ballet Argentino, dirigido por Julio Bocca; integró el Ballet Contemporáneo del San Martín, y luego de su paso por Artballeto en Italia, en 1999 se integró a la compañía de Farrel.

La versión de “Swan Lake” que Farrell llevará a escena y que Magnicaballi interpretará en la noche de apertura, está basada en la primera puesta que la musa de Balanchine aprendió cuando se incorporó a las filas de New York City Ballet en 1961. Hoy, convertida en un estreno de la compañía, la obra recupera la memoria escénica a través de la reposición de de Farrell, una de las más reconocidas bailarinas de la compañía fundada por Balanchine y Lincoln Kirstein en 1948.

“Allegro Brillante”, ballet para 10 bailarines basado en el Concierto para piano No. 3 de Tchaikovsky, fue originalmente creado para la legendaria Maria Tallchief, y está considerado por Balanchine como un ballet que resume lo fundamental del ballet clásico en sólo 13 minutos.

El tercer estreno de este programa, “The Concert”, de Robbins, fue creado en 1956, y pone una mirada de humor hacia los espectadores tradicionales de un concierto de música clásica.

Creado en 2001, The Suzanne Farrell Ballet ha presentado diferentes programas tanto en el Kennedy Center como también a nivel nacional e internacional. Con el objetivo de mantener y perpetuar el legado de Balanchine y su obra, la compañía creó en 2007 el proyecto Balanchine Preservation Initiative, cuyo propósito es llevar a escena las obras poco conocidas del coreógrafo. Muchos de esos trabajos no habían sido presentados por varias décadas. Este programa cuenta con la cooperación de The George Balanchine Trust. Actualmente la compañía lleva montados once ballets del coreógrafo ruso.

 Información:

The Suzanne Farrell Ballet
“Swan Lake” (Tchaikovsky/Balanchine)
“Monumentum Pro Gesualdo” (Stravinsky/Balanchine)
“Movements for Piano and Orchestra” (Stravinsky/Balanchine)
“Allegro Brillante” (Tchaikovsky, Balanchine)
“The Concert” (Chopin/Robbins)

Viernes 28 y sábado 29 a las  7:30 pm
Sábado 29 y domingo 30 a la 1:30 pm
Entradas:
(202) 467-4600  ó  (800) 444-1324

Estrenada por la Compañía de Danza Deborah Colker en 2011, “Tatyana” llega a Buenos Aires. Foto: Leo Aversa. Gentileza CDDC.

La Compañía de Danza Deborah Colker se presentará nuevamente en Buenos Aires luego de diez años. En este regreso, la agrupación brasileña creada en 1993 por la coreógrafa carioca, pondrá en escena “Tatyana” en dos únicas funciones, el miércoles 15 y jueves 16 de octubre a las 20.30 hs en el Teatro Opera Allianz.

Estrenada por la compañía en 2011,  “Tatyana” está basada en “Eugenio Oneguin”, la novela en verso publicada en 1832 por Aleksandr Pushkin (1799-1837), padre de la literatura rusa.

El escritor mulato (descendiente de un príncipe africano), considerado el “padre” de la literatura rusa moderna”, escribió esta obra a lo largo de siete años, 1823 – 1830, y se la considera es su obra más original e importante. Inspiró diversas creaciones entre ellas la célebre ópera de Piotr I. Tchaikovski (1879), el film con Ralph Finnes (1999) y el ballet de John Cranko.

La música de compositores como Sergei Rachmaninov, Tchaikovsky, Igor Stravinsky y Sergei Prokofiev conduce este viaje al corazón de una historia atemporal de duelo, desacuerdos, pasiones y decepciones.

“Tatyana” se presentó en las más importantes ciudades del mundo y su trama describe a Oneguin, un joven rico y cosmopolita que abandona las diversiones de la gran ciudad para refugiarse en una finca rural que ha heredado de su tío. Allí conoce al joven poeta Lenski, novio de Olga Lárina quien le presenta a su hermana mayor Tatyana.

Tatyana se enamora de Oneguin, a quien le declara su amor, y él la rechaza y seduce a Olga. Luego se sucede un duelo fatal entre los amigos y, tiempo después, el reencuentro de Oneguin y Tatyana.

Para expresar la fuerza poética y la magia de esta novela, la compañía de Deborah Colker lleva al escenario el propio Pushkin interactuando con las acciones, deseos, pensamientos y modificaciones de los cuatro protagonistas de su obra maestra.

Un espectáculo de danza contemporánea más interesado en traducir sentimientos que en desarrollar una narrativa. Aunque el libro original está ambientado en la Rusia de comienzos del siglo XIX, Colker no pone en el escenario los estereotipos rusos. La escenografía es  un gran árbol metálico en torno del cual y en cuyas ramas Pushkin y sus personajes desenvuelven sus sueños, angustias y amores.

Este es el décimo espectáculo de esta compañía fundada en 1993, presentado por Petrobras y que cuenta con el patrocinio de la Municipalidad de la Ciudad de Río de Janeiro / Secretaría Municipal de Cultura.

Desde 1993 la Compañía de Danza Deborah Colker viene construyendo con ahínco un lenguaje que inserta elementos escénicos no utilizados anteriormente, en los que se mezclan las técnicas de la danza con el cotidiano del público.

Ficha técnica

Creación, dirección y coreografía: Deborah Colker
Director Ejecutivo: Joao Elias
Dirección de arte y Escenografía: Gringo Cardia
Iluminación: Jorginho de Carvalho
Dirección musical: Berna Ceppas
Vestuario: Fabia Bercsek

Informes

15 y 16 de octubre 20:30 hs.
Teatro Opera Allianz-
Av. Corrientes 860, CABA-
www.ciadeborahcolker.com.br
Facebook /ciadeborahcolker
Twitter /codeborahcolker

El Washington Ballet presenta “Cascanueces”, de Septime Webre en el Warner Theatre de Washington, DC. Foto: Paul Zambrana. Gentileza WB.

El “Cascanueces” de Septime Webre no es un “cascanueces” tradicional. Tiene un encanto particular que atrapa, deslumbra y embelesa. Más allá de las repetidas veces que se pueda ver esta versión, siempre produce las mismas y placenteras sensaciones, o diferentes. La puesta es bella por donde se la mire: escenografía de Peter Horne, vestuario de Judanna Lynn e iluminación de Tony Tucci. Ningún detalle está librado al azar.

Todos los años el Washington Ballet (WB), la compañía dirigida por Webre, toma posesión del Warner Theatre de DC y marca su presencia en la ciudad. Esta vez, hasta el 29 de diciembre. Y se hace cargo de este clásico del ballet, estrenado en 1892 en el Teatro Mariinsky de San Petersburgo con música de Piotr Ilich Tchaikovski y coreografía de Marius Petipa y Lev Ivanov. El libreto escrito por Ivan Vsevolozhsky y Petipa, surge de la adaptación de Alejandro Dumas (padre) del cuento “El cascanueces y el rey de los ratones”, de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann.

En esta versión tan washingtoniana, los niños del primer acto y del segundo son, sencillamente, deliciosos, especialmente los más pequeños. Todos ellos asumen un compromiso indudable ante la responsabilidad que significa para cada uno de ellos formar parte de este “Cascanueces” que es de y para la comunidad.

Hay cerca de cien niños en escena, todos ellos forman parte del semillero de las tres escuelas del WB, a los que se suman los aprendices y los bailarines de la compañía. Cada uno de ellos individualmente aceptan el desafío de contar esta historia con convicción absoluta, y lo logran.

Cerca de cine niños de las escuelas del Washington Ballet participan en “Cascanueces”. Foto: Paul Zambrana. Gentileza WB.

“El Cascanueces” del WB se ha convertido, sin duda, en la carta de presentación de la compañía, y en el orgullo de cada uno de los que participan en este tour de force que significa hacer funciones todos los días durante todo diciembre.

Como Clara, Briana Marie Sosa puso un toque de inocencia y frescura, con delicado estilo, cumplió su rol de manera encantadora. Mientras Luis Torres, con sus dotes histriónicas y su espíritu lúdicro compuso un Drosselmeyer adorable y quizás, no tan siniestro como el de otras versiones.

Webre estructura su primer acto basándose en las relaciones personales entre los amigos y la familia, incluye toques de ternura y distracciones naturales, de esas que suceden graciosamente en cualquier noche de Navidad. Y eso, también, forma parte del encanto de este “Cascanueces”, fino, delicado, que incluye la historia de los Estados Unidos y pone en escena una simbólica batalla independentistas (Cascanueces y su ejército de soldados) y monárquicos (el rey ratón, convertido en George III).

Y el mundo de los caramelos se convierte en uno de esos maravillosos refugios naturales que tiene la ciudad de Washington junto al río Potomac. Con los cerezos en flor, Webre evoca una de las épocas primaverales más sublimes de esta ciudad, y la plasma en el Vals de las Flores. Allí también aparecen los insectos, y los animales típicos con los que los ciudadanos se encuentran todos los días.

El Washington Ballet en la producción de “Cascanueces” de Septime Webre. Foto: Tony Brown. Gentileza WB.

La venezolana Francesca Dugarte y Jared Nelson, asumieron los roles de la reina y el rey de las nieves en el primer acto. Ambos con solvencia y prolijidad se hicieron cargo de un pas de deux atractivo y bien delineado. En el segundo acto, Maki Onuki y Jonathan Jordan fueron el Hada Confite y su caballero. Onuki, con buena técnica hizo un trabajo impecable junto a su partenaire. Una dupla prolija, pero quizás, demasiado distantes emocionalmente entre sí.

Por este “Cascanueces”, también desfilan, sustituyendo los personajes tradicionales del segundo acto, un dúo de indios Anacostia, un pescador chino con un enorme pez de colores, un colonizador con sus acompañantes, y un grupo de cardenales (pájaro que representa al estado de Virginia que forma parte del área metropolitana de Washington). Y en el lugar de la tradicional “Mother Ginger”, Webre incluyó a “Mother Barnum” y un grupo de clowns que salen de un carrusel semejante al que está en el National Mall, construido en 1947.

Con cada uno de estos recursos absolutamente locales, el “Cascanueces” del WB no pierde en ningún momento el rumbo de la historia original. Por el contrario, la respeta a pie juntillas, aún con los cambios de ambientación y ciertas licencias coreográficas.

El Washington Ballet presenta un “Cascanueces” que cuenta parte de la historia de la capital de los Estados Unidos. Foto: Paul Zambrana. Gentileza WB.

Una historia con soldaditos vestidos con los colores de la bandera de los Estados Unidos, ratones monárquicos, flores de cerezos, ardillas, golosinas y barcos que atraviesan el río Potomac. Un mago capaz de crear complejas situaciones, y de hacer crecer el árbol de navidad hasta dimensiones sólo imaginables en los sueños. Y Clara, la niña que inicia un periplo hacia la madurez, acompañada de su cascanueces.

Septime Webre, el director del Washington Ballet, ha creado y recreado este clásico con toques locales, tal como muchos coreógrafos de los Estados Unidos que intentaron renovar aquel magnífico cuento que Marius Petipá y Piotr I. Tchaikovsky convirtieron en una de las joyas del ballet clásico en el siglo XIX.

Desde el 5 hasta el 29 de diciembre, la compañía local de la capital de los Estados Unidos se presenta, como todos los años en el Warner Theatrer con “Cascanueces”, en versión de Webre, basada en la original de Petipa, con música de Tchaikovsky.

El “Cascanueces” de Webre contiene muchos elementos de la iconografía del país, su historia y sus ideales. Más allá de presentar una historia en el mundo de las golosinas y los bombones, la obra muestra a la ciudad en sus diferentes estaciones y rescata elementos característicos. “Este ‘Cascanueces’ es una fábula clásica para la época de Navidad con una de las músicas más gloriosas que se hayan escrito en la historia para el ballet, con un toque estadounidense”, comentó Webre.

El primer “Cascanueces”, estrenado en 1892 en el Teatro Mariinski de San Petersburgo, estaba estructurado en dos actos, y la coreografía fue creada por Petipa y Lev Ivanov. El libreto fue escrito por Ivan Vsevolozhsky y el propio Petipa, basándose en la adaptación de Alejandro Dumas (padre) del cuento “El cascanueces y el rey de los ratones”, de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann.

El del Washington Ballet cuenta la historia de una niña llamada Clara que recibe un cascanueces de regalo en la noche de Navidad. Corre el año 1882 en una mansión tradicional de Georgetown, uno de los barrios más antiguos del Distrito de Columbia.  Y como ocurre con la historia del ballet tradicional, durante la noche Clara se ve envuelta en una batalla en la que salva al Cascanueces. Sin embargo, no se trata de una guerra tradicional. Webre decidió plantar la lucha entre los revolucionarios y los monárquicos.

Liderados por el Cascanueces, que encarna a George Washington, que batalla contra el rey de los ratones, que simboliza al rey George III, el Cascanueces se convierte en un apuesto príncipe que guía a Clara en un deslumbrante viaje en donde se encuentra con la reina de las nieves, el hada de azúcar, las flores de cerezos, los indios Anacostia, pájaros típicos de la región y animalitos del bosque.

“La idea fue incorporar la historia de la ciudad –comentó Webre–, y de hecho, este ballet es una fiel representación de esta zona, en la que la gente del área puede verse reflejada”.

La producción tiene un promedio de 350 bailarines y niños reclutados de las tres sucursales de la Washington Ballet School de Maryland, el Distrito de Columbia y Virginia.

El domingo 8, se realizará una función para la familia, en la que los niños podrán participar de un evento liderado por Webre en el Warner Theatre antes de la función de la 1PM. “En este día las familias pueden ver lo que hay detrás de la escena en esta gloriosa producción que tenemos , y también tendrán la oportunidad de interactuar con Clara, Drosselmeyer, el hada de azúcar y otros personajes”, aseguró el director de la compañía.

Las actividades comenzarán a las 11:30AM, con el recibimiento de los soldados revolucionarios. Y entre las actividades programadas, se realizarán manualidades, habrá una demostración de la confección de las zapatillas de punta y los tutus que utilizan las bailarinas, una clase demostrativa y fotos con los personajes del “Cascanueces”. También se exhibirán libros relacionados con el tema, y ornamentos.

Funciones

Jueves, Diciembre 5, 2013 a las 7:00PM (Previa)
Viernes, Diciembre 6, 2013 a las 7:00PM (Apertura)
Sábado, Diciembre 7, 2013 a las 2:00PM & 7:00PM
Domingo, Diciembre 8, 2013 a las 1:00PM (Día familiar) & 5:30PM
Miércoles, Diciembre 11, 2013 a las 7:00PM
Jueves, Diciembre 12, 2013 a las 7:00PM
Viernes, Diciembre 13, 2013 a las 7:00PM
Sábado, Diciembre 14, 2013 a las 2:00PM & 7:00PM
Domingo, Diciembre 15, 2013 a las 5:30PM
Jueves, Diciembre 19, 2013 a las 7:00PM
Viernes, Diciembre 20, 2013 a las 7:00PM
Sábado, Diciembre 21, 2013 a las 2:00PM & 7:00PM
Domingo Diciembre 22, 2013 a las 1:00PM & 5:30PM
Lunes, Diciembre 23, 2013 a las 7:00PM
Martes, Diciembre 24, 2013 a las 1:00PM & 5:30PM
Viernes, Diciembre 27, 2013 a las 2:00PM & 7:00PM
Sábado, Diciembre 28, 2013 a las 2:00PM & 7:00PM
Domingo, Diciembre 29, 2013 a las 1:00PM

“La Bella durmiente”, de Matthew Bourne se convierte en una fábula gótica en el Kennedy Center de Washington DC. Foto: Simon Annand. Gentileza JFKC.

Una princesa condenada por un maleficio del hada mala, un príncipe que debe rescatar a la princesa que quedó dormida durante cien años, y una historia de amor donde los protagonistas, se supone, son felices para siempre y le ganan la partida al mal.

Casi todo y casi nada de eso ocurre en la nueva versión de 2012 de “La bella durmiente” creada por el coreógrafo inglés Matthew Bourne y que se presentó desde el 12 al 17 de noviembre en el Kennedy Center de Washington DC. Su rebeldía, quizás, o su desbordante creatividad pone a esta historia popular europea, nacida de la tradición oral, en un ámbito donde las hadas buenas y las hadas malas son vampiros encarnados, algunos, por personajes masculinos, ajenos a la delicadeza de las hadas tradicionales.

Bourne, rompe con los estereotipos, se lanza a recrear su propia historia, sin alejarse demasiado de la estructura que en el siglo XIX, gestaron los dos genios de la danza, Marius Petipá y Piotr. I. Tchaikowsky, cuya partitura permanece intacta en esta versión.

De la primera versión de Charles Perrault, de su libro “Cuentos de Mamá Ganso” publicado en 1697, y de la segunda, de los Hermanos Grimm, “Dornröschen” (La espina de la rosa), el coreógrafo rescata algunos personajes como el Hada Lila, convertido en el Conde Lilac, rey de las hadas, Carabose, la princesa Aurora, los reyes, y convierte al jardinero en el enamorado que llegará a salvarla del maleficio de Carabose y su hijo, Caradoc.

Con las manos maestras de un grupo de titiriteros que comandan los gestos y travesuras de la princesa niña, Bourne muestra una personalidad que puede ajustarse quizás, más a la realidad que a la fantasía. Una niña traviesa y caprichosa que enloquece a su niñera.

La compañía dirigida por Bourne, New Adventures, presenta una historia gótica que comienza en 1890, año en el que se estrenó por primera vez este ballet en Rusia. Continúa con Aurora (Hanna Vasallo) a los 21, enamorada del jardinero del palacio, Leo (Chris Trenfield), que por un mordisco del conde Lilac se convierte en vampiro en el segundo acto. Y luego, la trama llega hasta la actualidad.

Si bien la producción se apoya en códigos contemporáneos, en los que las hadas danzan con enorme energía, son los pas de deux de Aurora y Leo los que definen con mayor fuerza y pureza la coreografía, que mezcla estilos y refuerza los elementos de la danza-teatro.

Trenfield, enérgico, preciso, con buenos saltos y solidez como partenaire, es un intérprete conmovedor que apela a la teatralidad para reforzar las situaciones de su personaje y lo realza con convicción.

Tanto en su “Cascanueces”, que comienza en un orfanato, como en su “Lago de los cisnes”, en el que los protagonistas son cisnes hombres, el primer acto de ambas es el más fuerte y contundente, mientras el resto, se desvanece en el relato. Sin embargo, en “La bella…”, Bourne hace crecer su obra en intensidad narrativa y genera una inusual expectativa por la resolución final.

En “La bella…”, el periplo de los protagonistas es consistente. Aurora es raptada por el hijo de Carabose, Adam Maskell, correcto en su rol de vampiro malvado, aunque con poca danza para su rol. Un personaje que ofrece resistencia y crea trampas al protagonista (jardinero, príncipe o vampiro salvador), y mantiene obnubilada a Aurora hasta el final.

Esta puesta ha ganado en secuencia narrativa, mientras que la puesta en escena mantiene un especial atractivo con cambios de escenas, juegos de luces y sombras, un vestuario deslumbrante y mucho ingenio. Y el toque de humor, tierno y convencional, llega al final cuando Aurora y Leo se encuentran, ambos convertidos en vampiros buenos, se casan y tienen una vampirita. Allí resurge ese magnífico títere que los magos titiriteros hacen mover hasta cautivar al público con su magia.