Acosta Danza presentó en Cuba “Mundo Interpretado”, estreno mundial del joven coreógrafo brasileño Juliano Nunes. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

De regreso de la exitosa primera gira por Suramérica, donde bailaron un variado repertorio en ciudades de Chile, y luego de asumir, en las gélidas islas británicas, la dirección del Birmingham Royal Ballet, Acosta Danza, la compañía fundada y dirigida por Carlos Acosta, sube al escenario de la Sala García Lorca del Gran Teatro de la Habana Alicia Alonso su décimo cuarta temporada y la primera de 2020.

Esta serie que se presentó el 31 de enero, y el 1 y 2 de febrero, está caracterizada por el trabajo que realizan los bailarines con sus cuerpos, “la herramienta fundamental del que baila”, como ha expresado el propio Acosta: “para ellos es su pincel, su guitarra, su cincel y su piedra”. De acuerdo con los títulos elegidos para esta ocasión, tanto las reposiciones como el estreno mundial, son consecuentes con los objetivos del director artístico.

Las coreografías sucesivas de este cartel exhiben todo el atletismo conseguido por su cotidiana dedicación -en los salones de clases- al desarrollo de la técnica, así como al lirismo y expresividad corporal que brota “de la mente creadora”, como hábil respuesta de máxima capacidad. Son obras muy exigentes del virtuosismo, en las destrezas logradas por el músculo, trabajado éste con toda la prospectiva definida ante el desafío que exige cada una.

La vocación declarada por Carlos Acosta, desde el primer instante de la creación de esta agrupación, está claramente manifestada en esta temporada como “un acto da fe”: poseer un cuerpo de baile dúctil, integral, que pueda ejecutar e interpretar un amplio diapasón de formas y estilos: lo académico y lo contemporáneo en función de la comunicación interactiva de sendos lenguajes corporales.

“Cor”, de Marianela Boán, permite que los intérpretes trabajen de manera interactiva entre la coreografía y la música en vivo. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

Todo ello se hizo evidente en “Mundo Interpretado”, estreno mundial del joven coreógrafo brasileño Juliano Nunes (1990) -producción realizada gracias a la ayuda desinteresada de la mecenas estadounidense Madeleine Plonsker, como “un regalo a la danza cubana” (en palabras de Acosta)-, que reconoció desde su primera visita la fortaleza física de los danzantes de este conjunto, capaz de crear “la imagen de un mundo irreverente”. Sumado a ello, la contribución artístico-conceptual de la reconocida artista visual Glenda León y el talento del joven compositor e instrumentista Pepe Gavilondo, valores fundamentales para conseguir “un universo donde lo onírico y lo real son la misma cosa”.

El lenguaje coreográfico de Nunes -como se manifestó aquí- se vio beneficiado por la empatía desarrollada entre las idiosincrasias latinas del brasileño y las caribeñas, desde el inicio del montaje de su pieza. Todo fue estructurado y ensayado en corto tiempo -el coreógrafo tuvo que cumplir otros compromisos artísticos en el exterior- y gracias a contar con la pericia de la maitre asistente Clotilde Peón se logró estrenar como estaba previsto.

Zeleidy Crespo en el solo “Impronta”, de María Rovira. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

A su retorno, pocas semanas antes de la fecha fijada para estrenar “echó pie en tierra” para revisar y pulir los complicados y fluidos entrelazados movimientos corporales, por las exigentes coordinaciones entre la cabeza y el cuerpo. Allí aparecen las referencias debidas a su formación europea, particularmente su cercanía a maestros tales como Williams Forsythe, Hans van Manen o Jirí Kylian, entre otros. Su obra fluye por la diversidad del diseño escénico: los formatos se suceden a partir de un “opening” con una música de ceremonial de alguna etnia foránea, como preludio; primero las tres parejas juntas se entrelazan, después vemos bailar espléndidos solos, un apasionado trio y, finalmente, un brillante dúo. Es de destacar el solo bailado por Raúl Reinoso, con un seductor soporte musical de flauta sinfónica traversa, y el mencionado dúo final, esta vez bailado intensamente por Gabriela Lugo (exquisita y segura sobre puntas), junto al versátil y atlético Alejandro Silva. Ellos desaparecen lentamente en el ciclorama negro, acto seguido el telón de boca se cierra. El público quedó sin aliento unos segundos, antes de romper en pie con nutridos aplausos.

Es una obra abstracta, cargada de ideas a partir de su concepto de la vida presente de los cubanos y, como si “a través de las dificultades, se encuentran con la felicidad. “Pensé en esa energía que tiene el cubano de encontrar caminos para vivir o sobrevivir”, apuntó Nunes en el programa de mano.

El éxito de “Mundo Interpretado” se consigue -en un elevado porcentaje- por la creación visual minimalista de Glenda León: nenúfares iluminados colgantes que ascienden y descienden conforme a los propósitos fijados por Nunes (previamente quedó impresionado por un cuadro floral de León), además el inteligente y logrado soporte musical aportado por Gavilondo (por momentos, con sonoridades referenciales, o guiños, al minimalismo de un Philip Glass o Arvo Part), del que transpiraba una originalidad, debida a su formación con eminentes maestros cubanos, para recrear la atmósfera onírica deseada por el coreógrafo.

También reposiciones

La pieza en un acto de la coreógrafa cubana Marianela Boán, “El Cruce sobre el Niágara”, una de las favoritas del público. Fotos Buby Bode. Gentileza AD.

Algunas de las reposiciones fueron muy bien recibidas, otra no tanto. Entre las primeras, fue un goce superior la pieza en un acto de la coreógrafa cubana Marianela Boán (siempre residente en República Dominicana) “El Cruce sobre el Niágara”, un icono de la danza moderna cubana creada en 1987 e inspirada en la obra teatral homónima del dramaturgo peruano Alonso Alegría. Y que tiene como soporte musical una hermosa creación del francés Olivier Messiaen. Esta vez fue entregada de manera impecable e intensa por dos soberbios bailarines, Raúl Reinoso y Mario Sergio Elías, enaltecidos por el diseño de luces del laureado Carlos Repilado (fallecido recientemente).

De la misma creadora, Boán, su pieza “Cor” (sugiere sus derivaciones semánticas: coro, corazón, coraje, correo, coral), que incluye la definitiva participación de los intérpretes de manera interactiva en el material coreográfico y en la música en vivo ejecutada por su compositor y tecladista Gavilondo (la maestra coral Alina Orraca se empeñó en el trabajo vocal con los danzantes), así como la colaboración del eminente percusionista Lino Pedroso. El trabajo de luces de Bonnie Beecher ha beneficiado en gran medida esta producción de Acosta Danza. No obstante, el resultado final no llegó a buen puerto, a pesar de las intervenciones inclusivas de las congas; los boleros archiconocidos o las rumbas: los bailarines “cantaron a coro” el popular tema de Gonzalo Asencio “Consuélate como yo”, mientras se cambiaban de vestuario a la vista del auditorio, muy identificado con la música y la letra.

Le antecedió el solo femenino “Impronta”, realizado por otra mujer experimentada en este quehacer, la ibérica María Rovira, para una excepcional bailarina de la compañía, Zeleidy Crespo, una deslumbrante mulata cual una venus africana de garbo y estatura inhabituales salida de las cálidas aguas del mar Caribe, dotada de excepcional carisma y habilidades técnicas. El imprescindible compositor Pepe Gavilondo aseguró el éxito con el aporte de las sonoridades requeridas por Rovira para los siete minutos de este impresionante unipersonal.

Para el cierre de la primera parte, Acosta eligió el dúo “Soledad”, creado por el catalán, Rafael Bonachela, e interpretado por una pareja de fuste y dramáticamente vibrante, quienes desde la primera escena de las cuatro que lo integran lograron cautivar al auditorio, que contaron con variado soporte musical: entre las piezas, una de Astor Piazzolla interpretada por el afamado violinista Gidon Kremer, así como un popular tema de Agustín Lara cantado de manera sensacional por Chavela Vargas. El diseño de luces fue un protagonista más, debido al cubano Pedro Benítez sobre el original de Lee Curran. El poco feliz vestuario y escenografía estaban firmados por el propio Bonachela.

Luego de esta temporada en Cuba, la Acosta Danza, compañía se presenta con “Acosta Danza Up Close” desde el jueves 13 hasta el 24 de febrero en el Teatro Linbury, escenario perteneciente a la Royal Opera House de Londres, en el Reino Unido. El espectáculo, está compuesto por las obras “El cruce sobre el Niágara”, de la cubana Marianela Boán; ”Impronta”, de María Rovira; el dueto “Soledad”, de Rafael Bonachela; “Mundo Interpretado”, de Juliano Nunes y el solo “Two”, de Russell Maliphant, obra que bailará Carlos Acosta.

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Nederlands Dans Theater presentó en el Kennedy Center “Shoot the Moon”, obra de los directores artísticos de la compañía, Sol León y Paul Lightfoot. Foto: Rahi Rezvani. Gentileza JFKC.

Inevitablemente cuando suena el nombre Nederlands Dans Theater (NDT), vienen a la memoria los nombres de los tres grandes pioneros de esta odisea de lanzarse, desde La Haya, Holanda, a conquistar y revolucionar el concepto y la estética de la danza contemporánea de mediados del siglo XX. Fundada en 1959 por Benjamin Harkarvy, Aart Verstegen y Carel Birnie en cooperación con 18 bailarines del Het National Ballet, la NDT se puso a la vanguardia con el aporte de coreógrafos como Glen Tetley y Hans van Manen. Ya en los 80, Jiří Kylián, como director artístico de la compañía, incorporó su propia visión que quedó como su “marca registrada”.

Ya en la primera década del nuevo siglo, Sol León y Paul Lightfoot, ambos coreógrafos residentes del NDT desde 2002, asumieron la dirección artística de esta troupe que del 4 al 6 de abril se presentó en el Kennedy Center de Washington DC.

Tres obras con diferentes perfiles y conceptos subieron al escenario del Opera House. La primera, con coreografía de León y Lightfoot, “Shoot the Moon”, mantiene una estética en paralelo en la que las escenas aparecen transmitidas en la parte superior del escenario, en blanco y negro y simultáneamente, a través de una cámara en vivo. Una bellísima puesta que describe conductas, sentimientos y conflictos emocionales que transcurren en una habitación. Cada pareja, con situaciones diferentes, resuelve su dilema en ese cubículo. Y tal como ocurre en las películas, las habitaciones van rotando para contar la historia individual de cada uno. El estupendo manejo de la luz de Tom Bevoort y la calidad de la danza sobre la partitura de Philip Glass, “Tirol Concerto” para piano y orquestra, hacen que esta pieza quede en la memoria, al igual que la intensidad en la interpretación de sus bailarines.

“The Statement”, de la canadiense Crystal Pite, realización de contenido social, que incluye mímica, teatro y voz en off. Foto: Rahi Rezvani. Gentileza JFKC.

Más allá de las posibles asociaciones con la famosa pieza de Kurt Jooss “La mesa verde” creada en 1932, “The Statement”, de Crystal Pite, es un deslumbrante derroche de talento. Potente, incisiva, dinámica, la obra, transcurre en una larga mesa en la que los “supuestos ejecutivos de una firma” discuten sobre las medidas a tomar para mejorar o resolver problemas presupuestarios. Pite, optó por utilizar las voces y los diálogos “casi” como una banda de sonido. Cada uno de estos brillantes bailarines, refinados mimos-actores, van describiendo con el cuerpo los diálogos entre los ejecutivos. Deslumbrante la precisión, la expresividad y la dinámica para conjugar el movimiento y el gesto con el ritmo y la intención de la palabra. Quizás la obra más impactante del programa y quizás, una de esas piezas que hace pensar con alegría, que en este siglo XXI, la creatividad no se ha desvanecido totalmente. Y queda la esperanza de sorprenderse.

“Singulière Odyssée”, apunta a describir esta gran odisea de viajar permanentemente, de esta enorme movilidad del hombre contemporáneo. Situada en la sala de espera de la Estación Central de Basel, Suiza, la obra creada en 2017 por León y Lightfoot, muestra una estación casi desierta con una mujer esperando. De pronto, comienza el flujo de viajeros que van y vienen, que aparecen y desaparecen, que avanzan y retroceden, absorbidos por ese devenir permanente de la vida. Con precisión casi milimétrica, los bailarines se desplazan por esa estación en la cual la identidad desaparece.

Estos excepcionales intérpretes, magníficos, dúctiles, intensos, se funden en esta mística de la danza que intenta adentrarse en el significado más profundo de la existencia. Y, otra vez, lo cotidiano se vuelve trascendente y sublime.

Situada en la sala de espera de la Estación Central de Basel, Suiza, “Singulière Odyssée”, de Sol León y Paul Lightfoot, cerró el programa del NDT. Foto: Rahi Rezvani. Gentileza JFKC.

Herman Cornejo (ctro), Misty Copeland (izq.) y David Hallberg (der.), en “I Feel the Earth Move”, de Benjamin Millepied. Foto: Rosalie O’Connor. Gentileza JFKC.

El American Ballet Theatre (ABT) regresó al Kennedy Center de Washington DC con dos programas diferentes. El 30 y 31 de enero, la compañía dirigida por Kevin McKenzie, llegó al escenario del Opera House con un programa mixto integrado por obras de Alexei Ratmansky (coreógrafo en residencia), Jerome Robbins, Benjamin Millepied y Christopher Wheeldon. Del 1 al 4 de febrero, el ABT trajo un divertimento fresco, bello y atractivo: “Whipped Cream”, una recreación de “Schlagobers”, obra estrenada en Viena en 1924 con coreografía de Henrich Kröller. Esta pieza de Ratmansky, tuvo su premier en 2017, en Costa Mesa, California, con Daniil Simkin, Stella abrera, David Hallberg y Sarah Lane en los protagónicos.

La primera noche del ABT en DC abrió con “Serenade after Plato’s Symposium”, de Ratmansky. Una obra que intenta deshilar una dialéctica tan particular como la planteada por Platón en “El banquete”, donde los diálogos se enriquecen y juegan una constante pulseada con las ideas. Aquí, Ratmansky logra ese mismo ir y venir de las reflexiones de los comensales propuestos por el filósofo griego, hasta que finalmente llega el turno de Sócrates para llegar a la síntesis inevitable. Jeffery Cirio (con una brillante interpretación), Alexandre Hammoudi, Blaine Hoven, Calvin Royal (un bailarín interesante cuya danza impacta y atrae), Gabe Stone Shayer, Daniil Simkin yJames Whiteside, dialogan sobre el amor, la belleza, la verdad, hasta que en el final, aparece la encarnación perfecta de la belleza del amor a través de DevonTeuscher.

“Other Dances”, de Robbins, estrenada en 1976 por Natalia Makarova y Mikhail Baryshnikov, con música de Frederic Chopin, es uno de los más bellos pas de deux del repertorio neoclásico. Interpretada con corrección por Isabella Boylston y Cory Stearns, esta pieza careció de la pasión e intensidad que la hacen sublime desde todo punto de vista.

Para el final del programa mixto el ABT presentó “Thirteen Diversions”, de Christopher Wheeldon, con música de Benjamin Britten. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC.

Con el escenario desnudo, el esqueleto de las torres de luz, las patas de las bambalinas y las paredes del fondo se convierten en parte de una escenografía donde bailarines y técnicos caminan por esos espacios de luces y sombras. “I Feel the Earth Move”, de Millepied, incorpora  palabras en la música y música en las palabras a través de una partitura del inefable e incomparable Philip Glass. Mientras, los bailarines van desplegando movimientos que combinan contact, con neoclásico y contemporáneo, carreras, saltos, giros, a través de una sucesión de tríos, dúos, cuartetos y escenas de conjunto. No obstante, la obra parece vacía, con bailarines, también vacíos, sin nada que decir. Sólo esa magia natural de Herman Cornejo despierta el interés por ver, al fin, danza de verdad. Su presencia en escena, sus saltos, sus giros, ponen a la audiencia frente a uno de los grandes bailarines de este siglo, capaz de recomponer una obra que se desvanece.

Para el final de este primer programa: “Thirteen Diversions”, de Wheeldon, con música de Benjamin Britten. La obra reúne cuatro parejas de bailarines, con un criterio minimalista y dinámico, que muestra una sólida estructura coreográfica que permite ver un cuerpo de baile atractivo y enérgico.

Un cuento de golosinas

Con música de Richard Strauss, “Whipped Cream”, de Alexei Ratmansky, estrenada por el ABT en 2017, es un ballet para los más pequeños. Foto: Gene Schiavone. Gentileza JFKC

“Whipped Cream”, un “dulce” divertimento creado por Ratmansky especialmente para los niños, no deja de encantar también a los adultos por su frescura, sus toques de humor y por los bellos diseños de vestuario y escenografía de Mark Ryden, y la iluminación de Brad Fields. A eso se suma la incorporación de muñecos encarnados por bailarines. Todo es gigante en esta puesta, menos la danza.

Con música y libreto de Richard Strauss, la propuesta coreográfica es simple, directa, pero no tan deslumbrante como los trajes y el despliegue escénico. Desde arqueros de mazapán a un príncipe café, una princesa de praliné y pequeñas cup cakes (interpretadas por graciosos y encantadores niños), a los que se suman una princesa de flor de té, un príncipe cacao, y copos de crema. Más personajes se integran como parte de esta tienda de repleta de golosinas que forman este enorme mundo de los dulces.

Pero la obra se queda sólo en ese gigantesco despliegue escénico, con buenos bailarines, una coreografía simple, y un argumento, también simple. Un niño que llega a una tienda de golosinas, come todo lo que puede, y termina en el hospital con una indigestión. En la segunda parte, llega el aspecto sombrío de la historia: el hospital, un médico alcohólico, enfermeras siniestras que le apuntan con enormes jeringas, y un escape inevitable. Otra vez, al mundo de los dulces. Solo eso.

L.A. Dance Project, llevó a escena “Hearts & Arrows”, de Benjamin Millepied, con música de Philip Glass. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.,

El programa seleccionado por Justin Peck, que subió al Opera House del Kennedy Center el sábado 22 y el domingo 23, se acercó más a las características de ciclos anteriores de Ballet Across America. Aquí compartieron escenario compañías como Joffrey Ballet, L.A. Dance Project, Kyle Abraham-Abraham.In.Motion, y los bailarines del Miami City Ballet, Patricia Delgado y Jovani Furlan.

El mismo cortometraje de Ezra Hurwitz, “Now More than Ever”, también formó parte de la “carta de presentación” de este ciclo. Luego, la compañía fundada por Benjamin Millepied, L.A. Dance Project, llevó a escena “Hearts & Arrows”, una obra que se estrenó en 2014, en Miami, Florida, y que utiliza música de Philip Glass, “String Quartet Nº 3”.

La pieza, que tiene fuertes reminiscencias a Jerome Robbins, recurre a una estética minimalista, con un escenario desnudo y ocho bailarines vestidos en blanco y negro. En las seis secciones en las que se divide la estructura coreográfica, los excelentes bailarines de la troupe hacen una demostración de ajustado estado atlético. Sin embargo, la música de Glass adquiere mayor protagonismo que la danza. El lenguaje, absolutamente contemporáneo, está despojado de toda emoción.

“Year of the Rabbit”, de Justin Peck, por Patricia Delgado y Jovani Furlan, bailarines principales del Miami City Ballet. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.

ero fue precisamente en “Year of the Rabbit”, de Justin Peck, donde la emoción llegó de una manera casi sublime en el pas de deux interpretado magníficamente por Patricia Delgado y Jovani Furlan, bailarines principales del Miami City Ballet. Una obra breve, con poses sostenidas, equilibrios, y un delicado trabajo de pareja, cautivó con el encanto de lo simple. Bello duetto, realizado en 2012 por el joven coreógrafo, también curador de este segmento de Ballet Across America.

De Christopher Wheeldon, el Joffrey Ballet trajo una obra de 2007 estrenada en el Sadler´s Wells Theatre de Londres, “Fool’s Paradise”, con música de Joby Talbot. Una obra neoclásica, misteriosa, sugerente, con bailarines impecables. La iluminación de Penny Jacobus y la puesta en escena de Jason Fowler, en la que una lluvia de pétalos dorados semejan el ideal intelectual del Olimpo, ponen a esta realización un toque particular y único.

Kyle Abraham/Abraham.In.Motion hizo su debut en el Kennedy Center con “The Gettin”, una obra que evoca la lucha por los derechos civiles. Foto: Teresa Wood. Gentileza JFKC.,

Con un contenido de fuerte impronta social Kyle Abraham/Abraham.In.Motion hizo su debut en el Kennedy Center con “The Gettin”, una obra creada entre 2012 y 2014 que evoca la lucha por los derechos civiles en la que el mismo presidente Kennedy estuvo involucrado durante su mandato. La música en vivo de Robert Glasper y Max Roach, trajo magníficos intérpretes, quienes formaron parte de esta propuesta escénico-coreográfica que rescata el lenguaje popular y callejero.

Desde códigos contemporáneos Kyle Abraham vuelca elementos de las danzas tribales africanas. Una serie de dúos, tríos y escenas de conjunto van delineando una historia contada a través de un valioso material audiovisual en blanco y negro que describe momentos críticos en la lucha por la discriminación racial. Una obra interesante, fuerte, con bailarines que estallan de energía.

Danish Dance Theatre subió al escenario del Eisenhower Theater del Kennedy Center con “Black Diamond”. Foto: Costin Radu. Gentileza JFKC.

Diferente y misterioso, el diamante negro tiene también su significado esotérico y transita entre la maldición y la codicia como emblema de la buena suerte. Su color puede variar desde el negro más oscuro a los grises ahumados, y su dureza es casi incomparable. Tim Rushton, director artístico de Danish Dance Theatre (DDT), encontró en esta piedra preciosa el camino para describir facetas pensadas e impensadas del movimiento y de las sutilezas humanas a través de una propuesta de danza moderna que oscila entre lo tradicional y lo vanguardista.

La compañía, con sede en Copenhague, Dinamarca, llevó al Kennedy Center de Washington, DC, “Black Diamond”, una obra de larga duración, en dos actos, dividida en 13 estadios o secuencias entrelazadas unas con otras. Con algo de ritual, sacrificio y entrega, esta realización formó parte del Nordic Cool Festival.

Creada en 2014, “Black Diamond”, ha recorrido diversos escenarios de Europa y Asia. La pieza navega por estas facetas impensadas y angulosas del “diamante” y se sumerge en un leguaje abstracto que, al mismo tiempo, insinúa un extraño pacto fetichista. Apoyada en la iluminación de Jacob Bjerregaard, y en un diseño de vestuario, de Charlotte Ostergaard, decididamente nórdico, la obra solo cuenta con un telón de fondo que expresa la superficie facetada de los diamantes que cambia de colores dentro de las gamas del negro y el gris.

“Black Diamond”, de Tim Rushton, se estrenó en 2014 y luego inició una gira por Europa. Foto: Soeren Herlman. Gentileza JFKC.

Por momentos, los bailarines, con sus caras tapadas, cual monjes despiadados, condenan y son condenados, mientras se suceden escenas de conjunto que se entremezclan con elementos de contact, danza-teatro y contemporánea. Pas de deux, pas de trois, se entrelazan con la música instrumental y techno, para culminar con el “Violin Concerto N° 2″ de Philip Glass, en una propuesta absolutamente minimalista en la que, quizás la mujer elegida o sacrificada, queda completamente desnuda en la escena mientras baja el telón.

En el segundo acto, un dúo de bailarines con el rostro cubierto se convierte en el elemento de algún “demiurgo” terrenal que los mueve como marionetas rebeldes. Y en esta sucesión de secuencias engarzadas, los bailarines hacen un despliegue de alto nivel técnico, pero al mismo tiempo, logran interpretar la intención del coreógrafo como finos instrumentos del movimiento.

Interesante propuesta en la que el espectador puede encontrar la libertad de interpretar los códigos y símbolos desde un punto de vista absolutamente subjetivo y personal. No obstante, entre lo sórdido y lo brillante, este “Black Diamond” hace una apuesta a la belleza y finalmente, recupera la condición humana en su entera desnudez.

Charlotte Ostergaard realizó para el Danish Dance Theatre un vestuario sugerente que osciló entre los negros y los grises. Foto: Soren Meisnerchica. GentilezaJFKC.

El Taller de Danza de la Universidad Europea de Madrid presentará “Mínimos” en dos teatros de Madrid. Foto gentileza de TdeDdeUEM.

El Taller de Danza de la Universidad Europea de Madrid, con el patrocinio de Santander Universidades, presentará “Mínimos”, los días 5 de junio (Teatro Jacinto Benavente de Galapagar) y 9 de junio (Teatro del Arte, de Lavapies, en Madrid).

Esta experiencia de danza minimalista es un homenaje a los coreógrafos más relevantes de este particular estilo de danza, surgido dentro de las vanguardias de los años ’60 y ’80. En esta línea se inscriben creadores como las norteamericanas Lucinda Childs, artista minimalista por excelencia, y Trisha Brown. Y también, el director escénico Bob Wilson, la coreógrafa belga Anne Teresa de Keersmaeker, directora de la compañía Rosas, y la creadora catalana Ángels Margarit, de la compañía Mudances de Barcelona, que en sus inicios firmó obras de carácter minimalista mercadas fuertemente por lo mediterráneo.

Armado como un laboratorio de investigación y creación, la experiencia de los estudiantes de la UEM arrancó en septiembre del año pasado inicialmente a partir del análisis teórico y conceptual del minimalismo, sus coreografías y sus hacedores. Posteriormente, trajeron propuestas coreográficas directamente inspiradas en la estética, preceptos y lineamientos de cada uno de estos maestros de la vanguardia.

De esta forma terminaron por conformar un espectáculo-homenaje que toma la estética de Bob Wilson y en el que se encadenan imágenes, segmentos y pasajes de creación colectiva en el que se podrán identificar, entre otros, el rigor de Childs, el complejo encadenado de las acumulaciones de Brown. Y al mismo tiempo, una versión propia de “Rosas Danst Rosas”, coreografía emblemática de Keersmaeker, o la hipnótica belleza giratoria de los primeros trabajos de Margarit.

Cada una de estas secuencias de “Mínimos”, se suceden bajo las melodías repetitivas de las partituras de los más destacados representantes del minimalismo musical como Philip Glass, Michael Nyman o Steve Reich.

“Mínimos” tendrá su estreno en el Teatro Jacinto Benavente de Galapagar, y compartirá programa con la propuesta “¿Me regalas un movimiento?”, proyecto que Beatriz Palenzuela y Rafael de La Lastra, de la compañía madrileña Babirusa Danza.

Adicionalmente, se verá “Istmos”, una propuesta de los estudiantes, sobre el surrealismo, el cubismo y el expresionismo.

Además, el martes 9 de junio, “Mínimos” se presenta en el Teatro del Arte en dos funciones. Todas las representaciones tienen entrada libre hasta completar el aforo.

Informes:

Viernes 5 de junio, a las 19 hs.
Teatro Jacinto Benavente de Galapagar
Guadarrama, 66, de Galapagar

Programa:

“Mínimos”
“¿Me regalas un movimiento?”, de Beatriz Palenzuela y Rafael de La Lastra.
“Itsmos”, creación colectiva.

Martes 9 de junio, a las 20 hs. y a las 22 hs.
Teatro del Arte (calle San Cosme y San Damián 3, de Lavapies)

“Mínimos”
Entrada libre.

El Dance Theatre of Harlem presentó “Return”(1999), de Robert Garland en el final del ciclo Ballet Across America III. Foto: Joseph Rodman. gentileza JFKC.

Casi como una reminiscencia imperial, enormes arañas de techo iluminan la escena, mientras ellas, las bailarinas, con tiaras y tutus marcan un estilo que se funde entre lo moderno y lo tradicional. Carmesí, cobalto, violeta, verde agua y cobre despliegan sus encantos y su seducción a través del vestuario de las parejas de bailarines de North Carolina Dance Theatre, dirigidos por Jean-Pierre Bonnefous.

“Rhapsodic Dances”, del coreógrafo Sasha Janes por North Carolina Dance Theatre. Foto: Jeff Cravotta. Gentileza JFKC.

El Programa C de Ballet Across America III, que cerró su ciclo el domingo 9 en el Kennedy Center de DC, trajo a esta compañía con “Rhapsodic Dances”, del coreógrafo Sasha Janes. Una obra vibrante, ágil, clara y bien estructurada, que funde técnica de ballet clásico y neoclásico, con ciertos toques contemporáneos.

Una sucesión de movimientos casi atléticos, bailarinas sostenidas en el aire por sus partenaires y un ritmo eléctrico y sostenido, se amalgaman con la intensidad musical de “Rhapsody on a Theme of Paganini”, de Sergei Rachmaninoff. Interpretada magníficamente al piano por Arkadiy Figlin junto a la Kennedy Center Opera House Orchestra, dirigida por Grant Cooper, la partitura permitió ver a una compañía consistente con bailarines de buena técnica y entrenamiento.

La segunda parte convocó al Ballet Austin con “Hush”, una obra de 2005 creada por su director artístico, Stephen Mills sobre “Tirol Concerto” de Philip Glass. Ante el minimalismo musical, que en su momento fue transgresor, la obra tuvo un toque más convencional. Sin embargo, la compañía logró cautivar con su danza y musicalidad. Consustanciados con la propuesta coreográfica los bailarines hicieron un excelente trabajo para no caer en la monotonía de la obra.

Ballet Austin interpretó “Hush”, obra creada por Stephen Mills sobre “Tirol Concerto” de Philip Glass. Foto: Tony Spielberg. Gentileza de JFKC.

Para llegar a un final inolvidable: el Dance Theatre of Harlem presentó “Return”(1999), de Robert Garland. La obra permitió ver a una compañía capaz de renacer como el Ave Fenix, con bailarines plenos de energía y convicción y con una maleabilidad asombrosa para combinar técnica neoclásica con elementos de jazz-dance y danza callejera.

Con dirección de Virginia Johnson, la compañía fundada por el inolvidable Arthur Mitchell y Karel Shook en 1969, reafirmó su estilo y habitual dinamismo y convicción. Ahora, reducida de 44 a 18 integrantes, no ha perdido un ápice de su antiguo nivel. Luego de nueve años de receso debido a problemas económicos que terminaron en una deuda de más de dos millones de dólares, la DTH se presenta con nueva energía. Otra razón para que el final sea inolvidable.

La obra reafirma el espíritu inicial que Mitchell pautó. Y deja lucir a sus bailarines en todo su esplendor en una sucesión de temas que van desde canciones de James Brown hasta Aretha Franklin. Colorida, intensa y arrolladora, tal como parece ser esta nueva troupe que volvió a escena con la batalla ganada.